The Byrds – Farther Along

The Byrds – Farther Along


Besetzung:

Roger McGuinn – guitar, banjo, vocals
Clarence White – guitar, mandolin, vocals
Skip Battin – bass, piano, vocals
Gene Parsons – drums, 5 string banjo, rhythm and steel guitar, harmonica, vocals


Label: Columbia Records


Erscheinungsdatum: 1971


Stil: Country-Rock, Folk-Rock


Trackliste:

1. Tiffany Queen (2:44)
2. Get Down Your Line (3:29)
3. Farther Along (3:00)
4. B.B. Class Road (2:19)
5. Bugler (3:10)
6. America's Great National Pastime (3:01)
7. Antique Sandy (2:15)
8. Precious Kate (3:04)
9. So Fine (2:40)
10. Lazy Waters (3:35)
11. Bristol Steam Convention Blues (2:49)


Bonus Tracks:

12. Lost My Drivin' Wheel (4:59)
13. Born To Rock And Roll (3:01)
14. Bag Full Of Money (5:58)

Gesamtspieldauer: 46:02

Das war es also, das zunächst letzte und elfte Studio-Album der Byrds. „Farther Along“ wurde es „getauft“ und zu Begeisterungsstürmen war bei dieser Veröffentlichung wahrlich kein Anlass mehr gegeben, als es im Jahr 1971 veröffentlicht wurde.

Das Album startet rockig mit „Tiffany Queen“ aus der Feder von Roger McGuinn. Obwohl so ganz kann man das gar nicht glauben, denn das eingängige Riff zu Beginn des Stücks, welches auch im weiteren Verlauf der Nummer immer wieder seinen Auftritt hat, klingt sowas von dermaßen nach „Jumpin‘ Jack Flash“ von den Rolling Stones. Die hatten den Song allerdings schon 1968 geschrieben und veröffentlicht. Zwar ist das Lied nicht zu hundert Prozent abgekupfert – jedoch zumindest sehr stark vom Stones-Song, na sagen wir mal, inspiriert.

„Get Down Your Line“ stammt von Gene Parsons und geht schon wieder sehr in Richtung Country. „Farther Along“, der Titeltrack ist ein traditionelles Lied, welches von Clarence White bearbeitet wurde. Es besitzt einen sehr religiösen Text und bewegt sich in der Grauzone zwischen Folk und Country. Für „B.B. Class Road“ zeichnet sich unter anderem auch wieder Gene Parsons verantwortlich. Das Lied ist ein Rock’n’Roll mit Boogie-Woogie Anleihen und nervt. Mit „Bugler“ wurde die ehemals erste Seite der Platte dann mit einem Country-Cover beendet.

„America's Great National Pastime“ von Skip Battin klingt ein wenig nach Kirmes-Musik. Bei der Entstehung von „Antique Sandy“ waren dann alle Bandmitglieder beteiligt. Jetzt sind wir wieder beim Folk angekommen. dafür klingen die Byrds hier wieder mehr wie in ihren Anfängen. Und dieser Umstand lässt sich auch auf die nächste Nummer „Precious Kate“ übertragen, für die sich unter anderem Skip Battin auszeichnete.

„So Fine“ ist ein Rock’n’Roll-Cover von Johnny Otis. Ebenfalls eine Cover-Version ist „Lazy Waters“. Eine ganz ruhige folkähnliche Nummer, die nur sehr zäh aus den Boxen herauswabert. Beschlossen wurde das ursprüngliche Album vom „Bristol Steam Convention Blues“, einer Instrumental-Country-Nummer von Gene Parsons und Clarence White, die aber ganz nett und auch geglückt ist.

Drei Bonus-Tracks wurden der remasterten Fassung hinzugefügt. Alles drei Stücke, die bisher noch nicht veröffentlicht worden sind. Dabei rockt die Cover-Version „Lost My Drivin' Wheel“ richtig gut. Bei „Born To Rock And Roll“ kann man durchaus nachvollziehen, warum man dieses Lied bisher noch auf keiner Platte gefunden hat und bei „Bag Full Of Money“ handelt sich wieder um solch ein unsägliches Country-Stück. Als Hidden Track gibt es hier noch eine weitere Version des „Bristol Steam Convention Blues“, die ebenfalls durchaus hörenswert ist.

Fazit: Allerhöchstens noch Durchschnittsware präsentieren die Byrds hier auf ihrem letzten Album. Und diese Durchschnittsmusik ist unterfüttert mit einigen sehr schlechten Liedern. Nein, auch dieses Album will nicht mehr zünden. Erfolgreich war es auch nicht, sodass Roger McGuinn beschloss, die Byrds offiziell aufzulösen. Zwei Jahre später gab es dann zwar noch mal ein kurzes Aufleben der Band in Originalbesetzung, aber das ist eine andere Geschichte. „Farther Along“ überzeugt nicht mehr. Fünf Punkte.

Anspieltipps: Tiffany Queen, Antique Sandy, Precious Kate, Bristol Steam Convention Blues, Lost My Drivin' Wheel

America – Holiday

America – Holiday


Besetzung:

Gerry Beckley – vocals, guitar, keyboards, bass
Dan Peek – vocals, guitar, keyboards, bass
Dewey Bunnell – vocals, guitar, keyboards, bass


Gastmusiker:

Willie Leacox – drums and percussion
Peter Henderson – tape operator


Label: Warner Brothers Records


Erscheinungsdatum: 1974


Stil: Folk Rock, Soft Rock, Pop


Trackliste:

1. Miniature (1:14)
2. Tin Man (3:27)
3. Another Try (3:19)
4. Lonely People (2:28)
5. Glad To See You (3:43)
6. Mad Dog (2:40)
7. Hollywood (2:51)
8. Baby It's Up To You (2:24)
9. You (2:26)
10. Old Man Took (3:11)
11. What Does It Matter (2:20)
12. In The Country (2:56)

Gesamtspieldauer: 32:57

Das vierte Album der amerikanischen Band „America“ trägt den Titel „Holiday“ und erschien im Jahr 1974. Produzent wurde die Platte von George Martin. Jenem George Martin, der auch die Beatles produzierte. Und das hört man auch. Das hört man sogar sehr.

Ganz orchestral startet das Album mit dem Titel „Miniature“. Das Stück klingt nach klassischer Musik und ist eine ganz neue Facette in der Musik von America. Das Stück hat nur einen Nachteil - es ist deutlich zu kurz geraten. „Tin Man“ wartet anschließend mit einer Art „Calypso-Sound“ auf und will so überhaupt nicht zum vorherigen Stück passen. Es folgt „Another Try“, bei dem nun der Einfluss des George Martin überdeutlich wird. Während dieses Titels wandeln America auf den Spuren der Beatles. Und das ist durchaus gelungen.

Ebenfalls überaus geglückt ist der nächste Song „Lonely People“. Jetzt erinnert die Musik allerdings sehr viel mehr an die Kollegen von Crosby, Stills und Nash, was nicht zuletzt durch den mehrstimmigen Gesang hervorgerufen wird. Klasse hier auch die Mundharmonika- und Klaviereinlage etwa in der Mitte des Stücks. Und richtig gut geht es mit „Glad To See You“ weiter. Ein schönes, stilles, völlig unaufgeregtes Lied, sehr melodiös, bei dem die Streicher ihren Auftritt haben. Mit der Nummer „Mad Dog“ bewegt sich die Musik dann wieder im Dunstkreis der Beatles. Ein kleiner und fröhlicher Titel, der durchaus so auch ein paar Jahre zuvor in Liverpool hätte entstanden sein können.

Die ursprünglich zweite Seite der Platte kann die Qualität der ersten Seite leider nicht ganz halten. „Hollywood“ wartet zwar mit verschiedenen akustischen Einspielungen auf und unterscheidet sich musikalisch auch sehr vom Rest des Albums, ist jedoch ein bisschen langweilig geraten. "Baby It's Up To You" plätschert so dahin, "You" beinhaltet immerhin einen schönen Fanfarenklang und „Old Man Took“ kann trotz einiger Streicher in Form von Celli und Violinen einfach nicht zünden. Dazu packt einen die Melodie dann doch deutlich zu wenig.

Klasse wird es wieder mit „What Does It Matter“. Ob das daran liegt, dass man hier auch wieder die Beatles mit heraushört? Keine Ahnung, das Lied verfügt auf jeden Fall über eine sehr eingängige Melodie und das Klavier sorgt für eine fröhliche Stimmung. Beschlossen wird das Album mit „In The Country“, dem rockigsten Stück der Platte. Auch gelungen, wenn auch nicht der Höhepunkt auf „Holiday“.

Fazit: „Holiday“ klingt immer wieder mal nach den Beatles. Mit George Martin als Produzenten sollte einen diese Tatsache allerdings auch nicht übermäßig überraschen. Alle, auch die etwas anders klingenden Titel sind äußerst melodisch gehalten und es wurde immer viel Wert auf die Harmonie der Lieder gelegt. Was herauskam, das ist eine Mischung aus den Beatles und Crosby, Stills und Nash in der Interpretation von America. Wer also diese beiden Bands mag, der wird auch „Holiday“ von America mögen. Rockern mag das Ganze allerdings vielleicht zu langweilig und ruhig daherkommen – aber wer weiß das schon… Zehn Punkte.

Anspieltipps: Miniature, Another Try, Lonely People, Glad To See You, Mad Dog, You, What Does It Matter

Haindling – Haindling

Haindling – Haindling


Besetzung:

Hans-Jürgen Buchner – Gesang, Klavier, Gitarre, Saxophon, Tuba und vieles andere mehr


Gastmusiker:

Ulrike Böglmüller – Stimme
Heinz-Josef Braun – Bass, Tuba
Michael Braun – Saxophon, Trompete, Tenorhorn, Keyboard, Percussion, Gesang
Peter Enderlein – Schlagzeug, Perkussion
Rainer Kürvers – Keyboards, Tenorhorn
Roald Raschner – Klavier, Keyboards, Gitarre, Gesang
Jutta Schröder – Geige
Bärbel Amann – Cello
Miyabi Sudo – Flügel


Label: BMG Ariola


Erscheinungsdatum: 1993


Stil: Popmusik mit Volksmusikanleihen


Trackliste:

1. Noch in der Umlaufbahn (4:56)
2. Leit hoit's z'samm (2:57)
3. Er hod graucht (3:02)
4. Neuländer (2:48)
5. Hau Ruck (3:09)
6. Ich hab vergessen, daß ich so vergeßlich bin (4:10)
7. Bulldog mit Schuß (1:08)
8. Harakiri nach Karaoke (3:11)
9. Vergelt's Gott (3:14)
10. Madame Bäurin (8:01)
11. Eins, zwei, drei (2:58)
12. 20 Prozent (3:51)

Gesamtspieldauer: 43:25

Zwei Jahre nach dem etwas enttäuschenden „7“, veröffentlichte Hans Jürgen Buchner 1993 das siebte Studioalbum seines „Projektes“ Haindling, welches er kurzerhand ebenfalls mit Haindling betitelte. Und dieses Mal gab es eine Neuerung zu bestaunen, wenn man in die Credits sieht. Auf Haindling hat Hans Jürgen Buchner nicht mehr fast im Alleingang alle Musikinstrumente eingespielt. Nein, auf diesem Album hat er erstmals eine Band um sich geschart, die ihn allerdings bei Liveauftritten schon länger unterstütze.

Womit wir bei der Musik wären, die dieses Mal wieder deutlich besser gelungen ist, als noch auf dem Vorgänger. Hier auf der siebten Platte gibt es sie wieder, die tollen Melodien und witzigen Texte, der erhobene Zeigefinger ist auch nicht mehr vorhanden. Das Album wird eröffnet mit der wirklich tollen Instrumentalnummer „Noch in der Umlaufbahn“. Hier klingt alles und hier stimmt alles. Von den Streichern bis zur Perkussion. Dazu gibt es eine schöne Melodie, die einfach Spaß macht.

„Leit hoit’s z’samm“ klingt nach bayerischer Musik und kann vor allem im Instrumentalteil punkten. Und dann folgt wieder so ein Lied, wie es wohl nur Hans Jürgen Buchner schreiben kann „Er hod graucht“. Man muss natürlich etwas mit dem Humor des Niederbayern anfangen können. Wem das gelingt, der hat bei jedem Hören dieses Stücks ein Lächeln auf den Lippen. „Neuländer“ ist eine sehr schöne Instrumentalnummer, welche deutlich von der Bläserfraktion beherrscht wird. Bei „Hau Ruck“ wird es anschließend deutlich hektischer und vom Gesang, Melodie und Instrumentierung wieder überaus bayrisch.

„Ich hab vergessen, daß ich so vergesslich bin“ beginnt mit sanften Pianoklängen und wirkt zu Beginn sehr getragen, aber schön getragen. Im weiteren Verlauf verliert das Lied jedoch ein wenig den zu Beginn aufgebauten Zauber und wird deutlich langweiliger. Bei dem kurzen „Bulldog mit Schuß“ gibt ein Trecker den Takt vor und wird vom Piano unterstützt - klasse gemacht. Dies trifft leider weniger auf „Harakiri nach Karaoke“ zu. Irgendwie nervt die Nummer ein wenig, ist nicht besonders melodiös und auch sonst nichts Besonderes.

Dieses "Besondere" besitzt allerdings im Anschluss das Lied „Vergelt’s Gott“. Spannende und etwas mystische Melodieführung mit immer wieder eingestreuten bayerischen Klängen. Aber nicht das ist das Außergewöhnliche an diesem Titel. Das wirklich Bemerkenswerte ist der Text. Der ist so etwas von skurril. Ein Meisterwerk. Auf diese Idee der Geschichte mit dem Dirndl muss man erst mal kommen. Genial.

„Madame Bäurin“ ist dann ein Stück, welches für den gleichnamigen Film geschrieben wurde. Es klingt ein wenig so, als ob hier einfach Teile, die manchmal gar nicht zusammenpassen wollen, aneinandergehängt wurden. Diese einzelnen Parts sind allerdings durchaus hörenswert. Auf eine bestimmte Stimmung kann man sich dabei jedoch nicht einstellen. „Eins, zwei, drei“ stammt ebenfalls aus dem Film „Madame Bäurin“ und klingt wie eine bayerische Volksweise. Beschlossen wird das Album durch „20 Prozent“. Schräge Bläsertöne erwarten einen zuerst, dann folgt ein ebenso schräger Klavierpart, auf dem Hans Jürgen Buchner zunächst ein wenig über das Gehirn referiert. Dann entwickelt sich eine sehr ruhige Pianonummer daraus, die in etwas Wortakrobatik und schließlich in viel Perkussion mit Bläsern übergeht. Was man nicht alles in knapp vier Minuten packen kann.

Fazit: Das ist Haindling mit Haindling eine deutliche Steigerung zum vorherigen Album gelungen. Die Melodien packen wieder deutlich mehr und dieser schlagereske Touch ist nicht mehr wahrzunehmen. Dazu gesellt sich der Witz der Texte und fertig ist das Album, welches nun wieder neun Punkte verdient hat.

Anspieltipps: Noch in der Umlaufbahn, Er hod graucht, Neuländer, Bulldog mit Schuß, Vergelt's Gott, Madame Bäurin

Birth Control – Hoodoo Man

Birth Control – Hoodoo Man


Besetzung:

Bruno Frenzel – guitars, vocals
Bernd Koschmidder – bass-guitar
Wolfgang Neuser – organ keyboards, kuckuck-synthesizer, church-organ, vibraphone
Bernd Noske – drums, percussion, vocals


Gastmusiker:

Peter Engelhard – guitar (tracks 10, 11)
Sosho Kühn – keyboards (tracks 10, 11)
Cyborg Haines – bass (track 10)
Peter Föller – vocals (track 11)
Sascha Delbrouck – bass (track 11)


Label: Repertoire Records


Erscheinungsdatum: 1973


Stil: Rock, Progressive Rock, Krautrock


Trackliste:

1. Buy (7:13)
2. Suicide (6:19)
3. Get Down To Your Fate (7:59)
4. Gamma Ray (9:46)
5. Hoodoo Man (8:27)
6. Kaulstoss (2:43)


Bonus Tracks:

7. Nostalgia (3:37)
8. Gamma Ray (Part 1 Single Version) (3:30)
9. Gamma Ray (Part 2 Single Version) (3:53)
10. Hope (live) (5:54)
11. She's Got Nothing On You (live) (5:00)

Gesamtspieldauer: 1:04:20

„Hoodoo Man“ lautete das dritte Album der Berliner Band Birth Control, welches im Jahr 1973 erschien. Zum Teil hört man auf diesem Album ziemlich geradlinigen Rock, wie zum Beispiel beim Opener „Buy“. Ein orgeldominiertes Lied, welches in seiner Art tatsächlich ein wenig an Deep Purple oder Uriah Heep der damaligen Zeit erinnert. Zumindest, bis man sich dem Solo angenähert hat. Hier wird die Musik nun ein wenig progressiver mit Tempo- und Rhythmuswechseln, um schließlich wieder in einen schnelleren Rock-Part überzugehen.

„Suicide“, die zweite Nummer der Platte, nähert sich dann dem Genre „Progressive Rock“ noch deutlich mehr an. Auch hier steht die Orgel wieder ganz klar im Vordergrund und beherrscht das Lied, welches im weiteren Verlauf mit immer mehr jazzigen Adaptionen aufwartet. „Get Down To Your Fate“ startet im Anschluss daran fast schon sphärisch und frei. Dann wandelt sich das Stück wieder zu einem typischen Rock-Kracher der frühen 70er Jahre. Und für diese Stimmung sorgen neben dem Gesang auch erneut die Orgel sowie die Solo-Gitarre.

Dann folgt mit „Gamma Ray“ eines der bekanntesten Lieder der Berliner. Alles vibriert hier bei diesem Song, alles ist im Fluss und die Band kommt dem Genre Krautrock jetzt deutlich am nächsten. Die Rockelemente sind immer allgegenwärtig, jedoch kommt bei diesem Stück auch der Freund der progressiven Rockmusik durchaus auf seine Kosten. Klasse auch der Mittelteil, der ein Perkussion- und Schlagzeug-Solo enthält, welches wahrlich mitreißt. Schließlich gibt es noch ein Frage- und Antwortspiel zwischen Gesang und Gitarre, wobei der Gesang nicht aus Worten, sondern eher aus lautmalerischen Silben besteht.

Anschließend gibt es den Titeltrack „Hoodoo Man“ zu hören. Auch hier bewegt sich die Band wieder in progressiven Spuren. Der Beginn ist schön melodiös gehalten und rockt gleichzeitig. Plötzlich jedoch befindet man sich in der Kirche und lauscht dort einem Orgelkonzert. Schließlich geht es wieder zurück in den ersten Teil des Liedes mit dem die Nummer auch beendet wird.

Der ursprünglich letzte Titel des Albums war „Kaulstoss“. Deutlich kürzer als die anderen Stücke der Platte und auch sehr viel gewöhnungsbedürftiger, will die Nummer irgendwie nicht so recht zum Rest auf „Hoodoo Man“ passen. Es beginnt mit Hundebellen und dann folgt so eine „fröhliche“ Orgel-, Synthesizer- und Gitarrenmelodie, die man nicht unbedingt gehört haben muss.

Auf der remasterten Fassung des Albums von 2005 sind noch mal fünf Zugaben hinterlegt worden. Sicherlich kein zusätzlicher Grund, sich dieses Album noch mal zuzulegen, da es sich dabei bis auf die beiden „Gamma Ray“-Teile um relativ straighten Rock handelt, der ganz nett anzuhören ist, einen allerdings auch nicht umhaut.

Fazit: „Hoodoo Man“ wirkt. Vor allen Dingen die Titel drei, vier und fünf haben was. Das ist etwas härterer Progressive Rock, der einem zum Mitwippen animiert, der niemals nachdenklich oder melancholisch rüberkommt, sondern immer rockt und das auf eine ganz sympathische Art und Weise. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Get Down To Your Fate, Gamma Ray, Hoodoo Man

Queen – Queen

Queen – Queen


Besetzung:

Freddie Mercury – vocals, piano
Brian May – guitars, piano, vocals
John Deacon – bass guitar
Roger Meddows-Taylor – percussion, vocals


Label: Universal International Music


Erscheinungsdatum: 1973


Stil: Rock


Trackliste:

1. Keep Yourself Alive (3:48)
2. Doing All Right (4:09)
3. Great King Rat (5:43)
4. My Fairy King (4:13)
5. Liar (6:25)
6. The Night Comes Down (4:23)
7. Modern Times Rock 'N' Roll (1:48)
8. Son And Daughter (3:23)
9. Jesus (3:44)
10. Seven Seas Of Rhye (1:17)

Gesamtspieldauer: 38:53

„Queen“ von Queen ist eines der außergewöhnlichsten Debuts der Musikgeschichte. Auf dem Erstlingswerk der Briten wird gerockt, jedoch gibt es völlig neue Gitarrensounds zu hören, einen bisher nie dagewesenen Hintergrundgesang und ein wahrlich reiches Spektrum an Einfällen und Ideen. Dazu ist jedes Lied auf dieser Platte überaus eingängig und melodiös und das gilt auch für die manchmal durchaus auch härteren Rockstücke.

Und diese Rockstücke gibt es reichlich auf dem Album. Mit Sicherheit ist „Queen“ von Queen das härteste Album der vier Engländer. Keines der folgenden vierzehn Studio-Platten, jetzt nehme ich mal den Soundtrack zu „Flash Gordon“ dazu, sollte wieder so rocken und sich mitunter in den Gefilden des Hard Rock bewegen. Aber dabei sind die ganzen Zutaten, die die späteren Alben, zumindest die der 70er Jahre, ausmachen sollten, hier bereits vorhanden, werden manches Mal nur angedeutet, an anderer Stelle aber auch schon ausgebaut und veredelt.

Man hört den unvergleichlichen Gitarrensound des Brian May, das kraftvolle Bassspiel des John Deacon und auch bereits die ersten Gesangseinlagen des Roger Taylor. Dazu gesellt sich natürlich die unverwechselbare Stimme Freddie Mercurys, der bis zu diesem Album noch Freddie Bulsara hieß und sich inspiriert durch seinen Text zu „My Fairy King“ in Freddie Mercury umbenannte. Überhaupt ist dieses Lied am deutlichsten kennzeichnend für das, was Queen in den nächsten Jahren noch alles an Sounds und Einfällen erschaffen werden würde.

Es versteckt sich kein schlechtes Lied auf dem Album. Alles ist bis zur letzten Sekunde hin hörenswert. Vielleicht ist vieles nicht ganz so eingängig wie auf späteren Veröffentlichungen, mit jedem weiteren Hören setzen sich die Läufe der einzelnen Stücke jedoch fester und unauslöschlicher im Musikzentrum des Gehirns fest. Somit lohnt es wahrlich, das Album reifen zu lassen und immer wieder zu genießen.

Fazit: Wer Queen mal richtig rocken hören möchte, der sollte unbedingt in dieses Album hineinhören. Die Musik, die hier geboten wird, hat nichts mit jener zu tun, die auf den meisten Veröffentlichungen der 80er Jahre zu hören ist. Vielmehr liegen auf dem Debutalbum der vier Briten die Wurzeln für die nächsten Alben der 70er, die ihren Durchbruch darstellen sollten. Auf diesem ersten Album kracht es auch mal richtig, wird „hart“ gerockt, allerdings gibt es auch immer wieder diese schönen verträumten Stellen, diese tollen Vokal-Arrangements, für die sich Queen stilprägend zeichnete. Und das ist auch genau der Punkt: So etwas gab es bisher noch nicht. Diese Art der Musik, war im Jahr 1973 noch nicht „erfunden“ worden. Queen waren die Pioniere und diese Pioniere zeigten den Hörern ganz neue Audioerlebnisse auf. Ein tolles Album. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Keep Yourself Alive, Doing All Right, Great King Rat, My Fairy King, Liar, The Night Comes Down, Jesus

Foreigner – Agent Provocateur

Foreigner – Agent Provocateur


Besetzung:

Lou Gramm – lead vocals, percussion
Mick Jones – guitar, keyboards, piano, background vocal
Rick Wills – bass, background vocals
Dennis Elliott – drums, vocals, background vocals


Gastmusiker:

Wally Badarou – analog synthesizer, digital synthesizer
Tom Bailey – vocals
Brian Eddolls – synthesizer
Larry Fast – synthesizer
Don Harper – vocals
Jennifer Holliday – vocals
Dave Lebolt – synthesizer
Ian Lloyd – vocals, background vocals
Bob Mayo – synthesizer, piano, background vocals
New Jersey Mass Choir of the GMWA
Mark Rivera – saxophone, background vocals
Jack Waldman – synthesizer


Label: Warner Brothers Records


Erscheinungsdatum: 1984


Stil: Adult Oriented Rock


Trackliste:

1. Tooth and Nail (3:56)
2. That Was Yesterday (3:49)
3. I Want To Know What Love Is (5:06)
4. Growing Up the Hard Way (4:14)
5. Reaction To Action (4:02)
6. Stranger In My Own House (5:05)
7. A Love In Vain (4:31)
8. Down On Love (4:12)
9. Two Different Worlds (4:32)
10. She's Too Tough (3:11)

Gesamtspieldauer: 42:37

Das fünfte Album der Mainstream Rocker von Foreigner erschien 1984 und wurde mit dem Titel „Agent Provocateur“ versehen. Auf dem Konzeptalbum geht es angeblich um einen Spion, der sowohl das äußere Leben von Personen, als auch deren Inneres sehen kann. Wenn man sich die einzelnen Titel durchsieht, merkt man allerdings schnell, dass sich hier Liebeslied an Liebeslied reiht.

Und damit wären wir gleich bei der Musik. Diese ist sowas von schmalzig bis schnulzig, dass einem immer wieder die Luft wegbleibt. Stellvertretend hierfür steht der größte Hit des Albums und einer der größten Charterfolge der Band überhaupt: „I Want To Know What Love Is“. Hier mal kurz der Refrain-Text: „I Want To Know What Love Is. I Want You To Show Me. I Want To Feel What Love Is. I Know You Can Show Me.” Und diese vier Sätze werden immer und immer wiederholt. Schmachtend, mit einem fetten Hintergrundchor und vielem „Oh Yeah“. Unglaublich.

Leider ist dies nicht der einzige Ausrutscher nach unten. Auch „That Was Yesterday“ ist so ein Pop-Rock-Lied, bei dem es trieft. Noch ein Beispiel gefällig? „Down On Love“ oder „A Love In Vain“, obwohl bei letzterem Titel wenigstens noch ein wenig der Rock-Ansatz zum Tragen kommt.

Allerdings, auch wenn es mal rockt, da ist trotzdem alles irgendwie glattgebügelt worden. Die Musik sollte wohl ganz schnell wirken und hauptsächlich eingängig sein. Und das sind sowohl die Schmalzstücke wie auch die rockigeren Tracks. Aber da ist eben die Langeweile, die sich nach dem Hören des Albums breit macht. War da was? Gab’s da was? Nein, leider nicht!

Fazit: Der Erfolg, den Foreigner mit diesem Album hatte, der sei ihnen gegönnt. Ich kann mit solcher Musik allerdings gar nichts mehr anfangen. Das ist deutlich zu sehr Mainstream, zu sehr auf den schnellen Erfolg getrimmt. Und genau dieser Umstand bewirkt, dass hier nichts mehr hängenbleiben kann – nur der Gedanke, dass sich auf dem Album jede Menge schmachtende Liebeslieder befinden. Eingängig waren die meisten Lieder auf „4“ auch, aber sie hatten auch was, was man bei den Titeln auf „Agent Provocateur“ vergeblich sucht: Eigenständigkeit und keinen 08/15-Brei. 05 Punkte.

Anspieltipps: Stranger In My Own House, She’s Too Tough

Madonna – Like A Prayer

Madonna – Like A Prayer


Besetzung:

Madonna – vocals, background vocals, synthesizer


Gastmusiker:

Rev. Dave Boruff – brass
Stephen Bray – synthesizer
Luis Conte – percussion
Larry Corbett – cello
Andraé Crouch – choir
Andraé Crouch – choir
Sandra Crouch – tambourine
Paulinho Da Costa – percussion
Chuck Findley – brass
Bruce Gairsch – guitar
Dann Huff – guitar
Dick Hyde – brass
Randy Jackson – bass
Chester Kamen – guitar
Geary Lanier – clavinet
Patrick Leonard – clavinet, hammond organ, piano, synthesizer
Marcos Loya – guitar, background vocals
Steve Madaio – brass
Joseph Mayer – french horn
Jonathan Muffett – drums
Jeff Porcaro – drums, marimba
Guy Pratt – bass
Prince – vocals
John Roninson – drums
Richard Todd – french horn
David Williams – guitar
Jai Winding – synthesizer
Nadirah Ali – background vocals
Rose Banks – background vocals
Donna De Lory – background vocals
Lynne Fiddmont – background vocals
Nikki Harris – background vocals
Marilyn Martin – background vocals


Label: Warner Brothers Records Inc.


Erscheinungsdatum: 1989


Stil: Pop, Funk


Trackliste:

1. Like A Prayer (5:42)
2. Express Yourself (4:39)
3. Love Song (4:53)
4. Till Death Do Us Part (5:18)
5. Promise To Try (3:38)
6. Cherish (5:04)
7. Dear Jessie (4:21)
8. Oh Father (4:59)
9. Keep It Together (5:03)
10. Pray For Spanish Eyes (5:18)
11. Act Of Contrition (2:20)

Gesamtspieldauer: 51:14

Das vierte Album von Madonna erschien 1989 und wurde nach dem gleichnamigen Titel „Like A Prayer“ benannt. Deutlich ist auf der Platte ein Stilwechsel auszumachen. Diese Synthie-Pop-Klänge gehören zum größten Teil der Vergangenheit an. Madonna experimentiert mehr mit reinem Pop, Soul und Funk. Rockig klingt es überhaupt nicht – obwohl, ganz am Ende mal ganz, ganz kurz.

In diesen ersten Genres sollte man sich als Hörer auch wohlfühlen, wenn man mit dem Album etwas anfangen können will. Ich kann es nicht. Nach Disco klingt noch der Titelsong und „Express Yourself“, bei dem jetzt auch die Bläser ihren Auftritt haben. Da gibt es aber auch solche Stücke wie „Love Song“, soulig und funkig, ein Duett mit Prince, unbeschreiblich schlecht. Funkig bis poppig sind ebenfalls „Cherish“ und „Keep It Together“ – und leider auch unglaublich belanglos.

Dann haben wir da die ruhigeren Popnummern wie „Promise To Try“ und „Dear Jessie“, wobei letzteres Stück richtig gut gelungen ist. Schön melodiös und einige Spuren hinterlassend. Man hört jede Menge Streicher und eingängige Harmonien. Überaus orchestral beginnt dann „Oh Father“. Allerdings gleitet das Lied im weiteren Verlauf, der dann richtig poppig klingt, immer wieder ins allzu Seichte ab. Gut gelungen sind immer die Teile, in denen gerade nicht gesungen wird.

„Pray For Spanish Eyes“ ist eine ruhige Popnummer, in die wiederholt spanische Klänge einbettet werden. So hört man Kastagnetten und spanische Gitarren. Schließlich gibt es zum Abschluss noch das kurze „Act Of Contrition“. Was mit harten Gitarren beginnt, entwickelt sich zu einer Art Klangkollage, die dann aber wirklich auch kurz mal rockt.

Fazit: Einen Stilmix der besonderen Art gibt es auf „Like A Prayer“ zu hören. Wahrscheinlich wird jeder Hörer, egal von welcher musikalischen Seite er sich diesem Album auch nähert, Lieder haben, die ihm gut gefallen - genau wie andere, mit denen er nur ganz wenig anfangen kann. Die Platte ist sehr durchwachsen und kann nur an einigen wenigen Stellen wirklich überzeugen. In einem durchhören kann man sie auch nicht richtig, da der Stilmix einem dauernd aus irgendwelchen Stimmungen reißt – und sei das nur der Gedanke, wie grausam Musik manchmal sein kann. Fünf Punkte.

Anspieltipps: Like A Prayer, Promise To Try, Dear Jessie, Oh Father

The Byrds – Byrdmaniax

The Byrds – Byrdmaniax


Besetzung:

Roger McGuinn – guitar, vocals
Clarence White – guitar, vocals
Skip Battin – bass, vocals
Gene Parsons – drums, vocals


Gastmusiker:

Sneaky Pete Kleinow – pedal steel guitar
Larry Knechtel – organ, piano, keyboard
Terry Melcher – piano
Jim Seiter – percussion, tambourine
Byron Berline – violin
Paula Polena – horn and string arrangements


Label: Columbia Records


Erscheinungsdatum: 1971


Stil: Pop, Folk, Country, Gospel


Trackliste:

1. Glory, Glory (4:05)
2. Pale Blue (2:25)
3. I Trust (3:22)
4. Tunnel Of Love (5:02)
5. Citizen Kane (2:38)
6. I Wanna Grow Up To Be A Politician (2:06)
7. Absolute Happiness (2:41)
8. Green Apple Quick Step (1:52)
9. My Destiny (3:40)
10. Kathleen's Song (2:44)
11. Jamaica Say You Will (3:37)


Bonus Tracks:

12. Just Like A Woman (3:59)
13. Pale Blue (Alternate Version) (2:36)
14. Think I'm Gonna Feel Better (6:04)

Gesamtspieldauer: 46:51

„Byrdmaniax“ haben die Byrds ihr zehntes Album betitelt, welches 1971 veröffentlicht wurde. Und wieder einmal gibt es Neues von der Band zu berichten. Dieses Mal gab es zwar keine Umbesetzung innerhalb der Band, aber erneut haben sich die Mannen um Roger McGuinn verschiedenster Stile bedient, um das Album mit Leben zu erfüllen.

Und genau das ist es auch, was auf dem Album auffällt, ist der Stilmix aus ganz unterschiedlichen Genres der Musik. Hier ist so ziemlich alles vertreten. Pop, Soft-Rock, Rock, Folk, Country, Gospel und auch 20er Jahre Musik. Dazu gibt es immer wieder Hintergrundgesang und untermalende Orchestrierung.

Vielleicht krankt das Album allerdings aber auch genau an diesem Umstand. Man kommt irgendwie nicht rein. Das wirkt alles so zusammengestöpselt. Die einzelnen Titel sind okay, können bei Weitem aber nicht begeistern. Alles tröpfelt so dahin. Alles ist im Fluss und fließt und fließt und fließt einfach so vorbei.

Drei „Zugaben“ gibt es auf der remasterten Fassung der ursprünglichen Platte. Nun, diese Titel reihen sich ansatzlos in die oben besprochenen Lieder ein, egal, ob es sich dabei um eine andere Version oder ein neues Lied handelt. Ein Kaufgrund sind auch diese Nummern leider nicht.

Fazit: Es befinden sich keine Höhepunkte auf dem Album. Richtig schlecht ist auch nichts. Ein wenig scheint hier alles belanglos zu sein. Ich kann mir kaum vorstellen, dass es einen Menschen auf der Welt gibt der behauptet: „Byrdmaniax von den Byrds ist mein Lieblingsalbum von allen Platten dieser Welt". Nein, so einen Menschen wird es nicht geben. Bei mir bleibt auch nur diese unglaubliche Belanglosigkeit hängen. Fünf Punkte für „Byrdmaniax“.

Anspieltipps: Citizen Kane, Kathleen's Song

Mike Oldfield – Ommadawn

Mike Oldfield – Ommadawn


Besetzung:

Mike Oldfield – harp, electric-, acoustic-, classical- and twelve-string guitars, acoustic and electric basses, mandolin, bodhran, buzouki, banjo, spinet, grand piano, electric organs, synthesizers, glockenspiel, assorted percussion, vocals


Gastmusiker:

Paddy Moloney – uillean pipes
Herbie – northumbrian bagpipes
Leslie Penning – recorders
Terry Oldfield – pan pipes
Pierre Moerlen – timpani
David Strange – cello
Don Blakeson – trumpet
Willliam Murray – percussion
Julian Hahula – african drums
Ernest Mothle – african drums
Lucky Ranku – african drums
Eddie Tatane – african drums
Clodagh Simmonds – vocals
Bridget St. John – vocals
Sally Oldfield – vocals
The Penrhos Kids – vocals
The Hereford City Band – brass
Leslie Penning – conduction


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1975


Stil: Progressive Rock, Instrumentalmusik


Trackliste:

1. Ommadawn Part One (20:08)
2. Ommadawn Part Two (17:23)

Gesamtspieldauer: 37:30

Manchmal mag man einfach nur eintauchen. Eintauchen in Musik, sich berieseln und verzaubern lassen, sich entspannen und in andere Welten denken. Abschalten und genießen und träumen, ohne dabei zu schlafen. Und wenn einem danach ist, dann gibt es nichts besseres, als „Ommadawn“, das dritte Studioalbum Mike Oldfields einzulegen. „Ommadawn“ ist gälisch und bedeutet wohl so viel wie Narr beziehungsweise Dummkopf. Was dieser Titel allerdings mit der Musik des Albums gemein hat, das erschließt sich mir nicht ganz. Allerdings waren die Narren des Mittelalters oft auch sehr weise Männer und vielleicht ist es genau dieser Widerspruch, der Mike Oldfield dazu bewog, diesen Titel zu wählen.

Wie die beiden Vorgänger besteht „Ommadawn“ aus zwei Titeln, die ursprünglich je eine Plattenseite belegten. Die Musik ist erneut hauptsächlich instrumental gehalten, unterscheidet sich allerdings trotzdem deutlich von der der beiden Vorgänger. Die Weltmusik hat Einzug gehalten in die Kompositionen des Mike Oldfield. Neben den altbekannten und typischen Mike Oldfield Gitarren gibt es jetzt auch den Dudelsack, die Trompete, das Cello oder aber afrikanische Trommeln zu hören. Dazu greift Oldfield hier auch zum Stilmittel des lautmalerischen Gesangs, welches er auf späteren Alben noch häufiger einsetzen wird. Viele „Aaahs“ und „Ooohs“ schweben dem Hörer um die Ohren. Doch der differenziertere Gesang, der auf „Ommadawn Part One“ von einem Frauenchor anscheinend so rein lautmalerisch gesungen wird und klingt und in dem das Wort „Ommadawn“ immer wieder auftaucht, ist jedoch nicht sinnfrei, sondern ebenfalls gälisch und bedeutet in etwa: „Die Katze ist in der Küche und trinkt Milch und ich bin ein Narr und lache“. Man muss aber auch nicht immer alles verstehen.

Alle musikalischen Zutaten, die bereits auf den Vorgängeralben zu hören waren, die gibt es auch auf „Ommadawn“ zu genießen. So werden Lagen über Lagen an gleichen oder aber verschiedenen Instrumenten gelegt, sodass die Fülle des Klangs immer weiter und weiter anwächst. Alles entwickelt sich, es entstehen wunderschöne harmonische und melodiöse Klanggebilde, die langsam reifen und schließlich ineinander übergehen. Alles scheint sich im Fluss zu befinden und in dem Gedanken komponiert worden zu sein, schön klingen zu müssen. Und das tut es wahrlich. Die Musik auf „Ommadawn“ klingt wunderschön entspannt, unaufgeregt, ergreifend und tiefsinnig, wenn dies bei instrumentaler Musik auch nur schwer erhörbar ist – aber es ist erspürbar.

Abgeschlossen wird das Album mit einem eigenen Part in „Ommadawn Part Two“ der „On Horseback“ heißt. Jetzt wird es richtig folkloristisch. Und auch dieses Stück, was so gar nichts mit dem Rest der Platte zu tun haben scheint, ist eine eingängige Nummer, die einen würdigen Abschluss für dieses klasse Album darstellt.

Fazit: „Ommadawn“ ist so ein Album, für welches Kopfhörer erfunden wurden. Diese Musik muss man in aller Ruhe genießen. Auf „Ommadawn“ gibt es kaum schnellere oder lautere Stellen, alles scheint gemacht worden zu sein, um dem Hörer etwas Angenehmes zu bereiten. Und da gelingt Mike Oldfield mit diesem Werk auch. Sehr viel besser kann man das gar nicht machen. Vierzehn Punkte.

Anspieltipps: Alles

Golden Kanine – Scissors & Happiness

Golden Kanine – Scissors & Happiness


Besetzung:

Linus Lindvall – guitars, vocals, keyboards, drums & percussion, mandolin, programming, metallofon
Andreas Olrog – guitar, vocals, keyboards, drums & percussion, melodium, programming, metallofon
Dante Ekfeldt – bass, vocals, drums & percussion, beat boxing
Marcus Lundquist – trombone, screaming, drums & percussion, keyboards
Micke Sahlin – head of drums & percussion, programming


Gastmusiker:

Christine Owman – cello, vocals
Unni Zimmerdahl – trumpets
Matti Engdahl – head of programming


Label: Glitterhouse Records


Erscheinungsdatum: 2009


Stil: Independent Folk Rock


Trackliste:

1. A World To Save (2:28)
2. Came Down (3:38)
3. December (2:43)
4. God Almighty (6:07)
5. Scissors (2:38)
6. Cough (1:47)
7. Happiness (4:14)
8. Cut (3:56)
9. A Call To Arms (4:07)
10. Bones (4:47)
11. Lover Don't Start (2:07)

Gesamtspieldauer: 38:37

„Scissors & Happiness“ nannte die schwedische Band aus Helsingborg beziehungsweise Malmö 2009 ihr Debutalbum nach zwei auf der CD enthaltenen Titeln. Und die Musik von Golden Kanine, die auf dieser Platte zu hören ist, kann wahrlich begeistern. Folk Musik gemixt mit dem Independent Genre und das alles mit vielen Blasinstrumenten eingespielt, ist für das Ohr des Musikkonsumenten weder gewöhnlich noch alltäglich.

Der Musik von Golden Kanine auf „Scissors & Happiness“ haftet so eine gewisse Melancholie an, eine Art Traurigkeit, die ein wenig an dunkle Wintertage in Skandinavien erinnert. Jetzt kommen die fünf Jungs allerdings aus Südschweden und so viel dunkler ist es da im Winter auch nicht als zum Beispiel in Schleswig-Holstein. Trotzdem ist da diese düstere Stimmung, die so perfekt transportiert wird. Auf „Scissors & Happiness“ hört man Folk-Musik, die allerdings nichts mit der eines Bob Dylan zu tun hat. Independent Folk Musik angereichert mit Blechblasinstrumenten und immer wieder mal einem Streicherpart. Klasse und mitreißend gemacht.

Letzteres gilt vor allem für den Beginn der Platte. Die ersten vier Titel sind richtig tolle Musikstücke, die jedem Musikliebhaber, der auf Harmonien, etwas Ungewöhnlichkeit, viel Melodiösität und Gefühl steht, ein Strahlen in die Augen oder besser in die Ohren zaubern werden. Alles ist hier perfekt arrangiert und geht schon beim ersten Mal ins Ohr und verbleibt dort auch. Und dies alles verbunden mit einem sehr hohen Wiedererkennungswert, der zusätzlich durch die nicht alltägliche Instrumentierung hervorgerufen wird. Da gibt es die „normalen“ Rock-Instrumente wie Gitarre, Bass und Schlagzeug, welche in der Musik von Golden Kanine allerdings gleichberechtigt neben Mandoline, Banjo, Cello, Trompete oder Posaune stehen.

Die Stärken des Albums liegen ganz klar zu Beginn des Albums. Gegen Ende lässt die Qualität der Songs etwas nach, ohne, dass sie dabei schlecht wären. Nur eben dieses hohe Niveau kann nicht durchgängig gehalten werden.

Fazit: Ein klasse Debut der fünf Schweden. Wer amerikanischen Folk mal anders und durchaus interessanter und abwechslungsreicher hören möchte, der sollte hier ein Ohr riskieren. Die Musik ist sehr eingängig und auch wenn sie durchweg melancholisch und sentimental bis hin zu ein wenig traurig klingt, so bringt sie mich beim Hören doch zum Lächeln. Die ersten Stücke sind zwar besser gelungen als der Rest, trotzdem hat das Album elf Punkte verdient. Aber sowas von.

Anspieltipps: A World To Save, Came Down, December, God Almighty, A Call To Arms

Haindling – 7

Haindling – 7


Besetzung:

Hans-Jürgen Buchner – Gesang, Mandoline, Synthesizer, Tenor-, Alt- und Sopransaxophon, Glöckchen, Perkussion, Tenor-Horn, Flügelhorn, Orgelpfeife, Tabla, Afro-Trommel, Indianer-Trommel, Tamburin, Akkordeon, Konzertflügel, Sitar, Gong, Pferdeschellen, Antilopen-Horn, Kuh-Horn, Okarina, Bass-Klarinette, Ceylon-Trommel, Besen-Trommel, Flirr- und Klanghölzer, gestimmte Flaschen, Tuba, Pfiffe, Fingerbecken, Klangschale, Kreisel, Kinderrassel, Quietsch- Elefant, Teddy-Bär, Strings


Gastmusiker:

Ulrike Böglmüller – Stimme
Irene Buchner – Mädchenchor
Sylvia Biendl – Mädchenchor
Angela Holzapfel – Mädchenchor
Michael Braun – Antilopen-Horn
Roald Raschner – zusätzliche Arrangements und Keyboards
Matthias Ruckdäschel – zusätzliche Arrangements und Keyboards


Label: Polydor


Erscheinungsdatum: 1991


Stil: Popmusik mit Volksmusik- und Schlageranleihen


Trackliste:

1. Liebe (3:18)
2. Nix Dabei (2:47)
3. Ganz Weit Weg (3:21)
4. Sie Und Er (3:34)
5. Die Jungen Herrn (3:26)
6. Das Geheimnis (4:06)
7. Der König Kommt (7:24)
8. Pfeif Drauf (1:59)
9. Zwiefacher (2:20)
10. Wo Is Er Denn? (3:42)
11. Warum (1:55)
12. Hymne Privat (1:54)
13. 3 Klänge (1:43)
14. Bombengeschäft (0:43)

Kurz mit „7“ betitelte Hans Jürgen Buchner das sechste Album seiner „Band“ Haindling aus dem Jahr 1991. „7“ deshalb, weil hier auch die Live-Veröffentlichung „Meuterei“ von 1986 in die Gesamtzahl mit einfloss. Leider konnte auf diesem neuen Album jedoch nicht ganz die Qualität der Musik gehalten werden, die auf sämtlichen Vorläuferplatten zu hören war. Und das liegt nur zum einen daran, dass es Hans Jürgen Buchner dieses Mal nicht gelungen ist, diese tollen Melodien zu kreieren, die es sonst immer wieder auf den Alben von Haindling zu entdecken gibt.

Die Musik hat sich ein wenig mehr dem Deutschen Schlager angenähert. Das gilt zwar in keinster Weise für die Instrumentierung, Hans Jürgen Buchner spielt die Titel alle selber ein, aber die Texte, diese Texte gehen schon sehr stark in die Richtung leichte Unterhaltung – oder sollte man besser sagen „seichte“ Unterhaltung? Das beginnt gleich mit dem ersten Stück „Liebe“. „Liebe, Liebe, Liebe is des Schönste auf der Welt“ heißt es neben nanderen Banalitäten im Refrain. Diesen Spruch habe ich damals des Öfteren in der Deutschen Hitparade mit Dieter Thomas Heck gehört. Oder der Text zu „Sie und er“. Nein, da war Haindling schon kreativer. Dafür hat hier zumindest diese sanfte, leise Melodie etwas, eine Melodie, die bei „Liebe“ auch irgendwie überaus alltäglich klingt.

Nun, die meisten Titel können einen irgendwie nicht so richtig einfangen. Die Lieder laufen so dahin, ohne groß Spuren zu hinterlassen. Zwar gibt es auf „7“ ein fast schon experimentell zu bezeichnendes Stück wie „Der König Kommt“, mit sehr viel Rhythmus, auch mal schrägen Klängen und Wortakrobatik. Die Nummer hört man sich interessiert an, allerdings packt es einen nicht. Skurril wird es auch wieder – zumindest für alle Nicht-Bayern. „Nix Dabei“ steht hier stellvertretend für diese Seite des Hans Jürgen Buchners. Aber wieder gilt: Okay, aber muss man nicht immer wieder und wieder hören.

Jedoch es gibt auch die guten Stücke auf dem Album. „Pfeif Drauf“ ist eine schöne und nette Instrumentalnummer, ganz im Haindling-Stil, die auch als Titelmusik zu den „Rosenheim-Cops“ Verwendung findet. Oder das geniale Lied: „Wo Is Er Denn?“ Hier passt alles, der super witzige Text, die schöne Melodie und auch die ungewöhnliche Instrumentierung. Ein absoluter Höhepunkt – und dies ist nicht nur für das Album „7“ gemeint. Zu diesen Highlights auf der vorliegenden Platte zählt für mich auch das kurze „Warum“. Da hört man sie wieder diese schönen Harmonien, die Hans Jürgen Buchner immer wieder auf Platte presst. Der Text ist zwar hier auch eine Mischung aus erhobenem Zeigefinger und Liebeslied – aber sei’s drum.

Beendet wird das Album mit dem Titel „Bombengeschäft“. Keinem eigentlichen Lied mehr, sondern einer kurzen Ansprache Hans Jürgen Buchners über Waffengeschäfte. Dieses Mal aber nett gemacht, sodass man hier diesen erhobenen Zeigefinger vergeblich sucht. Und mit diesem kurzen Einschub, wird der Hörer dann entlassen.

Fazit: So richtig überzeugen kann mich „7“ nicht. Kein schlechtes Album, wahrlich nicht. Wenn dies allerdings meine erste Begegnung mit Haindling gewesen wäre, ich wäre mir nicht sicher, ob es noch weitere in Form von Plattenkäufen gegeben hätte. Die Musik fängt einen deutlich weniger ein, als noch auf den vorherigen Veröffentlichungen. Die Schlager-Stücke nerven und die schönen Melodien fehlen oft. Somit bleiben hier für mich, nein nicht sieben, sondern nur sechs Punkte – aber ist ja auch das sechste Studioalbum…

Anspieltipps: Pfeif Drauf, Wo Is Er Denn?, Warum