Sun - XXXX

Sun – XXXX

Viele werden meinen, ich übertreibe. Doch eine der wahren deutschen Musikperlen kommt aus Mönchengladbach. Sun heißen sie und haben mit ihrem 1994 erschienenen Album “XXXX” eine brillante Platte vorgelegt. Zum ausklingenden Höhepunkt der Grunge Bewegung zeigte da eine deutsche Band, dass sie locker mit den Größen aus Übersee mithalten konnte. “XXXX” zählt nach wie vor zu einem meiner Lieblingsalben und schafft wohl auch den Sprung in meine persönlichen Top Ten aller Zeiten. Was für Sun und dieses Album spricht, ist ganz einfach zu erklären. Vom Anfang bis zum Ende fesselt diese Scheibe. Rock pur, direkt, kräftig, treibend, doch dann auch wieder erholsam ruhig. Die teils genuschelten und manchmal gelangweilt klingenden Vocals von Sänger Jörg Schröder sind der Punkt auf dem “i”. Alles paßt zusammen, es gibt keine Durchhänger und Schwachpunkte auf dieser Scheibe.

Die Mönchengladbacher haben sich leider aufgelöst, doch Sun sind ein musikalisches Erbe im deutschen Musikzirkus, das zu Lebzeiten völlig unterschätzt wurde. An dieser Stelle muß man einfach erneut viele der deutschen Musikjournalisten und die Macher des Radioeinheitsbreis kritisieren. Denn das Beispiel Sun zeigt ganz deutlich, dass Bands aus Möchengladbach, Braunschweig, Heidelberg oder Chemnitz viel höhere Hürden auf ihrem Weg zu bewältigen haben, als amerikanische und britische Bands auf dem deutschen Markt. Sun brauchte nie den musikalischen Vergleich mit anderen Rockgruppen zu scheuen. “XXXX” ist ein Meisterwerk und steht bei mir zwischen Pearl Jams “Ten” und Nirvanas “Nevermind”. 15 Punkte.

Golden Earring – Moontan

Golden Earring – Moontan


Besetzung:

Barry Hay – vocals, guitar, flute
George Kooymans – lead guitar, vocals
Cesar Zuiderwijk – percussion
Rinus Gerritsen – keyboards, bass, trumpet


Label: MCA Records


Erscheinungasdatum: 1973


Stil: Progressive Rock, Rock


Trackliste:

1. Radar Love (6:24)
2. Candy’s Going Bad (6:12)
3. Vanilla Queen (9:20)
4. Big Tree, Blue Sea (8:13)
5. Are You Receiving Me (9:32)

Gesamtspieldauer: 39:41

Man möchte es kaum glauben, aber genau wie zum Beispiel beim „Electric Light Orchestra“, gab es auch in der Bandgeschichte von „Golden Earring“ eine Phase, die man durchaus mit „progressiv“ umschreiben kann. Und diese Phase deckt sich mit jenem Zeitpunkt, an dem das wohl bekannteste Lied von „Golden Earring“, “Radar Love”, erschien.

In der ersten Bandphase, die bereits 1962 (!) begann, waren es zunächst Stücke, die sich an der Rock’n’Roll-Zeit der 50er orientierten. Gefolgt wurden diese ersten Veröffentlichungen von Alben, die durchaus als Anlehnungen an die Musik der „Beatles“, wie die der „Stones“ zu verstehen waren. Erst Ende der 60er, Anfang der 70er Jahre, wurden die Kompositionen schließlich deutlich komplizierter, verschachtelter, experimentierfreudiger und komplexer. Im Anschluss an diese Phase, die bis Mitte der 70er Jahre anhielt, entwickelte sich „Golden Earring“ dann zu einer Mainstream Rockband und hat zu diesem Zeitpunkt für einen Prog-Fan nicht mehr viel zu bieten. Zwar veröffentlichten die vier Niederländer weiter fleißig Alben, die auch sehr gute Stücke wie zum Beispiel „Twilight Zone“ aus dem Album „Cut“ von 1982 beinhalteten, aber das waren eben nette Rocksongs und hatten mit der progressiven Rockmusik der frühen 70er nichts mehr außer der Überschrift „Golden Earring“ gemein.

Zur Information: Es kursieren zwei verschiedene Versionen des Albums „Moontan“. Auf der ursprünglichen Plattenversion waren folgende Lieder vorhanden: 1. Candy's Going Bad 2. Are You Receiving Me 3. Suzy Lunacy (Mental Rock) 4. Radar Love 5. Just Like Vince Taylor 6. The Vanilla Queen. Dann gab es eine CD-Veröffentlichung, auf denen die Tracks 3 und 5 fehlten, zwei nette Rocksongs. Anstelle dieser beiden Lieder war auf der neuen Pressung dann „Big Tree, Blue Sea“ zu hören, welches dem Prog wesentlich näher kommt. Inzwischen gibt es beide Variationen auf CD, ich beziehe mich hier auf jene mit „Big Tree, Blue Sea“.

Auf dem 1973 erschienenen Album „Moontan“ befindet sich das wohl bekannteste „Golden Earring“ Stück, welches Mitte der 70er Jahre in keiner Rock-Disco fehlen durfte. Jenen Etablissements also, die sich deutlich von Earth, Wind & Fire, Commodores und Konsorten distanzieren wollten, und zum Abtanzen und Abrocken eher „AC/DC“, „Deep Purple“, „Free“, „Led Zeppelin“ oder eben „Golden Earring“ favorisierten.

Zu „Radar Love“ muss man nicht viele Worte verlieren. Das Stück ist ein Rockklassiker und wenn man sich dieses Liedes nicht bereits in der 70ern überhört hat, hat es immer noch seinen Charme durch seine Bläsereinlagen, die treibenden Drumparts, den „antwort-gebenden“ Gitarren und den einzelnen Steigerungen, die das Grundschema immer wieder aufnehmen.

Aber Prog, nein Prog ist das höchstens ganz am Rande. Auch das nächste Stück „Candy’s Going Bad“ ist zumindest zu Beginn noch ein Rock’n’Roll-Lied. Ein treibender Rhythmus, ein Gitarrensolo und dann, ab 3:40, geht das Stück in einen ruhigeren und ausklingenden Teil über. Dieser hört sich fast schon ein wenig „floydesk“ an und könnte durchaus ein Teil eines Titels aus „Obscured By Clouds“ sein.

Das dritte Lied, „Vanilla Queen“ stellt einen, wenn nicht sogar den Höhepunkt, der ganzen CD dar. Das Stück beginnt mit einem sphärischen Synthesizerpart, in den schließlich der Bass und anschließend Barry Hays Gesang einsetzen. Das Lied steigert sich von Textzeile zu Textzeile bis es in einen melodiösen Refrain mündet. Diese Abfolge wird noch einmal durchlaufen und es folgt ein Akustikpart, in welches ein Gitarrensolo eingebettet ist, das wiederum von Bläsern unterstützt wird. „Golden Earring“ schaffen es hier auf geniale Weise Klangwelten zu kreieren. Dies gilt auch für die sich anschließenden Sprachfetzen, die an „Queensryche“ und „Operation Mindcrime“ erinnern, oder ist das umgekehrt? Diese Sequenz wird beendet mit der Aussage „What’s your name Honey?“, gefolgt von einem startenden Motorengeräusch und schließlich geht es ab 6:23 in das furiose Finale des Stückes über. Hier stimmt jetzt einfach alles. Stimmung, Instrumentierung, Geschwindigkeit und so kann man diesen „Abspann“ des Liedes noch drei Minuten lang genießen. Ein kleines Meisterwerk ist den vier Holländern da gelungen.

„Big Tree, Blue See“ heißt der nächste Track. Nicht nur wegen des Einsatzes einer Querflöte lässt sich hier die geistige Nähe zu Jethro Tull nicht leugnen. Allerdings kommt bei diesem Lied die Querflöte auch so zum Einsatz, wie wir sie alle von Peter Gabriel auf „Foxtrot“ lieben- und kennengelernt haben. Dann wird es wieder sphärisch, mehrere Querflöten „bekriegen“ sich zum Teil, bis schließlich der Bass erneut einsetzt und das Lied wieder an Fahrt aufnimmt. „Big Tree, Blue See“ ist ein Klasse-Prog-Stück, welches gerade durch seinen Abwechslungsreichtum besticht und einfach Spaß beim Zuhören bereitet.

Seinen würdigen Abschluss findet die CD in der Nummer „Are You Receiving Me“. Auch bei diesem letzten und längsten Stück des Albums tragen die Bläser wieder einen gehörigen Part zur Erzeugung der Stimmung bei. Bis 3:40 liegt hier ein flotter Song vor, der dann in einen abgefahrenen, bald fast improvisiert klingenden Teil mündet. Und auch bei diesem Lied beweisen „Golden Earring“ ihre Gabe, ein Lied wachsen zu lassen. Es wachsen zu lassen, bis schließlich alles in einem Saxophonsolo mündet und gegen Ende der Nummer noch einmal die Gesangsspur aufnimmt.

Fazit: Jeder der Rock der früheren 70er mag, dem wird dieses Album gefallen. Gefallen wird es aber auch allen Proggies, die „Golden Earring“ bisher nur als die „Radar-Love-Band“ kannten. An einigen Stellen erinnert es an Jethro Tull, an anderen an den deutschen Krautrock der 70er, auch wenn es die vier Niederländer nicht freuen wird ;-) Auf einer Skala von 0 - 15 Punkten, erhält „Moontan“ verdiente 13 Punkte!

Anspieltipps: Vanilla Queen, Big Tree Blue Sea, Are You Receiving Me, ach, eigentlich alles!

Archive – Take My Head

Archive – Take My Head


Besetzung:

Darius Keeler – keyboard
Daniel Griffiths – guitar, bass, keyboard
Suzanne Wooder – vocals
Matheu Martin – percussion


Gastmusiker:

Jane Hanna – french horn (1, 3, 6, 7)
Neil Taylor – guitar (2, 5, 6)
Lee Pomeroy – bass guitar (3, 4, 5, 7, 9), guitar (4, 7)
Toby Pitman – guitar (10)
Peter Barraclough – flute (5)
Nicholas Strasburg – flute (5)
Ali Keeler – violin (7)
Emily Keeler – recorder (7)
Colin Goody – harmonica (8)
Steve Watts – hammond organ (9)
Peter Lockett – percussion (9)
Caroline Dale – cello (9)


Label: Independiente Ltd


Erscheinungsdatum: 1999


Stil: Pop / Trip-Hop


Trackliste:

1. You Make Me Feel (4:06)
2. The Way You Love Me (3:33)
3. Brother (3:45)
4. Well Known Sinner (4:24)
5. The Pain Gets Worse (4:35)
6. Woman (3:39)
7. Cloud In The Sky (4:41)
8. Take My Head (4:40)
9. Love Summer (4:48)
10. Rest My Head On You (6:55)

Gesamtspieldauer: 45:06

Das ist so eine Sache mit der Weiterentwicklung von Bands. Die einen legen mit den ersten Alben gleich den Höhepunkt ihres Schaffens vor, bei anderen entwickelt sich alles erst von Album zu Album. Und zu letzter Gruppe gehört auch die englische Formation „Archive“, bei der lediglich die beiden Musiker Darius Keeler und Daniel Griffiths eine Konstante darstellen. Alle anderen Musiker der Band tauchen mal auf, verschwinden dann wieder und zum Teil hört man sie erst jahrelang später erneut mit „Archive“ musizieren. Beim Album „Take My Head“, der zweiten Veröffentlichung von "Archive" aus dem Jahr 1999, ist das auch so. Klar, Keeler und Griffiths sind dabei und als Drummer Matheu Martin, der auch auf dem Debut „Londinium“ schon für einen Track die Drums beisteuern durfte. Dies ist allerdings genauso sein letzter Auftritt für „Archive“, wie der für Suzanne Wooder, die auf „Take My Head“ alle Vocals beisteuert.

Nun die Musik auf dem Album ist irgendwo zwischen Trip-Hop und Pop anzusiedeln. Hip-Hop findet nicht mehr statt, der sollte erst auf späteren Alben wieder ab und zu auftauchen. „New Artrock“, „Post Rock“ oder psychedelische Musik, wie man sie auf den späteren Alben der Band antrifft, sucht man auf „Take My Head“ allerdings ebenfalls fast noch vergebens.

Krachend beginnt das Album mit „You Make Me Feel“. Immer wieder wird dieser „laute“ Teil durch ruhige Abschnitte mit Gesang unterbrochen. Das Stück hat was, auch wenn die mehrstimmigen Vocals irgendwie zu süßlich rüberkommen. „The Way You Love Me“ heißt anschließend das nächste Stück. Und was der Titel des Songs schon vermuten lässt, bestätigt sich dann auch beim Hören des Liedes: Ein ganz, ganz seichter Popsong wird dem Hörer da geboten. „Brother“, der dritte Track des Albums, steht dem leider in nichts nach. Dabei beginnt das Stück ganz interessant mit einem Piano, nimmt im weiteren Verlauf aber fast „schlagereske“ Züge an. Ganz schlimm.

Es folgt „Well Known Sinner“. Sehr viel elektronischer ist dieser Song und auch sehr viel besser als seine Vorgänger. Die Loops greifen, der Groove ist spürbar und auch eine interessante Steigerung weist dieses Lied auf. Allerdings läuft das Ganze unter Trip-Hop mit ganz, ganz vielen Pop-Anteilen und hat so gar nichts mit Art Rock geschweige denn Prog zu tun. Bei „The Pain Gets Worse“ wird es dann ganz schlecht. Schwülstiger und schmalziger kann Pop-Musik kaum sein. Und das gilt bei diesem Stück für die Musik, wie für den Text.

Die Nummer sechs auf dem Album, „Woman“, ist ein sehr langweiliges Popliedchen. Interessanter wird es dann wieder bei „Cloud In The Sky“. Erinnert von seiner Machart sehr an das erste Album „Londinium“. Das Lied ist eine poppige, aber getragene Nummer, die zumindest eine schöne Melodie aufweist. Und wenn dann auch noch die Violine einsetzt, dann wird es richtig heimelig. Es folgt der Titelsong „Take My Head“. Und dieser Track ist ganz klar der Höhepunkt der gesamten Platte. Fast hypnotisierend werden hier die Textzeilen wiederholt, mal einstimmig, mal mehrstimmig. Und genau davon lebt das Stück - vom Gesang. Aber auch die Instrumentierung und Atmosphäre dieser Nummer zeigen deutlich an, wohin die Reise für „Archive“, bereits ab dem nächsten Album, gehen wird.

„Love In Summer“ ist ein Instrumentalstück, welches von den Percussion-Parts lebt. Stimmung und Atmosphäre kann das Stück hier allerdings nicht erzeugen. Die Nummer plätschert so dahin, bis sie gegen Ende deutlich an Fahrt aufnimmt. Und jetzt überzeugt auch der Einsatz der Hammond Orgel, die den Sound richtig breit und fett macht. Zum Schluss ein guter Song, der Anfang wurde allerdings leider verschenkt.

Und zu allem Überfluss endet das Album auch wieder überaus schnulzig mit „Rest My Head On You“. Absolut nicht überzeugend und langweilig. Vor allen Dingen immer dann, wenn Frau Wooder singt. Das liegt allerdings nicht an ihrer Stimme, denn die hört sich gut an, jedoch die Gesangslinie selbst, die lässt alle Wünsche offen. Und natürlich gibt es auch hier, wie bei fast allen Alben am Ende des letzten Jahrtausends, ab 4:54 noch einen „Hidden Track“. Dieser reiht sich allerdings in die Liste der "Schmalztitel" des Albums ein. Auch gar nicht gut.

Fazit: Zu großer Form sollten “Archive” erst ab dem nächsten Album auflaufen. Irgendwie scheint „Take My Head“ einen Übergang darzustellen, denn einige wenige Fingerzeige auf die nächsten Alben kann man hier doch schon vernehmen. Leider sind das nicht viele - und der Rest versinkt im zwar nicht ganz alltäglichen, doch mittelmäßigen Pop. Was bleibt, sind fünf Punkte.

Anspieltipps: You Make Me Feel, Well Known Sinner, Take My Head, Love Summer

Adrian Belew – Here

Adrian Belew – Here


Besetzung:

Adrian Belew – vocals and all instruments


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1993


Stil: Pop


Trackliste:

1. May 1, 1990 (4:02)
2. I See You (2:42)
3. Survival In The Wild (4:09)
4. Fly (4:46)
5. Never Enough (3:43)
6. Peace On Earth (2:55)
7. Burned By The Fire We Make (3:10)
8. Dream Life (2:29)
9. Here (4:29)
10. Brave New World (3:44)
11. Futurevision (4:15)
12. Postcard From Holland (2:49)
13. Hidden Track (1:46)

Eine nette, kleine Pop-Platte hat Adrian Belew im Jahr 1993 mit „Here“ vorgelegt, denn auf der CD befindet sich kaum etwas Experimentelles oder aber Progressives. Nun, ganz stimmt das auch nicht, denn der „Hidden Track“ am Ende des Albums ist wirklich sehr sphärisch und durchaus auch als experimentell zu bezeichnen. Allerdings ist er so kurz, dass man ihn kaum erwähnen muss. Der Rest der Platte besteht aus sehr eingängigen und kurzen Popstücken. Und diese erinnern in ihrer Gesamtheit ungemein an die Beatles. Das Album ist fast eine Tribute-Scheibe an die Fab Four. Vollgepackt mit Stücken, die so durchaus auch von den Beatles hätten geschrieben werden können.

Allerdings muss man dabei der Ehrlichkeit halber erwähnen, dass die Stücke nicht alle Höhepunkte im Schaffen der Beatles gewesen wären, sondern ähnliche Kopien, von bereits schon geschriebenen Nummern darstellen würden - oder aber manchmal ein Mix aus verschiedenen Songs wären.

Nun, welche Songs setzen sich denn noch ein wenig von den anderen ab? Da ist zunächst einmal „May 1, 1990“. Das Stück beginnt ungewöhnlich, entpuppt sich dann allerdings ganz schnell als unaufgeregte und normale Popnummer, die zügig ins Ohr geht, aber wahrlich nicht schlecht ist. „I See You“ und „Survival In The Wild“ klingen dann schon sehr nach den Beatles, inklusive eingesetzter Sitar. „Fly“ ist eine Nummer, die sehr viel weniger typisch für dieses Album ist. Vielleicht ist auch das der Grund, warum sie überzeugen kann. Irgendwie sphärisch und losgelöst wirkt dieses Stück. Und tatsächlich hört man bei dieser Nummer auch ein wenig King Crimson heraus, und zwar immer dann, wenn der Gesang etwas schräger wird. Schöne Nummer.

„Never Enough“ fällt auf diesem Album dadurch aus dem Rahmen, da es bei diesem Stück auch mal „härtere“ Abschnitte gibt. Nicht schlecht gemacht. „Peace On Earth“ punktet durch seine schöne Gitarreninstrumentierung und den mehrstimmigen Gesang. „Burned In The Fire We Make“ und „Dream Life“ können dagegen gar nicht überzeugen. Beide Titel produzieren eine irgendwie schnulzig geratene Stimmung. Der Titeltrack „Here“ ist dagegen etwas unkonventioneller als der Rest des Albums - und erzeugt damit einen schönen Kontrastpunkt. Bei „Brave New World“ handelt es sich um langweiligen Pop, wohingegen „Futurevision“ richtig kracht: Klasse Groove, mit dem eine tolle Stimmung erzeugt wird. Und zum Schluss bliebe da noch das fast schon liebliche „Postcard From Holland“. Instrumentiert mit Streichern und Gitarre bildet es einen schönen Abschluss, ist allerdings mit einer Minute und zwanzig Sekunden sehr, sehr kurz geraten. Schade eigentlich.

Fazit: „Here“ von Adrian Belew ist eine sehr gelungene Platte, wenn man auch die Musik der Beatles mag. Richtig schlechte Lieder gibt es auf der CD nicht, jedoch einige, die sich lohnen angehört zu werden. Was Neues oder Außergewöhnliches ist das allerdings natürlich nicht, nur eben eine ganz nett gemachte Scheibe, für die es acht Punkte gibt.

Anspieltipps: Fly, Peace On Earth, Here, Futurevision, Postcard From Holland

Blackfield – Blackfield

Blackfield – Blackfield


Besetzung:

Aviv Geffen – vocals and other instruments
Steven Wilson – vocals and other instruments


Gastmusiker:

The Mistakes – all instruments “Scars”
The Illusion Quartet - strings “Open Mind”, “Lullaby”, “Summer”, “Hello”
Gavin Harrison - drums “Open Mind”, “Pain”
Chris Maitland - drums “Blackfield”, “The Hole In Me”, “Hello”
Jeremy Kaplan - drums “Glow”, “Summer”


Label: Snapper Music


Erscheinungsdatum: 2004


Stil: Rock bis Pop


Trackliste:

1. Open Mind (3:51)
2. Blackfield (4:07)
3. Glow (4:00)
4. Scars (3:58)
5. Lullaby (3:30)
6. Pain (3:48)
7. Summer (4:13)
8. Cloudy Now (3:35)
9. The Hole In Me (2:47)
10. Hello (3:09)

Wer auf melodische und sehr eingängige Musik steht, der sollte sich unbedingt das Erstlingswerk der Band „Blackfield“, bestehend aus dem israelischen Musiker Aviv Geffen und „Porcupine Tree“ Frontmann Steven Wilson, besorgen. Auf dem gleichnamigen Album bekommt man wunderschöne, schwebende und fesselnde Musik zu hören. Die Kompositionen gehen sofort ins Ohr und verbleiben dort auch.

Nun, aber trotzdem ist das kein Mainstream, den man hier zu hören bekommt. Vielmehr ist es sehr intelligente und gute gemachte Rock- und Pop-Musik, die sich hier ihren Weg in die Gehirnwindungen bahnt. Und „Blackfield“ beweisen mit ihrem Album ebenfalls, dass man sich an eingängiger Musik nicht unbedingt schnell überhören muss. Denn die Scheibe kann immer wieder in den CD-Spieler eingelegt werden, ohne, dass sie langweilig werden würde. Ganz im Gegenteil, immer wieder entdeckt man neue Facetten an dieser so wunderschön harmonischen Musik.

Musikalisch ist die Nähe zu „Porcupine Tree“ nicht zu verheimlichen. Dabei haben die Stücke allerdings nichts mit den härteren Nummern von „Porcupine Tree“ zu tun, die es vor allem auf den letzteren Platten der Band zu hören gab. Auf „Blackfield“ befindet sich eine Ansammlung ruhiger Lieder, die denen, von der Stimmung her, auf den „Porcupine Tree“ Alben „Lightbulb Sun“ und „Stupid Dream“ nahe kommen. Doch auch der Einfluss Aviv Geffens ist zu bemerken, denn hier klingt alles noch mal ein Stück harmonischer und eindringlicher.

Dagegen fehlen allerdings zum großen Teil die Ecken und Kanten. Alles auf dem Album ist irgendwie schön, aber nichts ist da mehr überraschend. Das Album eignet sich dafür allerdings sehr gut zum „Nebenbeihören“, genauso wie zum Eintauchen in die Musik, liegend mit Kopfhörern auf seinem Lieblingsplätzchen.

Und die Highlights des Albums warten auf den Hörer dann am Ende des Albums. „Cloudy Now“, „The Hole In Me“ und „Hello“ sind ganz tolle Songs. Vom Text her etwas für den Kopf, von der Musik her etwas für das Herz. Genau so sollte ruhige, melancholische Musik eigentlich immer klingen.

Fazit: Schöne, ruhige, sanfte und manchmal melancholische Musik bekommt man auf „Blackfield“ von „Blackfield“ kredenzt. Die Musik fließt und gegen Ende warten dann noch die richtigen Höhepunkte. Für alle, die Musik zum Träumen mögen eine klare Kaufempfehlung – auch wenn die CD für heutige Zeiten sehr kurz geraten ist. 36 Minuten erinnern eher an analoge Plattenzeiten, als an das digitale Zeitalter. Das sind zehn Punkte.

Anspieltipps: Lullaby, Pain, Cloudy Now, The Hole In Me, Hello

Fischer-Z – Reveal

Fischer-Z – Reveal


Besetzung:

John Watts – vocals, guitars
Ian Porter – bass, keyboards, percussion programming
Steve Kellner – drums
Jennie Cruse – vocals
Alan Morrison – guitar
Denis Haines – keyboards


Gastmusiker:

Pete Sinden – bass
Geoff Dugmore – drums
Tim Moore – keys
Steve Greatham – bass
Lorenza Johnson – backing vocals
Judy La Rose – backing vocals
The Sapphires – backing vocals
Mark Fox – percussion
Mike Benn – keys
Steve Skolnik – keys
Mick Donnelly – sax


Label: BMG Ariola


Erscheinungsdatum: 1987


Stil: Pop


Trackliste:

1. The Perfect Day (4:21)
2. Leave It To The Businessmen To Die Young (4:58)
3. I Can't Wait That Long (4:43)
4. Tallulah Tomorrow (4:38)
5. Realistic Man (3:25)
6. Fighting Back The Tears (4:50)
7. Big Drum (3:43)
8. Heartbeat (3:06)
9. It Takes Love (4:08)
10. So Far (4:04)
11. Marguerite (3:21)

Gesamtspieldauer: 45:11

Nach “Red Skies Over Paradise” legte John Watts mit Fischer-Z erst mal eine Pause ein. Er selbst war dabei allerdings keineswegs untätig. Er gründete die Band „The Cry“ und war auch solo unterwegs bis er, nach insgesamt vier Jahren, Fischer-Z wieder aufleben ließ. Und „Reveal“ ist dabei das erste musikalische Produkt, welches John Watts wieder unter der Überschrift „Fischer-Z“ im Jahr 1987 veröffentlichte. Außer ihm selbst war kein Musiker der ursprünglichen Besetzung mehr an diesem Album beteiligt. Die „Begleitmusiker“ wurden komplett ausgetauscht und demnach bestand Fischer-Z nun aus sechs Mitgliedern. Dazu kamen dann noch jede Menge Gastmusiker.

Die Platte „Reveal“ lässt beim Zuhörer einen zwiespältigen Eindruck zurück. War „Red Skies Over Paradise“ noch eine Ansammlung absolut klasser Songs, so kann man das von „Reveal“ nicht mehr unbedingt behaupten. Klar, sehr gute Lieder gibt es auch auf diesem Album, allerdings nur wenige.

Da ist zum einen der Opener „Perfect Day“. Eine tolle Nummer mit einem schönen Text. Richtig gute Laune Musik ist das, die begeistern und mitreißen kann. Hier stimmt einfach alles, vom Rhythmus über den Gesang bis hin zur Melodie. Toll gemachte Popmusik.

Dann ist da die Nummer vier auf dem Album: „Tallulah Tomorrow“. Ein trauriges Lied, mit einem traurigen Text. Und auch dieses Mal schafft es Tom Watts die Stimmung perfekt umzusetzen. Das Ganze klingt dabei noch nicht einmal getragen, sondern viel eher packend. Es ist keine Ballade, es ist „nur“ ein schönes, ruhiges Lied.

Und mit der folgenden Nummer „Realistic Man“ wird es sogar noch mal ein Stückchen besser. Instrumentiert hauptsächlich durch Streicher, wirkt das Lied wie ein Kammerstück. Außergewöhnlich und ein Höhepunkt im Schaffen des Tom Watts. Ein Lied, welches hängenbleibt und auch ein wenig beschäftigt. Und dieses Stück ist auch kein Pop mehr. Das ist eher Post Pop beziehungsweise Post Rock. Es ist experimentell, ohne dabei auch nur ein ganz kleines bisschen schräg zu wirken.

Auch noch ein guter Popsong ist „Big Drum“. Das Lied hat einen Groove, der zum Mitwippen animiert. „Big Drum“ ist zudem das Stück auf dem Album, welches ohne Probleme vom Stil her auf dem Vorgängeralbum „Red Skies Over Paradise“ Platz gefunden hätte. Bei allen anderen Tracks ist das nicht der Fall, da diese einen völlig anderen Stil haben. Die Nummern hier sind poppiger und man hört keinen „New Wave“ mehr heraus.

Nun, das waren sie, die vier Höhepunkte des Albums. Bei elf Titeln ist das nicht gerade viel. Der Rest ist nun Pop-Musik, die nicht mehr allzu sehr vor Ideen sprüht. Da sind Stücke dabei wie „Heartbeat“, die fast schon peinlich sind, so kitschig ist der Refrain. Ähnlich schlecht ist das nächste Stück „It Takes Love“. Eine Reggae-Nummer, die zum Rohrkrepierer wird. „So Far“ und „Marguerite“ sind Stücke, die nur vorbeirauschen. Ganz einfach gestrickte Pop-Musik, die um nichts in der Welt zünden will. Und diese Aussage trifft auch auf “Leave It To The Businessmen To Die Young”, “I Can't Wait That Long” und “Fighting Back The Tears” zu. Das ist alles sehr, sehr langweilig.

Fazit: Fast scheint es so, als ob Tom Watts Gespür für schöne Melodien und mitreißende Lieder durch die vierjährige Pause mit Fischer-Z ein wenig gelitten hat. Klar die Highlights gibt es noch, sie sind allerdings deutlich in der Unterzahl. Und ganz wichtig: Die Musik auf „Reveal“ hat nichts mehr mit der auf dem Vorgänger „Red Skies Over Paradise“ zu tun. War das noch zum größten Teil New Wave, so befindet sich auf „Reveal“ Pop - und bis auf „Realistic Man“ auch nichts anderes mehr. Aber wegen der vier Höhepunkte gibt es noch acht Punkte.

Anspieltipps: The Perfect Day, Tallulah Tomorrow, Realistic Man, Big Drum

del Amitri – Waking Hours

del Amitri – Waking Hours


Besetzung:

Justin Currie – vocals, bass, guitar
Ian Harvie – vocals, guitar
Andy Alston – keyboard, accordion
Mick Slaven – guitar
David Cummings – drums


Label: A&M Records


Erscheinungsdatum: 1989


Stil: Pop


Trackliste

1. Kiss This Thing Goodbye (4:35)
2. Opposite View (4:53)
3. Move Away Jimmy Blue ( 3:48)
4. Stone Cold Sober ( 4:57)
5. You're Gone (5:10)
6. When I Want You (4:32)
7. This Side Of The Morning (4:21)
8. Empty (4:38)
9. Hatful Of Rain (5:02)
10. Nothing Ever Happens (3:53)

Bekannt sein dürfte die Glasgower Band „del Amitri“ den meisten Musikhörern wegen dem Stück „Nothing Ever Happens“, dem letzten Lied auf der 1989 erschienenen Platte „Waking Hours“. Und „Nothing Ever Happens“ ist wirklich ein toller Song. Klasse Melodie, klasse Instrumentierung, klasse Gesang und ein wirklich sehr schöner Text. Ein Lied zum Träumen und sich darin Suhlen. Ein Lied, welches hängenbleibt.

Und überhaupt die Texte auf „Waking Hours“. Keine 08/15 Lyrics, sondern schön durchdachte und zum Denken anregende Zeilen findet man da in sehr vielen Nummern. Das Durchlesen des Booklets und Mitlesen der Texte lohnt sich da auf jeden Fall.

Nun, kommen wir zur Musik. „Nothing Ever Happens“ habe ich schon erwähnt. Der Übersong auf dem Album. Und was ist mit den anderen Stücken? Festzuhalten bleibt da, dass sich wirklich kein schlechtes Lied auf die CD verirrt hat. Allerdings sieht es mit den Highlights auch ein wenig „mau“ aus. Neben dem zehnten und letzten Stück muss da auf jeden Fall die Nummer fünf, „You’re Gone“ erwähnt werden. Das Stück kann überzeugen, sehr gut abgestimmt in der Instrumentierung mit akustischer Gitarre, elektrischer Gitarre, Violine und Cello. Es entwickelt sich eine schöne Melodie, die gegen Mitte des Liedes sogar mal ein wenig schräg klingt. Ein schönes Stück.

Mit Abstrichen gilt dies auch für das erste Stück, „Kiss This Thing Goodbye“. Durch den Einsatz eines Banjos hat diese Nummer den gewissen Wiedererkennungswert, der einen Song oft aus der Masse der durchschnittlichen Stücke hervorhebt.

Und genau das fehlt den meisten restlichen Stücken auf „Waking Hours“. Wie schon erwähnt, befindet sich kein wirklich schlechtes Stück auf der Scheibe, aber eine ganze Menge Lieder, die nicht weiter erwähnenswert sind. Die Lieder plätschern so dahin, bis man zum letzten Stück der CD gelangt. Das, was zu hören ist, ist Mainstream-Pop der etwas besseren Sorte, aber wohl kaum ein Album, welches jemand auf die berühmte einsame Insel mitnehmen würde.

Fazit: Wer Spaß an gut gemachtem, gitarrenorientierten Mainstream hat, mit der Gewissheit, dass jeder der Songs ohne Probleme auf jedem Radiosender der Welt laufen könnte, der wird mit „Waking Hours“ von „del Amitri“ ein schönes Album für sich finden. Und nicht unerwähnt sollte bleiben, dass die Musik zeitlos ist. Man hört nicht, dass die Lieder jetzt bereits 23 Jahre auf dem Buckel haben. Aber ein, zwei sehr gute Stücke in Verbindung mit schönen Texten lassen trotzdem noch viel Spielraum nach oben. Dafür gibt es ganz durchschnittliche sieben Punkte.

Anspieltipps: You're Gone, Nothing Ever Happens

Hyacinth House – Black Crows’ Country

Hyacinth House – Black Crows’ Country


Besetzung:

Mack Johansson – vocals acoustic and electric guitar, Hammond, keyboard, percussion, drums, bass, mandolin and baker plate
Andreas Berg – electric and acoustic guitars, back vocals, melodica, keyboard, percussion, bass
Fredrik Johansson – banjo, dobro and harmonicas
Peter Norén – bass
John Nyberg – drums, percussion and organ
Kristina Löfstedt – cello


Gastmusiker:

Björn Segerberg – piano and organ “Beyond The End”
Malin Svensson – back vocals “Whiskey Nights”, “Mundus Vult Decipi, Ergo Decipiatur”
Johan Somevåg – piano “Whiskey Nights”, “Mundus Vult Decipi, Ergo Decipiatur”
Fredrik Andersson – accordion “Mundus Vult Decipi, Ergo Decipiatur”, “Unwieldy Farmers' Blues”
Henrik Lundström – clavinet “Unwieldy Farmers' Blues”
Inge Ludvigsson – guitar, upright bass “Swedish Signs On Monkey Island”
Robert Ljungberg – harmonica “Unwieldy Farmers' Blues”
Henrik Gross – organ “Mundus Vult Decipi, Ergo Decipiatur”
Tord Hjukström – cantele “Mundus Vult Decipi, Ergo Decipiatur”
Louise Holmér, Rebecka Hjukström, Elin Mörk, Sophia Hogman – choir “Beyond The End”


Label: Glitterhouse Records


Erscheinungsdatum: 2007


Stil: Alternative, New Country, Psychedelic


Trackliste

1. Rosewood Country Club (4:52)
2. Black Crows' Country (3:39)
3. Road To Flowers (4:58)
4. Lucky Stranger (4:18)
5. European Rails (4:41)
6. Whiskey Nights (5:55)
7. Swedish Signs On Monkey Island (3:24)
8. Numb The Heart (2:26)
9. Mundus Vult Decipi, Ergo Decipiatur (3:10)
10. Pete La Las (2:14)
11. Two White Men In A Black Car & A Ticket Out Of Here (Take 86) (4:56)
12. Beyond The End (6:13)
13. Unwieldy Farmers' Blues (4:01)

Diese musikalische Qualität, welche Hyacinth House auf ihrem ersten Werk bereits vorgelegt haben, diese Qualität konnten sie auf ihrem zweiten Album, „Black Crows‘ Country“ bestätigen. „Black Crows‘ Country“ ist eine Platte geworden, die einfach Spaß macht. Und so beginnt die CD mit schrägen Tönen, aus denen sich der Opener „Rosewood Country Club“ entwickelt. Ein sehr düsteres und trauriges Lied, dessen Stimmung durch den hohen und manchmal auch schrägen Gesang noch betont wird. Mit Sicherheit noch kein Highlight der Platte und ein etwas ausgefallener Opener, wenn man an den Rest des Albums denkt.

Es folgt das Titelstück, „Black Crows' Country”. Die Nummer beginnt fast wie ein Heavy Metal Song und verfügt über einen treibenden Rhythmus. Schließlich setzt das Banjo mit ein und erzeugt diese Stimmung, die man sonst von „16 Horsepower“ her kennt. Und auch der Gesang Johanssons, der sich nun Mack statt Marcus nennt, überschlägt immer wieder und erinnert nicht nur dadurch ein wenig an David Eugene Edwards von „16 Horsepower“. „Black Crows' Country” ist sicherlich das Lied von Hyacinth House, was diesen Vergleich am ehesten zulässt.

“Road To Flowers” heißt der dritte Track des Albums, wunderschön eingeleitet mit dem Banjo. Eine herrlich schwebende, wenn auch treibende Nummer. Sehr melodiös - unterstrichen durch das Cello, die Harmonika und den Gesang Mack Johanssons, der auch in diesem Stück immer wieder überschlägt und perfekt zum Rest des Liedes passt. Eine richtig tolle Nummer. Und genauso gut geht es auch weiter. „Lucky Stranger“ beginnt sehr ruhig und getragen. Die Stimmung ist wieder deutlich dunkler als beim Vorgänger, doch dann, nach einer dreiviertel Minute bricht das Stück so richtig los. Und hier muss Johansson nicht mehr singen, hier muss er schon fast schreien. Kraftvoll, treibend und doch melodiös ist diese Nummer, die dann noch einmal sehr ruhig und fast schon melancholisch wird, ehe das Stück ausbricht und quasi explodiert. Großes Kino!

Nun, es wird einfach nicht schlechter, auch das nächste Stück „European Rails“ kann voll und ganz überzeugen. Der Stil ist nahe dem Folk. Gitarrengetragen entwickelt sich eine schöne Melodie, die im weiteren Verlauf vom Zusammenspiel der akustischen und elektrischen Gitarre sowie dem Banjo lebt. Eine klasse Stimmung wird dadurch erzeugt, bei der man als Zuhörer einfach mitwippen muss. Der dritte Höhepunkt der CD hintereinander. Beeindruckend.

Bei „Whiskey Nights“ wird es dann bluesig. Und irgendwie wirkt dieses Lied auch wie ein Stilbruch. Sieht man in den Credits nach, so liest man, dass die drei Lieder davor von Mack Johansson, dieses jetzt von seinem Bruder Fredrik Johansson geschrieben wurde. Das Stück ist kein wirklich schlechtes Lied und das ist Klagen auf hohem Niveau, allerdings passt diese Nummer nicht so recht zum Rest des Albums und kann, in diesem Umfeld, auch musikalisch nicht vollends überzeugen.

“Swedish Signs On Monkey Island” beginnt mit einem gesprochenen Text, mit dem das Lied vorgestellt und eingeleitet wird. Wieder eine folkige Nummer, die groovt. “Numb The Heart”, im Anschluss daran, ist dann wieder eine dieser melodiösen, meist melancholischen Stücke, mit denen Hyacinth House immer wieder überzeugen können. Tolle Melodie, schöner Text, das passt einfach. Dies trifft genauso auf „Mundus Vult Decipi, Ergo Decipiatur” zu. Auch hier gibt es wieder diese getragene Stimmung zu hören, die mittels einer schönen Melodie transportiert wird. Ein Lied zum Fallenlassen.

“Pete La Las”, das nächste Stück, fällt dann schon wieder aus der Reihe. Eine schnelle Rock’n’Roll-Nummer hat hier der Gitarrist, Andreas Berg, geschrieben. Und da verwundert es auch nicht weiter, dass das kurze Stück sehr von verschiedensten Gitarren dominiert wird. Keine schlechte Nummer, allerdings kein Highlight des Albums. Und auch beim nächsten Stück mit dem langen Namen „Two White Men In A Black Car & A Ticket Out Of Here (Take 86)“ zeichnet sich Andreas Berg zumindest für die Komposition der Musik aus. Das Stück ist eine schnellere Rocknummer, die in Teilen sogar dem Hard Rock zugeordnet werden kann. Schön dabei, dass das Tempo nicht durchgängig durchgezogen wird, sondern es auch ruhigere Abschnitte gibt, die die Nummer noch abwechslungsreicher machen. Das Ende des Stücks besteht aus wohl nicht ganz ernst gemeintem Gesang auf Schwedisch und Englisch, der wohl eher zufällig mit aufgenommen wurde und es trotzdem auf die CD schaffte.

Das vorletzte Lied „Beyond The End” ist eine langsame und getragene Ballade, wieder aus der Feder Mack Johanssons. Sehr schön, wie sich das Stück langsam aufbaut und dabei immer intensiver zu werden scheint. Dass Johansson auch dieses Lied wieder mit einer tollen Melodie ausgestattet hat, braucht da wohl nicht mehr extra erwähnt zu werden. Und noch etwas ist ein häufiger Zusatz zu den Liedern Hyacinth Houses: Das Cello. Und auch dieses Mal trägt dieses Streichinstrument wieder zu der warmen Stimmung bei, die Lieder der schwedischen Band verströmen. Klasse auch der weibliche Hintergrundchor, der, wenn er einsetzt, in das Lied eingreift, als dieses schon lange keine reine Ballade mehr ist, sondern ein symphonisches und kraftvolles Stück Musik.

Bliebe ganz zum Schluss noch „Unwieldy Farmers' Blues“. Okay, es kann nicht immer alles glücken. Der Song ist eher so etwas wie ein Spaßlied. Verbreitet allerdings nur wenig Spaß, wenn auch die Vocals manchmal ganz nett gemacht sind.

Fazit: Auch „Black Crows‘ Country“ ist ein vielseitiges und zum Teil mitreißendes Album geworden. Auch auf diesem Album sind erneut viele Höhepunkte versammelt, wenig Durchschnitt und noch viel weniger Ausfälle. Die Musik macht Spaß und kann sehr oft begeistern. Eine absolut hörenswerte CD ist den Schweden da erneut gelungen, die zwölf Punkte verdient hat.

Anspieltipps: Road To Flowers, Lucky Stranger, European Rails, Numb The Heart, Beyond The End

Hyacinth House – Hyacinth House

Hyacinth House – Hyacinth House


Besetzung:

Marcus Johansson – acoustic guitar, soundfield, organs and lead vocals
Fredrik Johansson – banjo and harmonicas and back vocals
Andreas Berg – electric guitars, soundfields, organs and back vocals
Kristina Löfstedt – cello and back vocals
Peter Norén – bass guitar


Gastmusiker:

John Nyberg – drums and percussion “Sing Your Soul”
Dennis Tajic – piano “New Day Arising”
Tord Hjukström – banjo, hybrid guitar and mandolin “Ghost Town”
Fredrik Solfors – drums “Ghost Town” and “Deer Sunshine” (ghost track)
Daniel Andersson – drums “New Day Arising”, “O Old My Love” and “Perpexed Sunday On Blue Pills”
Mattias Birgersson – percussion “Lucky Bastards”
Jens Jonsson – drums “On A Train”, “Merely John Gospel” and “All Whispers In The End”
Daniel Ekeroth – marimba “New Day Arising”
Henrik Lundström – piano “Sing Your Soul”
Fredrik Andersson – piano and organs “O Old My Love”, “Perpexed Sunday On Blue Pills” and “Merely John Gospel”
Jonas Nilsson – the cash back vocals “Lucky Bastards”
Björn Segerberg – electric guitar, bass “Deer Sunshine” (ghost track)


Label: Tree Music Productions


Erscheinungsdatum: 2005


Stil: Alternative, New Country, Psychedelic


Trackliste

1. A New Day Arising (4:07)
2. On A Train (3:47)
3. O Old My Love (4:51)
4. The Swallow's Eye (2:33)
5. Perplexed Sunday On Blue Pills ( 3:02)
6. Lucky Bastards (3:42)
7. Ghost Town (4:07)
8. On Top Of The World (2:29)
9. Sing Your Soul (5:02)
10. Merely John Gospel (3:57)
11. All Whispers In The End ( 9:43)

Es ist immer wieder faszinierend, wenn man mal eine CD einer Band in Händen hält, von der man vorher noch nie etwas gehört hat, deren Scheibe in den Player einlegt, die ersten Töne des Albums vernimmt - und gleich begeistert ist. Genau so kann es einem bei der schwedischen Band Hyacinth House und ihrem gleichnamigen Debutalbum aus dem Jahr 2005 ergehen. Wahrlich ein tolles erstes Album. Wobei die Musik nichts mit derer der Doors zu tun hat. Darauf könnte man nämlich schließen, wenn man an den gleichnamigen Doors-Song „Hyacinth House“ denkt. Auf der MySpace-Seite der Band kann man jedoch nachlesen: „…The name never changed but instead seemed very fitting, hinting towards the jam sessions that took place in “hyacinth houses” during the golden age of jazz in New Orleans, rather than the Doors song.” Mit Jazz hat das Ganze aber auch überhaupt nichts zu tun. Vielmehr gibt es hier einen Mix verschiedener Stile zu hören. Auf dem Debutalbum der Schweden sind fünf feste Mitglieder angegeben. Davon war jedoch keiner ein Schlagzeuger, sodass auch aus diesem Grund die Zahl der beteiligten Musiker auf 17 anstieg.

Nun aber zur Musik. Das Album beginnt mit dem tollen Song „A New Day Arising”. Dicht und packend ist dieses Lied. Es wirkt ein wenig dunkel und traurig und besitzt eine wunderschöne, getragene Melodie. Ein richtig guter Opener. Sehr viel hat die Stimmung dieser Nummer auch dem Cello-Spiel Kristina Löfstedts zu verdanken. Und das wird nicht nur bei diesem Track so sein.

Die nächste Nummer kommt dann gleich viel flotter aus den Boxen, wie man es bei einem Lied, welches „On A Train“ heißt auch erwarten darf. Und hier wird auch gleich die Nähe zur Country Musik offenbar, obwohl es sich bei diesem Stück wahrlich nicht um eine amerikanische Country Nummer handelt. Aber die Stimmung, sowie das immer wieder mit einsetzende Banjo, tragen unweigerlich zu dieser Assoziation bei. Und auch bei diesem Stück kann man das Siegel „Überaus gelungen“ vergeben.

„O Old My Love“ ist anschließend wieder sehr viel getragener. Zuerst nur instrumentiert durch eine akustische Gitarre und den einprägsamen Gesang Marcus Johanssons, dessen Stimme immer wieder leicht überschlägt, nimmt das Lied dann doch noch etwas Tempo auf. Country Anleihen werden hier durch die Mundharmonika vermittelt.

„The Swallow’s Eye“ ist ein kurzer, etwas schräger Song, der vom Zusammenspiel der akustischen Gitarre, des Cellos und des Gesangs lebt. Eine interessante Abwechslung. Richtig experimentell wird es dann bei „Perplexed Sunday On Blue Pills“. Dabei ist der erste Teil, der aus verschiedenen Hintergrundgeräuschen und gesprochenem Text besteht, etwas psychedelisch. Die blauen Pillen haben hier also ihre Wirkung nicht verfehlt. Der sich anschließende, gesungene zweite Part ist dann jedoch ein wenig langweilig geraten und will nicht so recht zünden.

„Lucky Bastards“ ist anschließend eine herrlich leichte Nummer. Hauptsächlich mit akustischen Gitarren instrumentiert schwebt das Lied irgendwie durch den Raum. Noch sehr viel besser wird es dann bei „Ghost Town“, einem der Höhepunkte des Albums. Genial hier wieder der Cello-Einsatz und dieser Rhythmus, der entfernt erneut an Country-Musik erinnert, aber trotzdem weit davon entfernt ist. Die Melodie ist klasse, die Stimmungswechsel toll gesetzt. Ein richtig guter, wohl in die Richtung Folk Rock gehender Song.

Entspannt und sehr melodiös geht es dann mit „On Top Of The World“ weiter. Ein wunderbar melancholisches Lied, ein sentimentales Stück, eine traurige Nummer. Richtig gut gemacht, in seiner Art auf dem Album alleinstehend - und gleichzeitig ebenfalls ein Höhepunkt. Es folgt „Sing Your Soul“. Wieder etwas „hellere“ Musik, in einem Lied, das ebenfalls über eine schöne Melodie verfügt und bei dem, dem Piano, ein wunderschöner Part zugedacht worden ist.

Das vorletzte, eigentlich sogar drittletzte Stück der Plate heißt „Merely John Gospel“. Ein wieder sehr getragenes Lied, welches allerdings etwas langweilig ist und nur in den Parts, wenn das Banjo einsetzt, gefallen kann. Der Rest klingt nicht sonderlich überzeugend.

Bliebe noch das letzte Stück „All Whispers In The End“. Dieses ist laut Anzeige auf dem CD-Player 9:43 Minuten lang. Aber man kann es sich schon denken, da ist noch ein „hidden track“ versteckt, der hier „ghost track“ genannt und in den Credits mit „Deer Sunshine“ betitelt wird. Und diese beiden Nummern sind absolut klasse. Getrennt werden die zwei Stücke von etwas über einer Minute Stille. Nun und wenn „Hyacith House“ wirklich mal „psychedelisch“ wirken, wie auf ihrer MySpace Seite vermerkt, dann auch hier bei diesem Song, „All Whispers In The End“. Das ist eine absolut klasse Nummer, die es schafft eine warme und weiche Stimmung in den Raum zu zaubern und diesen auszufüllen. Trotz der zu Beginn vorhandenen Ruhe und Zurückhaltung ist es ein mitreißendes Lied, was gegen Ende auch noch einen tollen Stilwechsel und damit verbundener Steigerung aufweist. Aber auch das Geisterlied „Deer Sunshine“ überzeugt auf ganzer Linie. Zwar nur 2:17 Minuten lang, so besitzt es allerdings eine, zu Beginn vom Piano getragene, sehr schöne Melodie. Dann kommt es auch hier zur Steigerung und es wird fast schon rockig und ebenfalls ein wenig psychedelisch. Ein wahrlich würdiger Abschluss für ein schönes Album.

Fazit: „Hyacinth House“ haben mit „Hyacinth House“ einen tollen Erstling vorgelegt. Der hat nichts mit den Doors gemein und auch nichts mit Jazz. Auf dem Album begegnet man Folk-, Country-, Rock-, Psychedelic-, Pop-, Alternative- und was weiß ich noch für Ansätzen. Entfernt erinnert es manchmal an 16 Horsepower. Aber die Musik von „Hyacinth House“ ist eigenständig und steht für sich allein. Und noch besser, diese Musik der Schweden kann begeistern. Da gibt es einige klasse Song, viele überdurchschnittliche Lieder, wenig Durchschnitt und nur ganz wenig Ausfälle. Und dafür bekommen die Schweden 12 Punkte.

Anspieltipps: A New Day Arising, Ghost Town, On Top Of The World, All Whispers In The End, Deer Sunshine (ghost track)

Marc Almond – Enchanted

Marc Almond – Enchanted


Besetzung:

Marc Almond – vocals


Gastmusiker:

Billy McGee – keyboards, bass guitar, brass arrangement
Gary Maughan – fairlight programming, additional keyboards, percussion
Jack Enbow – accordions
The False Harmonics – string orchestra
Blair Booth – backing vocals
Enrico Tomasso – flugel horn, trumpet, brass arrangement
Chris Tombling – violin solo
Betsy Cook – backing vocals, keyboards
Hossam Ramzy – percussion
Suzie O’List – backing vocals
Maggie Ryder – backing vocals
Linda Taylor – backing vocals
Juan Ramirez – flamenco guitar and claps
Rowland Sutherland – flutes
Richard Bissell – french horn
Stephanie De Sykes – backing vocals
Kay Garner – backing vocals
Clare Torry – backing vocals
Marie France – solo voice
Bob Kraushaar – acoustic guitar
Bashir Abdelal – flute
Steven Hague – keyboards
Julie T. Wallace – voice


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1990


Stil: Pop


Trackliste

1. Madame De La Luna (4:47)
2. Waifs And Strays (5:09)
3. The Desperate Hours (4:27)
4. Toreador In The Rain (2:52)
5. Widow Weeds (5:39)
6. A Lover Spurned (5:38)
7. Death's Diary (4:00)
8. The Sea Still Sings (3:48)
9. Carnival Of Life (4:38)
10. Orpheus In Red Velvet (5:06)

Popmusik kann Spaß machen, viel Spaß sogar. Nun und die Scheibe von Marc Almond, „Enchanted“ aus dem Jahr 1990 enthält sehr viel Popmusik. Sie ist sogar vollgestopft damit. Aber Spaß? Nein, Spaß macht diese Platte Marc Almonds nicht. Sie ist eher langweilig und fällt einem öfters ganz gehörig auf die Nerven.

Und dabei fängt die Scheibe sogar ganz interessant an, mit wehmütigen Trompetenklängen. Und auch das sich dann entwickelnde Lied, „Madame De La Luna“, ist gar nicht mal so schlecht. Es besitzt eine ganz eingängige Melodieführung und überdies weist die Nummer ein paar interessante Stimmungswechsel auf, die nie Langeweile aufkommen lassen. Das Stück haut einen nicht weg, aber es gibt deutlich schlechtere Songs – nur leider auch auf diesem Album.

Gleich beim nächsten Stück ist das der Fall. „Waifs And Strays” beginnt mit so einer Synthie-Rhythmusmaschine, die einen unglaublich plastikmäßigen Sound hervorzaubert. Dieser wird anschließend, konsequent, das ganze Stück über durchgezogen. Zu allem Überfluss fehlt der Nummer dann auch noch eine eingängige Melodie und gipfelt im La-La-La-Gesang Marc Almonds. Gut, dass auch solche Stücke ein Ende haben beziehungsweise, dass man jeder Zeit die Skip-Taste drücken kann.

Die nächsten drei Titel, „The Desperate Hours“, „Toreador In The Rain” und “Widow Weeds” sind leider auch nicht viel besser. Erstgenanntes Lied ist wohl der Gipfel der Belanglosigkeit. „Toreador In The Rain” beginnt mit Gewittergrollen und hat wenigstens wieder eine etwas schönere Melodie und auch ein wenig Groove. Bei “Widow Weeds” wird es dann orientalisch. Die Strophe ist sogar recht schön und hier singt Marc Almond auch so schön verzweifelt. Der Refrain jedoch, der ist kaum auszuhalten.

Die Nummer 6 auf dem Album, „A Lover Spurned”, beginnt orchestral und fast schon ein wenig bombastisch. Nervig hier auch wieder dieser üble Drummachine-Sound. Ansonsten plätschert der Song so ein wenig dahin, kann aber wieder beim Trompeteneinsatz ein bisschen punkten.

„Deaths Diary“ startet ebenfalls wieder etwas orientalisch und behält diesen Stil, leicht angedeutet, auch das ganze Lied über bei. Irgendwie wirkt das Stück hektisch und man kommt innerlich erst zur Ruhe, wenn es ausgeblendet wird. „The Sea Still Sings” beginnt sehr getragen, instrumentiert von Streichern. Und das ist wieder mal eine Nummer mit einer schönen Melodie. Klasse hier der Akkordion-Sound. Und all das zusammen machen das Stück zu einem der wenigen Highlights auf dem Album.

“Carnival Of Life” im Anschluss ist nur noch grausam. Wieder etwas Orientalisches ist zu vernehmen, vermixt mit einem hektischen Rhythmus, vorgegeben durch den Drum-Computer. Ganz schlimm. Bliebe zum Schluss noch „Orpheus In Red Velvet“. Ein Beginn mit Streichern entwickelt sich zu einem äußerst langweiligen Stück. Dies liegt nicht an der Orchestrierung, die kommt zum Teil richtig orchestral daher, es liegt an der Melodieführung, die einfallslos ist. Erst gegen Ende kann das Lied punkten, wenn es einen bombastischen Ausklang findet.

Fazit: Kar, wenn man Marc Almond kauft, dann weiß man auch was einen erwartet. Aber dieser Marc Almond hat sowohl bei „Soft Cell“, wie auch als Solokünstler schon tolle Pop-Songs geschrieben und gesungen. Aber daran hapert es auf diesem Album. Hier ist ganz vieles nicht einmal Durchschnitt. Hier fehlen oft die Ideen, die einen packen und den Liedern einen Wiedererkennungswert zuweisen. Zum Teil ist es leider nur belangloses Popgedudel. Und dieser Teil ist der weitaus größere auf dem Album. Da bleiben vier Punkte übrig.

Anspieltipps: Madame De La Luna, Toreador In The Rain, The Sea Still Sings