Sons Of Noel And Adrian – Sons Of Noel And Adrian

Sons Of Noel And Adrian – Sons Of Noel And Adrian


Besetzung:

Jacob Richardson
Tom Cowan
William Calderbank
Michael Siddell
Catherine Cardin
Jo White
Alistair Strachan
Nick Hemming
Rowan Coupland
Marcus Hamblett


Gastmusiker:

Lindsey Oliver
James De Malplaquet
Beatrice Sanjust Di Teulada
John Chescoe
Will Oldham


Label: Shelsmusic


Erscheinungsdatum: 2008


Stil: ArtPop, Experimental


Trackliste:

1. Indigo (4:55)
2. Kernow (4:11)
3. Damien. Lessons From What’s Poor (9:25)
4. Cave (3:23)
5. Ragwort (6:10)
6. Divorce (5:58)
7. Violent Violet (3:24)
8. The Wreck Is Not A Boat (4:54)
9. Inside Olympia (4:47)

Gesamtspieldauer: 47:12

Was bei einem beim Hören der Musik der Band Sons Of Noel And Adrian aus Brighton, England sofort auffällt, das ist die Instrumentierung, die hauptsächlich aus akustischen Instrumenten besteht. Gitarre, Glockenspiel, Violine, Cello, Piano, Banjo, Kornett, Kuhglocken, Flöte, Horn, Harfe und vieles mehr ist da zu hören. Dazu gesellt sich der arg weinerliche Gesang des Jacob Richardson und fertig ist die Musik, die so ganz anders klingt als alles, was man sonst im Bereich des Pop und Rock zu hören bekommt. Auf dem selbstbetitelten Debut-Album, welches am 1. Juli 2008 veröffentlicht wurde, taucht man mit dem ersten Takt direkt in diese musikalische Welt ein und verlässt sie erst wieder mit dem Ausklingen des letzten Akkords.

Diese musikalische Welt der Sons Of Noel And Adrian klingt melancholisch bis traurig, von daher passt die Stimme des Jacob Richardson im Grunde genommen perfekt zur Musik. Trotzdem ist genau diese auch der „Knackpunkt“ beim Hören der Alben der englischen Band. Man muss diesen besonderen Klang mögen oder zumindest akzeptieren können, um in die Lieder der Sons Of Noel And Adrian vollends eintauchen, sie vollends genießen zu können. Ansonsten wird es trotz aller Schönheit und Melodiösität schwierig mit der Musik der Sons Of Noel And Adrian. Immer wenn Joanne White und Catherine Cardin mit in den Gesang einstimmen, werden die Lieder um eine weitere Facette bereichert. Im mehrstimmigen Gesang erklingen die einzelnen Stücke nochmals einen Tick intensiver, melodiöser und auch packender. Dis allerdings auf bereits sehr hohem und vieles durchdringendem Niveau.

Eingängig klingt die Musik der Sons Of Noel And Adrian an jeder Stelle des Albums. Mitunter auch etwas schräg und verdreht, dennoch gehen die einzelnen Titel relativ schnell ins Ohr, was durch mehrmaliges Hören noch deutlich verstärkt wird. Die mitunter angespielten musikalischen Redundanzen wirken in sich geschlossen und geradezu hypnotisierend. Höhepunkt der Platte ist das neuneinhalbminütige „Damien. Lessons From What’s Poor“. Mit einem akustischen Gitarrenlauf wird das Lied eingeleitet, der immer und immer wieder wiederholt wird. In diesen setzen dann Bläser und Streicher ein, um sich alsbald wieder zu verabschieden. Das klingt so wunderbar eingängig und es fällt nicht schwer, in diese Töne einzutauchen. Nach drei Minuten wird der fast schon beschwörende Gesang angestimmt, danach nimmt die Musik Fahrt auf und wird noch ein wenig intensiver. Eine Wand aus monotoner Melodiösität bricht über einen herein, Mid-Tempo-Rhythmus, eine sehnsüchtig klingende Violine, alles steigert sich, wallt auf, um schließlich in einem Duett-Gesang zu müden. Alles sehr fein und subtil. Großes musikalisches Kino. Doch auch die anderen Titel lohnen gehört zu werden. „Sons Of Noel And Adrian“ von den Sons Of Noel And Adrian beinhaltet keine Schwächen, macht Spaß vom ersten bis zum letzten Akkord und ergreift.

Fazit: Das selbstbetitelte Debut-Album der Sons Of Noel And Adrian ist ein ganz besonderes geworden. Schöne, melodiöse und eingängige Musik, die alles andere als alltäglich klingt. Das liegt an der etwas ausgefalleneren Instrumentierung mit hauptsächlich akustischen Instrumenten sowie am weinerlichen Gesang des Jacob Richardson. Die Platte verströmt eine unglaublich intensive Melancholie, beinhaltet keinesfalls Musik, die man nebenbei hören kann und weiß zu begeistern. Dreizehn Punkte.

Anspieltipps: Damien. Lessons From What’s Poor

Al Stewart – Zero She Flies

Al Stewart – Zero She Flies


Besetzung:

Al Stewart – guitar, keyboards, vocals


Gastmusiker:

Louis Cennamo – bass
Gerry Conway – drums
Pete Gavin – drums
Steve Gray – guitar
Tim Hinkley – keyboards
Trevor Lucas – guitar


Label: CBS Records


Erscheinungsdatum: 1970


Stil: Folk


Trackliste:

1. My Enemies Have Sweet Voices (5:14)
2. A Small Fruit Song (2:02)
3. Gethsemane, Again (5:28)
4. Burbling (3:19)
5. Electric Los Angeles Sunset (3:47)
6. Manuscript (4:45)
7. Black Hill (1:22)
8. Anna (1:47)
9. Room Of Roots (3:52)
10. Zero She Flies (5:35)

Gesamtspieldauer: 37:16

Alles wie gehabt könnte man sagen, wenn man das dritte Album des Meisters der leisen Töne, Al Stewart, hört. „Zero She Flies“ heißt diese Scheibe und erschien im April 1970 auf dem Plattenlabel CBS Records. Darauf zu hören ist einmal mehr sehr sanfter und zurückhaltender British Folk, der zwar auch mal einen ganz kleinen Ausflug in Richtung US-amerikanische Musik nimmt, ansonsten jedoch überwiegend bei seinen Wurzeln bleibt.

Das Album beginnt mit dem Titel „My Enemies Have Sweet Voices“. Und dies ist gleich jenes, welches etwas anders klingt, als der typische Al Stewart Song. Sehr viel Mundharmonika lässt automatisch Reminiszenzen an die US-amerikanische Country- und Western-Music aufkommen. „Schuster bleib bei Deinen Leisten!“ möchte man Al Stewart fast zurufen, denn die Nummer ist zum einen nicht typisch für diese Platte, zum anderen ist sie auch deren schwächstes Lied. Doch schon mit dem nächsten kurzen Titel, „A Small Fruit Song“, wird man wieder versöhnt. Bis ganz zum Schluss wird man mit wunderschönen akustischen Gitarrenklängen umgarnt, um gegen Ende von der Liebesbeziehung eines Apfels zu einer Orange zu erfahren. Nebenbei bemerkt ist auch das Album-Cover eine weitere Skurrilität. Was sich Al Stewart wohl dabei dachte, lediglich seinen Kopf in all dem Gestrüpp zu zeigen? Man wird es wohl nie erfahren.

Es reiht sich im weiteren Verlauf eine schöne Akustik-Nummer an die nächste. Ab und an gibt es im Hintergrund mal eine E-Gitarre zu hören und mit den Liedern „Burbling“ und „Room Of Roots“ sind auch zwei Instrumentalstücke mit auf „Zero She Flies“ enthalten. Alles klingt lieb, nett, sanft, melodiös und eingängig. Eine kleine Ausnahme befindet sich noch am Ende des Albums mit dem Titellied. Das Lied steigert sich und wird gegen Ende hin sogar richtiggehend rockig. Genauso wie der Opener des Albums so steht auch diese Nummer nicht stellvertretend für „Zero She Flies“, sondern stellt eine Ausnahme dar. Und auch wenn sich keine außergewöhnlichen Ohrwürmer mit auf diesem Album befinden, so unterhält die Musik doch und hat mit dem bereits erwähnten „A Small Fruit Song“, dem kurzen „Anna“ sowie dem Instrumentallied „Room Of Roots“ ihre Höhepunkte.

Fazit: Wer Folk Musik mag, wird auch „Zero She Flies“ mögen. Zumeist ist die Musik eine sehr ruhige, nur selten, wie beim Titellied, klingt es ein klein wenig rockiger oder etwas nach Country, wie beim Opener. Ansonsten bleibt sich Al Stewart treu, entwickelt auf seiner akustischen Gitarre sanfte Lieder, zu denen er seine kleinen Geschichten erzählt. Unaufgeregt. Neun Punkte.

Anspieltipps: A Small Fruit Song, Anna, Room Of Roots

Westlife – Face To Face

Westlife – Face To Face


Besetzung:

Nicky Byrne – vocals
Kian Egan – vocals
Mark Feehily – vocals
Shane Filan – vocals


Gastmusiker:

Steve Pearce – basss
The Tuff Session Singers – choir
Chris Laws – drums
Ian Thomas – drums
Fridrik Karlsson – guitar
Paul Gendler – guitar
Steve Mac – keyboards
Dave Arch – piano
Steve Mac – piano
Stockholm Session Strings – strings


Label: RCA Records


Erscheinungsdatum: 2005


Stil: Pop


Trackliste:

1. You Raise Me Up (4:02)
2. When You Tell Me That You Love Me (3:58)
3. Amazing (2:51)
4. That's Where You Find Love (3:46)
5. She's Back (3:12)
6. Desperado (3:38)
7. Colour My World (3:57)
8. In This Life (4:10)
9. Heart Without A Home (4:49)
10. Hit You With The Real Thing (3:02)
11. Change Your Mind (3:44)
12. Maybe Tomorrow (3:08)

Gesamtspieldauer: 44:23

Nachdem Brian McFadden Anfang 2004 die Band verlassen hatte, wurde im November 2004 das fünfte Studio-Album „...Allow Us To Be Frank“ veröffentlicht. Dieses war die erste Platte von Westlife, die nicht Platz 1 in Großbritannien und Irland erklomm und aus Liedern bestand, die Frank Sinatra zuvor eingesungen hatte. Es wurde also Zeit zur bewährten Herangehensweise zurückzukehren: Schmuse-Pop. So wurde am 31. Oktober 2005 das sechste Studio-Album mit dem Titel „Face To Face“ veröffentlicht. Dieses erschein einmal mehr bei den Plattenlabels RCA und Sony BMG und erreichte auch tatsächlich wieder Platz 1 der Charts in Irland und Großbritannien.

The Album enthält sehr weiche Pop-Musik, die häufig mit zahlreichen Streichern unterlegt wurde. Das klingt zumeist alles sehr schmalzig. Ein Eindruck, der zusätzlich zur sehr oberflächlichen Musik auch durch sehr schlechte Texte vermittelt wird. Im Übrigen bleibt festzuhalten, dass Westlife auf jedem Album irgendwie gleich zu klingen scheinen. Innerhalb einer Platte sowieso. Auch die Cover-Versionen scheinen so ausgesucht zu werden. Dieses Mal sind es „She‘s Back“ von Human Nature, „Desperado“ von den Eagles, Collin Rayes Hit „In This Life“ sowie das Nick Carter Lied „Heart Without A Home“.

Das Album ist musikalisch definitiv ein Rückschritt zu der letzten Veröffentlichung mit Brian McFadden. Das zarte Pflänzchen des Rocks, welches dort zumindest ein klitzekleines bisschen zu hören war, ist verkümmert. Auf „Face To Face“ ist erneut fast ausschließlich schmalziger Pop zu hören, der ab und an auch tanzbar ist, wenn es sich nicht um eine der vielen Balladen handelt. Lediglich ein Lied erweckt zumindest etwas Aufmerksamkeit. Dieses heißt „Hit You With The Real Thing“ und ist ein schnellerer Pop-Song.

Fazit: Westlife bleiben Westlife. Schmuse-Pop der harten Sorte, den man in Verbindung mit sehr schlechten Texten kaum erträgt. Es gibt einfach langweilige und belanglose Musik. „Face To Face“ von Westlife steht dafür stellvertretend. Einen Punkt.

Anspieltipps: Hit You With The Real Thing

Motorpsycho – Heavy Metal Fruit

Motorpsycho – Heavy Metal Fruit


Besetzung:

Bent Sæther – vocals, bass, guitars, keyboards
Hans Magnus Ryan – vocals, guitars, keyboards
Kenneth Kapstad – drums


Gastmusiker:

Mathias Eick – trumpet on track 2
Hanne Hukkelberg – vocals on tracks 2/4/5/6
Kåre Vestrheim – keyboards


Label: Stickman Records


Erscheinungsdatum: 2010


Stil: Psychedelic Rock, Progressive Rock


Trackliste:

1. Starhammer (feat. The Electric Psalmon) (12:57)
2. X-3 (Knuckleheads In Space) / The Getaway Special (9:03)
3. The Bomb-Proof Roll And Beyond (for Arnie Hassle) (6:01)
4. Close Your Eyes (3:39)
5. W.B.A.T. (9:43)
6. Gullible's Travails (Pt. I - IV) (20:42)

I. Eye All-Seeing
II. The Elementhaler
III. Circle
IV. Phoot's Flower (A Burly Return)

Gesamtspieldauer: 1:02:08

„Heavy Metal Fruit“ heißt das vierzehnte Studioalbum der norwegischen Band Motorpsycho. Es erschein auf den Plattenlabels Stickman Records sowie Rune Grammofon am 18. Januar 2010 in Form einer Doppel-LP oder einer CD und war das dritte Studioalbum der Band, welches innerhalb eines Zeitraumes von weniger als zwei Jahren veröffentlicht wurde. Kaum zu glauben, wie viel Kreativität in den Musikern von Motorpsycho steckt.

Der Titel der Platte, „Heavy Metal Fruit“, täuscht dabei ein wenig, denn es ist nicht alles Heavy Metal, was man auf dem Album zu hören bekommt. Die hier zu hörenden musikalischen Genres sind da schon sehr viel breiter gestreut und bewegen sich in den Bereichen Psychedelic Rock, Progressive Rock, Folk, Alternative Rock, Fusion und Stoner Rock. Jede Menge Stoff also, den man hier serviert bekommt und der trotz dieses Stilmixes perfekt zusammenpasst. „Heavy Metal Fruit“ ist eine spannende Reise durch die Weiten des Rocks, die einen häufig mitreißt und in den Bann zieht. Auf „Heavy Metal Fruit“ ist alles andere als Mainstream zu hören. Die Atmosphäre ist zumeist eher dunkel gehalten und dieses Mal gibt es mit dem Titel „Close Your Eyes“ für Motorpsycho-Verhältnisse sogar eine sehr ruhige und nachdenkliche Nummer mitgeliefert, die in Moll getaucht sehr viel Melancholie verströmt.

Höhepunkt des Albums ist das etwa zwanzigminütige letzte Lied „Gullible's Travails“. Das Stück ist aus vier Teilen aufgebaut und hier bekommt man das Ganze Können der Norweger präsentiert. Ihr Talent, abwechslungsreiche und packende Lieder zu schreiben. Alle vier Teile dieses musikalischen Kleinods gehen dabei ins Ohr gehen. Mal gibt es auf „Gullible's Travails“ knackigen Rock zu hören, der die Überschrift des Albums, „Heavy Metal Fruit“, nochmals unterstreicht. Treibend prescht der Titel dann nach vorne, um schließlich doch wieder in einem ruhigeren und deutlich sanfteren Part zu münden, der von der akustischen Gitarre dominiert wird und die Emotionen in die andere Richtung verschiebt. Die gerade bereits erwähnte musikalische Reise findet hier ihre Vollendung.

Fazit: Auch das vierzehnte Studioalbum der norwegischen Band Motorpsycho mit dem Titel „Heavy Metal Fruit“ ist ein sehr überzeugendes geworden. Fern des Mainstreams schaffen es die drei Norweger spielerisch leicht, unterschiedliche musikalische Genres miteinander kommunizieren zu lassen und sich sogar zu vereinigen. Das sorgt an jeder Stelle der etwa einstündigen Spieldauer für wunderbare Unterhaltung. Dies in Form von Musik, in die man vollständig eintauchen kann. Sehr gelungen. Elf Punkte.

Anspieltipps: Close Your Eyes, Gullible's Travails (Pt. I - IV)

Boyzone – BZ20

Boyzone – BZ20


Besetzung:

Keith Duffy – vocals
Mikey Graham – vocals
Ronan Keating – vocals
Shane Lynch – vocals


Gastmusiker:

Simon Johnson – guitar
Lee McCutcheon – keyboards
Paul Meehan – keyboards
Adam Phillips – guitar
Pat Roche – guitar


Label: Rhino Records


Erscheinungsdatum: 2013


Stil: Pop


Trackliste:

1. Love Will Save The Day (3:12)
2. Who We Are (3:10)
3. Everything I Own (3:13)
4. Centre Of Gravity (3:41)
5. Heaven Is (3:30)
6. If We Try (3:11)
7. Nobody Knows (4:12)
8. Best Night Of Our Lives (3:02)
9. Light Up The Night (3:13)
10. Rise (3:13)
11. The Hour Before Christmas (3:49)

Gesamtspieldauer: 37:31

„BZ20“ heißt das fünfte Studio-Album der irischen Boy Group Boyzone in Anlehnung an ihr zwanzigjähriges Band-Jubiläum. Die Scheibe erschien am 22. November 2013 auf dem Plattenlabel und war weit weniger erfolgreich, als die Veröffentlichungen der Band zuvor. So ist „BZ20“ auch das erste Album von Boyzone, welches es nicht auf Platz 1 der britischen Charts schaffte.

Auf „BZ20“ hört man einmal mehr diesen etwas süßlichen Pop, gepaart mit unterirdisch schlechten Texten, die von Liebe, Liebeskummer, Herzschmerz und erfüllter beziehungsweise unerfüllter Liebe handeln. Allerdings klingen auf diesem Album nicht alle Titel so überbordend anbiedernd, wie auf so mancher Platte der Iren zuvor. Es gibt auch Stücke, die sich ganz nett anhören und ins Ohr gehen. An dieser Stelle wären die ersten drei Nummern zu nennen, die nun nicht mehr so stark nach Teenie-Pop klingen, sondern erwachsener wirken.

„Love Will Save The Day“, „Who We Are“ und „Everything I Own“ sind die Höhepunkte auf „BZ20“, anschließend verfallen Boyzone wieder in altbekannte Muster, nämlich Liebeslieder darzubieten, die mit immer noch mehr süßlichem Hintergrundgesang überzuckert werden. Zum Dahinschmelzen. Zumindest ein wenig mehr Auflockerung präsentieren die vier verbliebenen Sänger jedoch immerhin auf dieser Platte ihren Hörerinnen und Hörern. Oder soll man sagen, die Songschreiber haben andere Maßstäbe angelegt an eine Band, deren Sänger selbst in die Jahre gekommen sind und sich ihr Publikum nun neu zu erschließen versuchen? Durchaus möglich, musikalisch klingt das allerdings dadurch allemal besser als zuvor, kommerziell war es für Boyzone jedoch ein Rückschritt.

Fazit: Etwas erwachsener Pop und auch wieder Boy Group Musik gibt es dieses Mal auf einem Boyzone Album zu hören. Das klingt zu Beginn auch noch ganz nett, wird dann jedoch wieder sehr anstrengend, wenn man etwas Anspruch in der Musik erwartet. Zumindest an mancher Stelle geht die Musik allerdings ins Ohr und man kann dies auch zulassen, ohne dabei rot zu werden. Ein gutes Pop-Album ist „BZ20“ damit noch lange nicht. Wer jedoch sanfte und poppige Musik mag, findet hier vielleicht etwas für sich. Fünf Punkte.

Anspieltipps: Love Will Save The Day, Who We Are, Everything I Own

Frank Turner – Tape Deck Heart

Frank Turner – Tape Deck Heart


Besetzung:

Frank Turner – lead vocals, acoustic guitar, electric guitar, backing vocals


Gastmusiker:

The Sleeping Souls:

Ben Lloyd – electric guitar, backing vocals, noise (12), drums (12)
Tarrant Anderson – bass guitar, backing vocals, drums (12)
Matt Nasir – piano, accordion, organ, mellotron, rhodes, wurlitzer, mandolin, xylophone, backing vocals, drums (12)
Nigel Powell – drums, percussion, recorder, backing vocals

Weitere Gastmusiker:

Rich Costey – electric guitar (1 and 9), backing vocals (7)
Elle King – banjo (3)
Fergus Coulbeck – jew’s harp („Her Velvet Tones“)
John Hill – soundscapes (3)
Chris Trovero – backing vocals (7)
Scott Keys – backing vocals (7)
Deena Keys – backing vocals (7)
Samantha Keys – backing vocals (7)
Chris Kasych – backing vocals (7)
Ben Hallett – backing vocals (7)


Label: Universal Music


Erscheinungsdatum: 2013


Stil: Folk Rock, Pop


Trackliste:

1. Recovery (3:28)
2. Losing Days (3:32)
3. The Way I Tend To Be (3:41)
4. Plain Sailing Weather (4:01)
5. Good & Gone (3:50)
6. Tell Tale Signs (4:12)
7. Four Simple Words (4:56)
8. Polaroid Picture (3:43)
9. The Fisher King Blues (5:00)
10. Anymore (3:09)
11. Oh Brother (4:18)
12. Broken Piano (5:30)

Gesamtspieldauer: 49:26

„Tape Deck Heart“ heißt das fünfte Studioalbum des englischen Sängers und Song-Schreibers Frank Turner. Veröffentlicht wurde das Album am 22. April des Jahres 2013 auf dem Plattenlabel Universal Music. Mit den Titeln „Recovery“, „The Way I Tend to Be“, „Losing Days“, „Oh Brother“ sowie „Polaroid Picture“ wurden fünf der auf „Tape Deck Heart“ enthaltenen Lieder auch als Single veröffentlicht. Das sollte den Verkauf durchaus ankurbeln. In England kletterte das Album bis auf Platz 2 der Charts und ist bis heute die erfolgreichste Scheibe des Frank Turner. Zu hören gibt es auf „Tape Deck Heart“ eine Mischung aus Pop und Folk.

Inhaltlich verarbeitete Frank Turner mit diesem Album das Zerbrechen einer langjährigen Beziehung, weshalb auch in den Texten „Verlust“ und „Trennung“ häufig zum Thema werden. Die Musik auf „Tape Deck Heart“ ist jederzeit eingängig und melodiös. Die beiden Genres Folk und Pop weiß der Engländer dabei geschickt zu verbinden und zu vermischen. Die Lieder gehen gleich beim ersten Mal des Hörens ins Ohr, richtiggehende Ohrwürmer findet man allerdings nicht auf der Platte. Trotzdem klingen alle Lieder überzeugend und es gibt auch keine Ausfälle, wodurch man die Fernbedienung ruhen lassen kann.

Ein besonderer Höhepunkt des Albums ist zum einen das Lied „The Fisher King Blues“. Eine sehr abwechslungsreiche Nummer, die toll gesteigert wird. Ein Chor wird integriert und bereichert den Titel ungemein, bis das Lied schließlich an seiner intensivsten Stelle ausklingt. Auch soll an dieser Stelle die Erwähnung des letzten Liedes der Platte nicht fehlen, das Stück „Broken Piano“. Auch dieser Titel trägt eine schöne und sehr gelungene Steigerung ins sich, klingt zunächst wunderschön melancholisch, fast schon verzweifelt und endet in einem rhythmischen Finale, welches ein klein wenig an Peter Gabriels „Lay Your Hands On Me“ erinnert.

Fazit: Nichts Außergewöhnliches, doch ganz bestimmt auch kein schlechtes Album ist „Tape Deck Heart“ von Frank Turner geworden. Darauf zu hören gibt es eingängigen Pop und Folk, nicht zu kompliziert gehalten, dafür immer melodiös und unterhaltend. Man kann bestens in die Lieder eintauchen, in alle. Die Musik des Frank Turner geht auf diesem Album schnell ins Ohr und klingt dabei nie langweilig oder belanglos. Neun Punkte.

Anspieltipps: The Fisher King Blues, Broken Piano

Toto – Turn Back

Toto – Turn Back


Besetzung:

David Hungate – bass, acoustic guitar on “I Think I Could Stand You Forever“
Bobby Kimball – lead and backing vocals
Steve Lukather – guitars, lead and backing vocals
David Paich – keyboards, synthesizer, backing vocals
Jeff Porcaro – drums, percussion
Steve Porcaro – keyboards, electronics


Gastmusiker:

Joe Porcaro – additional percussion on “If It's The Last Night“


Label: Sony Music


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: Soft Rock, Mainstream, AOR


Trackliste:

1. Gift With A Golden Gun (4:01)
2. English Eyes (6:07)
3. Live For Today (4:01)
4. A Million Miles Away (4:37)
5. Goodbye Elenore (4:54)
6. I Think I Could Stand You Forever (5:20)
7. Turn Back (3:58)
8. If It's The Last Night (4:40)

Gesamtspieldauer: 37:41

Das dritte Album der US-amerikanischen Rock Band Toto heißt „Turn Back“ und erschien im Januar 1981 ursprünglich auf dem Plattenlabel Columbia Records. Der Stil der Band hatte sich etwas gegenüber den beiden Vorgängern geändert. Das Album ist nun angefüllt mit Mainstream Rock, für den US-amerikanischen Markt der 80er Jahre typischen Adult Oriented Rock. Ein eher poppiger Einschlag der Lieder ist nicht mehr zu hören. Die Texte schrammen auf „Turn Back“  oftmals an der Grenze zur Peinlichkeit vorbei und behandeln alle möglichen Auswüchse des Themas der Liebe.

Auf „Turn Back“ hört man hauptsächlich sehr oberflächlichen, massenkompatiblen Rock, der einzig und allein dazu gemacht wurde, häufig im Radio gespielt zu werden und somit die Umsatzzahlen in die Höhe zu treiben – zumindest klingt das so. Die Melodieführungen sind anbiedernd einfach, alles scheint auf die schnelle Eingängigkeit getrimmt zu sein. Ecken und Kanten besitzen die Lieder keine mehr, die einzelnen Titel wirken bereits beim ersten Mal des Hörens und erschließen sich einem auch ohne Probleme. Nur leider wirken sie dabei kein bisschen nach.

Dies zeigte sich auch in den Verkaufszahlen. Die Rechnung mit der schnellen Eingängigkeit ging nicht auf. Kein ausgekoppeltes Lied konnte sich in den Single-Charts platzieren und auch insgesamt blieb der Erfolg für das Album aus, sodass die Plattenfirma bereits darüber nachdachte, die Band fallen zu lassen. Sie tat es nicht und wurde mit dem Nachfolge-Album „Toto IV“ für die Geduld belohnt. Höhepunkte lassen sich auf „Turn Back“ keine ausmachen, alles klingt ähnlich und ehrlich gesagt überaus langweilig. Dazu noch diese schleimigen und süßlichen Texte und fertig ist eine Platte, die man einfach nicht braucht. Aber das Platten-Cover, das ist wahrlich gerade wegen seiner Einfachheit überaus gelungen und dann doch noch ein Höhepunkt des Albums.

Fazit: Ziemlich eintönigen und langweiligen Mainstream-Rock bekommt man auf dem dritten Album von Toto mit dem Titel „Turn Back“ geboten. Die Scheibe läuft, einmal auf- beziehungsweise eingelegt, einfach so durch, ohne irgendwelche Spuren zu hinterlassen. Alles sehr unspektakulär und ein wenig anbiedernd klingend. Dazu gesellen sich noch süßliche Liebestexte und fertig ist das überflüssige Album, welches zu hören fast schon an Zeitverschwendung grenzt. Fünf Punkte.

Anspieltipps: I Think I Could Stand You Forever, If It's The Last Night

Beardfish – Destined Solitaire

Beardfish – Destined Solitaire


Besetzung:

Rikard „Gungfly“ Sjöblom – vocals, keyboards, left speaker guitar, accordion, percussion
David Zackrisson – right speaker guitar, background vocals, percussion
Magnus Östgren – drums and percussion
Robert Hansen – bass and background vocals


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2009


Stil: Progressive Rock, RetroProg


Trackliste:

1. Awaken The Sleeping (6:00)
2. Destined Solitaire (10:52)
3. Until You Comply Including Entropy (15:21)
4. In Real Life There Is No Algebra (4:32)
5. Where The Rain Comes In (8:28)
6. At Home... Watching Movies (1:52)
7. Coup De Grâce (9:48)
8. Abigail's Questions (In An Infinite Universe) (9:12)
9. The Stuff That Dreams Are Made Of (10:39)

Gesamtspieldauer: 1:16:49

„Destined Solitaire“ nannte die schwedische Progressive Rock Band Beardfish ihr viertes Studio-Album. „Destined Solitaire“ erschien am 24. Juli 2009 auf dem Plattenlabel InsideOut Music und zeigt einmal mehr, dass Alben von Beardfish öfters gehört werden sollten, um ihren Reiz und die nicht sofort wirkende Eingängigkeit wirken lassen zu können, um dann umso überzeugender nachzuhallen.

Auch auf „Destined Solitaire“ hört man Progressive Rock, die mit allerlei Gimmicks und Einfällen ausgestattet wurde. Da wird beim Titelstück mal gegrowlt und man sollte sich ebenfalls nicht wundern, wenn kurzzeitig ganz überraschend ein Polka-Rhythmus angestimmt wird. Es ist immer die Abwechslung, die ein Beardfish Album ausmacht – und damit gleichzeitig bewirkt, dass dieses nicht sofort ins Ohr geht. Vieles klingt auch frickelig und schräg. Musik, bei denen Radiohörer verwundert den Kopf schütteln. Doch es gibt genügend sehr melodiöse Abschnitte in der Musik der Schweden, allerdings werden diese immer wieder durch besondere Einsprengsel unterbrochen oder miteinander verbunden, sodass auf das erste Hören hin nie ein einheitlicher Abschnitt zu entstehen scheint.

Das macht ein Beardfish Album durchaus zu etwas Besonderem, denn einfaches „Nebenbeihören“ wird durch den Abwechslungsreichtum in der Musik fast ausgeschlossen. Man muss sich auf die Lieder konzentrieren und einlassen, am besten entspannt auf seinem Lieblingsplatz, dann entfalten diese Lieder am ehesten und überzeugendsten ihren Reiz. Dem Jazzrock oder auch zappaesken gegenüber sollte man dabei allerdings definitiv nicht ganz abgeneigt sein, denn experimentierfreudig sind die vier Schweden auf „Destined Solitaire“ ganz besonders. Was auch bedeutet, dass manches auf dem Album eher nie ins Ohr geht, dafür komisch und schräg klingt. Was dabei immer zutage tritt, das ist die Spielfreude, die man sehr gut herauszuhören glaubt. Dass die vier Musiker zudem Meister ihres Faches sind, das glaubt man nicht nur, das kann man gewiss hören.

Fazit: Ein wahrlich nicht eingängiges, dafür allerdings sehr abwechslungsreiches Album ist „Destined Solitaire“ von Beardfish geworden. Progressive Rock der weniger eingängigen, denn der mehr frickeligen und eher fordernden Sorte. Es gibt auf dem Album auch sehr melodiöse Abschnitte zu hören, allerdings auch Passagen, die einfach nicht ins Ohr gehen wollen – zumindest nicht sofort. Neun Punkte.

Anspieltipps: Awaken The Sleeping, At Home... Watching Movies

Gazpacho – Missa Atropos

Gazpacho – Missa Atropos


Besetzung:

Jan Henrik Ohme – vocals
Thomas Andersen – keyboards
Jon-Arne Vilbo – guitars
Mikael Krømer – violins & mandolin
Kristian Olav Torp – bass
Lars Erik Asp – drums


Label: KScope


Erscheinungsdatum: 2010


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Mass For Atropos I (1:43)
2. Defense Mechanism (6:29)
3. I Was Never Here (3:12)
4. Snail (3:39)
5. River (6:07)
6. Mass For Atropos II - You're Going To Die Up Here (2:06)
7. Missa Atropos (8:25)
8. She’s Awake (3:42)
9. Vera (7:26)
10. Will To Live (3:07)
11. Mass For Atropos III (1:39)
12. Splendid Isolation (8:33)
13. An Audience (2:52)

Gesamtspieldauer: 59:06

„Missa Atropos“ heißt das sechste Album der norwegischen Progressive Rock Band Gazpacho. Das Album erschien am 26. November im Jahr 2010 auf dem Plattenlabel Happy Thoughts und KScope. Auf „Missa Atropos“ hört man überaus eingängigen und melodischen Progressive Rock, der in Harmonien schwelgt und an vielen Stellen mitzureißen versteht. Inhaltlich wird die Geschichte eines Mannes erzählt, der sich in einen Leuchtturm zurückzieht, um die Ankunft von Atropos zu erwarten. Atropos ist eine von drei Schwestern aus der griechischen Mythologie, neben Clotho und Lachesis, die den Faden des Lebens, also die Lebenszeit eines Menschen mittels eines Stabes nachmessen. Ist die Fadenlänge erreicht, schneidet Atropos diesen durch und der Mensch stirbt.

Hatte die Musik von Gazpacho früher mal an Radiohead, A-ha, Porcupine Tree und Marillion erinnert, so ist nun hauptsächlich noch Marillion der Steve Hogarth Phase übriggeblieben. Allerdings gefällt mir der Ansatz von Gazpacho etwas besser, als jener der späteren Marillion. Die Musik schwelgt quasi in Harmonien und schönen Melodien, die unverzüglich ins Ohr gehen. Jan Henrik Ohmes Stimme gleicht nun auch noch etwas mehr dem Gesang von Steve Hogarth, besitzt allerdings noch eine größere Spannbreite. Massenkompatibel ist das auf „Missa Atropos“ zu Hörende kaum, wer allerdings Musik in der Richtung des eingängigen Art Rock liebt, die oder der kommt mit dieser Platte voll auf ihre beziehungsweise seine Kosten. Über allem schwebt einmal mehr diese latent vorhandene Traurigkeit in der Musik der Norweger, die bei dem Inhalt des Albums dieses Mal auch nicht weiter überraschen dürfte.

Auf „Missa Atropos“ gibt es einige Höhepunkte – und dazu glücklicherweise keine Ausfälle. Alles klingt und wirkt auf diesem Album. Besonders angetan haben es mir dabei die Titel „Defense Mechanism“, „River“, „Vera“, „Splendid Isolation“ und „An Audience“. Dichte und intensive Musik die, besitzt man dieses „Progressive Rock Gen“, einen oftmals packt und nicht mehr loslässt. Alle Titel beinhalten eine große Varianz in sich, sind abwechslungsreich und atmosphärisch vollgepackt. Fand ich die Scheibe beim ersten Hören „ganz gut“, so hat sie sich mit jedem weiteren Durchlauf weiter gesteigert, auch wenn sie diesen einen „Übertitel“ nicht beinhaltet. Jedoch ist diese Musik ganz eindeutig als jene von Gazpacho auszumachen, alleine das ist schon ein Gütesiegel.

Fazit: Schwelgerischen, harmonischen, melodiösen und eingängigen Progressive Rock bekommt man auf „Missa Atropos“ von der norwegischen Band Gazpacho serviert. Das Album ist überaus abwechslungsreich, obwohl die Musiker von Gazpacho ihren Liedern durchaus einen unverwechselbaren Stempel aufdrücken. Wer gerne in intensive und atmosphärische Lieder eintaucht, die oder der kann das auf diesem Album bestens erleben. Das klingt schon sehr hörenswert. Elf Punkte.

Anspieltipps: Defense Mechanism, River, Vera, Splendid Isolation, An Audience

Rick Springfield – Working Class Dog

Rick Springfield – Working Class Dog


Besetzung:

Rick Springfield – vocals, guitar, bass, keyboards


Gastmusiker:

Robben Ford – guitar
Neil Giraldo – guitar, bass
Gabriel Katona – keyboards
Jeff Eyrich – bass
Mike Baird – drums
Jack White – drums
Jeremiah Cox – french horn, background vocals
Tom Kelly – background vocals


Label: RCA Records


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: Pop Rock


Trackliste:

1. Love Is Alright Tonite(3:27)
2. Jessie’s Girl (3:14)
3. Hole In My Heart (3:12)
4. Carry Me Away (3:01)
5. I’ve Done Everything For You (3:18)
6. The Light Of Love (2:45)
7. Everybody’s Girl (3:00)
8. Daddy’s Pearl (2:37)
9. Red Hot & Blue Love (2:59)
10. Inside Silvia (4:49)

Bonus Tracks der Jubiläumsausgabe zur 25-jährigen Veröffentlichung

11. Easy To Cry (3:33)
12. Taxi Dancing (Original Version) (3:35)
13. Jessie’s Girl (Demo Version) (3:11)

Gesamtspieldauer: 42:47

„Working Class Dog“ heißt das fünfte Studioalbum des australischen Rockmusikers Rick Springfield. Es wurde am 24. Februar 1981 auf dem Plattenlabel RCA Records veröffentlicht. Im Jahr 2006 erschien die „25th Anniversary Edition“ des Albums, die drei Bonustracks beinhaltet. Das Album wurde in Amerika mit Platin ausgezeichnet und verkaufte sich alleine in den USA über drei Millionen Mal. „Working Class Dog“ enthält mit dem Titel „Jessie‘s Girl“ auch den größten Hit in der Karriere des Rick Springfield. Dieses, als Single ausgekoppelte Lied, verkaufte sich über eine Million Mal. Im Jahr 1982 wurde Rick Springfield mit dem Grammy Award für die beste männliche „Rock Vocal Performance“ ausgezeichnet.

Es gibt zwei Gründe, warum zumindest ich bestimmte Musik öfters anhöre. Zum einen passiert das, wenn sie mich trifft, ins Ohr geht und dort verweilt. Das muss nicht gleich beim ersten Mal des Hörens geschehen, doch nach dem vierten oder fünften Mal sollte dann schon etwas hängenbleiben. Ein anderer Grund für mich, um Musik öfters zu genießen ist, wenn diese interessant, besonders oder spannend klingt. Manchmal muss man sich ein Album auch erarbeiten und oftmals wird es danach umso wertvoller für einen. Beide Punkte treffen auf „Working Class Dog“ von Rick Springfield leider nicht zu. Bei der Platte handelt es sich um massentauglichen Pop Rock, der kaum über Ecken und Kanten verfügt. Die hier zu hörende Eingängigkeit ist sehr oberflächlich und langweilt bereits nach wenigen Durchläufen des Albums.

„Working Class Dog“ läuft leider einfach nur so durch, ohne dabei Spuren zu hinterlassen. Die Platte ist ein auf die Charts hin produziertes Album, welches beim Hören auf keinen Fall Schwierigkeiten bereiten sollte. Das Ergebnis ist fast schon anbiedernde Pop Rock Fröhlichkeit, die zumeist mit Texten garniert wird, die das Thema der „Liebe“ abhandeln. Die Grundstimmung auf „Working Class Dog“ ist eine beschwingt fröhliche, keine Zeit für Traurigkeit, lediglich der Spaß steht im Vordergrund. Als Höhepunkt kann man lediglich den Hit des Albums anführen. „Jessie’s Girl“ ist ein kleiner Ohrwurm, allerdings wirklich der einzige auf diesem Album, welches sonst eher mit Belanglosigkeiten glänzt, ohne dabei wirklich schlecht zu klingen – allerdings jedoch sehr oberflächlich.

Fazit: „Working Class Dog“ ist ein Pop Rock Album, welches typisch für die 80er Jahre klingt. Die Stimmung auf der Platte ist positiv, die Texte handeln von der Liebe, alle Lieder können im Radio laufen, da die einzelnen Stücke allesamt auf die schnelle Eingängigkeit hin angelegt wurden. Das mag beim ersten Mal des Hörens noch ganz nett klingen, bereits beim zweiten Mal beginnt es bereits ein wenig zu langweilen. Keine schlechte Musik, jedoch zumeist absolut belanglose. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Jessie’s Girl

Bette Midler – Experience The Divine - Greatest Hits

Bette Midler – Experience The Divine - Greatest Hits


Besetzung:

Bette Midler – vocals


Gastmusiker:

Unterschiedliche Angaben


Label: Atlantic Records


Erscheinungsdatum: 1993


Stil: Pop


Trackliste:

1. Favorite Waste Of Time (2:41)
2. Hello In There (4:16)
3. Do You Want To Dance? (2:44)
4. From A Distance (4:38)
5. Chapel Of Love (2:53)
6. Only In Miami (3:57)
7. When A Man Loves A Woman (4:54)
8. The Rose (3:34)
9. Miss Otis Regrets (2:39)
10. Shiver Me Timbers (4:43)
11. Wind Beneath My Wings (4:53)
12. Boogie Woogie Bugle Boy (2:19)
13. One For My Baby (And One More For The Road) (4:06)
14. Friends (2:55)
15. In My Life (3:12)

Gesamtspieldauer: 54:31

„Experience The Divine“ ist ein Greatest Hits Album der US-amerikanischen Sängerin und Schauspielerin Bette Midler. Gleichzeitig ist es allerdings auch eine Ansammlung von Liedern, die von diverse Komponisten geschrieben wurden und welche nun von Bette Midler interpretiert werden. „Experience The Divine - Greatest Hits“ erschien am 22. Juni 1993 auf dem Plattenlabel Atlantic Records und stieg in den niederländischen Charts bis auf Platz 1. In Australien, Neuseeland und Großbritannien erreichte das Album immerhin Platz 3.

Auf der Scheibe hört man eine krude Mischung aus Pop, Chanson, Musical, Big Band, Calypso, Soul und noch ganz vieles mehr. Sogar eine Beatles-Nummer wird interpretiert. Sich auf diese Musik einzustellen scheint von daher einigermaßen schwierig. Da Bette Midler anscheinend alles nachsingt, was ihr unterkommt, ist die Musik auf „Experience The Divine - Greatest Hits“ ein Konglomerat verschiedenster musikalischer Genres wie auch Stimmungen, die ein einheitliches Hören dieses Albums absolut unmöglich machen. Allerdings hat Bette Midler eine Stimme, die sie in all diesen Genres sehr gut und überzeugend einsetzt und klingen lässt. Etwas mehr Einheitlichkeit bei den ausgewählten Evergreens wäre allerdings irgendwie schön gewesen.

Am überzeugendsten klingt Bette Midler in den eher ruhigeren Nummern auf diesem Kompilationsalbum. Das etwas poppige „Favorite Waste Of Time“, das sehr ruhige und verträumte „Shiver Me Timbers“ und das wunderschöne und fast schon ergreifende „Hello In There“ sind hier zu nennen. Der Rest des Albums lässt sich manchmal noch ganz gut anhören, bei wieder anderen Stücken kommt man dann jedoch nicht umhin, die Skip-Taste zu drücken. Allerdings – über Geschmack lässt sich wahrlich nicht streiten. Alles ganz persönliche Geschmackssache.

Fazit: „Experience The Divine - Greatest Hits“ ist ein „Best Of…“-Album der Bette Midler, auf der sie mit musikalischen Genres wahrlich nicht geizt. Viele Lieder verschiedener Richtungen der populären Musik wurden dieser Platte hinzugefügt, die Bette Midler interpretiert. Sie singt sehr überzeugend, nur die Mischung passt hier einfach nicht. Neben einigen, wenigen Höhepunkten findet sich auf der Platte sehr viel Uninteressantes. Am ehesten eignet sich diese Scheibe wohl für Leute, die auch Musicals toll finden – obwohl reine Musical Musik kaum auf dem Album zu finden ist. Fünf Punkte.

Anspieltipps: Favorite Waste Of Time, Hello In There, Shiver Me Timbers

Lutricia McNeal – My Side Of Town

Lutricia McNeal – My Side Of Town


Besetzung:

Lutricia McNeal – vocals


Gastmusiker:

Keine weiteren Angaben


Label: CNR Music


Erscheinungsdatum: 1997


Stil: Pop, R&B, Soul


Trackliste:

1. My Side Of Town (3:16)
2. Always (3:40)
3. Ain‘t That Just The Way (3:34)
4. Wannabe (3:14)
5. Washington (3:41)
6. Do’s Me Good (3:37)
7. Badlands (4:01)
8. Closer (3:24)
9. Way In The Water (5:06)
10. Crossroads (2:00)
11. The Heart Is A Lonely Hunter (1:25)

Gesamtspieldauer: 37:02

„My Side Of Town“ heißt das Debut-Album der US-amerikanischen Soul- und Pop-Sängerin Lutricia McNeal. Bis zum Jahr 2004 veröffentlichte sie insgesamt vier Studio-Alben. Ihr erstes, „My Side Of Town“, erschien im Jahr 1997 auf dem Plattenlabel CNR Music. Die Scheibe enthält die beiden Singles „Ain‘t That Just The Way“ und „My Side Of Town“, die in Europa und Neuseeland kleinere Hits wurden.

Auf „My Side Of Town“ hört man poppigen Soul bis hin zu R&B. Das Ganze klingt an manchen Stellen „ganz nett“, ist dabei allerdings weder besonders aufregend noch großartig innovativ und auch nicht nachhallend. Die beiden bereits erwähnten Single-Auskopplungen „Ain‘t That Just The Way“ und „My Side Of Town“ erkennt man allerdings wieder, wenn man sie einmal gehört hat, somit ist zumindest in diesen beiden Fällen eine gewisse Nachhaltigkeit gegeben.

Diese beiden Titel sind auch die Höhepunkte der Scheibe, die ansonsten wahrlich nicht lohnt. Mag sein, dass die restlichen Stücke Freundinnen und Freunde des R&B etwas mehr erwärmen, für andere Ohren mag das eher langweilig und belanglos klingen. Ins Ohr geht die Musik ansonsten nämlich nicht mehr sonderlich und entfaltet ihre Wirkung höchstens noch auf der Tanzfläche entsprechender Clubs. Die Texte sind dabei wahrlich oberflächlich und schlecht geraten.

Fazit: Lutricia McNeal macht anscheinend schon lange keine Musik mehr. Überraschend ist das schon, denn zum einen hatte sie zumindest mit ihrer Debut-Platte durchaus Erfolg, zum anderen gibt es ganz bestimmt jede Menge Hörerinnen und Hörer, die diese Art der Musik mögen – zumindest auf der Tanzfläche. Für Rock Fans klingt das jedoch eher oberflächlich und langweilig. Vier Punkte.

Anspieltipps: My Side Of Town, Ain‘t That Just The Way

Yanni – Romantic Moments

Yanni – Romantic Moments


Besetzung:

Yanni – keyboards, piano


Gastmusiker:

Charlie Adams – acoustic, electronic drums & percussion
Mona Lisa Young – vocals on „Song For Antarctica“


Label: BMG International


Erscheinungsdatum: 1992


Stil: Instrumental Pop, New Age


Trackliste:

1. Reflections Of Passion (4:36)
2. Santorini (4:35)
3. After The Sunrise (4:39)
4. True Nature (4:31)
5. Almost A Whisper (3:09)
6. Swept Away (5:09)
7. The Mermaid (3:49)
8. Flight Of Fantasy (5:41)
9. Secret Vows (3:59)
10. Acroyali (5:07)
11. Song For Antarctica (4:23)
12. Marching Season (5:36)
13. Sand Dance (5:09)
14. In The Mirror (3:55)
15. Paths On Water (3:52)

Gesamtspieldauer: 1:08:18

Der griechische Musiker Yiannis Chryssomallis, kurz Yanni, steht für in das Genre New Age hineinreichende Instrumentalmusik. Bisher wurden von ihm seit 1984 siebzehn Studio-Alben veröffentlicht. Live Alben sind es zweiundzwanzig an der Zahl und derer gleich fünfundzwanzig Kompilationsalben. Die Platte „Romantic Moments“ ist das dritte Best-Of-Album des Griechen und wurde im Jahr 1992 auf dem Plattenlabel BMG veröffentlicht.

Auf „Romantic Moments“ hört man, wie könnte es bei diesem Titel auch anders sein, überwiegend sehr sanfte und eingängige Instrumentalmusik, dominiert vom Keyboard des Yanni. Das Piano spielt ebenfalls eine Rolle, allerdings nicht mit dieser Dominanz des Keyboards. Die Titel sind durchaus im New Age Bereich angesiedelt, besitzen allerdings alle mehr als „lediglich“ Atmosphäre, sondern verfügen über eine Melodie. Dazu pulsiert manchmal auch ein elektronisches Schlagzeug, sodass die Musik auch ganz treffend mit Instrumental Pop umschrieben werden kann.

Besonders interessant ist das alles nicht, solche Musik hört man auch in Fahrstühlen oder Kaufhäusern als Hintergrundmusik. Das tut niemandem weh, allerdings fällt es auch sehr schwer, sich für die Klänge zu begeistern. Allzu oft klingt das wahrlich unglaublich langweilig und nur wenige Titel lassen einen zumindest mal kurz aufhorchen. Auf „Romantic Moments“ Höhepunkte zu finden ist deshalb einigermaßen schwer, da es irgendwie keine gibt. „Song For Antarctica“ klingt zumindest ein wenig anders, da bei diesem Titel Mona Lisa Young ein paar gesangliche „Aaahs“ und „Ooohs“ dazusteuert. Der darauffolgende Titel „Marching Season“ klingt dann sehr eingängig und zieht sogar mal das Tempo etwas an. Und so könnte man noch das ein oder andere „ganz netten“ Lied an dieser Stelle mit anführen, aber Höhepunkte? Nein, Höhepunkte gibt es trotzdem nicht – andererseits tut auch absolut nichts auf „Romantic Moments“ weh, klingt höchstens mal etwas peinlich, wenn das synthetische Schlagzeug zu dominant klingt. Das Ganze ist insgesamt allerdings eher etwas langweilig und langatmig geraten.

Fazit: Eine poppige New Age Platte ist das Kompilationsalbum „Romantic Moments“ des Griechen Yanni geworden. Zumeist ist die Atmosphäre auf dem Album eine ruhige. Ab und an wird das Tempo allerdings auch moderat angezogen. Alle Titel verfügen über eine Melodie, sind nie rein sphärisch gehalten. Diese Melodien wissen allerdings kaum zu packen, zünden nicht. Hauptsächlich bleibt das Ganze langweilige Hintergrundmusik. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Reflections Of Passion, Marching Season, In The Mirror

Motorpsycho – Little Lucid Moments

Motorpsycho – Little Lucid Moments


Besetzung:

Bent Sæther – keine weiteren Angaben
Hans Magnus Ryan – keine weiteren Angaben
Kenneth Kapstad – keine weiteren Angaben


Gastmusiker:

Jørgensen – additional sounds


Label: Stickman Records


Erscheinungsdatum: 2008


Stil: Alternative Rock, Psychedelic Rock


Trackliste:

1. Suite: Little Lucid Moments (21:05)
     I. Lawned (Consciousness Causes Collapse)
     II. A Hoof To The Head
     III. Hallucifuge (Hyperrealistically Speaking...)
     IV. Sweet Oblivion / Perfect Sense
2. Year Zero (11:26)
     (A Damage Report)
3. She Left On The Sun Ship (14:25)
     (Featuring Confusion Is Kjeks And (I Think) I Feel Better Now...)
4. The Alchemyst (12:27)
     (A Discourse On Transmutation, Pennies Dropping And The Luminiferous Aether)

Gesamtspieldauer: 59:24

„Little Lucid Moments“ heißt das zwölfte Studio-Album der 1989 in Trondheim gegründeten norwegischen Rock Band Motorpsycho. Die Scheibe erschien am 31. März im Jahr 2008 auf dem Plattenlabel Rune Grammofon Records in Skandinavien, dem Vereinigten Königreich, den USA und Frankreich. In Deutschland und dem restlichen Europa wurde das Album erneut auf dem Plattenlabel Stickman Records veröffentlicht. Lediglich vier Titel sind auf dem Album enthalten, die eine Laufzeit von etwas über elf bis etwas über einundzwanzig Minuten aufweisen. Motorpsycho waren inzwischen wieder zu einem Trio geworden. Nachdem die letzte Platte „Black Hole / Blank Canvas“ nach dem Weggang von Håkon Gebhardt noch als Duo eingespielt wurde, war nun der Schlagzeuger Kenneth Kapstad festes Mitglied, neben den beiden Gründungsmitgliedern Bent Sæther und Hans Magnus Ryan geworden. Die Musik ist auf der Platte wieder ganz klar dem Rock zugewandt.

„Little Lucid Moments“ ist eine wilde rockige Achterbahnfahrt geworden, auf der die Band ekstatisch rockt, dann auch den Hörerinnen und Hörern wieder kleine, manchmal sphärisch spacige Erholungspausen schenkt. Nichts für schwache Nerven und eine spannungs- und energiegeladene Reise durch die Rock Musik. Die Lieder pendeln zwischen Hard Rock und Psychdelic Rock und zeigen ganz klar den Weg auf, den die Band in Zukunft beschreiten wollte. Jegliche poppige Ausflüge oder Andeutungen waren Geschichte auf „Little Lucid Moments“. Der letzte Eintrag in den Liner-Notes des Albums lautet: „no fear, no hatred, no mercy, no compromise“ – und ganz genauso klingt dieses Album auch – gnaden- und kompromisslos.

Das Titellied, „Suite: Little Lucid Moments“, ist ein Parforce-Ritt durch alle Unwägbarkeiten des Rocks. Niemals weiß man, was nach dem nächsten Takt auf einen wartet, nichts ist vorhersehbar, alles im Fluss. Nicht besonders eingängig, dafür sehr spannend und packend. „Year Zero“ ist ruhiger gehalten, enthält eine kleine Steigerung, klingt ein wenig melodiöser und bewegt sich noch etwas mehr in den Gefilden des Psychedelic Rock. Das sich anschließende „She Left On The Sun Ship“ wandelt schließlich wieder auf härteren Pfaden. Die Musik klingt aggressiver, der Gesang wird hier deutlich mehr geschrien, denn eingesungen. Eine geradlinige Rock-Nummer, mit Instrumentensoli und Headbanging Anreizen. Besonders interessant wird es dann, wenn das Lied ab 7:30 in einen hypnotisierenden, monotonen und sehr melodischen Instrumentalpart mündet. Klasse Nummer. „The Alchemyst“ spielt schließlich wieder sehr abwechslungsreich mit Stimmungen und musikalischen Emotionen. Mal sanft, mal scheinbar entrückt, mal rockig und fordernd, reiht sich dieser Titel perfekt in das Gesamtbild des Albums ein. Ein sehr würdiger Abschluss des Albums.

Fazit: Das zwölfte Studio-Album der Norweger von Motorpsycho mit dem Titel „Little Lucid Moments“ kann wieder ein wenig mehr begeistern, als die zum Teil poppigeren Vorgängeralben des 21. Jahrhunderts. Ganz klar steht auf dieser Platte der Rock im Fokus. Mal geradlinig, dann wieder mehr verspielt. Zwar ist die Musik auf der Scheibe nicht zu eingängig, mitreißend jedoch allemal. Insgesamt pendelt die Musik zwischen Alternative und Psychedelic Rock. Gelungen. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Suite: Little Lucid Moments, She Left On The Sun Ship