Datashoc – Kräuter der Provinz

Datashoc – Kräuter der Provinz


Besetzung (ohne Instrumentenangaben):

Ulf Schütte
Christian Berghoff
Pascal Hector
Jan Werner
Sebastian Haas
Jan Stütz
Ruth-Maria Adam
Ronnie Oliveras


Label: Bureau B


Erscheinungsdatum: 2018


Stil: Ambient, Elektronische Musik


Trackliste:

1. Hullu Gullu, wir liefern Shizz (6:10)
2. Wenn alle wollen, will uch auch! (11:05)
3. Im Zuchtstall der Existenzhengste (16:12)
4. Spirituelle Enthaltsamkeit im Sandwichverfahren (12:43)
5. Schönster Gurkenschwan (11:44)
6. Marodierende Sachbearbeiter aus Teilzeit (7:50)
7. Halb-Halb, wie ein guter Kloß (12:56)

Gesamtspieldauer: 1:18:43

Im Jahr 2003 wurde Datashoc gegründet. Dies ist eine Ansammlung von Musikern, die im Fluss ist, wie der häufige Wechsel der beteiligten Personen aufzeigt. Die Musiker treffen sich und musizieren zusammen, so entstehen Improvisationen, die sich häufig im Bereich des Ambient bewegen, fast keine Melodien aufweisen und jede Menge Atmosphäre transportieren. Und genauso klingt auch das im Dezember des Jahres 2014 aufgenommene Album „Kräuter der Provinz“, welches dieses Jahr im Mai auf dem Plattenlabel Bureau B veröffentlicht wurde.

Irgendwo zwischen Psychedelic und Ambient angesiedelt, betiteln die Musiker ihre Improvisationen selbst mit „Neo-Hippie-Spook-Folk“. Das klingt ganz nett und interessant, die Worte einzeln betrachtet höre ich jedoch nicht alle auf „Kräuter der Provinz“ – einzig etwas „spooky“ klingt es schon ab und an auf dem Album, und zwar immer dann, wenn es sehr sphärisch wird. Oftmals entsteht allerdings auch durch die Mischung diverser Komponenten etwas ganz Neues. Doch auch dieser Ansatz will sich mir leider auf „Kräuter der Provinz“ nicht erschließen. Hinter den wahrlich witzigen Lied-Titeln verstecken sich mal rhythmischere, mal sphärischere Nummern, die neben der Atmosphäre leider manchmal auch deutlich zu viel dieser Sphäre transportieren und dann Gefahr laufen in ein wenig Langeweile abzudriften.

Trotzdem schmecken die „Kräuter der Provinz“ an mancher Stelle auch würzig und gehaltvoll. Am überzeugendsten für mich im „Zuchtstall der Existenzhengste“. Hypnotisierende Redundanzen treffen auf indische Klänge und beim Hören scheint das eigene Karma zu leuchten, wenn man die Musik nur tief genug eindringen lässt. Auch „Hullu Gullu, wir liefern Shizz“ kann da überzeugen. Deutlich rhythmischer geartet als die meisten anderen Titel des Albums, kommt diese Nummer dem Genre „Krautrock“, wie man es von langen Instrumentalpassagen bei Grobschnitt oder Jane kennt, am nächsten. Ab dem Titel „Spirituelle Enthaltsamkeit im Sandwichverfahren“ steht dann doch eher das Genre Ambient im Zentrum der Musik. Es „tut sich nicht mehr viel“, dafür klingt es umso atmosphärischer.

Fazit: „Kräuter der Provinz“ klingt zweigeteilt. Die ersten drei Titel sind rhythmischer geraten, auch ein wenig abwechslungsreicher. Ab der vierten Nummer dominiert die stimmungsvolle Sphäre. Interessant klingt das schon, nicht durchgängig, jedoch immer wieder. Acht Punkte.

Anspieltipps: Im Zuchtstall der Existenzhengste, Hullu Gullu wir liefern Shizz

Man – Rhinos, Winos And Lunatics

Man – Rhinos, Winos And Lunatics


Besetzung:

Micky Jones – guitar, vocals
Deke Leonard – guitar, vocals
Malcolm Morley – guitar, keyboards, vocals
Ken Whaley – bass
Terry Williams – drums, vocals


Label: Parlophone


Erscheinungsdatum: 1974


Stil: Rock


Trackliste:

1. Taking The Easy Way Out Again (4:22)
2. The Thunder And Lightning Kid (5:17)
3. California Silks And Satins (4:40)
4. Four Day Louise (6:04)
5. Intro (0:44)
6. Kerosene (6:29)
7. Scotch Corner (9:04)
8. Exit (1:13)

Gesamtspieldauer: 37:57

„Rhinos, Winos And Lunatics“ heißt das siebte Studioalbum der walisischen Rockband Man und wurde im Mai 1974 ursprünglich auf dem Plattenlabel United Artists Records veröffentlicht. Das Album konnte sich vier Wochen in den britischen Albumcharts platzieren und kletterte dort bis auf Platz 24. Wieder mal hatte es eine Veränderung in der Besetzung der Band gegeben. Deke Leonard war zu Man zurückgekehrt und hatte mit Malcolm Morley und Ken Whaley gleich zwei Musiker der Band Help Yourself mitgebracht, bei der er sich während seiner Abwesenheit von Man engagierte.

Auch auf „Rhinos, Winos And Lunatics“ gibt es zunächst lediglich am Rande Töne in Richtung Psychdelic Rock oder Progressive Rock zu hören. Sehr viel häufiger ist das eher konventionelle Rock-Musik, die man auf dieser Platte geboten bekommt. Allerdings klingen die Lieder gerade gegen Ende der Scheibe dann doch eingängiger, spannender und hörenswerter, als noch zu Beginn dieses Albums. Beginnt „Rhinos, Winos And Lunatics“ relativ bieder, so steigert sich die Musik im weiteren Verlauf deutlich.

Die beiden Stücke „Kerosene“ und „Scotch Corner“ stellen dabei die Höhepunkte des Albums dar. Die Musik geht ins Ohr und lange Instrumentalpassagen animieren zum Mitwippen der Füße. Dazu weisen die Titel sehr schön arrangierte Gesangspassagen auf, vollführen einige Wendungen und heben sich auch dadurch deutlich von eher unscheinbaren Rock-Nummern ab. Diese beiden Titel münden in Jam-artigen und langen Abschnitten, die weit über den Durchschnitt herausreichen. Hier streift die Musik, der Waliser nun erneut und wieder deutlicher als auf manch Vorgängeralbum das Genre des Progressive Rock und lässt die Platte schließlich mit „Exit“ auch überzeugend ausklingen.

Fazit: Die Rückkehr des Gitarristen Deke Leonard hat der Musik von Man sehr gut getan. Die Lieder klingen gegen Ende auf „Rhinos, Winos And Lunatics“ nicht nur melodiöser und eingängiger, sondern auch sehr viel spannender, als auf manch anderer Veröffentlichung der walisischen Band. Ist die ehemalige erste Seite der Platte noch eher eine langweilige Angelegenheit, so punkten Man mit ihren langen Instrumentalpassagen auf der zweiten Seite umso deutlicher. Lohnt wieder. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Kerosene, Scotch Corner

Leonard Cohen – Popular Problems

Leonard Cohen – Popular Problems


Besetzung:

Leonard Cohen – vocals


Gastmusiker:

Patrick Leonard – keyboards
Joe Ayoub – bass
Brian MacLeod – drums
Alexandru Bublitchi – violin
James Harrah – guitar
Charlean Carmon – backing vocals
Dana Glover – backing vocals
Donna De Lory – backing vocals


Label: Columbia Records


Erscheinungsdatum: 2014


Stil: Folk Pop


Trackliste:

1. Slow (3:25)
2. Almost Like The Blues (3:28)
3. Samson In New Orleans (4:39)
4. A Street (3:32)
5. Did I Ever Love You (4:10)
6. My Oh My (3:36)
7. Nevermind (4:39)
8. Born In Chains (4:55)
9. You Got Me Singing (3:32)

Gesamtspieldauer: 36:00

„Popular Problems“ nannte der kanadische Sänger und Songschreiber Leonard Cohen sein dreizehntes Studioalbum. Es erschien am 19. September 2014 auf dem Plattenlabel Columbia Records und ist einmal mehr mit dieser warmen und sanften Musik angefüllt, die von einem sonoren Sprechgesang begleitet wird. In vielen Ländern kletterte das Album bis auf Platz 1 der Charts, in Deutschland erreichte es immerhin Platz 4.

Sehr häufig kommt auf „Popular Problems“ weiblicher Hintergrundgesang zum Einsatz. Mal hört man die Sängerinnen im Chor, mal auch einzeln. Dieses Stilmittel wird auf dem Album fast schon inflationär eingesetzt, wobei hier „etwas weniger“ sicherlich interessanter gewesen wäre. Trotzdem wirkt die Musik auf „Popular Problems“ sogar noch ein wenig intensiver, als noch auf dem Vorgängeralbum „Old Ideas“. Die Stimme des Leonard Cohen klingt rauer, sogar gebrochener und lässt die einzelnen Titel dabei noch etwas packender wirken. Diese gehen erneut ins Ohr, umschmeicheln dieses sanft und bilden den perfekten Abschluss für einen aufregenden Tag.

Mit „My Oh My“ enthält „Popular Problems“ auch wieder eines dieser ganz besonderen Lieder, die die Musik des Leonard Cohen ebenfalls auszeichnen. „My Oh My“ ist ein Lied, welches bereits beim ersten Mal des Hörens ins Ohr geht, ein Lied, welches aufhorchen lässt. Genial dabei auch die Bläsereinsätze, die dem Titel diese wunderschöne Entspanntheit verleihen. Auch die restlichen Nummern auf „Popular Problems“ wirken, lediglich das „My Oh My“ nachfolgende „Nevermind“ klingt in meinen Ohren etwas zu synthetisch, etwas monoton, mit zu viel Hintergrundgesang ausgestattet und nicht mehr ganz so überzeugend. Dazu gesellen sich noch arabische Töne, aber das ist ganz gewiss Geschmackssache, bei mir mag es eben leider nicht zünden.

Fazit: Auch mit „Popular Problems“, seinem dreizehnten Studio-Album, ist Leonard Cohen eine sehr überzeugende Scheibe gelungen. Man hört darauf den für den Kanadier so typischen Sound, sanfte Musik, die von seiner ausdrucksstarken Stimme dominiert wird. Mit „My Oh My“ ist zudem ein wunderschöner Ohrwurm enthalten, der diese Platte nochmals hörenswerter werden lässt. Neun Punkte.

Anspieltipps: My Oh My

Lou Reed – Coney Island Baby

Lou Reed – Coney Island Baby


Besetzung:

Lou Reed – vocals, rhythm guitar, piano


Gastmusiker:

Bob Kulick – lead and slide guitar
Bruce Yaw – acoustic bass, electric bass
Michael Suchorsky – drums, percussion
Joanne Vent – background vocals
Michael Wendroff – background vocals
Godfrey Diamond – background vocals


Zusätzliche Musiker der Bonus Tracks:

Doug Yule – bass on bonus tracks 2, 4-6, guitar on bonus tracks 4-6
Bob Meday – drums on bonus tracks 2, 4-6
Michael Fonfara – keyboards on bonus tracks 2, 4-6


Label: RCA Records


Erscheinungsdatum: 1976


Stil: Rock, Glam Rock


Trackliste:

1. Crazy Feeling (2:54)
2. Charley’s Girl (2:39)
3. She’s My Best Friend (6:00)
4. Kicks (6:04)
5. A Gift (3:45)
6. Ooohhh Baby (3:46)
7. Nobody's Business (3:49)
8. Coney Island Baby (6:46)

Bonus Tracks der remasterten Wiederveröffentlichung zum 30. Jubiläum:

9. Nowhere At All (aufgenommen am 18. & 21. 1975 November in den Mediasound Studios, NYC) (3:17)
10. Downtown Dirt (aufgenommen am 3. & 4. Januar 1975 in den Electric Lady Studios, NYC) (4:18)
11. Leave Me Alone (aufgenommen am 19, & 20. Oktober 1975 in den Mediasound Studios, NYC) (5:35)
12. Crazy Feeling (aufgenommenam 3. & 4. Januar 1975 in den Electric Lady Studios, NYC) (2:39)
13. She’s My Best Friend (aufgenommen am 4. Januar 1975 in den Electric Lady Studios, NYC) (4:08)
14. Coney Island Baby (aufgenommen am 6. Januar 1975 in den Electric Lady Studios, NYC) (5:41)

Gesamtspieldauer: 1:01:28

„Coney Island Baby“ nannte der US-amerikanische Musiker Lou Reed sein sechstes Solo-Album. Dieses erschien am 19. Januar 1976 auf dem Plattenlabel RCA Records. „Coney Island Baby“ ist noch ein wenig mehr ein bluesiges Rock-Album geworden, als die ersten Solo-Platten des Lou Reed, nehmen wir mal den direkten Vorgänger „Metal Machine Music“ aus, der in ganz anderen Bereichen fischte. Viele der Lieder auf „Coney Island Baby“ wurden inspiriert durch die damalige Freundin und Muse Lou Reeds, einer Transgender-Frau namens Rachel, und sind ihr auch gewidmet.

Entgegen anderslautenden Meinungen klingt die Platte für mich allerdings keinesfalls romantisch und auch kaum nach Liebesbekundungen. Jedoch muss man diese Aussage einschränken, denn die Texte gehen eindeutig in jene Richtung, wollen allerdings nicht so richtig zur Musik auf „Coney Island Baby“ passen. Die Musik klingt rockig und auch vom Blues angehaucht, doch mag irgendwie nichts so recht ins Ohr gehen von dieser Scheibe. Vielmehr läuft die Musik einfach nur durch und bleibt dabei kaum hängen. Kein Lied, an das man sich länger erinnert. Leider auch kein Lied, an das man sich wirklich auch länger erinnern möchte.

Das wiederum bedeutet nicht, dass sich auf „Coney Island Baby“ schlechte Musik befinden würde. Allerdings ist das Album mit Liedern angefüllt, die einfach nicht zünden und dabei zumeist auch noch langweilen. Um an dieser Stelle doch ein paar Lieder herauszuheben, sei die Nummer „She‘s My Best Friend“ erwähnt, ein langsamer Titel, der behäbig dahinplätschert und dabei durchaus unterhält. Das Lied „A Gift“ unterhält vor allen Dingen durch seinen etwas ironisch gehaltenen Text. Musikalisch plätschert der Titel ebenfalls ruhig dahin. Das eindrucksvollste Lied des Albums befand sich ursprünglich noch nicht mal auf der Platte und ist Bestandteil der Zugaben der Ausgabe zum 30. Jubiläum von „Coney Island Baby“. „Downtown Dirt“ ist ein sehr ruhiges und dunkles Lied, welches seine Atmosphäre intensiv transportiert.

Fazit: „Coney Island Baby“ ist ganz bestimmt nicht das beste Album des Lou Reed geworden. Bluesiger Rock oder rockiger Blues, ganz wie man mag. Das Problem der Scheibe ist das Liedmaterial, welches einfach weder ins Ohr gehen will noch sonst irgendwie spannend klingt. Alles läuft so durch, ohne etwas zu hinterlassen. Man könnte das ganze Album auch mit „langweilig“ betiteln – falsch wäre das nicht. Sechs Punkte.

Anspieltipps: She‘s My Best Friend, A Gift, Downtown Dirt

Mark Knopfler – Tracker

Mark Knopfler – Tracker


Besetzung:

Mark Knopfler – vocals, guitar


Gastmusiker:

Guy Fletcher – keyboards, vocals
Bruce Molsky – fiddle, rhythm guitar, banjo
John McCusker – fiddle, cittern
Michael McGoldrick – whistle, wooden flute
Phil Cunningham – accordion
Glenn Worf – bass guitar
Ian Thomas – drums
Nigel Hitchcock – saxophone
Tom Walsh – trumpet
Ruth Moody – vocals


Label: Mercury Records


Erscheinungsdatum: 2015


Stil: Rock, Folk


Trackliste:

1. Laughs And Jokes And Drinks And Smokes (6:40)
2. Basil (5:44)
3. River Towns (6:16)
4. Skydiver (4:38)
5. Mighty Man (5:55)
6. Broken Bones (5:30)
7. Long Cool Girl (5:05)
8. Lights Of Taormina (6:09)
9. Silver Eagle (5:01)
10. Beryl (3:10)
11. Wherever I Go (6:26)

Gesamtspieldauer: 1:00:41

„Tracker“ heißt das achte Solo-Album des britischen Sängers, Songwriters und Gitarristen Mark Knopfler. Das Album erschien am 16. März 2015 auf dem Plattenlabel Mercury Records und beinhaltet eine Mischung aus Rock und Folk. „Tracker“ kletterte in Deutschland bis auf Platz 1 der Charts, im Vereinigten Königreich erreichte das Album Platz 3, in den USA immerhin Platz 14 der Billboard 200. In den US Folk Album Charts erreichte es ebenfalls die Spitzenposition.

Mark Knopfler hat inzwischen seinen ganz eigenen musikalischen Kosmos entwickelt. Kaum einen Musiker erkennt man so schnell an seiner Stimme, dem Klang seiner Gitarre und auch an der Atmosphäre, die mit seinen Liedern transportiert wird. Letztere ist zumeist eine sehnsüchtige und klingt auf „Tracker“ zudem überaus folkig angehaucht. Teilweise glaubt man sich bei geschlossenen Augen in den Highlands Schottlands. Dabei ist die Musik an jeder Stelle des Albums äußerst melodiös und geht ins Ohr. Die Lieder besitzen vielleicht nicht mehr die Dynamik wie jene aus seiner Zeit mit den Dire Straits, klingen allgemein sanfter, ruhiger, entspannter, haben deswegen allerdings keinesfalls weniger Tiefgang. Auf „Tracker“ befindet sich Musik zu Durchatmen und Verschnaufen und dies mit jedem Takt.

Die einzelnen Titel sind allesamt im selben Stil gehalten – ohne Ausnahme. Schwierig ist es von daher eine bestimmte Nummer besonders hervorzuheben. Festzuhalten bleibt auf jeden Fall, dass die Musik mit jedem Durchlauf des Albums weiter wächst. Da ich hier trotzdem ein Lied nennen möchte, erwähne ich an dieser Stelle zum einen das Stück „Mighty Man“. Wunderschön klingt die Musik des Mark Knopfler hier, völlig unaufgeregt, sehr sehnsüchtig bis melancholisch und vielleicht noch ein klein wenig eingängiger als viele der anderen Titel auf „Tracker“. „Silver Eagle“ hört sehr verträumt und dabei fast schon zerbrechlich an. Pianoklänge, akustische Gitarre und dazu die sanfte Stimme des Mark Knopfler, das hat auf jeden Fall was.

Fazit: Ein sanftes und irgendwie auch nachdenkliches Album ist „Tracker“ von Mark Knopfler geworden. Alle Zutaten der Musik des gebürtigen Glasgowers sind auf dieser Platte enthalten. Warme Gitarrenklänge und dazu die unverwechselbare Stimme des Musikers machen auch „Tracker“ zu einem schönen musikalischen Erlebnis. Neun Punkte.

Anspieltipps: Mighty Man, Silver Eagle

Nick Mason & Rick Fenn – White Of The Eye

Nick Mason & Rick Fenn – White Of The Eye


Besetzung:

Nick Mason – keine weiteren Angaben
Rick Fenn – keine weiteren Angaben


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 1987


Stil: Soundtrack, Instrumentalmusik


Trackliste:

1. Goldwaters (2:52)
2. Remember Mike? (1:20)
3. Where Are You Joany? (2:12)
4. Dry Junk (3:20)
5. Present (2:28)
6. Thrift Store (3:26)
7. Prelude And Ritual (4:37)
8. Globe (2:38)
9. Discovery And Recoil (3:25)
10. Anne Mason (4:05)
11. Mendoza (2:40)
12. A World Of Appearances (3:21)
13. Sacrifice Dance (3:01)
14. White Of The Eye (3:37)

Gesamtspieldauer: 43:10

Bei Nick Masons drittem Solo-Album, was er allerdings erneut zusammen mit Rick Fenn schrieb, handelt es sich um den Soundtrack zum Film „White Of The Eye“, einem britischen Thriller aus dem Jahr 1987 unter der Regie von Donald Cammell und mit David Keith und Cathy Moriarty in den Hauptrollen. Der gleichnamige Soundtrack erschien im selben Jahr ursprünglich auf dem Plattenlabel Harvest und wurde im Jahr 2018 im Rahmen einer Box mit Nick Mason-Veröffentlichungen auf dem Label Warner Music wieder aufgelegt.

Der Film spielt in Arizona, USA und sehr oft kann man die Stimmung der Wüste mit flirrender Hitze in der Musik fast ergreifen. Ich kannte weder den Film noch dessen Inhalt, wurde allerdings beim Hören des Soundtracks von „White Of The Eye“ unweigerlich an US-amerikanische Wüstenlandschaften erinnert. Nur einmal klingt es auf dem Album dabei nach Country & Western wie bei dem Lied „Globe“. Ansonsten ist es oft eine sehnsüchtig klingende Gitarre, die vor einem leicht sphärischen Hintergrund ertönt, welche diese Atmosphäre hervorruft. Eine weitere Ausnahme bildet das Stück „Present“, welches genau so auch von Kitaros „Silk Road“ stammen könnte.

Alles auf „White Of The Eye“ bleibt Soundtrack-Musik, die mal gefälliger, mal langweiliger klingt. An 10CC oder gar Pink Floyd erinnert auf dem Album selbstverständlich nichts. Irgendwie kann man sich auch kaum vorstellen, dass jemand diese Scheibe auflegt, um in die Musik einzusteigen und diese zu genießen. Somit ist „White Of The Eye“ ein Album für Komplettisten, die jeden Schnipsel von den Pink Floyd- oder 10CC-Musikern besitzen möchten oder für Liebhaberinnen und Liebhaber dieses Films, um nochmals bei geschlossenen Augen in die Handlung einzusteigen.

Fazit: „White Of The Eye“ ist ein Soundtrack-Album, bei dem Pink Floyd Schlagzeuger Nick Mason und 10CC Gitarrist Rick Fenn ihre Zusammenarbeit vertiefen. Die Musik klingt sehnsüchtig, mitunter auch ganz nett, kann aber wohl mit den entsprechenden Bildern deutlich besser punkten als ohne diese. Trotzdem bleibt „White Of The Eye“ eine sehr entspannte Scheibe, die sich dann vielleicht doch auch zum Relaxen einsetzen lässt. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Remember Mike?, Present, Discovery And Recoil, White Of The Eye

Cage The Elephant – Cage The Elephant

Cage The Elephant – Cage The Elephant


Besetzung:

Matt Shultz – lead vocals
Brad Shultz – rhythm guitar
Jared Champion – drums
Daniel Tichenor – bass, backing vocals
Lincoln Parish – lead guitar


Label: Relentless Records


Erscheinungsdatum: 2008


Stil: Alternative Rock, Garage Rock


Trackliste:

1. In One Ear (4:01)
2. James Brown (3:20)
3. Ain‘t No Rest For The Wicked (2:55)
4. Tiny Little Robots (4:10)
5. Lotus (3:16)
6. Back Against The Wall (3:48)
7. Drones In The Valley (2:27)
8. Judas (3:26)
9. Back Stabbin‘ Betty (3:39)
10. Soil To The Sun (3:17)
11. Free Love (3:28)

Gesamtspieldauer: 37:53

Cage The Elephant ist eine US-amerikanische Rockband aus Bowling Green, Kentucky, die 2006 gegründet wurde, 2008 nach London, England, übersiedelte und dort auch am 23. Juni desselben Jahres ihr erstes, selbstbetiteltes Album veröffentlichte. Dieses erschien auf dem Plattenlabel Relentless Records, in den USA dauerte es bis zum darauffolgenden März, bis das Debut von Eat The Elephant auch dort erschien. Mit den Titeln „Free Love“, „In One Ear“, „Ain‘t No Rest For The Wicked“ sowie „Back Against The Wall“ wurden insgesamt vier Singles ausgekoppelt. In England erreichte die Platte Platz 38 der Charts. Die höchste Platzierung in den USA hieß Platz 59. Diesen erreichte das Album allerdings erst nach Veröffentlichung der zweite Platte „Thank You, Happy Birthday“, in dessen Sog sich auch das Debut nochmal besser verkaufte.

Auf „Cage The Elephant“ von Cage The Elephant hört man eine Mischung aus Alternative Rock und Independent Rock, die mit einer kleinen Prise Punk zusätzlich verfeinert wurden. Die Lieder besitzen dabei durchaus Melodien, die ins Ohr gehen. Hilfreich ist es im Falle dieses Debuts sehr, den Titeln etwas Zeit zum Reifen einzuräumen, denn mit jedem Durchgang scheint das Album besser und eingängiger zu klingen. Gerockt wird dabei durchaus durchgängig, die Musik besitzt sogar einen kleinen aggressiven Touch ohne, dass dieser jedoch zu übertreiben klingen würde. Die Füße wollen mitwippen, wenn man Cage The Elephant hört, man sollte sie lassen.

Auf der Scheibe findet sich kein richtiger Ausfall, die einzelnen Lieder verfügen durchgängig über eine gewisse Qualität und nichts klingt nach Füllmaterial – das wäre bei einer so kurzen Laufzeit von knappen 38 Minuten allerdings auch mehr als traurig. Die Höhepunkte des Albums befinden sich zu Beginn auf „Cage The Elephant“. Die beiden Nummern „In One Ear“ und „James Brown“ überzeugen mich am meisten, besitzen diesen gewissen und eingängigen Wiedererkennungswert, der Lieder zu interessanten und auch „schönen“ Nummern werden lässt. Beide Titel gehen besonders gut ins Ohr und verbleiben dort auch. Da auch der Rest des Albums wirkt, steht dem Hörgenuss nichts mehr im Wege.

Fazit: Punkigen Alternative Rock präsentieren Cage The Elephant ihren Hörerinnen und Hörern auf ihrem ersten selbstbetitelten Album aus dem Jahr 2008. Schon nach wenigen Durchläufen werden die einzelnen Lieder der Platte zu guten Bekannten, auf die man sich freut, wenn sie zu hören sind. Die Titel sind rockig, treiben nach vorne und werden dabei zu keiner Zeit und an keiner Stelle in irgendeiner Art und Weise verwässert. „Cage The Elephant“ von Cage The Elephant lässt sich gut hören. Neun Punkte.

Anspieltipps: In One Ear, James Brown

Crippled Black Phoenix – Horrific Honorifics

Crippled Black Phoenix – Horrific Honorifics


Besetzung:

Justin Greaves – drums, percussion, lead and rhythm guitar
Daniel Änghede – vocals
Mark Furnevall – synthesizers, bass


Gastmusiker:

Belinda Kordic – vocals, lead vocal on “Will-O-The-Wisp”
Helen Stanley – piano, synthesizer, harmonium, backing vocals
Jonas Stålhammar – added guitar
J. Ray [Black Hearted Riders] – vocals on “The Faith Healer”
Chrissie Caulfield – violin on “Will-O-The-Wisp” and “The Golden Boy Swallowed By The Sea”
Robert Potter – Mandola on “Will-O-The-Wisp”
Daisy Chapman – backing vocals on “False Spring” & “In Bad Dreams”


Label: Season Of Mist


Erscheinungsdatum: 2017


Stil: Alternative Rock, Progressive Rock


Trackliste:

1. False Spring (6:05)
2. The Golden Boy Swallowed By The Sea (5:34)
3. Will-O-The-Wisp (3:59)
4. Victory (8:00)
5. In Bad Dreams (3:08)
6. The Faith Healer (5:58)

Gesamtspieldauer: 32:46

Justin Greaves hat sich wohl auf die Fahne geschrieben jedes Jahr eine Veröffentlichung in dieser Welt zu hinterlassen. Dies ist allerdings immer dann problematisch, wenn man gerade über kein eigenes Material verfügt, welches man seinen Fans präsentieren könnte. Doch kein Problem, dann veröffentlicht man eben ein Album mit Cover-Versionen, dies hat schließlich im Jahr 1973 schon David Bowie mit seinem Album „Pin Ups“ gemacht. Und die Rolling Stones taten dies 2016 mit der Scheibe „Blue & Lonesome“ ebenso. Die genauen Beweggründe kenne ich allerdings nicht. Auf jeden Fall erschien im November 2017 unter dem Namen Crippled Black Phoenix die EP „Horrific Honorifics“ mit etwas über dreißigminütiger Laufzeit, welche mit insgesamt sechs Cover-Versionen ausgestattet ist.

Zu hören gibt es auf „Horrific Honorifics“ die Titel „False Spring”, ursprünglich von der Band Arboretum eingespielt. Sowie „The Golden Boy Swallowed By The Sea” von Swans, „Will-O-The-Wisp” von Magnolia Electric Co, „Victory” von No Means No, „In Bad Dreams” von The God Machine und schließlich „The Faith Healer”, was ursprünglich von der Sensational Alex Harvey Band stammt. Mit Progressive Rock hat die Platte nur sehr wenig gemein, es ist Indie bis Alternative Rock, den man auf „Horrific Honorifics“ zu hören bekommt. Das klingt alles nicht schlecht, jedoch hat man definitiv auch nichts verpasst, wenn man diese Scheibe überhört hat.

Ich kenne nicht alle hier enthaltenden ursprünglichen Titel, lediglich zwei im Original. Diese beiden Interpretationen schwanken von sehr gelungen im Falle von „Will-O-The-Wisp“ bis „längst nicht so spannend wie das Original“ bei „The Faith Healer“. Erstgenanntes Lied, welches in auf „Horrific Honorifics“ von Belinda Kordic eingesungen wird, transportiert eine tiefe und bis zur Verzweiflung reichende Melancholie wider und wirkt in dieser Version von Crippled Black Phoenix überaus intensiv. Die restlichen Titel klingen – ohne Vergleiche zu haben – nach durchaus eingängigem Alternative Rock, nicht mehr und nicht weniger.

Fazit: „Horrific Honorifics“ von Crippled Black Phoenix klingt nicht nach schrecklichen Ehrungen oder Auszeichnungen, wie uns der Titel der EP vielleicht Glauben machen möchte. Vielmehr hört man auf dieser relativ kurzen Scheibe melodiösen Alternative Rock, eher im langsamen bis maximal mittlerem Tempo beheimatet, der durchaus ins Ohr geht, ansonsten jedoch keinerlei größere Spuren hinterlässt. Acht Punkte.

Anspieltipps: Will-O-The-Wisp, In Bad Dreams

The Catch – 25 Years

The Catch – 25 Years


Besetzung:

Keine weiteren Angaben


Gastmusiker:

Keine weiteren Angaben


Label: Repertoire Records


Erscheinungsdatum: 1983 / 2014


Stil: Synthie Pop


Trackliste:

CD1:

1. 25 Years (Single Version) (3:58)
2. Voices (Single Version) (3:30)
3. On The Road Again (Single Version) (3:34)
4. Understood (Single Version) (4:22)
5. Under The Skin (Single Version) (3:32)
6. The End Of The Day (Single Version) (3:44)
7. Find The Love (Single Version) (3:38)
8. Across The Great Divide (Single Version) (3:08)
9. The Difference (Single Version) (3:30)
10. The Power To Change (Single Version) (4:01)
11. Soul Information (Single Version) (4:08)
12. Beyond Suspicion (Single Version) (3:39)
13. 25 Years (1991 Single Version) [Radio Mix] (3:59)
14. Style (The 1991 Version) (4:00)
15. A Man’s Gotta Do (What A Man’s Gotta Do) [Single Version] [Radio Mix] (3:32)
16. Against The Grain (4:51)
17. Balance On Wires (5:37)
18. 25 Years (Album Version 1991) (5:40)
19. 25 Years (1996 Version) (3:49)

CD2:

1. 25 Years (12 Inch Special Disco Version) (6:43)
2. On The Road Again (12 Inch Version) (6:19)
3. Under The Skin (12 Inch Version) (6:24)
4. Find The Love (12 Inch Version) (6:36)
5. Soul Information (Remix - 12 Inch Mix) (6:07)
6. The Difference (Remix - 12 Inch Mix) (6:06)
7. A Man’s Gotta Do (What A Man’s Gotta Do) [12 Inch Mix] (6:39)
8. 25 Years (Uk Mix) (5:06)
9. 25 Years (Breatbeat Mix) (7:04)
10. 25 Years (Mega Club Blast) [Version 96] (6:09)
11. 25 Years (25 Trips) [Version 96] (8:12)
12. 25 Years (Both Worlds Mix) [Version 96] (6:25)

Gesamtspieldauer CD1 (1:16:23) und CD2 (1:17:56): 2:34:19

Don Snow, der am 13. Januar 1957 in Nairobi, Kenia geboren wurde, ist ein Sänger, Hammond-Organist, Pianist, Gitarrist, Bassist, Schlagzeuger und Saxophonist, der an mehreren Bands beteiligt war. Squeeze, The Sinceros oder auch Procol Harum seien hier genannt. Zudem tourte er häufig mit Van Morrison und spielte auf drei seiner Alben Hammond Orgel und Klavier. In den 80er Jahren hatte der die New Wave Combo The Catch gegründet, die im Grunde genommen lediglich aus ihm selbst bestand. Diese ist – auch wenn es im Begleittext zu dem vorliegenden Album anders steht – eine dieser One-Hit-Wonder-Bands, die einen Hit hatte und anschließend wieder in der Versenkung verschwand. Dieser Hit heißt „25 Years“, genau wie diese Zusammenstellung, die im Jahr 2014 in Form einer Doppel-CD erschien. Das Lied selbst stammt aus dem Jahr 1983 und war vor allen Dingen in Deutschland sehr erfolgreich, wo es bis auf Platz 3 der deutschen Charts kletterte, eine halbe Million Exemplare verkaufte und 40 Wochen lang in den Charts verblieb.

Das Lied „25 Years“ ist ein Ohrwurm. Der Titel verfügt über eine sehr eingängige Melodie zu der Don Snow, der sich inzwischen übrigens Jonn Savannah nennt und in Medford, New Jersey lebt, mit seiner Falsett-Stimme den Text zelebriert. Dazu gesellt sich eine Rhythmusfraktion, die erst nach knapp einer Minute einsetzt und im Video zum Lied unter anderem aus einem Hammer besteht, der einen Ambos leicht zeitversetzt malträtiert. Gerade diese Perkussion stellt ebenfalls etwas Besonderes dar und macht das Lied mit aus und zu dem Ohrwurm, zu dem es wird. Das Lied „25 Years“ ist auf dieser Zusammenstellung insgesamt zehn Mal (!) enthalten. Zehn verschiedene Ausführungen des Titels gibt es da zu erhören, von denen solche wie „25 Years (Mega Club Blast) [Version 96]“ nicht mehr als das ursprüngliche Lied zu erkennen sind. Auch sonst gibt es auf dieser Zusammenstellung einige Versionen, die einem fast das Herz bluten lassen. Richtig gelungen sind die Originalversion, die Versionen von „25 Years (1991 Single Version) [Radio Mix]“ sowie „25 Years (12 Inch Special Disco Version)“. Nicht jede Version ist also hörenswert.

Dasselbe kann man über den Rest auf diesem Kompilationsalbum sagen. Da hört man Lieder, welche noch mit dem Label „ganz nett“ umschrieben werden können wie die Nummer „Voices“ oder auch mit „gelungen“, wie das Canned Heat Cover „On The Road Again“ (nicht zu verwechseln mit dem gleichnamigen Lied von Willie Nelson). Der ganze Rest der Scheibe bewegt sich zwischen den Genres Disco, Funk und Soul. Auch diese Lieder sind zum Teil in mehreren Versionen enthalten. Kann man vielleicht mögen, muss man aber nicht. Das meiste klingt zumeist sehr langweilig, besitzt triefende Texte und machte The Catch oder Don Snow auch nicht berühmt. Es ist das Lied „25 Years“, welches den Erfolg dieser kurzlebigen „Band“ begründete. Der Text des Titels handelt übrigens auch nicht von Liebe und Herzschmerz. Bei „25 Years“ geht es um verschenkte und versäumte Zeit, um einen Neuanfang und dass jetzt eben nochmals 25 Jahre kommen, in denen etwas anders laufen kann als zuvor. Es ist immer genügend Zeit vorhanden, sich neu zu orientieren und zu verwirklichen – zumindest für den Protagonisten des Titels „25 Years“.

Fazit: Das Lied „25 Years“ ist eine schöne Nummer, ein Ohrwurm, typisch im Stil der 80er Jahre gehalten. Mit der Falsett-Stimme des Don Snow muss man natürlich zurechtkommen, das Lied selbst geht allerdings ins Ohr. Eingängige Melodie, besonderer Rhythmus. Alles andere, auch die diversen Mixe des Titelsongs, scheinen eher überflüssig. Wer jedoch mal wieder musikalisch intensiv in die 80er Jahre einsteigen möchte, die oder der wird mit vielem auf dieser Kompilation Spaß haben. Acht Punkte.

Anspieltipps: 25 Years (Single Version), 25 Years (12 Inch Special Disco Version)

The Jimi Hendrix Experience – Electric Ladyland

The Jimi Hendrix Experience – Electric Ladyland


Besetzung:

Jimi Hendrix – lead vocals, guitar, piano, percussion, comb and tissue paper kazoo, electric harpsichord, bass on "Have You Ever Been (To Electric Ladyland)", "Long Hot Summer Night", "Gypsy Eyes", "1983", "House Burning Down", and "All Along The Watchtower"
Noel Redding – backing vocals, bass on "Crosstown Traffic", "Little Miss Strange", "Come On (Let The Good Times Roll)", "Burning Of The Midnight Lamp", and "Voodoo Child (Slight Return)", acoustic guitar and lead vocals on "Little Miss Strange"
Mitch Mitchell – backing vocals, drums (except on "Rainy Day Dream Away" and "Still Raining, Still Dreaming"), percussion, lead vocals on "Little Miss Strange"


Gastmusiker:

Jack Casady – bass on "Voodoo Chile"
Brian Jones – percussion on "All Along The Watchtower"
Al Kooper – piano on "Long Hot Summer Night"
Dave Mason – twelve-string guitar on "All Along The Watchtower", backing vocals on "Crosstown Traffic"
The Sweet Inspirations – backing vocals on "Burning Of The Midnight Lamp"
Steve Winwood – Hammond organ on "Voodoo Chile"
Chris Wood – flute on "1983... (A Merman I Should Turn To Be)"
Larry Faucette – congas on "Rainy Day, Dream Away" and "Still Raining, Still Dreaming"
Mike Finnigan – organ on "Rainy Day, Dream Away" and "Still Raining, Still Dreaming"
Buddy Miles – drums on "Rainy Day, Dream Away" and "Still Raining, Still Dreaming"
Freddie Smith – tenor saxophone on "Rainy Day, Dream Away" and "Still Raining, Still Dreaming"


Label: Sony Music (ursprünglich: Reprise Records / Track Records)


Erscheinungsdatum: 1968


Stil: Psychedelic rock


Trackliste:

1. And The Gods Made Love (1:22)
2. Have You Ever Been (To Electric Ladyland) (2:10)
3. Crosstown Traffic (2:26)
4. Voodoo Chile (14:59)
5. Little Miss Strange (2:52)
6. Long Hot Summer Night (3:27)
7. Come On (Let The Good Times Roll) (4:09)
8. Gypsy Eyes (3:43)
9. Burning Of The Midnight Lamp (3:39)
10. Rainy Day, Dream Away (3:42)
11. 1983... (A Merman I Should Turn To Be) (13:39)
12. Moon, Turn The Tides...Gently Gently Away (1:01)
13. Still Raining, Still Dreaming (4:25)
14. House Burning Down (4:32)
15. All Along The Watchtower (4:00)
16. Voodoo Child (Slight Return) (5:13)

Gesamtspieldauer: 1:15:28

„Electric Ladyland“ heißt das dritte und letzte Studioalbum der Englisch-US-amerikanischen Rockband The Jimi Hendrix Experience. Das Doppelalbum, welches ursprünglich am 16. Oktober 1968 auf den Plattenlabeln Reprise Records in Nordamerika und Track Records in Europa veröffentlicht wurde, war die einzige Platte der Band, die Jimi Hendrix auch selbst produzierte. Bis Mitte November hatte das Album in den Vereinigten Staaten Platz 1 erreicht, wo es sich zwei Wochen lang an der Spitze halten konnte. „Electric Ladyland“ war die kommerziell erfolgreichste Veröffentlichung der Jimi Hendrix Experience und ihr einziges Nummer 1 Album in den USA. In Großbritannien erreichte das Album immerhin den sechsten Platz; in Deutschland Platz 12. „Electric Ladyland“ enthält das Bob Dylan Cover „All Along The Watchtower“, was zur meistverkauften Single der Band wurde. Die ursprünglich als Doppel-LP veröffentlichte Platte ist auf vielen Listen vertreten, wenn es darum geht die besten Alben aller Zeiten zu küren. So belegt Electric Ladyland“ Platz 55 in der Liste des Rolling Stone Magazines der „500 größten Alben aller Zeiten“.

Die Musik auf „Electric Ladyland“ ist sehr breit gefächert. Von Pop über Rock, hin zu Psychedelic und Blues gibt es auf dieser Platte jede Menge unterschiedlicher musikalischer Genres zu hören. Genau dies macht diese Scheibe auch so spannend. Solch einen Titel wie „Voodoo Chile“, der irgendwo zwischen den Genres Psychdelic Rock und improvisiertem Blues angesiedelt ist, den gab es so zuvor noch nie. Gleiches gilt für den zweiten Longtrack „1983... (A Merman I Should Turn To Be)“ eine tolle und abgefahrene Nummer, bei der man nur selten Abschnitte mit Eingängigkeit entdeckt. Sehr viel mehr hört man sphärische Klänge oder auch mal ein Schlagzeug-Solo. Das ist Psychedelic Rock, in den man sehr tief eintauchen kann und sich darin zu verlieren scheint, wenn man denn das Außergewöhnliche sucht. Solche Musik war wahrlich neu für die damalige Zeit.

Es gibt allerdings noch weitere Höhepunkte auf diesem Album. Das bereits erwähnte Bob Dylan Cover „All Along The Watchtower“ ist nicht nur eines der bekanntesten Lieder des Jimi Hendrix. Es wertet auch die ursprüngliche Version von Bob Dylan selbst um Klassen auf. Und schließlich sollte an dieser Stelle auch noch die Nummer „Burning Of The Midnight Lamp“ Erwähnung finden. Psychdelic Rock in sehr melodiöser Form, wie er schnell und ohne Umwege ins Ohr geht. Auch dieses Lied wurde als Single ausgekoppelt und erreichte im Vereinigten Königreich immerhin Platz 18 der Charts. Der Rest der Scheibe ist ebenfalls abwechslungsreich, kann vielleicht nicht mehr ganz so beeindrucken, wie die bereits erwähnten Nummern, lohnenswert ist das jedoch allemal.

Fazit: „Electric Ladyland“ ist wohl das bekannteste und auch das erfolgreichste Album der Jimi Hendrix Experience geworden. Und das auch nicht ohne Grund, denn es gibt viel zu entdecken auf dieser Scheibe, die mit den musikalischen Genres spielt und immer wieder Überraschungen für die Hörerin und den Hörer parat hält. Für Menschen, die mit der heutigen Musik des Radios sozialisiert wurden, mag das ein oder andere oder vielleicht sogar das meiste auf „Electric Ladyland“ neu oder gar seltsam klingen. Für Menschen, die der Musik offen gegenüberstehen, überwiegen dagegen die spannenden und mitreißenden Abschnitte. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Voodoo Chile, Burning Of The Midnight Lamp, 1983... (A Merman I Should Turn To Be), All Along The Watchtower

Bob Dylan – The Times They Are a-Changin’

Bob Dylan – The Times They Are a-Changin’


Besetzung:

Bob Dylan – vocals, acoustic guitar, harmonica


Label: Columbia Records


Erscheinungsdatum: 1964


Stil: Folk


Trackliste:

1. The Times They Are a-Changin' (3:15)
2. Ballad Of Hollis Brown (5:06)
3. With God On Our Side (7:08)
4. One Too Many Mornings (2:41)
5. North Country Blues (4:35)
6. Only A Pawn in Their Game (3:33)
7. Boots Of Spanish Leather (4:40)
8. When The Ship Comes In (3:18)
9. The Lonesome Death Of Hattie Carroll (5:49)
10. Restless Farewell (5:32)

Gesamtspieldauer: 45:41

„The Times They Are a-Changin‘“ ist das dritte Studioalbum des amerikanischen Sängers und Songwriters Bob Dylan, das am 13. Januar 1964 auf dem Plattenlabel Columbia Records veröffentlicht wurde. Während seine vorherigen Alben „Bob Dylan“ und „The Freewheelin‘ Bob Dylan“ noch aus Originalmaterial und Coversongs bestanden, ist „The Times They Are a-Changin‘“ die erste Platte des in Duluth, Minnesota geborenen Musikers, welche nur noch Eigenkompositionen enthält. Auf der Platte hört man sanfte, nur durch die akustische Gitarre und die Mundharmonika begleitete Balladen, zu denen Bob Dylan seine Gedanken zu Themen wie Krieg, Rassismus, Armut und den sozialen Wandel singt.

Die Lieder gehen ins Ohr, mitunter nicht sofort beim ersten Mal des Hörens, doch spätestens beim zweiten Durchlauf. Es lohnt sich dabei wahrlich die Texte des Bob Dylan zu verfolgen. Diese sind emotional (was ganz bestimmt nicht durch seinen Gesang transportiert wird), spannend und auf den Punkt kommend. Zudem geben sie den Geist der damaligen Zeit wieder, den neuen Geist des Aufbruchs, der die Jugend damals erfasste. Der Titel des Albums „The Times They Are a-Changin‘“ gibt dies bereits sehr gut wieder. Die Inhalte der Lieder beherbergen keine Zeilen wie „I love you and I hope you love me too“. Bob Dylan erzählt Geschichten und Gedanken und stellt dabei Fragen – und das sehr eindringlich. Ein Beispiel möchte ich an diese Stelle einfach anfügen, denn es erklärt viel von der Musik des Robert Allen Zimmerman.

Text, Bob Dylan „With God On Our Side“

Oh my name it ain't nothin'

My age it means less

The country I come from

Is called the Midwest

I was taught and brought up there

The laws to abide

And that land that I live in

Has God on its side

Oh, the history books tell it

They tell it so well

The cavalries charged

The Indians fell

The cavalries charged

The Indians died

Oh, the country was young

With God on its side

The Spanish-American

War had its day

And the Civil War, too

Was soon laid away

And the names of the heroes

I was made to memorize

With guns in their hands

And God on their side

The First World War, boys

It came and it went

The reason for fighting

I never did get

But I learned to accept it

Accept it with pride

For you don't count the dead

When God's on your side

The Second World War

Came to an end

We forgave the Germans

And then we were friends

Though they murdered six million

In the ovens they fried

The Germans now, too

Have God on their side

I've learned to hate the Russians

All through my whole life

If another war comes

It's them we must fight

To hate them and fear them

To run and to hide

And accept it all bravely

With God on my side

But now we got weapons

Of chemical dust

If fire them, we're forced to

Then fire, them we must

One push of the button

And a shot the world wide

And you never ask questions

When God's on your side

Through many a dark hour

I've been thinkin' about this

That Jesus Christ was

Betrayed by a kiss

But I can't think for you

You'll have to decide

Whether Judas Iscariot

Had God on his side.

So now as I'm leavin'

I'm weary as Hell

The confusion I'm feelin'

Ain't no tongue can tell

The words fill my head

And fall to the floor

That if God's on our side

He'll stop the next war

Fazit: „The Times They Are a-Changin‘“ ist ein schönes, ruhiges und einfühlsames Album geworden, welches gleichzeitig packt. Die Melodien gehen ins Ohr, das Besondere sind jedoch die Texte, die sich lohnen gehört und vielleicht sogar nachgelesen zu werden. Das dritte Album des Bob Dylan ist ein Zeitdokument von einem Sänger und Musiker, der über den eigenen Horizont hinausblickt. Elf Punkte.

Anspieltipps: Ballad Of Hollis Brown, With God On Our Side, North Country Blues

Man – Be Good To Yourself At Least Once A Day

Man – Be Good To Yourself At Least Once A Day


Besetzung:

Micky Jones – guitars, vocals
Clive John – guitars, vocals
Phil Ryan – keyboards, vocals
Will Youatt – bass, vocals
Terry Williams – drums, percussion


Gastmusiker:

Dave Edmunds – pedal steel guitar on "C'mon"


Label: Parlophone


Erscheinungsdatum: 1972


Stil: Rock


Trackliste:

1. C’mon (11:04)
2. Keep On Crinting (8:17)
3. Bananas (9:28)
4. Life On The Road (7:17)

Gesamtspieldauer: 36:07

„Be Good To Yourself At Least Once A Day” heißt das fünfte Studioalbum der walisischen Rockband Man. Es erschien 1972 ursprünglich auf dem Plattenlabel United Artists gerade einmal einen Monat nach dem Vorgängeralbum, der Live-Platte „Live At The Padget Rooms, Penarth“. Die Besetzung der Band hatte sich stark verändert. Martin Ace hatte Man verlassen und Deke Leonard war gefeuert worden. Dafür kehrte Clive John zurück und brachte Phil Ryan und Will Youatt mit, mit denen er die Band Iorwerth Pritchard And The Neutrons gegründet hatte, als er im Jahr 1971 Man verließ. Dies ist das einzige Studioalbum von Man, welches in dieser Besetzung eingespielt wurde.

Auf „Be Good To Yourself At Least Once A Day” hört man nur noch ganz am Rande und ansatzweise Psychedelic beziehungsweise Progressive Rock. Die Musik auf dem Album besteht zum allergrößten Teil aus relativ geradlinigem Rock, der lange Instrumentalpassagen aufweist und dabei sehr oft auch sehr unstrukturiert wird. Das wiederum wäre nicht weiter schlimm und könnte sogar sehr spannend werden, wenn denn die einzelnen Titel wenigstens ein wenig interessant oder gar eingängig klingen würden. Machen sie allerdings leider nicht – maximal phasenweise wie der recht gechillte Instrumentalteil auf „C’mon“. Ansonsten hört sich die Musik von Man auf „Be Good To Yourself At Least Once A Day” meist ein wenig bieder, durchschnittlich und sehr unspektakulär an.

Damit wären wir bei den Höhepunkten der Scheibe, die es so nicht gibt. Zwar gibt es unter den vier Liedern der Platte keinen starken Ausreißer nach unten, genauso wenige allerdings nach oben. Das bereits erwähnte „C’mon“ klingt in der ersten Instrumentalpassage durchaus spannend. Selbiges gilt für das wesentlich rockigere „Bananas“, was ebenso noch in den instrumentalen Abschnitten am besten gefällt. Doch ansonsten gibt es auf diesem Album kaum etwas, was einem ein Lächeln auf die Lippen zaubern würde, da alles so unfassbar gewöhnlich klingt.

Fazit: Das Besondere, das Experimentelle in der Musik von Man war auf dem Weg vom vierten zum fünften Studioalbum verloren gegangen. Auf „Be Good To Yourself At Least Once A Day” hört man eher langweiligeren Rock, der zur Zeit seiner Entstehung schon nichts Besonderes darstellte, heutzutage noch sehr viel weniger. Kein ganz schlechtes Album, aber eine belanglose und austauschbare Platte. Sieben Punkte.

Anspieltipps: C’mon, Bananas