Sonntag, 22. Oktober 2017

Eloy – The Vision, The Sword And The Pyre - Part 1




Eloy – The Vision, The Sword And The Pyre - Part 1


Besetzung:


Frank Bornemann – lead and backing vocals, all guitars and some additional keyboards
Klaus Peter Matziol – bass
Hannes Folberth – keyboards
Michael Gerlach – keyboards
Kristof Hinz – drums and percussion


Gastmusiker:

Alice Merton – spoken parts as Jeanne on 5,6 & 8
Alexandra Seubert – backing vocals on 3,9 & 11
Jessy Martens – vocals as Jeanne on 13
Anke Renner – Backing vocals on 3, 5, 6 & 11
Isgaard – vocals on 9
Lisa Laage-Smidt – backing vocals on 6
Kim Hutchinson – spoken part as Jeanne's Mother Isabelle on 2
Kai Ritter – spoken parts as Jeanne's Father on 2 & 4
Simon Moskon – backing vocals on 3,8 & 9
Sven-Arne Zinnke – backing vocals on 5
Jens Lueck – keyboards on 1 & 5
The Children's Choir of the Marktkirche Hannover on 9
Peter Becket – Army Choir on 10
Tom Jackson – Army Choir on 10
Volker Kuinke – recorders and flutes on 3, 6, 8 & 10
Eric Pulverich – vocals on 8
Leon Kaack – vocals on 8
Bick Buttchereit – vocals on 8
Steve Mann – spoken parts as Dauphin Charles on 8
Christoph Van Hal – strings on 1 & 10
Artur Kühfuss – keyboards on 5 & 8
Niklas Fischer – keyboards on 3 & 8
Johannes Berger – bass viol on 9
Julian Göke – bass voice on 1


Label: Artist Station Records


Erscheinungsdatum: 2017


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. The Age Of The Hundred Years' War (4:16)
2. Domremy On The 6th Of January 1412 (1:47)
3. Early Signs...From A Longed For Miracle (4:12)
4. Autumn 1428 At Home (0:55)
5. The Call (5:51)
6. Vaucouleurs (4:34)
7. The Ride By Night...Towards The Predestined Fate (3:29)
8. Chinon (9:45)
9. The Prophecy (4:39)
10. The Sword (5:53)
11. Orléans (4:25)
12. Les Tourelles (7:22)
13. Why? (5:10)

Gesamtspieldauer: 1:02:24



Totgesagte leben länger. Viel länger sogar. Als im Jahr 2009 mit der Platte „Visionary“ nach elf Jahren das siebzehnte Studioalbum von Eloy veröffentlicht wurde, da war irgendwie klar, dass dieses nun auch das letzte Album der Band um Frank Bornemann gewesen sein muss. Doch weit gefehlt, denn im Jahr 2017 gibt es nun auch noch das achtzehnte Album von Eloy mit dem Titel „The Vision, The Sword And The Pyre - Part 1“. Erschienen ist die Scheibe im August dieses Jahres auf dem Plattenlabel Artist Station Records. Nun und der kleine Zusatz „Part 1“ deutet bereits darauf hin, dass es dies immer noch nicht gewesen sein muss. Mit dem Album soll die Geschichte der Jeanne d’Arc erzählt werden, welche also mit dem zweiten Teil ihren Abschluss finden soll.

Hört man sich in „The Vision, The Sword And The Pyre - Part 1“ hinein, wird man angenehm überrascht. Eloy klingen auf dieser Platte so, wie sie bereits in den 70er Jahren zu ihrer schöpferischen Hochzeit klangen. Wunderschöne Melodien, abwechslungsreiche und vielschichtige Lieder, gesprochener Text neben gesungenen Zeilen. Dazu natürlich auch jede Menge Bombast und Pathos, den man mögen muss, um Eloy schätzen zu können. All das gab es schon mal vor vierzig Jahren und trotzdem erschafft Frank Bornemann hier mit seiner Band keine Kopie der Alben „Power And The Passion“, „Dawn“ oder „Ocean“. Vielmehr ist „The Vision, The Sword And The Pyre - Part 1“ eine Ausweitung beziehungsweise Weiterentwicklung der früheren Musik. Leichte mittelalterliche musikalische Anspielungen haben Einzug gefunden in die Musik der Band, ohne dabei zu sehr präsent zu wirken. Auf diese Art und Weise eingesetzt erweitern sie das Spektrum der Musik von Eloy.

Die Lieder der Platte gehen allesamt ins Ohr und sind spannend. Es macht einfach Spaß hier zuzuhören und nichts ist bei den ersten Malen des Zuhörens vorhersehbar. Schnell wird die Musik mit jedem weiteren Durchlauf zu einem guten alten Bekannten, den man schon jahrelang zu kennen scheint. Trotzdem klingt es auch dann noch nicht langweilig, sondern bleibt weiterhin überzeugend und interessant. Alle diejenigen Hörerinnen und Hörer, die früher schon nichts mit dieser Band anfangen konnten, werden sich bestätigt fühlen – wohingegen Fans der ersten Tage „The Vision, The Sword And The Pyre - Part 1“ feiern werden. Die Zeit scheint stillzustehen. Doch nicht ganz, denn etwas hat sich definitiv in der Musik von Eloy verändert. Es ist die Aussprache des Frank Bornemann, dessen Englisch deutlich besser geworden ist und somit sein Gesang nicht mehr von der schönen Musik ablenkt, sondern diese ergänzt. Interessant auch das letzte Lied des Albums. Hier hat Frank Bornemann offensichtlich seiner Liebe zu Pink Floyd ein Denkmal gesetzt. Bei diesem Stück stand aber 2:30 eindeutig Pink Floyds „A Great Gig In The Sky“ Pate. Macht nichts, denn es klingt auch in dieser Version von Eloy überzeugend.

Fazit: „The Vision, The Sword And The Pyre - Part 1“ ist ein sehr gelungenes Comeback von Eloy geworden und man darf sich bereits jetzt auf „Part 2“ freuen. Alle Zutaten, die die Musik von Eloy in der Mitte der 70er Jahre beinhaltete sind auch auf diesem achtzehnten Studioalbum wieder enthalten. Das wird alle Fans der frühen Jahre der Band freuen, den anderen wird es egal sein. So klingt Progresse Rock auch, der viele Jahrzehnte nach seiner Blütezeit soundtechnisch in die Gegenwart versetzt wurde. Elf Punkte.

Anspieltipps: The Sword, Why?



Samstag, 21. Oktober 2017

You Me At Six – Hold Me Down




You Me At Six – Hold Me Down


Besetzung:

Josh Franceschi – vocals
Max Helyer – rhythm guitar
Chris Miller – lead guitar
Matt Barnes – bass guitar
Dan Flint – drums, percussion


Gastmusiker:

Sean Smith – guest vocals (The Consequence)
Aled Phillips – guest vocals (There's No Such Thing As Accidental Infidelity)


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 2010


Stil: Rock


Trackliste:

1. The Consequence (4:26)
2. Underdog (2:23)
3. Playing The Blame Game (3:05)
4. Stay With Me (3:15)
5. Safer To Hate Her (3:18)
6. Take Your Breath Away (3:03)
7. Liquid Confidence (3:11)
8. Hard To Swallow (3:24)
9. Contagious Chemistry (3:29)
10. There's No Such Thing As Accidental Infidelity (3:46)
11. Trophy Eyes (2:50)
12. Fireworks (4:20)

Gesamtspieldauer: 40:36



„Hold Me Down” heißt das zweite Studioalbum der englischen Rockband You Me At Six. Das Album erschien am 11. Januar 2010 auf dem Plattenlabel Virgin Records. Damit war „Hold Me Down” die erste Veröffentlichung von You Me At Six auf einem sogenannten „Major Label” und war für die Band durchaus ein Erfolg. Die Platte kletterte bis auf Patz 5 der UK Charts und wurde dort nach dem Verkauf von über 100.000 Kopien auch mit Gold ausgezeichnet.

Auf „Hold Me Down” hört man „jungen“ Rock von einer noch jungen Band mit jungen Musikern. Das bedeutet, eine Band probiert sich aus und setzt auf Altbewährtes. Ob dies nun die Vorgabe der Plattenfirma war oder ein inneres Anliegen der Musiker, das sei mal so dahingestellt. Man hört auf „Hold Me Down” eine Ansammlung von Rock-Pop-Titeln, die alle durchaus nett anzuhören sind, dabei auch ins Ohr gehen. Allerdings klingt das alles nicht nur schon irgendwie von anderen Bands bekannt, sondern auch die zwölf Titel des Albums selbst scheinen sich irgendwie zu ähneln. Jeder Ton, jeder Rhythmus, jede Melodie wirkt sehr glattgeschliffen, auf Eingängigkeit für ein junges Publikum getrimmt, ohne jegliche Ecken und Kanten. You Me At Six schaffen es auf diesem Album tatsächlich den Hörerinnen und Hörern absolut nichts Neues, nichts Eigenes zu präsentieren. Die Platte rauscht durch, dass dabei ein wenig Langeweile aufkommt, dürfte an dieser Stelle nicht weiter überraschen.

Höhepunkte auf „Hold Me Down” zu benennen fällt einigermaßen schwer, da die Scheibe mit all ihren zwölf Liedern beliebig ähnlich klingt. Dass bedeutet noch nicht einmal, dass es sich bei der Musik von You Me At Six um schlechte Musik handelt, jedoch ist diese austauschbar, hinterlässt keine Spuren. Um doch einen Titel zu erwähnen, sei an dieser Stelle die Nummer „Playing The Blame Game“ genannt. Eingängig und zumindest ein wenig abwechslungsreicher aufgebaut, als viele der anderen Stücke des Albums. Im Grunde genommen hätte ich an dieser Stelle allerdings auch jedes andere Lied nennen können. Ins Ohr geht das alles, wird jedoch auch schnell wieder vergessen, da es leider einfach langweilig klingt.

Fazit: Wer auf eingängige Rock-Musik steht, die oder der dürfte auf „Hold Me Down” von You Me At Six durchaus etwas für sich finden – jede Menge sogar. Wer jedoch Wert auf etwas anspruchsvollere Musik legt, keine Kopie von längst Dagewesenem möchte, den wird das Album langweilen. „Hold Me Down” von You Me At Six ist solch ein Album, von dem man denkt „ganz nett“. Gleichzeitig ist man sich bewusst, dass man es besitzt, legt es jedoch nicht auf, weil es jede Menge andere Musik gibt, die deutlich besser zu begeistern versteht. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Playing The Blame Game



Freitag, 20. Oktober 2017

Mike Oldfield – Tres Lunas




Mike Oldfield – Tres Lunas


Besetzung:

Mike Oldfield – all instruments


Gastmusiker:

Sally Oldfield – vocals
Amar – vocals
Jude Sim – vocals
Philip Lewis – percussion programming
Thomas Suessmair – percussion programming


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 2002


Stil: Ambient


Trackliste:

1. Misty (3:59)
2. No Mans Land (6:08)
3. Return To The Origin (4:38)
4. Landfall (2:19)
5. Viper (4:32)
6. Turtle Island (3:40)
7. To Be Free (4:21)
8. Fire Fly (3:46)
9. Trés Lunas (4:35)
10. Daydream (2:15)
11. Thou Art In Heaven (5:22)
12. Sirius (5:47)
13. No Mans Land (Reprise) (2:56)
14. To Be Free (Radio Edit) (3:56)

Gesamtspieldauer: 58:20




Mike Oldfield hatte einen „Lauf“. War bereits das Vorgänger-Album mit dem Namen „The Millennium Bell” grottenschlecht geworden, so passt sich sein einundzwanzigstes Studio-Album perfekt daran an und demonstriert perfekt die kreative Durststrecke des Engländers. „Tres Lunas“ heißt dieses neue Album und erschien im Jahr 2002 auf dem Label Warner Music. Zu hören gibt es dieses Mal jede Menge seichte Ambient Musik.

Wie beim Vorgänger-Album, so hört man auch auf „Tres Lunas“ eine nervige Drum Machine, dieses Mal gepaart mit absolut belanglosen und kurzen Musikstückchen. Diese klingen noch nicht einmal so, dass man sofort den Raum verlassen müsste, wenn sie erklingen und ertönen. Jedoch hört sich das alles wie flache Fahrstuhlmusik an. Kaufhaushintergrundmusik würde auch perfekt passen. Somit wäre die Umschreibung „grottenschlecht“ definitiv das falsche Adjektiv für das Gehörte. „Tres Lumas“ ist einfach unfassbar belanglos und langweilig. Es gibt darauf noch nicht einmal etwas zu hören, was so ein klitzekleines bisschen ins Ohr geht. Nur noch sehr seichtes Gedudel, ohne auch nur den geringsten Ansatz zu beinhalten, zumindest etwas interessant zu klingen.

Fazit: Mike Oldfield hat mit „Tres Lunas“ ein Album veröffentlicht, was es auf 58 Minuten schafft, nur noch langweiliges und belangloses Gesäusel über die Hörerinnen und Hörer auszuschütten. Es ist dabei noch nicht einmal so, dass man sich die Ohren zuhalten müsste, jedoch kommt diese Musik nicht über den Status „äußerst unauffällige Hintergrundmusik“ hinaus. Und dies alles bekommen wir von einem Musiker geboten, der zuvor solch Werke wie „Tubular Bells“, „Ommadawn“ oder „Incantations“ erschaffen hat. Einfach nur noch traurig. Einen Punkt.

Anspieltipps: Alles



Donnerstag, 19. Oktober 2017

Blondie – Parallel Lines




Blondie – Parallel Lines


Besetzung:

Deborah Harry – vocals
Chris Stein – guitar, 12-string guitar, e-bow
Clem Burke – drums
Jimmy Destri – electronic keyboards
Nigel Harrison – bass guitar
Frank Infante – guitar


Gastmusiker:

Robert Fripp – guitar (Fade Away And Radiate)


Label: Chrysalis


Erscheinungsdatum: 1978


Stil: Rock, Pop, New Wave


Trackliste:

1. Hanging On The Telephone (2:22)
2. One Way Or Another (3:35)
3. Picture This (2:56)
4. Fade Away And Radiate (4:02)
5. Pretty Baby (3:18)
6. I Know But I Don't Know (3:56)
7. 11:59 (3:20)
8. Will Anything Happen? (3:00)
9. Sunday Girl (3:05)
10. Heart Of Glass (5:50)
11. I'm Gonna Love You Too (2:06)
12. Just Go Away (3:33)


Bonus Tracks der remasterten Wiederveröffentlichung:

13. Once I Had A Love (1978 Version) (3:18)
14. Bang A Gong (Get It On) (Live) (Recorded live 11/04/78 at The Paradise in Boston, MA) (5:30)
15. I Know But I Don't Know (Live) (Recorded live 11/06/78 at the Walnut Theatre in Philadelphia, PA) (4:35)
16. Hanging On The Telephone (Live) (Recorded live 1980 in Dallas, TX) (2:22)

Gesamtspieldauer: 45:35




„Parallel Lines” nannte die US-amerikanische Rockband Blondie ihr drittes Studioalbum. Veröffentlicht wurde die Scheibe im September des Jahres 1978, nachdem im Februar desselben Jahres bereits das zweite Album „Plastic Letters“ erschienen war. Beide Alben wurden auf dem Plattenlabel Chrysalis Records veröffentlicht und vor allen Dingen „Parallel Lines” wurde ein großer internationaler Erfolg und stellte den endgültigen Karrieredurchbruch von Blondie dar. Im Vereinigten Königreich kletterte das Album bis an die Spitze der Charts, in den USA erreichte es immerhin Platz 6 und verkaufte sich weltweit millionenfach. Ein Erfolgsfaktor war dabei sicherlich auch die Hit-Single „Heart Of Glass“, die in England, den USA, Deutschland und noch vielen weiteren Ländern auf Platz 1 der Charts zu finden war.

Auf „Parallel Lines” hört man eine Mixtur aus Pop- und Rock-Liedern, die mit einer Prise New Wave versehen wurden. Die einzelnen Stücke gehen dabei alle sehr gut ins Ohr und bewegen sich zumeist im Mid-Tempo. Zum Teil sind die Titel dabei durchaus tanzbar, was ihren Einsatz in den damaligen Diskotheken förderte und somit auch zum Erfolg der ganzen Platte beitrug. Bekanntestes Lied ist sicherlich der größte Verkaufserfolg der Band, die Singleauskopplung „Heart Of Glass“. Doch auch die Single „Sunday Girl“ konnte sich in manchen Charts bis an die Spitze hocharbeiten. Neben diesen beiden Titeln ist es vor allen Dingen das Lied „Fade Away And Radiate“, bei dem Robert Fripp an der Gitarre zu hören ist, welches am meisten überzeugt. Die Nummer möchte irgendwie auch so gar nicht zum Rest auf „Parallel Lines” passen, ist deutlich experimenteller und setzt sich aus harmonischen und weniger melodiösen Teilen zusammen.

Mit der remasterten Fassung des Albums bekommt man als Zugabe noch das Lied „Once I Had A Love (aka The Disco Song)“ mitgeliefert. Eine Nummer aus den Anfängen der Band in einer, im Jahr 1978 eingespielten Version. Dazu gibt es noch drei Live-Titel. „Bang A Gong (Get It On)“ stammt natürlich von T-Rex und die anderen beiden Stücke sind Konzert-Einspielungen zweier auf „Parallel Lines” vorhandener Titel.

Fazit: „Parallel Lines” ist eine kleine Zeitreise, hin zur Rock-Pop-Musik Ende der 70er Jahre. Diese klang im Falle von Blondie sehr eingängig und war absolut radio- wie diskotauglich. Viele relativ kurze Nummern, die schnell ins Ohr gehen, finden sich auf „Parallel Lines”. Wer hier Komplexes oder Kompliziertes erwartet, wird enttäuscht werden. Aber wer sollte das bei einem Blondie-Album schon tun? Unterhaltungs-Rock-Pop in Reinkultur. Acht Punkte.

Anspieltipps: Fade Away And Radiate, Sunday Girl, Heart Of Glass



Mittwoch, 18. Oktober 2017

Fairport Convention – Liege & Lief




Fairport Convention – Liege & Lief


Besetzung:

Sandy Denny – vocals
Dave Swarbrick – fiddle, viola
Richard Thompson – electric & acoustic guitars, backing vocals
Simon Nicol – electric, 6-string & 12-string acoustic guitars, backing vocals
Ashley Hutchings – bass guitar, backing vocals
Dave Mattacks – drums, percussion


Label: Island Records


Erscheinungsdatum: 1969


Stil: Folk, Pop


Trackliste:

1. Come All Ye (5:03)
2. Reynardine (4:34)
3. Matty Groves (8:09)
4. Farewell, Farewell (2:39)
5. The Deserter (4:24)
6. Medley (4:08)
The Lark In The Morning
Rakish Paddy
Foxhunters' Jig
Toss The Feathers
7. Tam Lin (7:14)
8. Crazy Man Michael (4:46)


Bonus Tracks der CD-Wiederveröffentlichung:

9. Sir Patrick Spens (4:03)
10. Quiet Joys Of Brotherhood (10:16)

Gesamtspieldauer: 55:21



„Liege & Lief“ heißt das vierte Studioalbum der englischen Folk Rock Band Fairport Convention. Es ist bereits das dritte Album, welches die Band im Jahr 1969 veröffentlichte und erschien im Dezember dieses Jahres auf dem Plattenlabel Island Records. Nach dem Einspielen und noch vor seiner Veröffentlichung der Platte verließ die Sängerin Sandy Denny bereits wieder die Band, zu der sie Mitte der 70er Jahre, kurz vor ihrem Tod, nochmals zurückkehren sollte.

Alle Titel auf „Liege & Lief“ basieren auf traditionellen englischen und keltischen Musikstücken, die hier allerdings in veränderten Versionen zu hören sind. Sehr stark an diesen Transformationen beteiligt war Sängerin Sandy Denny, die zwar die Band nach der Fertigstellung verließ, damit jedoch den bis heute vorherrschenden Sound der Band maßgeblich mitgestaltete. Das Album kletterte bis auf Platz 17 der UK Album Charts und hielt sich fünfzehn Wochen in diesen. Die Platte wird häufig als die erste reine britische Folk Platte beschrieben und ebnete den Weg für zahlreiche andere Veröffentlichungen dieses Genres. In einer Zuschauerabstimmung der BBC Radio 2 Folk Awards im Jahr 2006 wurde „Liege & Lief“ zum „einflussreichsten Folk Album aller Zeiten“ gewählt.

Schöne und eingängige Folk Musik hört man auf „Liege & Lief“, die sich häufig deutlich von der Musik desselben Genres westlich des Atlantiks unterscheidet. Dies gilt zwar nicht für das Medley in der Mitte der Platte, bestehend aus vier Stücken. Bei diesem Titel steht die Violine im Vordergrund und es ist auch kein Gesang zu hören. Das Lied könnte so ohne Weiteres auch von einer US-amerikanischen Band eingespielt worden sein, es klingt sehr nach den USA und ist keinesfalls typisch für „Liege & Lief“. Ansonsten stehen die bereits erwähnten harmonischen und eingängigen Folk-Titel im Vordergrund, die von Sandy Denny mit ihrer hellen und schönen Stimme dominiert werden. Sehr viele Stücke gehen schnell ins Ohr, melodiös klingt auf „Liege & Lief“ so gut wie alles.

Fazit: Schönen und eingängigen englischen Folk bekommt man auf „Liege & Lief“ zu hören. Die Lieder klingen sanft und entspannt, nie hektisch oder aufgeregt. Nicht „aufgeregt“ bedeutet allerdings auch, nicht besonders aufregend. Gut anzuhören ist das alles, richtiggehend begeistern kann diese Musik allerdings heutzutage nicht mehr. Trotzdem, „Liege & Lief“ ist eine Platte, die gegen die Hektik des Alltags ankämpft. Musik zum Durchschnaufen und zum entspannten Zuhören. Neun Punkte.

Anspieltipps: Matty Groves, Crazy Man Michael



Dienstag, 17. Oktober 2017

David Gilmour – Live In Gdansk




David Gilmour – Live In Gdansk


Besetzung:


Musicians

David Gilmour – guitars, lead and backing vocals, console steel guitar, acoustic lap steel guitar, alto saxophone on “Red Sky At Night”
Richard Wright – piano, hammond organ, farfisa organ, lead and backing vocals
Jon Carin – keyboards, synthesiser, backing vocals, lap steel guitar, programming
Guy Pratt – bass guitars, backing vocals, double bass, guitar on “Then I Close My Eyes”, glass harmonica on “Shine On You Crazy Diamond”
Phil Manzanera – guitars, backing vocals, glass harmonica on “Shine On You Crazy Diamond”
Dick Parry – tenor and baritone saxophones, electronic organ, glass harmonica on “Shine On You Crazy Diamond”
Steve DiStanislao – drums, percussion, backing vocals
Zbigniew Preisner – conductor
Leszek Możdżer – piano
Polish Baltic Philharmonic Orchestra


Barn Jam Personnel

David Gilmour – guitar, console steel guitar, drums on “192”
Richard Wright – keyboards
Guy Pratt – bass, guitar on “192”
Steve DiStanislao – drums, double bass on “192”


Label: Sony Music


Erscheinungsdatum: 2008


Stil: Rock, Live


Trackliste:

CD1:

1. Speak To Me (1:22)
2. Breathe (2:48)
3. Time (5:37)
4. Breathe (Reprise) (1:31)
5. Castellorizon (3:47)
6. On An Island (7:26)
7. The Blue (6:38)
8. Red Sky At Night (3:02)
9. This Heaven (4:32)
10. Then I Close My Eyes (7:41)
11. Smile (4:25)
12. Take A Breath (6:47)
13. A Pocketful Of Stones (5:40)
14. Where We Start (8:01)

Gesamtspieldauer: 1:09:25


CD2:

1. Shine On You Crazy Diamond (12:06)
2. Astronomy Domine (5:02)
3. Fat Old Sun (6:39)
4. High Hopes (9:57)
5. Echoes (25:25)
6. Wish You Were Here (5:15)
7. A Great Day For Freedom (5:56)
8. Comfortably Numb (9:22)

Gesamtspieldauer: 1:19:45


DVD1:

Das Danzig Konzert:

1. Castellorizon
2. On An Island
3. The Blue
4. Red Sky At Night
5. This Heaven
6. Then I Close My Eyes
7. Smile
8. Take A Breath
9. A Pocketful Of Stones
10. Where We Start
11. Astronomy Domine
12. High Hopes
13. Echoes
14. A Great Day For Freedom
15. Comfortably Numb
16. Wot's... Uh The Deal? (Nicht aufgeführt im Booklet, wird während des Abspanns gespielt)

Gesamtspieldauer: 2:00:36

Gdańsk Diary - Dokumentation (37:34)


DVD2:

The Mermaid Theatre, London, March 2006

1. Shine On You Crazy Diamond (10:57)
2. Wearing The Inside Out (8:09)
3. Comfortably Numb (7:20)

The AOL Sessions, New York, April 2006

1. On An Island (6:48)
2. High Hopes (9:10)

Live from Abbey Road, London, August 2006

1. The Blue (6:27)
2. Take A Breath (6:20)
3. Echoes (Acoustic) (6:51)

Barn Jams, Sussex, England, January 2007

1. Barn Jam 166 (4:49)
2. Barn Jam 192 (2:49)
3. Barn Jam 121 (7:32)

Gesamtspieldauer der vier Konzerte / Sessions: 1:17:07


5.1 Surround Sound Mix des Albums „On An Island“ (nur Audio)

1. Castellorizon (3:54)
2. On An Island (6:47)
3. The Blue (5:27)
4. Take A Breath (5:45)
5. Red Sky At Night (2:53)
6. This Heaven (4:29)
7. Then I Close My Eyes (5:24)
8. Smile (4:04)
9. A Pocketful Of Stones (6:18)
10. Where We Start (6:49)

Gesamtspieldauer: 51:42

Gesamtspieldauer aller CDs und DVDs: 7:16:09




Insgesamt sieben Stunden, sechzehn Minuten und neun Sekunden Musik bekommt man mit dieser Ausgabe von „Live In Gdansk“ von David Gilmour geboten. Auf zwei CDs und zwei DVDs gibt es jede Menge David Gilmour Musik und auch eine gehörige Portion Pink Floyd Musik zu hören. Veröffentlicht wurde das Album am 22. September des Jahres 2008, eine Woche nachdem Richard Wright, der hier ebenfalls eine Hauptrolle spielt, verstorben war. Diese Zusammenstellung enthalt auf den zwei CDs das Danziger Konzert vom 26. August 2006, welches den letzten Auftritt der „On An Island“-Tour wiedergibt. Dieses fand vor 50.000 Zuschauern zu Ehren der Gründung der Gewerkschaft Solidarność statt. Die erste DVD beinhaltet einen zweistündigen Konzertausschnitt in Form eines Videos, jedoch nicht das komplette Konzert. Auf der zweiten DVD gibt es dann noch Live-Video-Ausschnitte anderer Konzerte und Sessions sowie, im 5.1 Surround Sound Mix, das komplette dritte Soloalbum des David Gilmour Album mit dem Titel „On An Island“ zu hören.

Im Zentrum der ersten CD steht das David Gilmour Album „On An Island“. Nur wenige der 50.000 Zuschauer und Zuhörer werden deswegen zu diesem Konzert gekommen sein. Das Konzert startet zwar mit vier Liedern aus dem Pink Floyd Album „The Dark Side Of The Moon“, dann ist jedoch Schluss und es folgt der Schwenk auf dieses David Gilmour Solo-Album, welches so gar nichts mehr mit der Pink Floyd Musik zu tun hat. Die Platte wird hier komplett durchgespielt, klingt auch ganz nett, ist jedoch wahrlich nichts Besonderes mehr. Langsamer Rock mit leichtem Einschlag zum Pop, es gibt heute wahrlich interessantere und vor allen Dingen auch innovativere Musik.

Die zweite CD ist da für den Pink Floyd Fan, aber auch für Musikfreundinnen und -freunde insgesamt deutlich interessanter. Jetzt gibt es Pink Floyd zu hören und auch ältere Stücke haben Aufnahme in die Seltlist gefunden. „Astronomy Domine“, „Fat Old Sun“ und vor allen Dingen „Echoes“ lassen einem das Herz schneller schlagen und ein Gefühl der Wärme macht sich breit. Hier lohnt das Zuhören nun wahrlich. Die Mischung aus älteren und „neueren“ Pink Floyd Stücken stimmt nun ebenfalls und stellt eine Bereicherung der Musik dieser Band dar.

Höhepunkt der Veröffentlichung ist allerdings die erste DVD. Auch hier wird zwar zuerst das komplette Album „On An Island“ erneut vollständig durchgespielt, aber die Version von „Echoes“ in Ton und Bild entschädigt für vieles. In diesen Aufnahmen Rick Wright auch beim Gesang zu sehen und zu hören, lässt jede Menge Melancholie aufkommen. Dazu ist diese Version des Pink Floyd Klassikers eine überaus gelungene. Dass die Musiker von Pink Floyd allerdings nicht die allerbesten Sänger waren, um es mal freundlich zu formulieren, hört man dann an der letzten Nummer „Comfortably Numb“. Auf „The Wall“ hatten sich noch Roger Waters und David Gilmour den Gesang geteilt, hier übernimmt jetzt Rick Wright den Part von Roger Waters. Es klingt zumindest „bemüht“, trotzdem hat man ein Lächeln auf den Lippen, die beiden hier dieses Lied spielen zu sehen. Auf allen Stücken, auf denen Rick Wright auch ursprünglich sang, passt sein Gesang allerdings perfekt.

Die zweite DVD enthält schließlich Ausschnitte aus verschiedenen Konzerten des David Gilmour. Auch hier sind es die Pink Floyd Titel und die Szenen mit Rick Wright, die überzeugen können. Dazu gibt es noch drei Session Lieder aus dem Januar 2007, die in David Gilmours Tonstudio aufgenommen wurden. Eine ganz nette Zugabe. Ebenfalls eine Zugabe stellt dann der 5.1 Surround Sound Mix des Albums „On An Island“ dar. Nur leider ist diese Platte unfassbar langweilig, sodass sich ein häufigeres Abspielen einfach nicht lohnt.

Fazit: „Live In Gdansk“ lebt von den Pink Floyd Liedern und den Bildern mit Rick Wright. Leider ist das Album „On An Island“, in dessen Zusammenhang diese Veröffentlichung entstand, eine sehr langweilige Platte geworden. Trotzdem hat „Live In Gdansk“ etwas, nämlich einen hohen Nostalgie-Faktor, der Melancholie aufkommen lässt und die Sentimentalität befeuert. Aber das war es dann auch schon. Bei über sieben Stunden Laufzeit sind die Höhepunkte einfach zu rar gesät. Neun Punkte.

Anspieltipps: Echoes auf CD und DVD



Montag, 16. Oktober 2017

Jane – Fire, Water, Earth & Air




Jane – Fire, Water, Earth & Air


Besetzung:

Klaus Hess – les paul deluxe, gibson firebird guitar & vocals
Martin Hesse – gibson thunderbird bass & backing vocals
Werner Nadolny – organ, strings, moog synthesizer & piano
Peter Panka – famous ludwig drums & vocals


Label: Brain / Metronome


Erscheinungsdatum: 1976


Stil: Progressive Rock, Krautrock


Trackliste:

1. Fire, Water, Earth & Air / Fire (You Give Me Some Sweet Lovin') / Water (Keep On Rollin') (17:00)
2. Earth (Angel) (5:26)
3. Air (Superman) / Air (Let The Sunshine In) / The End (10:53)

Gesamtspieldauer: 33:20



Während sich die englischen Bands um diese Zeit schon fast vom Progressive Rock verabschiedet hatten, so schien die deutsche Band Jane aus Hannover Mitte der 70er Jahre noch tiefer in dieses musikalische Genre einzusteigen. Auf ihrem fünften Album mit dem Titel „Fire, Water, Earth & Air“ hört man Progressive Rock mit einem Hauch Krautrock, der das Herz des Fans dieser Musik Anfang der 70er Jahre höherschlagen lässt. Veröffentlicht wurde „Fire, Water, Earth & Air“ im Jahr 1976 auf dem Plattenlabel Brain.

Werner Nadolny, der Keyboarder von Jane auf den ersten beiden Platten, war wieder zur Band gestoßen und sein Orgel-, Piano- und Synthesizer-Spiel prägt den Sound auf diesem Album sehr stark. Fett klingt sie, die Orgel, wohingegen Synthesizer-Klangteppiche für die Fülle in den Liedern sorgen. Dazu gesellen sich immer wieder elegische Gitarrensoli und runden das musikalische Bild ab. Die einzelnen Lieder klingen dabei durchaus rockig, sind allerdings weit davon entfernt mit Hard Rock umschrieben werden zu können. Die einzelnen Stücke gehen allesamt sehr gut ins Ohr und wirken bereits nach wenigen Durchläufen wie gute alte Bekannte, die man gerne wiedertrifft.

Dies gilt noch etwas mehr für die ersten beiden Nummern, wobei das erste Lied sich aus mehreren Abschnitten zusammensetzt. „Fire, Water, Earth & Air / Fire (You Give Me Some Sweet Lovin') / Water (Keep On Rollin')“ sowie „Earth (Angel)“ sind überaus eingängige und abwechslungsreiche Lieder, die weder mit verschiedenen Atmosphären, diversen Rhythmen noch schönen Melodien geizen. Vieles daran erinnert durchaus ein wenig an Eloy, ist bei Jane dann aber doch ein klein wenig rockiger geraten. Der dritte Titel des Albums, „Air (Superman) / Air (Let The Sunshine In) / The End“, fällt dabei qualitativ nur unmerklich gegenüber den ersten beiden ab, was zu einem niemals langweilig klingenden und gelungenen Gesamteindruck beiträgt.

Fazit: Wer den progressiven Rock in der deutschen Ausführung mag, die oder der kommt an „Fire, Water, Earth & Air“ schwerlich vorbei. Die Platte ist überaus abwechslungsreich, mit etwas über 33 Minuten Laufzeit allerdings ein wenig kurz geraten. Spaß macht das Hören allerdings trotzdem und man kann mit der Scheibe bestens in das musikalische Progressive Rock Universum aus deutschen Landen einsteigen. Ob man dazu jetzt Krautrock oder Progressive Rock sagt, spielt dabei nur eine untergeordnete Rolle. Lohnt sich. Elf Punkte.

Anspieltipps: Fire, Water, Earth & Air / Fire (You Give Me Some Sweet Lovin') / Water (Keep On Rollin')



Sonntag, 15. Oktober 2017

Brian Eno – Ambient 1 - Music For Airports




Brian Eno – Ambient 1 - Music For Airports


Besetzung:

Brian Eno – synthesizer, electric piano, vocals


Gastmusiker:

Christa Fast – vocals ("2/1", "1/2")
Christine Gomez – vocals ("2/1", "1/2")
Inge Zeininger – vocals ("2/1", "1/2")
Robert Wyatt – acoustic piano ("1/1", "1/2")


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1978


Stil: Ambient


Trackliste:

1. 1/1 (acoustic and electric piano, synthesizer) (17:21)
2. 2/1 (vocals, synthesizer) (8:54)
3. 1/2 (vocals, acoustic piano) (12:07)
4. 2/2 (synthesizer) (9:38)

Gesamtspieldauer: 48:01



„Ambient 1 - Music For Airports” heißt das sechste Studioalbum des gebürtigen Engländers Brian Eno. Erschienen ist das Album ursprünglich im Jahr 1978 auf dem Plattenlabel Polydor. Selten war der Titel eines Albums dabei trefflicher gewählt als bei „Ambient 1 - Music For Airports”. Zumindest gilt das für den Begriff „Ambient“. „Ambient“ steht drauf und nichts anderes bekommt man auf dieser Scheibe zu hören, als ganz sanfte und sehr sphärische Hintergrundmusik.

Hinter den Titeln wird immer gleich die jeweilige Instrumentierung mit angegeben. Und diese ist wahrlich sparsam gewählt und auch der Einsatz der Instrumente wird mitunter fast nur angedeutet. Alles klingt sanft, entrückt, zerbrechlich. Musik zum Entspannen, welche auch keinerlei Melodieführung mehr aufweist. Lieder, welche einfach vor sich hinfließen. Hier geht es nur noch um atmosphärische Stimmungen, nicht mehr um Unterhaltung im eigentlichen Sinne.

Bei den Titeln „2/1“ und „1/2“ werden neben dem Synthesizer und dem Piano auch Vocals in der Instrumentierung mit erwähnt. Hierbei handelt es sich jedoch auch nicht um Gesang im eigentlichen Sinne. Vielmehr sind hier einige „Aaaahs“ zu hören, die zusätzlich noch mit dem Synthesizer bearbeitet wurden, um wohl nicht mehr ganz so menschlich zu klingen und lediglich die entrückte, sphärische Stimmung mit zu unterstützen.

Fazit: Nun, von einem unterhaltsamen Album kann man bei „Ambient 1 - Music For Airports” wahrlich nicht mehr sprechen. Auch die Begrifflichkeit bezüglich des „Flughafens“ sorgt etwas für Verwirrung. Vielleicht ist damit jedoch auch das Sphärische in der Musik des Brian Eno auf diesem Album gemeint. Dies ist definitiv da. Musik zum Träumen und Entspannen. Nichts, aber auch gar nichts regt hier auf. Zum Anhören allerdings furchtbar langweilig. Zum Träumen bestens geeignet. Sieben Punkte.

Anspieltipps: 1/2 (vocals, acoustic piano)



Samstag, 14. Oktober 2017

Steven Wilson – To The Bone




Steven Wilson – To The Bone


Besetzung:

Steven Wilson – vocals, guitars, bass, keyboards


Gastmusiker:

Ninet Tayeb – vocals, backing vocals
David Kollar – guitars
Paul Stacey – guitar solo
Nick Beggs – bass
Robin Mullarkey – bass
Adam Holzman – piano, clavinet, organ, solina strings
Craig Blundell – drums
Jeremy Stacey – drums
Pete Eckford – percussion
Mark Feltham – harmonica
Sophie Hunger – vocals
Jasmine Walkes – spoken word
David Kilminster – backing vocals
Dave Stewart – strings
The London Session Orchestra – strings
Paul Draper – sequencer
Andy Partridge – lyrics


Label: Caroline International


Erscheinungsdatum: 2017


Stil: Pop, Rock


Trackliste:

1. To The Bone (6:41)
2. Nowhere Now (4:03)
3. Pariah (4:46)
4. The Same Asylum As Before (5:14)
5. Refuge (6:44)
6. Permanating (3:34)
7. Blank Tapes (2:08)
8. People Who Eat Darkness (6:02)
9. Song Of I (5:21)
10. Detonation (9:19)
11. Song Of Unborn (6:00)

Gesamtspieldauer: 59:58




Ich zähle „To The Bone“ an dieser Stelle als sechstes Steven Wilson Solo-Album, da die Vorgängerplatte, „4½“, zwar aus nicht ganz neuem Material bestand, dieses jedoch noch unveröffentlicht war und mit einer Gesamtlaufzeit von knapp 37 Minuten auch nicht mehr richtig als EP bezeichnet werden kann. Dementsprechend wurde also am 18. August 2017 das sechste Studioalbum des Steven Wilson veröffentlicht. „To The Bone“ heißt dieses wie bereits erwähnt und es erschien auf dem Plattenlabel Caroline International.

Soweit so gut. Steven Wilson ist unfassbar kreativ, sodass man sich schon bei der Ankündigung der Veröffentlichung auf einer weitere tolle Platte des Musikers freuen konnte, der dem Progressive Rock auch im neuen Jahrtausend ein Gesicht gab. Umso enttäuschter ist man dann als Musikhörer und Fan, wenn man sich diese Platte anhört. Immer und immer wieder anhört, aber es wird einfach nicht besser oder interessanter. Nein, auf „To The Bone“ gibt es keinen Progressive Rock mehr zu hören. Das, was man hier zu hören bekommt, ist mit wenigen Ausnahmen schlichter Pop-Rock, meist sehr radiotauglich und auch genau dafür geschrieben. Nicht anders kann man wohl die sechs Single-Auskopplungen („Pariah“, „The Same Asylum As Before“, „Song Of I“, „Permanating“, „Refuge“ sowie „Nowhere Now“) in der Zeit von Mai bis September 2017 interpretieren. Als eingängiger Pop-Rock ist die Musik konzipiert und genauso klingt sie auch.

Leider versinkt Steven Wilson mit seiner Musik auf „To The Bone“ im poppig rockigen Mittelmaß. Nur noch sehr wenig weiß hier zu begeistern, kaum mehr etwas erinnert an seine frühere Band Porcupine Tree, wenig an so manch überzeugendes Lied seiner bisherigen Solo-Veröffentlichungen. Zumeist hören sich die Lieder langweilig bis belanglos an. Musik dieser Art gibt es zuhauf und sie hinterlässt auch dort keine Spuren. Nur noch wenig geht auf „To The Bone“ ins Ohr und wenn Steven Wilson beim Titel „Permanating“ sowohl musikalisch wie gesanglich versucht einen Auftritt in einer Disco zu ergattern, dann bleibt man als Musikfreund, der die Lieder dieses begnadeten Musikers und Komponisten wegen seiner Besonderheiten liebte, nur kopfschüttelnd zurück. Das Electric Light Orchestra lebt hier während seiner Disco-Phase wieder auf.

Fazit: Man muss nicht kreischend den Raum verlassen, wenn man „To The Bone“ hört. Ganz im Gegenteil, man wird diese Platte kaum wahrnehmen, zu angepasst und im Enddefekt dann auch belanglos klingt die Scheibe an vielen Stellen. Ab und an kann ein Lied mal mehr überzeugen, leider jedoch eben nur manchmal. Vieles auf „To The Bone“ klingt nach gezielter Eingängigkeit, um oft im Radio gespielt zu werden. Wahrscheinlich werden Steven Wilson die Verkaufszahlen Recht geben. Aber ich muss mir das wirklich nicht zu oft anhören. Verlangt ja auch keiner. Acht Punkte.

Anspieltipps: Refuge, Blank Tapes



Freitag, 13. Oktober 2017

The Waterboys – Book Of Lightning




The Waterboys – Book Of Lightning


Besetzung:

Mike Scott – vocals guitar (acoustic), guitar (electric) guitar (rhythm), percussion, piano, sound effects, tambourine, bells, loops, bellzouki, sleigh bells, effects
Leo Abrahams – guitar (electric)
Johnny Andrews – vocals, falsetto
Brady Blade – drums
Chris Bruce – guitar (electric)
Clive Deamer – tabla
Roddy Lorimer – trumpet
Barry Mirochnick – drums
Richard Naiff – organ, piano
Ida Nilsen – piano
Daniel Presley – vocals (background), harmony
Mike Rowe – organ, piano (electric)
Jeremy Stacey – drums
Steve Wickham – fiddle, viola


Label: Universal Music


Erscheinungsdatum: 2007


Stil: Rock


Trackliste:

1. The Crash Of Angel Wings (4:02)
2. Love Will Shoot You Down (4:34)
3. Nobody's Baby Anymore (4:43)
4. Strange Arrangement (3:33)
5. She Tried To Hold Me (7:18)
6. It's Gonna Rain (3:03)
7. Sustain (3:21)
8. You In The Sky (4:38)
9. Everybody Takes A Tumble (7:05)
10. The Man With The Wind At His Heels (3:04)

Gesamtspieldauer: 45:35




„Book Of Lightning” heißt das neunte Studioalbum der schottischen Band The Waterboys. Das Album erschien am 2. April 2007 auf dem Plattenlabel Universal Records. Aufgenommen wurde die Scheibe hauptsächlich im Heimstudio von Mike Scott in London. Auf „Book Of Lightning” hört man erneut die für Mike Scott so typische, melodiöse Rock-Musik. Beim Songwriting hat sich der in Edinburgh geborene Schotte lediglich bei den Nummern „Sustain“, „Everybody Takes A Tumble“ sowie „The Man With The Wind At His Heels” kompositorische Unterstützung geholt.

Sehr eingängigen und melodiösen Rock gibt es somit wieder einmal von Mike Scott und seinen Waterboys zu hören. Musik, die sehr schnell ins Ohr geht und einen sehr hohen Wiederkennungswert besitzt. Die Stimmung der Lieder reicht dabei von fröhlich beschwingt bis eher nachdenklich oder verträumt. Genauso breit gefächert sind auch die Tempi auf „Book Of Lightning”. Rockige und treibende Töne gibt es hier zu hören und daneben auch sehr sanfte und ruhige Nummern, eine Zusammenstellung, die sehr zur Abwechslung des Albums beiträgt. Häufig wird dabei der Violine und der Viola des Steve Wickham ein großer Spielraum eingeräumt, was das Album allerdings keineswegs in die Richtung von Folk oder gar Country rutschen lässt.

Einer der Höhepunkte auf der Platte ist zugleich auch das Eröffnungsstück „The Crash Of Angel Wings“. Eine wunderschöne rockige Nummer, die sogar einen gewissen Ohrwurmcharakter aufweist. Es lassen sich noch eine ganze Reihe anderer schöner Stücke auf dem Album entdecken. Von den eher ruhigeren Nummern sei an dieser Stelle das melodiöse und Piano-dominierte „You In The Sky“ erwähnt. Ebenfalls sehr gelungen ist das letzte Lied auf der Platte, „The Man With The Wind At His Heels“. Einzig das über siebenminütige Stück „She Tried To Hold Me“ kann auf „Book Of Lightning” nicht so ganz überzeugen, denn es ist mit seiner Länge und der dabei fehlenden Abwechslung einfach zu lang geraten. Diese Nummer ist allerdings wirklich die Ausnahme, die restlichen neun Stücke wissen da sehr viel mehr zu überzeugen.

Fazit: Eine sehr schöne Zusammenstellung gelungener und eingängiger Lieder ist „Book Of Lightning” von den Waterboys geworden. Das Album bietet sehr viel musikalische Vielfalt und kann mit sehr schönen Melodien überzeugen. Mike Scott hat es wieder einmal geschafft, ein überzeugendes und abwechslungsreiches Album zu veröffentlichen. The Waterboys Fans werden das Album sowieso lieben. Musikhörerinnen und Musikhörer, die auf eingängigen Rock bis Pop stehen, werden hier ebenfalls fündig werden. Zehn Punkte.

Anspieltipps: The Crash Of Angel Wings, You In The Sky, The Man With The Wind At His Heels



Donnerstag, 12. Oktober 2017

Justin Sullivan – Justin Sullivan & Friends (DVD)




Justin Sullivan – Justin Sullivan & Friends (DVD)


Besetzung:

Justin Sullivan – acoustic guitar, vocals


Gastmusiker:

Dean White – electric guitar, keyboards, vocals
Michael Dean – percussion, vocals


Label: Attack Attack Records


Erscheinungsdatum: 2004


Stil: Rock, Live


Trackliste:

1. Better Than Them
2. Aimless Desire
3. Heroes
4. Twilight Home
5. Ocean Rising
6. Masters Of War
7. You Weren't There
8. Sun On Water
9. No Sense
10. Long Goodbye
11. If You Can't Save Me
12. Ballad Of Bodmin Pill
13. Lovesongs
14. Snelsmore Wood
15. Green & Grey
16. All Of This
17. Gimme Shelter
18. Inheritance
19. 225

Gesamtspieldauer: 1:31:31


Extra Titel:

20. Stoned, Fired And Full Of Grace
21. Trees In Winter
22. Lust For Power
23. Tales Of The Road
24. The Attack
25. Green
26. Inheritance (vom Munich Mayday Festival)

Gesamtspieldauer: 30:56


Extra Film:

Making Of (4:43)




„Justin Sullivan & Friends“ ist eine Live DVD, die im Jahr 2003 im Darmstädter Centralstation aufgenommen wurde und im Jahr 2004 auf dem bandeigenen Plattenlabel Attack Attack Records veröffentlicht wurde. Die hier gespielten Titel stammen dabei sowohl aus dem Solo-Werk des Justin Sullivan und natürlich vor allem aus den zahlreichen Veröffentlichungen seiner Band, New Model Army. Dabei überwiegt ganz deutlich der akustische Charakter der Musik, obwohl Dean White auch des Öfteren an der E-Gitarre zu hören ist.

Die Atmosphäre auf dem Konzert ist eine sehr melancholische und sanfte, was daran liegt, dass hier vor allen Dingen die eher langsamen Stücke des Justin Sullivan und die von New Model Army in der Setlist Aufnahme gefunden hatten. Etwas, in der Studioversion flottere Stücke, werden hier ebenfalls in einer der allgemeinen Grundstimmung angepassten Weise wiedergegeben. Die Musik ist überaus melodiös und eingängig und jede und jeder, die oder der schon mal ein New Model Army Konzert live miterleben durfte, wird sich in genau diese Situation zurückversetzt fühlen.

Wer auf Rock steht, die oder der wird diese Platte lieben. Intelligente Texte, Musik, die das Ohr umschmeichelt, ohne dabei auch nur den Hauch anbiedernd zu sein, tolle und mitreißende Musiker dazu, alles passt bei der Musik des Justin Sullivan. Schön an der DVD ist auch, dass hier die eher weniger bekannten Lieder seiner Solo Karriere wie seiner Band Gehör finden. Das wohl bekannteste Stück von New Model Army, „51st State“, fehlt hier, man hat es allerdings auch schon in vielen anderen Versionen gehört, sodass es auf diesem Konzert auch nicht vermisst wird.

Fazit: Für New Model Army Fans definitiv eine Bereicherung der Veröffentlichungen „ihrer“ Band. Es ist faszinierend, wie Justin Sullivan es schafft, mit nur spärlicher Instrumentierung die Zuschauer in seinen Bann zu ziehen. Hört man diese Musik, sieht dazu seine Spielfreude, so erscheint dies allerdings nur mehr als logisch. Dazu noch seine Interaktionen mit dem Publikum, die nicht ausschweifend sind, jedoch gut gesetzt, all das macht ein New Model Army Konzert – oder in diesem Fall ein Justin Sullivan Konzert – zu etwas ganz Besonderem. Live und auf DVD. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Alles



Mittwoch, 11. Oktober 2017

Sigrid und Marina – Heimatgefühle Folge 3




Sigrid und Marina – Heimatgefühle Folge 3


Besetzung:

Sigrid Hutterer – Gesang
Marina Hutterer – Gesang


Gastmusiker:

Fritz Koch – Gitarre
Hannes Wallner – Gitarre
Manfred Gradwohl – Gitarre, Akkordeon, Posaune
Christian Zierhofer – Akkordeon, Chor
Karl Heinz Promitzer – Flügelhorn, Trompete
Michael Gönitzer – Trompete
Andreas Pirringer – Klarinette
Mario Urschinger – Klarinette
Dan Aldea – Geige
Cordula Schröck – Geige
Fritz Koch – Gesang
Tini Keinrath – Chor
Michaela Kollar – Chor
Franziska Hetzel – Chor
Herbert Moser – Chor


Label: Hofbauer Music


Erscheinungsdatum: 2017


Stil: Volksmusik, volkstümlicher Schlager


Trackliste:

1. Wenn die Sonne erwacht in den Bergen (3:00)
2. An Jodler zum Gebet (3:39)
3. Wo schöne Berge sind (2:43)
4. Heimatgefühle (3:30)
5. Zweisamkeit (2:53)
6. Ave Montagna (3:25)
7. D'Liab is vom Himmi kumma (3:37)
8. Mach den Tag zum Feiertag (3:08)
9. Wenn die Alpenrosen blüh'n (2:41)
10. Hoamatstolz (3:05)
11. Das alte Spinnrad (2:55)
12. Köhler Liesl (2:38)
13. Wenn die Glocken hell erklingen (3:10)
14. Nie sag ich meiner Heimat adieu (2:23)
15. Hahnenkamm Trio - Medley (4:54)

Gesamtspieldauer: 48:20




Die jährliche Veröffentlichung des Geschwisterpaares Sigrid und Marina aus dem Salzkammergut in Österreich fand dieses Jahr im September statt. „Heimatgefühle Folge 3“ heißt dieses neue Album, welches auf dem Label Hofbauer Music erschienen ist. Die Scheibe setzt damit die Reihe der Veröffentlichungen unter der Überschrift „Heimatgefühle“ fort, die den beiden Schwestern bisher die größten Verkaufserfolge einbrachte.

Das Schöne an diesem Album ist, dass die beiden Schwestern sich wieder etwas mehr vom volkstümlichen Schlager entfernen, auch wenn dieser auf der Platte durchaus noch gegenwärtig ist. Es gibt jedoch wieder vermehrt Volksmusik aus dem Alpenraum zu hören, die hier im neuen Gewand erscheint und Freundinnen und Freunde dieser Musik wieder etwas mehr begeistern dürfte. Natürlich wird erneut das Klischee der „heilen Welt“ bestens bedient und sogar im beiliegenden Booklet erwähnt. Dort ist nachzulesen: „… unvergessene Melodien aus vergangenen Zeiten, die einem die „heile Welt“ wieder schenken und den oft stressigen und schnelllebigen Alltag vergessen lassen.“ Nun denn, wer das genießen kann, der oder dem sei es vergönnt.

Fazit: Für Fans des Deutschen Schlagers, der volkstümlichen Musik sowie der alpenländischen Volksmusik bestens geeignet. All diese Musikhörerinnen und Musikhörer werden auf „Heimatgefühle Folge 3“ etwas für sich entdecken können. Manche werden die hier besungene „heile Welt“ jedoch sehr viel eher als Kitsch bezeichnen. Nun, über den Musikgeschmack lässt sich wahrlich trefflich streiten. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Ave Montagna