Samstag, 24. Juni 2017

Johnny Warman – From The Jungle To The New Horizons




Johnny Warman – From The Jungle To The New Horizons


Besetzung:

Johnny Warman – guitar, synthesizer, drums


Gastmusiker:

Tony Levin – chapman stick, bass
Jerry Marotta – drums, synthesizer
Vic Coppersmith – drums, percussion, vocals
Chris Payne – synthesizer
Andy Clark – synthesizer, piano, electric viola
Kiki Dee – vocals


Label: The Rocket Record Company


Erscheinungsdatum: 1982


Stil: Pop, Rock


Trackliste:

1. From The Jungles To The New Horizons (7:49)
2. King Robot (3:36)
3. Looking Back (3:58)
4. China's Moving (West) (6:04)
5. I Love My Planet (4:30)
6. (United) The State Of America (5:22)
7. Flying Out Of Windows (4:17)
8. Dream, Dream, Dream (3:53)
9. Y.C. (1:21)

Gesamtspieldauer: 40:50



„From The Jungle To The New Horizons“ heißt das dritte und damit bereits letzte Solo-Werk des Johnny Warman. Im Jahr 1982 wurde das Album auf dem Label The Rocket Record Company veröffentlicht und enthält eine Mischung aus Rock und Pop, immer noch mit einem oftmals dominierenden Keyboard beziehungsweise Synthesizer ausgestattet, jedoch längst nicht mehr so im Synthie-Pop verwurzelt, wie noch der Vorgänger „Walking Into Mirrors“, welcher ein Jahr zuvor veröffentlicht worden war.

Auf „From The Jungle To The New Horizons“ hört man überaus eingängigen und melodiösen Rock bis Pop, dem durchaus auch diese gewisse Nachhaltigkeit innewohnt. „China's Moving (West)“, „I Love My Planet“, „(United) The State Of America“, „Flying Out Of Windows“ oder „Dream, Dream, Dream“ sind alles Lieder, die einen Ohrwurmcharakter aufweisen, die sich bereits mit dem ersten Mal des Hörens im Ohr festzusetzen verstehen und dort auch längerfristig verweilen. Im Grunde genommen hätte ich allerdings auch die restlichen Stücke an dieser Stelle mit erwähnen können, denn „From The Jungle To The New Horizons“ überzeugt vom ersten Takt an, bis hin zum letzten Akkord. Lediglich der Titel „Looking Back“, der wohl irgendwie besonders funky klingen soll, fällt da sogar deutlich ab. Allerdings ist dies wirklich der einzige Ausfall auf „From The Jungle To The New Horizons“. Abgerundet wird die Musik dabei noch durch intelligente und auch nachdenkliche und kritische Texte, die sich ebenfalls lohnen mitverfolgt zu werden.

Viel Erfolg war Johnny Warman mit dem Album seltsamerweise allerdings nicht beschieden. Ohne anbiedernd zu klingen, enthält „From The Jungle To The New Horizons“ Musik die begeistert und einfach Spaß macht. Durchsetzen konnte sich die Musik des Johnny Warman jedoch trotzdem nicht, sein Plattenvertrag lief ebenfalls aus bei The Rocket Record Company und der gebürtige Londoner verlegte sich von nun an auf das Songwriting für andere Künstler. Mit dem neuen Jahrtausend scheint er sich dann sogar völlig aus dem Musikgeschäft zurückgezogen zu haben.

Fazit: Wer auf melodischen Pop bis Rock steht, die oder der sollte unbedingt mal in „From The Jungle To The New Horizons“ hineinhören. Leider scheint die Platte im Moment nur sehr schwer zu bekommen zu sein, es werden dafür im Moment Mondpreise verlangt. Sollte es eine Neuauflage geben, kann man hier als Freundin oder Freund melodiösen Rocks ohne Sorge zugreifen. Sehr schade, dass die kurze Solo-Karriere des Johny Warman bereits mit diesem Album im Jahr 1982 endete. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: China's Moving (West), (United) The State Of America, Dream Dream Dream



Freitag, 23. Juni 2017

Vitale – Play It Loud




Vitale – Play It Loud


Besetzung:

Karsten Hembold – drums
Guido Vitale – vocals, keyboards
Dscharlie Bassmann – bass
Kalle Dürr – guitar


Gastmusiker:

Ingi Brough – drums
Pete Brough – guitar
Charlie Terstappen – drums
Francis M’Bappé – bass
Ralf Lennarts – bass
Mr. Lammers – keyboards
Christoph Böttinger – keyboards
Conny Plank – keyboards
Kampiz – guitar
Martin Auer – trumpet solo on „You Make Me“
Reco Mandelkow – bariton sax on „Crazy On The Run“
The Free Time Horns – brass
Gino DeMajo – background vocals
Fabiana DeGeronimo – background vocals


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1987


Stil: Pop, Rock


Trackliste:

1. Crazy On The Run (5:15)
2. What You Gonna Do (3:55)
3. Black Eyes (4:33)
4. Let Me Love You (4:00)
5. You Make Me (Part Of Your Soul) (3:55)
6. China Love (5:14)
7. Wait Baby (Don’t Run Away) (5:25)
8. Everytime (I Hear Your Name) (5:27)
9. I Can Hear You (5:09)

Gesamtspieldauer: 42:53




Guido Vitale arbeitete in Conny Planks Studio und durfte dort, als er selbst eine Band gegründet hatte, sogar ein Album einspielen. Conny Plank ist auf diesem Album, kurz vor seinem Tod, sogar noch als Gastmusiker an den Keyboards zu hören. Er starb noch im Dezember desselben Jahres. „Play It Loud“ erschien im Jahr 1987, war ein großer Misserfolg und sollte auch die einzige Veröffentlichung des Guido Vitale bleiben.

Auf „Play It Loud“ hört man eine krude Mischung diverser musikalischer Stile, wobei der synthetische Pop schon ein wenig im Vordergrund steht. Die Lieder können allesamt nicht zünden, treiben einen zwar nicht aus dem Zimmer, sind allerdings unfassbar langweilig und zum Teil dann doch auch einfach nur platt und schlecht. Definitiv keine Musik für die oder den Musikästheten. Irgendwie klingt das Ganze so, als ob man es „mal probieren“ wollte. Das hat Guido Vitale und es hat nicht hingehauen.

Höhepunkte herauszustellen fällt bei dieser Platte wahrlich schwer. Lediglich vielleicht das poppige „Everytime (I Hear Your Name)“ kann man hier erwähnen. Und da wir gerade beim Thema „Hören“ sind, so kann ich an dieser Stelle auch gleich noch das folgende und letzte Lied des Albums erwähnen, „I Can Hear You“. Ebenfalls ein zunächst poppiges Lied, welches sich zu einem Rock-Stück wandelt, Ballade kann man es vielleicht am Ende auch noch nennen. Nette Melodie und ein Refrain, der ins Ohr geht.

Fazit: „Play It Loud“ von Vitale war halt ein Versuch. Nicht immer kann es hinhauen mit der großen Karriere im Musikgeschäft. Das Besondere fehlt auf diesem Album und der Stilmix bewirkt, dass man sich nie so richtig auf diese Scheibe einlassen kann. Viel des Liedmaterials ist auch nicht dazu geeignet, in Begeisterungsstürme anzustimmen. Aber es gibt Schlimmeres. Fünf Punkte.

Anspieltipps: Everytime (I Hear Your Name), I Can Hear You



(Kein Video verfügbar)

Donnerstag, 22. Juni 2017

Joachim Witt – Bayreuth 1




Joachim Witt – Bayreuth 1


Besetzung:

Joachim Witt – alle Instrumente


Gastmusiker:

Peter Heppner – Gesang
Nadja Saeger – Gesang
Achim Faerber – Schlagwerk
Martin Langer – Schlagwerk


Label: Strange Ways Records


Erscheinungsdatum: 1998


Stil: Elektro, Industrial, Rock


Trackliste:

1. Das Jüngste Gericht (4:06)
2. Das Geht Tief (5:30)
3. Träume, Die Kein Wind Verweht (4:24)
4. Die Flut (5:43)
5. Wintermärz (5:32)
6. Treibjagd (4:33)
7. Trauma (4:03)
8. Morgenstern (4:11)
9. Und... Ich Lauf (4:42)
10. Liebe Und Zorn (5:23)
11. Venusmond (4:16)

Gesamtspieldauer: 52:29




„Bayreuth 1“ heißt das achte Studioalbum des Joachim Witt und erschien im Mai 1998 auf dem Label Strange Ways Records. Neben seinem ersten Album „Silberblick“, welches die Neue Deutsche Welle mit einläutete, ist „Bayreuth 1“ die erfolgreichste Veröffentlichung des im Jahr 1949 in Hamburg geborenen Musikers. Nicht zuletzt liegt dies wohl an der, auf dem Album enthaltenen Zusammenarbeit mit Peter Heppner beim Titel „Die Flut“. Diese Nummer hielt sich viele Wochen in den deutschen Charts.

Sicherlich ist „Die Flut“ auch der Höhepunkt der Scheibe. Ein Lied mit intelligentem Text und einer Melodie, die ins Ohr geht. Ohrwurmcharakter durchaus vorhanden. Die restlichen zehn Stücke kommen nicht mehr an die Qualität dieses Stücks heran. Mitunter ist ein synthetisches Gestampfe zu hören, welches Freunde gepflegter Rock-Musik so überhaupt nicht zu überzeugen weiß. Bei solch Titeln wie „Wintermärz“ oder „Treibjagd“ oder „Trauma“ kann man bestens in eine Welt aus Synthesizer-Klängen eintauchen – genau das ist allerdings wirklich gewöhnungsbedürftig.

Die Stimme des Joachim Witt klingt dumpf, dunkel und randvoll mit Schweremut angefüllt. So sind auch die Inhalte der Texte eher düster gehalten. Nein, fröhliche Musik klingt definitiv anders. Mitunter kommt es dadurch allerdings zu einer gewissen Diskrepanz zwischen dem gesungenen Text, der Stimme sowie der Musik, die durch die künstlichen Beats nach vorne gerichtet ist. Besser gelungen ist das bei den Nummern „Das Geht Tief“ und „Und... Ich Lauf“. Noch etwas melodischer als der Rest der Scheibe, bilden diese Lieder auch musikalisch eine in sich geschlossene Einheit, die abwechslungsreich ist und ins Ohr geht.

Fazit: Vielleicht ist Richard Wagner ein musikalisches Vorbild für Joachim Witt. Seine Musik hat mit der des Bayreuther Komponisten allerdings überhaupt nichts zu tun. Weder musikalisch noch textlich. Die Stimmung auf dem Album ist allgemein eine dunkle, dabei hat „Bayreuth 1“ ganz bestimmt seine Höhepunkte. „Die Flut“ sowie „Und... Ich Lauf“ wären da zu nennen. Jedoch hört man auf der Scheibe auch langweilige Synthi-Titel, die zwar eher rockig denn poppig klingen, dadurch allerdings auch nicht an Aussagekraft und Ausstrahlung gewinnen. Vieles auf „Bayreuth 1“ klingt einfach zu synthetisch und dabei auch langweilig. Diese Musik scheint dann eher für die Disco, denn für das Wohnzimmer Zuhause gemacht worden zu sein. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Das Geht Tief, Die Flut, Und... Ich Lauf



Mittwoch, 21. Juni 2017

Tangerine Dream – Tangram




Tangerine Dream – Tangram


Besetzung:

Edgar Froese – keyboards, guitars
Christopher Franke – keyboards, electronic percussions
Johannes Schmoelling – keyboards


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1980


Stil: Electronic Rock


Trackliste:

1. Tangram Set 1 (19:52)
2. Tangram Set 2 (20:27)

Gesamtspieldauer: 40:19




„Tangram“ heißt das dreizehnte Studioalbum der Band Tangerine Dream. Es wurde gleichzeitig einer ihrer größten kommerziellen Erfolge und erreichte Platz 36 in den britischen Top 40 und konnte sich insgesamt fünf Wochen in den Charts halten. Die Musik der Band, die nun mit Johannes Schmoelling einen weiteren Synthesizer-Spieler hinzugewonnen hatte, klingt auf „Tangram“ auch deutlich elektronischer, als noch auf den Alben direkt davor. Das Mellotron wurde nur noch sehr dosiert eingesetzt und auch, das noch auf der 1979er Platte „Force Majeure“ zu hörende Schlagzeug war nicht mehr vorhanden. Die Beats waren nun vom Synthesizer generierte.

Die Musik auf „Tangram“ klingt irgendwie fröhlich und positiv, die einzelnen Themen wechseln in relativ schnellen Abständen, wodurch die beiden Stücke „Tangram Set 1“ sowie „Tangram Set 2“ im Grunde genommen aus mehreren verschiedenen und kurzen Stücken bestehen. Die Musik klingt dabei häufig locker und leicht und geht zudem auch sehr gut ins Ohr. Diese wabernden und sphärischen Klangteppiche hört man auf „Tangram“ deutlich weniger, dafür gibt es nun eingängige Synthesizer-Passagen zu hören, die eingängige Melodien aufweisen und dadurch schnell ins Ohr gehen.

Somit kann man sich bequem zurücklehnen und hier mehreren, ineinander übergehenden, kleinen Melodien lauschen, die sich durchaus schnell festsetzen. Freilich klingt das alles sehr nach den 80er Jahren, dabei jedoch frisch und eben niemals langweilig. Diese Aneinanderreihung verschiedenster musikalischer Themen bewirkt eine große Vielfalt in der Musik von Tangerine Dream und beinhaltet jede Menge Abwechslung. Auch bei „Tangram“ kann man die Augen schließen und sich auf eine Reise begeben, die durch diese, auch mal hypnotisch wirkende Musik, vor dem geistigen Auge entsteht.

Fazit: „Tangram“ ist sicherlich eines der besseren Werke von Tangerine Dream aus den 80er Jahren. Die Platte ist abwechslungsreich und hält einige schöne Melodien für die Hörerin und den Hörer parat. Melodiösität ist durchgängig enthalten. Genau durch diesen Umstand ist diese Scheibe auch für ein neues Publikum geeignet, welches mit zu viel Sphäre früherer Veröffentlichungen nun gar nichts mehr anfangen konnte. Vielleicht erklärt dies auch den Chart-Erfolg in Großbritannien. Neun Punkte.

Anspieltipps: Tangram Set 1 und Tangram Set 2. Was sonst?



Dienstag, 20. Juni 2017

The Who – Rarities Volume 1 “1966 – 1968”




The Who – Rarities Volume 1 “1966 – 1968”


Besetzung:

Roger Daltrey – lead vocals, trombone, harmonica
John Entwistle – bass guitar, vocals
Pete Townshend – guitars, vocals
Keith Moon – drums, vocals


Label: Polydor


Erscheinungsdatum: 1983 (Musik aus den Jahren 1966-1968)


Stil: Rock, Pop


Trackliste:

1. Circles (Instant Party) (2:25)
2. Disguises (3:10)
3. Batman (1:25)
4. Bucket T (2:10)
5. Barbara Ann (1:58)
6. In The City (2:22)
7. I've Been Away (2:06)
8. Doctor Doctor (2:57)
9. The Last Time (2:48)
10. Under My Thumb (2:35)
11. Someone's Coming (2:26)
12. Mary Anne With The Shaky Hand (2:25)
13. Dogs (3:04)
14. Call Me Lightning (2:21)
15. Dr. Jekyll & Mr Hyde (2:35)

Gesamtspieldauer: 36:47




Anfang der 80er Jahre, kurz vor Beginn der „Who‘s Last Tour“, verkündete die Plattenfirma von The Who, Polydor United Kingdom, das Erscheinen von zwei Kompilationsalben, die angefüllt sein sollten mit schwer zu bekommenden Titeln der Band, also B-Seiten, die auf diversen Singles erschienen und natürlich in der Zwischenzeit absolut vergriffen waren.

„Rarities Volume 1 1966 – 1968“ war eine dieser Veröffentlichungen und erschien am 14. August des Jahres 1983. Darauf zu hören gibt es insgesamt fünf Cover-Versionen, „The Last Time“ sowie „Under My Thumb“ sind zwei davon und stammen ursprünglich von den Rolling Stones. Bekannt sein dürfte dabei auch die Nummer „Barbara Ann“ von Fred Fassert, ein Lied absolut verwurzelt in den 60er Jahren und auch genauso klingend. Des Weiteren hat John Entwistle ebenfalls fünf Lieder zu dieser Zusammenstellung beigetragen, die restlichen fünf Nummern stammen aus der Feder von Pete Townshend.

Die Scheibe ist wahrlich tief im Klang der 60er Jahre verwurzelt. Die Musik klingt dabei heutzutage deutlich überholt und eignet sich für Freunde der Band The Who, die eben alles von „ihrer“ Band besitzen möchten. Eintauchen in den Klang der 60er Jahre kann man mit „Rarities Volume 1 1966 – 1968“ auf das Allerbeste, für heutige Ohren mag das Ganze jedoch nicht mehr sonderlich interessant klingen.

Fazit: Wie bereits erwähnt ist „Rarities Volume 1 1966 – 1968“ eine Scheibe, die für den The Who-Fan gedacht ist, die oder der ihre beziehungsweise seine Sammlung komplettieren möchte. Vielleicht ist dieser poppige Rock der 60er Jahre auch noch für Musikwissenschaftler ein wenig interessant. In der heutigen Zeit werden die einzelnen Lieder, denen man zum Teil auch anhört, dass es sich hierbei um B-Seiten handelt, jedoch kaum noch ein Herz erwärmen. Sechs Punkte.

Anspieltipps: I've Been Away, Doctor Doctor, Dr. Jekyll & Mr Hyde



Montag, 19. Juni 2017

Roger Waters – Is This The Life We Really Want?




Roger Waters – Is This The Life We Really Want?


Besetzung:

Roger Waters – vocals, acoustic guitar, bass


Gastmusiker:

Nigel Godrich – arrangement, sound collages, keyboards, guitar
Jonathan Wilson – guitar, keyboards
Guy Seyffert – bass, guitar, keyboards
Joey Waronker – drums
Roger Manning – keyboards
Lee Pardini – keyboards
Jessica Wolfe – vocals
Holly Laessig – vocals
David Campell – string arrangements
Rachel Agnew – recorded voice
Jane Barbe – recorded voice
Emma Clarke – recorded voice
Celia Drummond – recorded voice
Kathy Somers – recorded voice
Ingrid Schram – recorded voice


Label: Columbia Records


Erscheinungsdatum: 2017


Stil: Art Rock, Art Pop, Rock, Pop


Trackliste:

1. When We Were Young (1:39)
2. Déjà Vu (4:27)
3. The Last Refugee (4:12)
4. Picture That (6:48)
5. Broken Bones (4:57)
6. Is This The Life We Really Want? (5:55)
7. Bird In A Gale (5:31)
8. The Most Beautiful Girl (6:09)
9. Smell The Roses (5:16)
10. Wait For Her (4:56)
11. Oceans Apart (1:07)
12. Part Of Me Died (3:14)

Gesamtspieldauer: 54:15




Ganze 25 lange Jahre dauerte es, bis Roger Waters sein neues Soloalbum mit dem Titel „Is This The Life We Really Want?“ veröffentlichte. Es ist das vierte beziehungsweise sechste Solo-Studioalbum – je nach Zählweise – des ehemaligen Bassisten von Pink Floyd und passt stilistisch gesehen perfekt zu der letzten Veröffentlichung seiner Solokarriere mit „Amused To Death“ und der letzten Pink Floyd Veröffentlichung „The Final Cut“, die noch unter seiner Regie entstand. „Is This The Life We Really Want?“ klingt wie eine stilistische, inhaltliche und musikalische Vereinigung aus diesen Schaffensphasen des Roger Waters.

Roger Waters ist immer noch wütend. Auf die Welt, auf die Menschen allgemein, auf die Mächtigen dieser Erde, auf alles, was in seinen Augen anklagenswert ist und das besingt und erzählt er auch auf „Is This The Life We Really Want?“. Thematisch und inhaltlich hat der Ex-Pink Floyd Bassist also seinen eingeschlagenen Weg konsequent fortgesetzt. Ebenso tat er dies musikalisch. Auch auf „Is This The Life We Really Want?“ hört man die für die Musik des Roger Waters so typischen Hintergrundgeräusche, Sprachfetzen, Radio- und Fernsehsendungen, die in die Musik mit einfließen oder Stücke verbinden. Dazu gesellen sich dieses Mal noch ein wenig mehr Streicherarrangements, die die Musik auf diesem Album zusätzlich noch ein wenig eingängiger und weicher werden lassen.

Wenn man als Fan dieser Musik und dieses Musikers 25 Jahre warten musste, bis ein neues Album veröffentlicht wird und man hört schließlich davon, dass bald eine neue Platte erscheint, so steigt ganz sicher nicht nur die Vorfreude, sondern auch die Erwartung, die man an solch ein Album stellt und man ist sehr gespannt. Schließlich hält man am Erscheinungstag die Scheibe dann in Händen, legt sie ein, hört sie intensiv, mehrmals intensiv und hört zunächst lediglich eine Bestätigung des bereits Bekannten. Das, was hier zu hören ist, das ist Roger Waters Musik, die Zeit scheint dabei keine allzu große Rolle zu spielen, die Erde hat sich tausende Male weitergedreht, doch das, was man hier zu hören bekommt, scheint altbewährt, ja fast schon bekannt zu sein. Gut und interessant, jedoch eben irgendwie ähnlich schon dagewesen, nicht wirklich mehr neu.

Auch das kann Spaß machen, man wird nicht enttäuscht, Erwartungen werden erfüllt. Man hört die Scheibe öfters, legt sie immer wieder ein und plötzlich erschließt sich einem alles noch mal viel stärker, intensiver, schöner, passender, überzeugender und schließlich doch auch neu und bisher unbekannt. Immer wieder passiert dies mal, dass man sich in Musik erst hineinhören muss, um diese noch mehr schätzen zu können. Im Falle von Rogers Waters‘ „Is This The Life We Really Want?“ verhält es sich jedoch anders. Hier glaubt man die Musik bereits mit dem ersten Hören zu kennen, doch erst mit den weiteren Durchläufen entdeckt man das Interessante, das Spannende, was manchmal jeder nur für sich ganz allein in Musik zu entdecken vermag. Das ist das unerklärliche Wunder der Musik, die sie sie zu etwas ganz Besonderem, zu etwas, was das Leben bereichert werden lässt.

Viele der Titel lohnen. Nein, alle Lieder lohnen. „Picture That“ und der Titeltrack „Is This The Life We Really Want?“ seien hier besonders erwähnt, obwohl das den anderen Nummern gegenüber nicht ganz fair ist. Trotzdem, das Lied „Is This The Life We Really Want?“ wirkt zunächst fast zäh und doch steigert es sich und steigert sich, berührt und packt. Es beginnt mit einem Radio-Interview des Donald Trump, der da sagt: „So as an example you’re CNN. I mean it’s story, after story, after story is bad. I won. I won. And the other thing, chaos. There’s zero chaos. We are running. This is a fine-tuned mach-“. Dann wird die Übertragung abgebrochen und man hört einen leisen Seufzer. Besser als mit diesem Zitat kann man ein Lied mit dem Namen „Is This The Life We Really Want?“ kaum einleiten. Die Nummer klingt ein wenig schräg, ist aber doch so eingängig, reißt mit – und beim ersten Mal des Hörens klingt das alles noch so unscheinbar und wächst und wächst mit jedem neuen Durchlauf. Die Musik des Roger Waters ist dabei sicherlich kein Progressive Rock oder Psychedelic Rock mehr, wie es jene Musik von Pink Floyd früher einmal war. Aber es ist tiefergehender Pop und Rock, niemals oberflächlich, immer fordernd und letztendlich packend und mitreißend.

Fazit: Für „Is This The Life We Really Want?“ kann es nur eine Vorgehensweise geben: Die Regler laut aufdrehen und die Musik wirken lassen. Sie wirkt. Das alles allerdings mit einer Einschränkung. Wenn jemand „Amused To Death“ und „The Final Cut“ von Pink Floyd eher langweilig fand, dann wird es ihr oder ihm mit „Is This The Life We Really Want?“ auch nicht viel anders ergehen. Für alle anderen, die diese Musik jedoch lieben, wird dieses Album zum musikalischen Fest. Dreizehn Punkte.

Anspieltipps: Is This The Life We Really Want?



Sonntag, 18. Juni 2017

R.E.M. – Parallel (DVD)




R.E.M. – Parallel (DVD)


Besetzung:

Bill Berry
Peter Buck
Mike Mills
Michael Stipe


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 1995


Stil: Alternative Rock


Trackliste:

1. Drive
2. Man On The Moon
3. The Sidewinder Sleeps Tonite
4. Everybody Hurts
5. Nightswimming
6. Find The River
7. What's The Frequency, Kenneth?
8. Bang And Blame
9. Star 69
10. Strange Currencies
11. Crush With Eyeliner
12. Credits (Star Me Kitten (live))

Gesamtspieldauer: ~ 70:00




„Parallel“ ist eine Zusammenstellung von Videos der US-amerikanschen Band R.E.M., die im Zusammenhang mit ihren Alben „Automatic For The People“ und „Monster“ stehen, welche in den Jahren 1992 und 1994 veröffentlicht worden waren. „Parallel“ selbst erschien im Mai 1995 als VHS Video-Kassette und wurde schließlich im August 2000 als DVD wiederveröffentlicht. Beide Ausgaben erschienen dabei auf Warner Brothers.

Um die siebzig Minuten läuft die DVD Version der Veröffentlichung, die keinerlei Unterschiede zur VHS-Video-Version aufweist. Zu sehen gibt es auf „Parallel“ die Videos zu den Single-Veröffentlichungen der Alben „Automatic For The People“ und „Monster“. Die Vorgehensweise war dabei dieselbe, wie auf der bereits vier Jahre zuvor erfolgten Videoveröffentlichung „This Film Is On“. Wieder wurden die einzelnen Videos durch kleine Filmchen voneinander abgegrenzt, die zwischen zehn Sekunden und zwei Minuten lang sind und nichts mit der Band an sich zu tun haben, dieses Mal allerdings größtenteils in Farbe gefilmt wurden.

Gegen Ende des Films gibt es dann noch eine Art A-Z Zusammenstellung von R.E.M., in der die Band bei Konzertvorbereitungen zu sehen ist. Dazu werden die Buchstaben von A bis Z eingeblendet und schließlich geht das Ganze in den Abspann über, in dem die Band das Lied „Star Me Kitten“ live spielt.

Fazit: Auch diese R.E.M. Video-DVD ist vor allen Dingen für die Freunde und Fans von R.E.M. gedacht, die die Videos zu den Alben „Automatic For The People“ und „Monster“ ebenfalls immer wieder mal ansehen möchten. Somit stellt auch diese Zusammenstellung eine Erweiterung der Alben dar, die dem Fan sicherlich die Anschaffung wert ist. Ob diese oder dieser dabei auch die avantgardistischen kleinen Filme zwischen den Videos genießen kann beziehungsweise zu schätzen weiß, liegt wohl in der künstlerischen Offenheit des Betrachters. „Parallel“ ist etwas für R.E.M.-Fans. Acht Punkte.




Samstag, 17. Juni 2017

AC/DC – Let There Be Rock (DVD)




AC/DC – Let There Be Rock (DVD)


Besetzung:

Bon Scott – lead vocals
Angus Young – lead guitar
Malcolm Young – rhythm guitar, backing vocals
Cliff Williams – bass, backing vocals
Phil Rudd – drums, percussion


Label: Warner Brothers


Erscheinungsdatum: 1980


Stil: Hard Rock


Trackliste:

1. Live Wire (5:23)
2. Shot Down In Flames (3:18)
3. Hell Ain't A Bad Place To Be (3:54)
4. Sin City (3:52)
5. Walk All Over You (2:30)
6. Bad Boy Boogie (11:08)
7. The Jack (5:21)
8. Highway To Hell (3:10)
9. Girls Got Rhythm (3:09)
10. High Voltage (5:27)
11. Whole Lotta Rosie (4:41)
12. Rocker (8:57)
13. Let There Be Rock (7:17)

Gesamtspieldauer des Films: 93:54




„AC/DC: Let There Be Rock“ ist ein Musikfilm der australischen Hard Rock Band AC/DC, in dessen Zentrum ein Konzert steht, welches die Band am 9. Dezember 1979 im Pavillon de Paris in Paris gab. Zusätzlich enthält der Musikfilm auch Einblendungen mit Interviews der fünf Musiker von AC/DC. Der Film hat denselben Titel wie das vierte Studioalbum der Band, das hier gezeigte Konzert enthält allerdings Titel aus den Alben „T.N.T.“, „Powerage“, dem bereits erwähnten „Let There Be Rock“ sowie „Highway To Hell“.

Gut zwei Monate nach den Aufnahmen zum Film starb Bon Scott am 19. Februar 1980 an seinem Erbrochenem, nach einer weiteren, durchzechten Nacht. Umso trauriger erscheint dabei nun seine Antwort auf die Frage des Interviewers im Film, warum ihn die anderen Bandmitglieder toll finden würden, gleichzeitig jedoch auch irgendwie „speziell“. Seine Antwort darauf: „Weil ich ein Säufer bin. Ich trinke zu viel.“

Nun, sicherlich trug ein wenig Melancholie und Sentimentalität, vermittelt durch den Tod Bon Scotts, mit dazu bei, dass der Film ein solcher Erfolg wurde. Jedoch ist dies mit Sicherheit nicht der Hauptgrund dafür. Dieser Erfolg liegt auch nicht in den weiteren Interviews begründet, sondern ganz eindeutig in der Musik, in den Live-Aufnahmen, die das damalige Konzert erneut aufleben lassen. Diese Bühnenpräsenz der fünf Musiker, die hier konsequent ihre Musik überaus mitreißend zelebrieren, wirkt einfach begeisternd und packend. Klar sollte man dem Genre Hard Rock etwas abgewinnen können, um in der Lage zu sein, diese Musik zu feiern – trotzdem lässt einen auch dann dieser Film nicht unbeeindruckt zurück, wenn man kein spezieller Hard Rock Fan ist. Ist dem allerdings so, kann man eintauchen in diesen großartigen Film mit seinen Live-Bildern, der die Band auf ihrem musikalischen Höhepunkt zeigt.

Fazit: „AC/DC: Let There Be Rock“ ist ein grandioser Konzertfilm der australischen Band AC/DC. Mit Interviews der Musiker unterfüttert, sieht man hier einen Film, der einem diese Band näherbringt und dabei die Musik von AC/DC kraftvoll und mitreißend zelebriert. Dabei sieht man den ursprünglichen Sänger der Band, Bon Scott, bei einem seiner letzten Auftritte und kann sich gegen ein gewisses Maß an Melancholie kaum erwehren. Für alle, die die Rock-Musik lieben. Dreizehn Punkte.

Anspieltipps: Alles



Freitag, 16. Juni 2017

Genesis – Live In Montreal




Genesis – Live In Montreal


Besetzung:

Peter Gabriel – vocals, flute
Phil Collins – drums
Steve Hackett – guitar
Michael Rutherford – bass
Tony Banks – keyboards


Gastmusiker:

Keine weiteren Angaben


Label: The Swingin’ Pig Records


Erscheinungsdatum: 1989 (Live-Aufnahmen aus den Jahren 1972 und 1974)


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

Seite 1:
1. Watcher Of The Skies
2. Dancing With The Moonlight Knight

Seite 2:
3. The Cinema Show
4. I Know What I Like

Seite 3:
5. Firth Of Fifth
6. The Musical Box

Seite 4:
7. Horizons
8. The Battle Of Epping Forest

Seite 5:
9. Supper's Ready

Seite 6:
10. Stagnation
11. Get 'Em Out By Friday
12. Twilight Alehouse

Gesamtspieldauer: Keine Angaben




Die Album-Box „Genesis Live In Montreal“ ist eine nicht offizielle Veröffentlichung der britischen Progressive Rock-Band Genesis aus dem Jahr 1989. Darauf enthalten ist ein Konzertmitschnitt aus dem University Sports Centre, Montreal, Kanada vom 21. April 1974 sowie drei Live-BBC Aufnahmen aus dem Jahr 1972.

Die ersten fünf Plattenseiten beinhalten das bereits erwähnte Live-Konzert in Montreal, wohingegen auf der sechsten Seite die Lieder „Stagnation“, „Get 'Em Out By Friday“ sowie „Twilight Alehouse“ als BBC Live-Aufnahmen zu hören sind. Beim Konzert sind die Alben „Nursery Cryme“, „Foxtrot“ und „Selling England By The Pound“ jeweils mehrfach vertreten. Die Aufnahmequalität ist nicht immer sehr überzeugend, von perfektem Hörerlebnis kann dabei gar keine Rede sein, was man von einem Bootleg aber wohl auch nicht erwartet. Selbiges gilt auch für die BBC-Session-Aufnahmen, die keinen Vergleich zu offiziellen Aufnahmen standhalten.

Zuschauergeräusche wie Klatschen und Lachen sind während des Konzertes mal mehr, mal weniger zu hören. Peter Gabriel erzählt seine Geschichten zu den Liedern auf Französisch und scheint dies mitunter zur Belustigung der Zuschauer zu tun. Schön an der Zusammenstellung ist die Liedauswahl, mit der man in das damalige Konzert, trotz der nicht ganz überzeugenden klanglichen Qualität, eintauchen kann. Die Lieder sind nahe am Original, jedoch nicht ganz. Das wiederum bringt einige neue, noch nicht gehörte Facetten dieser so beeindruckenden Musik zu Tage beziehungsweise zum Ohr. Schön auch, dass auf „Genesis Live In Montreal“ das Lied „Twilight Alehouse“ vorhanden ist, welches auf sich auf keinem Studioalbum findet, jedoch fester Bestandteil der damaligen Konzerte war und wahrlich ein gelungenes und hörenswertes progressives Rock-Lied darstellt.

Fazit: Klar, solch eine Veröffentlichung wie „Genesis Live In Montreal“ ist absolut nur etwas für den eingefleischten Fan. Die Titelauswahl ist natürlich klasse, jedoch welche Lieder von Genesis waren zur damaligen Zeit nicht überzeugend? Schwachpunkt dieses Bootlegs ist die Qualität des Klangs, die für solch eine inoffizielle Veröffentlichung aber noch in Ordnung ist. Für den Fan interessant, für den Rest nicht. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Supper’s Ready



Donnerstag, 15. Juni 2017

The Who – The Kids Are Alright (DVD)




The Who – The Kids Are Alright (DVD)


Besetzung:

Roger Daltrey – vocals, harmonica
Pete Townshend – vocals, guitar, keyboards
John Entwistle – bass guitar, vocals
Keith Moon – drums, vocals


Label: Sanctuary Records


Erscheinungsdatum: 1979


Stil: Rock


Trackliste:

DVD1:

1. My Generation
2. I Can't Explain
3. Interview, The Who, Russell Harty Plus, London Weekend Television, 3. Januar 1973
4. Baba O'Riley
5. Shout And Shimmy
6. Interview, The Who, Russell Harty Plus, London Weekend Television, 3. Januar 1973, Teil 2
7. Young Man Blues
8. Interview, Pete Townshend, Second House, BBC 2, 29. August 1974
9. Interview, Keith Moon, 8mm Film gefilmt von Jon Rubin, 6. August 1968
10. Interviews, Ringo Starr, 12. August 1977; Keith Moon, 10. August 1977; Ken Russell, 27. März 1975;
11. Tommy, Can You Hear Me
12. Interview, Keith Moon & Ringo Starr, Keith's Home, Malibu, 12. August 1977
13. Pinball Wizard
14. Interview, Pete Townshend, Beat Club, Radio Bremen, 26. oder 18. August 1969
15. See Me, Feel Me
16. Interview, Pete Townshend, Second House, BBC 2, 29. August 1974, Teil 2
17. My Generation (Conclusion)
18. Anyway, Anyhow, Anywhere
19. Interview, The Who, Russell Harty Plus, London Weekend Television, 3. Januar 1973, Teil 3
20. Successs Story
21. Interview, Pete Townshend, A Whole Scene Going, BBC 1, 5. Januar 1966
22. Substitute / Pictures Of Lily / Magic Bus
23. Happy Jack
24. Interviews Pete Townshend, Roger's Home, Burwash, Sussex, September 1971 & Second House, BBC 2, 29. August 1974, Teil 3
25. A Quick One, While He's Away
26. Interviews Pete Townshend, Roger's Home, Burwash, Sussex, September 1971 Teil 2 &  Whole Scene Going, BBC 1, 5. Januar 1966, Teil 2
27. Interview, Keith Moon & Ringo Starr, Keith's Home, Malibu, 12. August 1977, Teil 2
28. Cobwebs And Strange
29. Interview, The Who, Russell Harty Plus, London Weekend Television, 3. Januar 1973, Teil 4
30. Interview, Keith Moon & Ringo Starr, Keith's Home, Malibu, 12. August 1977, Teil 3
31. Interview Pete Townshend, Pete's Home, Twickenham, Middlesex, Oktober 1977
32. Sparks
33. Barbara Ann
34. Roadrunner / My generation Blues
35. Interviews, Pete Townshend, 21. Juni 1966; Pete Townshend & Keith Moon, 21. Juli 1977; The Who, 3. Januar 1973; Pete Townshend, 5. Januar 1966; Pete Townshend, 15. Dezember 1977; John Entwistle, 5-6 Januar 1978; Keith Moon, September 1975; Pete Townshend, Oktober 1977;
36. Interview, The Who, Russell Harty Plus, London Weekend Television, 3. Januar 1973, Teil 5
37. Who Are You
38. Interview, The Who, Russell Harty Plus, London Weekend Television, 3. Januar 1973, Teil 6
39. My Generation
40. Interviews, John Entwistle, 5-6 Januar 1978; Roger Daltrey, 1977; Keith Moon, September 1971; Pete Townshend, Oktober 1977;
41. Won't Get Fooled Again
42. Long Live Rock
43. The Kids Are Alright

Gesamtspieldauer DVD1: ~109 Minuten


DVD2:

Interviews With Roger Daltrey And Director Jeff Stein
Full-Length Audio Commentary
Never Before released Footage
Multi Camera Angles
Isolated John Entwistle Audio Track
Documentary Look At The Restauration
Video / Audio Showdown: Old Versus New
The Who's London: Interactive Tour
Games
Slide Show
5.1 Mix Of TAlbum Version Of „Who Are You“
On-Screen Liner Notes And Subtitles
Hidden Features



„The Kids Are Alright“ ist eine Art Dokumentation über die englische Rock Band The Who, die ursprünglich im Jahr 1979, ein Jahr nach Keith Moons Tod, veröffentlicht worden war. Der Film enthält Live Auftritte, Fernseh-Auftritte sowie zahlreiche Interview-Sequenzen aus den Jahren 1964 bis 1978. In den Interviews kommen vor allen Dingen die Musiker zu Wort und man lernt sie während des Verlaufs ein wenig mehr kennen. Im Jahr 2003 wurde, der ursprünglich auf VHS erhältliche Film, auf DVD wiederveröffentlicht. Hier gab es nun, neben dem Original-Film, auch eine Version mit Kommentaren von Regisseur Jeff Stein sowie Produzent John Albarian, ein 32-seitiges Heftchen mit zusätzlichen Informationen sowie eine Bonus-Disc mit über drei Stunden zusätzlichem Material.

Der Film ist wahrlich eine Dokumentation über diese stilgebende Band und wer hier eine Aneinanderreihung von Liedern, Konzerten und Fernsehauftritten erwartet, die oder der wird von der DVD enttäuscht werden. Die einzelnen Musikstücke gibt es zwar zu sehen und zu hören, wrden allerdings immer wieder durch Interviews, mal lustig und ausgelassen, mal eher nachdenklich, unterbrochen. Längst nicht alle „wichtigen“ Titel oder Hits von The Who sind auf „The Kids Are Alright“ enthalten, darum ging es bei der Erstellung dieses Materials auch nicht. Der Film sollte The Who erklären und genau das gelingt ihm auch sehr gut. Natürlich sieht man hier ebenso diverse „Explosion“ der zerstörerischen Art, wenn vor allen Dingen Keith Moon und Pete Townshend am Ende so manchen Auftritts ihre Instrumente auf der Bühne in Kleinteile zerlegen. Was immer man davon auch halten mag, Aufsehen haben die vier Musiker dadurch auf jeden Fall erhalten sowie erregt und galten lange Zeit als die „wildeste“ Band im Rock-Business der damaligen Epoche.

Eine Woche, nachdem sich Keith Moon zusammen mit Roger Daltrey die Roh-Fassung des Films angesehen hatte, verstarb der Schlagzeuger der The Who an einer Überdosis Tabletten, die er einnahm, um seinen Alkoholismus zu bekämpfen. Der Ablauf des Films wurde daraufhin nicht mehr verändert, weiter stand die Band im Vordergrund und damit alle vier Musiker, nämlich Pete Townshend, Roger Daltrey, John Entwistle und eben Keith Moon.

Fazit: Wer die Musik von The Who mag und die Band besser kennenlernen möchte, dem sei die DVD „The Kids Are Alright“ wärmstens empfohlen. Es gibt zwar keine deutsche Tonspur, noch nicht einmal deutsche Untertitel, wer jedoch dem Englischen ein wenig mächtig ist, sollte hier nur auch kaum Probleme haben. Man darf diesen Film nur nicht als Musikfilm sehen, obwohl natürlich jede Menge Musik darin vorkommt und zu hören ist. Trotzdem ist „The Kids Are Alright“ sehr viel eher eine Dokumentation von The Who über etwa eineinhalb Jahrzehnte. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Der Film



Mittwoch, 14. Juni 2017

Rainhard Fendrich – Und alles is ganz anders word’n




Rainhard Fendrich – Und alles is ganz anders word’n


Besetzung:

Rainhard Fendrich – Gesang, Akustische Gitarre, Luftballons, Chor


Gastmusiker:

Peter Ludwig – Klavier
Erwin Kienast – Klavier, Synthesizers, Clavinet, Strings
Ernst Chwatal – Strings
Anja Lechner – Cello
Dieter Frank – Akustische Gitarre
Martin Kunz – E-Gitarre
Alexander Munkas – Schlagzeug, Perkussion
Tommy Böröcz – Schlagzeug
Andi Steirer – Perkussion
Mischa Kraus – E-Bass
Herbert Novacek – E-Bass
Peter J. Müller – Mundharmonika
Gottfried Ettl – Luftballons
Gerhard Breyer – Schreibmaschine, Chor
Ina Wolf – Chor


Label: Phonogram


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: Liedermacher


Trackliste:

1. Razzia (4:18)
2. Schickeria (3:37)
3. Bodybuilder (3:01)
4. Polyäthylen (3:50)
5. Und alles is ganz anders word'n (5:11)
6. Sonnenuntergänge (4:51)
7. Ich hasse deine Liebe (4:17)
8. Deine Mutter (4:00)
9. Lass di falln (3:53)
10. Liebeslied (2:46)
11. Wien (4:03)

Gesamtspieldauer: 43:47



Im Jahr 1981 erschien das zweite Studio-Album des österreichischen Musikers und Liedermachers Rainhard Fendrich. Dieses trägt den Titel „Und alles is ganz anders word’n“ und wurde, wie schon der Vorgänger ein Jahr zuvor, auf dem Label Polygram veröffentlicht. Das Album erreichte in Österreich den ersten Platz der Album-Charts und ist musikalisch gesehen zweigeteilt. Auf der ersten Albumseite klingt alles eher poppig und wurde mit witzig gemeinten Texten versehen – bis auf das Titellied selbst. Auf der zweiten Albumseite sind die Lieder dann getragen von tiefer Melancholie, angefüllt mit viel Sentimentalität und auch Trauer.

Das Album beginnt mit dem Lied „Razzia“, ein ganz witziger Titel, durchaus ausgestattet mit einer Melodie, die ins Ohr geht. Anschließend folgen allerdings jede Menge Nummern, die mitunter fast an Schlager erinnern. Die Texte haben einen ganz eigenen Humor, den man wohl nicht verstehen muss und die Melodien der Lieder sind auch nicht dazu gedacht, längerfristig hängenzubleiben. Nun, das Lied „Strada Del Sole“ war der erste Hit des Rainhard Fendrich, besser macht dieser Umstand diesen Titel allerdings auch nicht. Der Tiefpunkt der Platte wird dann anaschließend mit der Nummer „Polyäthylen“ erreicht. Man weiß nicht genau was Rainhard Fendrich mit dem Lied erreichen wollte, am ehesten wahrscheinlich, dass seine Zuhörerinnen und Zuhörer schlank und sportlich bleiben. Denn zu Zeiten der Plattenspieler musste man immer noch aufstehen und den Tonarm per Hand weiter nach vorne setzen, um diesem atonalen und auch textlichen Quatsch ausweichen zu können.

Das letzte Lied der ehemaligen ersten LP-Seite und gleichzeitig das Titellied „Und alles is ganz anders word’n“, leitet dann jedoch die Stimmung für die zweite Plattenseite ein. Diese ist eine völlig andere. Jetzt bewegt sich Rainhard Fendrich musikalisch im Bereich der Liedermacher. Die Stimmung der Musik ist nun eine dunkle, tieftraurige und melancholisch-sentimentale. Gleichzeitig befinden sich hier zwei der schönsten Lieder des Österreichers. „Ich hasse deine Liebe“ und „Deine Mutter“ sind zwei wirklich wunderschöne und eingängige Titel, sanft und sehr melodiös, ausgestattet mit lohnenden Texten. Musik, in die sich nun wirklich einzutauchen lohnt.

Fazit: Zweigeteilt ist die Musik auf Rainhard Fendrichs zweitem Album mit dem Titel „Und alles is ganz anders word’n“. Klingt die erste Plattenseite noch überwiegend beschwingt fröhlich und poppig, so stehen Sentimentalität und Melancholie auf der zweiten Seite im Mittelpunkt. „Und alles is ganz anders word’n“ enthält sowohl das schrecklichste, „Polyäthylen“, sowie das schönste Lied, „Deine Mutter“, die ich von Rainhard Fendrich kenne. Von daher ist die Scheibe zumindest ein sehr abwechslungsreiches Album geworden. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Razzia, Und alles is ganz anders word'n, Ich hasse deine Liebe, Deine Mutter



Dienstag, 13. Juni 2017

Mike Batt – Starsound Collection




Mike Batt – Starsound Collection


Besetzung:

Mike Batt – vocals, keyboards


Gastmusiker:

Keine weiteren Angaben


Label: CBS Records


Erscheinungsdatum: 1983


Stil: Pop


Trackliste:

1. It Seemed Like A Good Idea At The Time (2:53)
2. Lady Of The Dawn (4:00)
3. Railway Hotel (3:21)
4. The Ride To Agadir (5:54)
5. Love Makes You Crazy (3:36)
6. Run Like The Wind (4:27)
7. Caravan Song (2:04)
8. The Walls Of The World (3:19)
9. The Winds Of Change (3:56)
10. Mona (5:55)
11. Imbecile (5:05)
12. Theme From "Caravans" (3:38)

Gesamtspieldauer: 48:08




Unter dem Titel „Starsound Collection“ wurde im Jahr 1983 ein „Best Of…“-Album mit den Hits des Mike Batt aus den Jahren 1977 bis 1982 veröffentlicht. Die Scheibe erschien auf dem Label CBS Records und unter der Überschrift „Starsound Collection“ gab es auch Veröffentlichungen von Joan Baez, Santana, Janis Joplin, Donovan, Leonard Cohen und Fleetwood Mac unter anderen. Als Beilage zu diesen Veröffentlichungen lag jeder Platte noch eine sogenannte „Künstlerstory“ bei, in der das Werk und die Karriere des jeweiligen Künstlers beziehungsweise der jeweiligen Band nochmals ausführlich beschrieben wurde. Diese Beilage wurde von den Musikjournalen Musik Express und Sounds erstellt.

Deutlich wird an diesem Kompilationsalbum einmal mehr, dass Mike Batt die Verbindung zwischen Orchester und populärer Musik zu lieben scheint. Diese Verbindung gibt es auf dieser Zusammenstellung des Öfteren zu hören. So beinhaltet auch eines der bekanntesten Mike Batt Stücke, das Lied „The Ride To Agadir“, diese Fusion unterschiedlicher musikalischer Stile. Ein Höhepunkt des Albums ist sicher der Titel „Love Makes You Crazy“, den Mike Batt im Rahmen des Auftrags für ein Video-Musical für das australische Fernsehen schrieb. Das Lied ist eine Synthie Pop Nummer, sehr eingängig und mit Ohrwurmcharakter ausgestattet. Weiterer Höhepunkt ist das Lied „The Winds Of Change“, von seinem 1980er Album „Waves“. Schließlich sei an dieser Stelle noch das Lied „Imbecile“, ein weiterer Zusammenfluss von Rock und klassischen Instrumenten, gesungen von Roger Chapman.

Auch die weiteren Nummern auf dieser „Starsound Collection“ sind durchaus melodiös gehalten. Überzeugend klingt dies allerdings nicht immer, denn die manchmal auch etwas inflationär eingesetzten Streicher und Orchesterinstrumente können so manches Lied auch an den Rand des Kitsches balancieren lassen. Seicht klingt es dann und anbiedernd. Für Hörerinnen und Hörer, die eher auf rockige Töne stehen, könnten somit einzelne Lieder hart an der Grenze und nur noch schwer zu ertragen sein.

Fazit: Mit Mike Batts „Starsound Collection“ bekommt man einen schönen Überblick über das Schaffen des Briten gegen Ende der 70er und Anfang der 80er Jahre des letzten Jahrhunderts. Vieles davon wirkt sehr weich, was nicht zuletzt an der orchestralen Instrumentierung liegt. Nicht absprechen kann man Mike Batt sein Gespür für so manch schöne Melodie. Für Freunde der „härteren“ Töne ist die Musik von Mike Batt allerdings definitiv nicht geeignet. Acht Punkte.

Anspieltipps: The Ride To Agadir, Love Makes You Crazy, The Winds Of Change, Imbecile



Montag, 12. Juni 2017

Flash And The Pan – Early Morning Wake Up Call




Flash And The Pan – Early Morning Wake Up Call


Besetzung:

Harry Vanda – guitar, vocals
George Young – synthesizer, vocals


Gastmusiker:

Keine weiteren Angaben


Label: Epic Records


Erscheinungsdatum: 1984


Stil: Pop Rock, Synthie Pop


Trackliste:

1. Early Morning Wake Up Call (4:05)
2. Communication Breakdown (3:29)
3. Barking At The Moon (3:59)
4. Downtown Too Long (4:20)
5. Opera Singers (4:53)
6. Midnight Man (4:56)
7. On The Road (5:06)
8. Look At That Woman Go (4:53)
9. Fat Night (3:59)
10. Believe In Yourself (4:24)

Gesamtspieldauer: 44:04




„Early Morning Wake Up Call“ heißt das vierte Studioalbum des australischen Duos Harry Vanda und George Young alias Flash And The Pan und wurde im Jahr 1984 auf dem Label Epic Records veröffentlicht. Zu hören ist darauf eine Mischung aus Pop-Rock und Synthie Pop, durchaus nach den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts klingend und eindeutig in ihnen verwurzelt.

Die Platte ist hauptsächlich elektronisch geprägt, der Synthie Pop ist absolut nicht zu verleugnen. Dennoch gibt es auch rockigere Töne auf „Early Morning Wake Up Call“ zu hören, bei denen dann mal die Gitarre einen besonderen Auftritt erhält. Insgesamt steht dieses Instrument gegenüber dem Synthesizer jedoch deutlich im Hintergrund. Vieles auf der Scheibe ist tanzbar und fand auch seinen Einsatz in den Discotheken der Welt. Deutlich weniger auf „Early Morning Wake Up Call“ klingt allerdings auch heute noch wirklich hörenswert. Oftmals ist das irgendwie nur noch unaufgeregter Pop-Durchschnitt.

Zu den Höhepunkten der Platte gehört sicherlich das Titelstück und gleichzeitig erstes Lied auf der Platte, „Early Morning Wake Up Call“. Dies ist eine eingängige und poppige Nummer, die auch nach nur einmaligem Hören einen gewissen Wiedererkennungswert aufweist. Ebenfalls noch sehr gelungen ist der Titel „Midnight Man“. Dieser stellt den Einstieg in die ursprünglich zweite Plattenseite dar, klingt ebenfalls sehr melodiös und verfügt auch über diesen gewissen Nachhaltigkeitsfaktor, den ein Lied haben muss, um erinnert zu werden. Nicht zuletzt dieses Lied trug mit zum Erfolg der Platte bei und füllte in den 80ern die Tanzflächen.

Die restlichen acht Lieder auf „Early Morning Wake Up Call“ sind ganz netter Pop, manchmal mehr von den Gitarren- meist mehr vom Synthesizer beziehungsweise Keyboard dominiert. Das lässt sich dann auch ganz gut anhören, zu begeistern schafft es diese Musik allerdings nicht mehr.

Fazit: Pop-Musik aus den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts hört man auf „Early Morning Wake Up Call“. Mit den beiden Titeln „Early Morning Wake Up Call“ und „Midnight Man“ besitzt das Album auch zwei Höhepunkte, jeweils zu Beginn der ehemaligen LP-Seiten. Das waren allerdings auch schon die wirklich überzeugenden Lieder der Platte. Der Rest des Albums ist ganz eingängiger, jedoch keineswegs mehr begeisternder Pop. Sieben Punkte.


Anspieltipps: Early Morning Wake Up Call, Midnight Man