Iron Butterfly – Metamorphosis

Iron Butterfly – Metamorphosis


Besetzung:

Ron Bushy – drums
Lee Dorman – bass guitar
Doug Ingle – organ, vocals
Mike Pinera – guitar, vocals
Larry "Rhino" Reinhardt – guitar


Gastmusiker:

Richard Podolor – sitar, twelve-string guitar
Bill Cooper – twelve-string guitar


Label: ATCO


Erscheinungsdatum: 1970


Stil: Rock, Psychedelic Rock, Acid Rock


Trackliste:

1. Free Flight (0:50)
2. New Day (3:20)
3. Shady Lady (3:57)
4. Best Years Of Our Life (3:59)
5. Slower Than Guns (3:49)
6. Stone Believer (4:25)
7. Soldier In Our Town (3:22)
8. Easy Rider (Let The Wind Pay The Way) (3:06)
9. Butterfly Bleu (13:57)

Gesamtspieldauer: 40:49

„Metamorphosis“ nannte die US-amerikanische Rockband Iron Butterfly ihr viertes Studioalbum. Veröffentlicht wurde „Metamorphosis“ am 13. August 1970, wie auch die vorherigen Alben der Band, auf dem Plattenlabel ATCO, was inzwischen zu Rhino Records und damit zur Warner Music Group gehört. „Metamorphosis“ war nicht mehr so erfolgreich wie das Vorgängeralbum „Ball“, erreichte allerdings immer noch Platz 16 in den US-Charts. Erik Brann hatte aufgrund von Streitigkeiten die Band verlassen und war durch vier Session-Gitarristen ersetzt worden. Zwei von ihnen, Mike Pinera und Larry „Rhino“ Reinhardt, wurden vor der Veröffentlichung des Albums feste Mitglieder bei Iron Butterfly. Das Lied „Easy Rider (Let The Wind Pay The Way)“ wurde als Single ausgekoppelt und erreichte Platz 66 der Billboard-Charts. Die Besonderheit auf „Metamorphosis“ ist, dass es eines der ersten Rockalben darstellt, auf dem die Talkbox zum Einsatz kommt.

Auf „Metamorphosis“ hat sich stilistisch ein großer Wandel in der Musik von Iron Butterfly vollzogen. Von Psychdeleic Rock ist auf dem Album nur noch sehr wenig zu hören, auch wenn der letzte Titel „Butterfly Bleu“ immer noch Ansätze dieses Genres enthält. Doch hört man insgesamt auf der Platte Rock, Blues und sogar Soul, was die Scheibe sehr viel gewöhnlicher werden lässt. Klar wird auf „Butterfly Bleu“ auch noch ein wenig experimentiert, es bleibt allerdings eine Nummer, die wie Stückwerk wirkt und dabei überhaupt nicht ins Ohr gehen mag. Das Lied ist aus mehreren Teilen zusammengesetzt, die mal rockiger, mal sphärischer und schließlich nur noch experimentell klingen und man versteht die Zusammenhänge überhaupt nicht, da die einzelnen Passagen fast schon wie willkürlich aneinandergehängt wirken. Das hört sich fast so an, als ob die Musiker mal wieder ein langes Lied machen wollten und nachgesehen haben, sie denn da noch so im Archiv finden würden. Klingt irgendwie sehr seltsam. Daran ändert leider auch nichts der hier bereits erwähnte Einsatz der Talkbox nichts. Schade. Leider kann auch der Rest der Platte nur in Ausnahmefällen etwas mehr gefallen allerdings kaum überzeugen, da auch dieser alles andere als eingängig klingt und in diesen hier bedienten Genres zudem keineswegs überzeugt.

So muss als Höhepunkt das etwas schmachtende und ein wenig im Folk angesiedelte „Slower Than Guns“ herhalten. Ein ganz „nettes“ Lied mit angenehmer Melodieführung, durch den Einsatz der Sitar auch etwas exotisch klingend. Die weiteren Lieder hören sich dann immer noch ganz interessant an, wenn sie rocken, ansonsten bleibt Vieles auf „Metamorphosis“ leider nur Stückwerk.

Fazit: Nachdem Erik Brann Iron Butterfly verlassen hatte ging es mit der Band musikalisch gesehen deutlich bergab. Nur noch sehr wenig kann auf „Metamorphosis“, dem vierten Album von Iron Butterfly noch überzeugen. Die meisten Titel laufen einfach durch und überraschen den Iron Butterfly Fan, da es sich dabei keineswegs mehr um Psychedelic Rock, sondern um Blues, Soul oder gewöhnlichen Rock handelt. Daran kann auch leider der Longtrack „Butterfly Bleu“ nichts ändern. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Slower Than Guns

The Flower Kings – Desolation Rose

The Flower Kings – Desolation Rose


Besetzung:

Roine Stolt – electric & acoustic guitars, vocals, additional keyboards
Jonas Reingold – electric basses, vocals
Tomas Bodin – grand piano, hammond b3, minimoog, fender rhodes, electric keyboards
Hasse Fröberg –vocals & electric guitars
Felix Lehmann – drums & percussion


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2013


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Tower One (13:37)
2. Sleeping Bones (4:16)
3. Desolation Road (4:00)
4. White Tuxedos (6:30)
5. The Resurrected Judas (8:24)
6. Silent Masses (6:17)
7. Last Carnivore (4:22)
8. Dark Fascist Skies (6:05)
9. Blood Of Eden (3:12)
10. Silent Graveyards (2:52)

Gesamtspieldauer: 59:40

„Desolation Rose” heißt das zwölfte Studioalbum der schwedischen Progressive Rockband The Flower Kings. Das Album wurde am 28. Oktober 2013 auf dem Plattenlabel InsideOut Music veröffentlicht. Eingespielt wurde die Scheibe in der gleichen Besetzung wie schon der Vorgänger „Banks Of Eden“, der ein Jahr zuvor erschien.

Ob nochmals ein Album der Flower Kings veröffentlicht wird, weiß wohl lediglich Roine Stolt selbst. Umstritten sind diese letzten Veröffentlichungen der Schweden allesamt – bei Fans wie Musikkritikern. Jedoch auch diese bisher letzte Veröffentlichung ist alles andere als schlecht geraten, allerdings stellt „Desolation Rose” langsam den vierten, fünften, sechsten oder siebten Aufguss der immer gleichen Musik dar. Etwas vertrackter Progressive Rock, der mal mehr, mal weniger ins Ohr geht. Die Lieder sind verschachtelt und abwechslungsreich, weisen dabei neben krachenden Soli auch wunderschöne sanfte Passagen auf. Lieder, die dabei von vorne bis hinten absolut überzeugen gibt es jedoch nicht, da sie immer aus mehreren Versatzstücken zusammengekittet sind, die eben mal mehr, mal weniger gefallen und überzeugen. Allzu oft bewegen sich die Schweden dabei auch im Bereich des Mainstream Rocks, von dem es auf dieser Welt einfach schon zu viel gibt.

Wäre diese Platte die erste Berührung mit den Flower Kings, würde das Album sicherlich noch mehr überzeugen. Doch irgendwie scheint man als Hörer der bereits ersten Veröffentlichungen und Begleiter der Band, fast alles von den Musikern um Roine Stolt schon mal gehört zu haben. Auf „Desolation Rose” gesellen sich zu diesen offensichtlichen Wiederholungen noch solch unsägliche Schmachtitel wie „Blood Of Eden“ oder „Silent Graveyards“ und man möchte am liebsten reflexartig zur Fernbedienung greifen. „White Tuxedos“ sowie „Silent Masses“ fischen auch ganz ordentlich im Mainstream und haben mit Progressive Rock nur noch am Rande zu tun. Doch hier gehen die Melodiebögen zumindest noch ins Ohr und können von daher überzeugen. Und der ganze Rest? Geschmackssache, allerdings jedoch leider nicht mehr sonderlich progressiv.

Fazit: Die Flower Kings haben sich mit „Desolation Rose” einmal mehr kopiert. Ganz bestimmt hört man keine schlechte Musik auf der Platte, doch wenn man die Vorgängeralben ebenfalls bereits besitzt, klingt die Musik der Schweden etwas ermüdend. Nichts Neues gibt es auf dem zwölften Album der Flower Kings zu hören, nur dass der Kurs in Richtung Mainstream weiter fortgesetzt wurde. Acht Punkte.

Anspieltipps: White Tuxedos, Silent Masses

Spock’s Beard – The Oblivion Particle

Spock’s Beard – The Oblivion Particle


Besetzung:

Ted Leonard – lead vocals, guitars
Alan Morse – electric guitar, acoustic guitar, pedal steel guitar, lap steel guitar, mandolin, autoharp, backing vocals
Ryo Okumoto – organ, mellotron, piano, synths, clavinet, vocoder
Dave Meros – bass, backing vocals, lead vocals on "Iron Man"
Jimmy Keegan – drums, percussion, timpani, backing vocals, lead vocals on "Bennett Built A Time Machine"


Gastmusiker:

David Ragsdale – violin on "Disappear"
Nick D‘Virgilio – drums on "Iron Man"


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2015


Stil: Retro Prog, Melodic Rock


Trackliste:

1. Tides Of Time (7:48)
2. Minion (6:56)
3. Hell‘s Not Enough (6:23)
4. Bennett Built A Time Machine (6:55)
5. Get Out While You Can (4:58)
6. A Better Way To Fly (9:01)
7. The Center Line (7:05)
8. To Be Free Again (10:29)
9. Disappear (6:36)

Special Edition Bonus Track:

10. Iron Man (6:14)

Gesamtspieldauer: 1:12:31

„The Oblivion Particle“ nannte die US-amerikanische Progressive Rock Band Spock’s Beard ihr zwölftes Studioalbum. Dieses erschien am 21. August 2015 auf dem Plattenlabel InsideOut Music. Zum letzten Mal hört man auf dem Album den Schlagzeuger Jimmy Keegan, der die Band im Oktober 2016 aus persönlichen Gründen verließ. Dafür ist Nick D‘Virgilio auf „The Oblivion Particle“ beim Bonus Track wieder am Schlagzeug zu hören, der Spock’s Beard nach „X“ verlassen hatte.

Seltsam ist allerdings etwas anderes an diesem Album. Auf „The Oblivion Particle“ stammen die Lieder „Minion“ und „Hell's Not Enough“ aus der Feder von Sänger Ted Leonard. Der Titel „The Center Line“ wurde von Alan Morse und Ryo Okumoto komponiert. „Tides Of Time“ stammt von Stan Ausmus, einem Musiker, der schon auf vorherigen Platten von Spocks Beard Lieder beigetragen hatten. Die restlichen fünf Titel stammen von John Boegehold, ebenfalls Gastmusiker und Co-Autor auf früheren Erscheinungen von Spock’s Beard. Somit wurde überraschenderweise nur wenig auf dieser Platte vom eigentlichen Stammpersonal der Band selbst komponiert.

Der Musik tut dies allerdings keinen Abbruch, auf „The Oblivion Particle“ hört man durchaus melodischen Progressive Rock, der auch mit einer Mixtur von Melodic Rock und Neo Prog beschrieben werden kann. Viele – nicht alle – der Lieder gehen bereits beim ersten Mal des Hörens ins Ohr, klingen melodisch und eingängig. Auch gibt es für Freundinnen und Freunde eher progressiver Töne einiges auf diesem Album zu entdecken. Neben den bereits erwähnten melodischen Passagen erklingen rockigere Abschnitte, die perfekt miteinander verbunden ein spannendes Gesamthörerlebnis ergeben. Und für Liebhaber der eher frickeligen Fraktion wird an der einen oder anderen Stelle auch immer wieder etwas geboten. Langeweile kommt damit sicherlich nie auf. Als Bonus-Lied der „Special Edition“-Ausgabe der Platte gibt es noch das Black Sabbath Cover „Iron Man“ am Ende des Albums zu hören. Warum dieses noch hinterhergeschoben wurde erschließt sich mir nicht ganz. Ted Leonard versucht ein wenig wie Ozzy Osbourne zu klingen und ansonsten passt dieses Lied stilistisch überhaupt nicht zum Rest der Scheibe.

Die Höhepunkte auf „The Oblivion Particle“ heißen „Bennett Built A Time Machine“, „A Better Way To Fly“ sowie „To Be Free Again“. Zugegebenermaßen enthalten gerade diese Nummern einiges an Melodic Rock, doch gerade damit können Spock’s Beard auf dem Album am allermeisten überzeugen. Zudem variieren die Musiker in diesen Stücken, die allesamt von John Boegehold komponiert wurden, Atmosphären und Stimmungen in wunderschöner Weise, sodass man in diese Musik bestens eintauchen und sich darin verlieren kann. Und gerade die Nummer „A Better Way To Fly“ besitzt dabei auch einige progressivere Ansätze.

Fazit: Eine durchaus gelungene Platte ist das zwölfte Studioalbum der US-amerikanischen Progressive Rock Band Spock’s Beard geworden. Zu viel Progressive Rock hört man darauf zwar nicht mehr, dafür jedoch gut gemachten und eingängigen Melodic Rock, der durchaus zu gefallen und überzeugen weiß. Die Mischung aus beiden Stilrichtungen bewirkt, dass dieses Album nie langweilig wird. Leider scheint den Musikern jedoch die kreative Ader abhanden gekommen zu sein, da die Lieder mehr von außerhalb der Band stehenden Musikern geschrieben wurde, denn von den Band-Mitgliedern selbst. Doch gut klingt es trotzdem. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Bennett Built A Time Machine, A Better Way To Fly, To Be Free Again

Peter Gabriel – Secret World Live

Peter Gabriel – Secret World Live


Besetzung:

Peter Gabriel – lead vocals, harmonica, keyboards, rainstick
Manu Katché – drums
Tony Levin – bass, chapman stick, vocals
David Rhodes – guitar, vocals
Jean-Claude Naimro – keyboards, vocals
Shankar – violins, vocals
Levon Minassian – doudouk
Paula Cole – main vocals on "Don‘t Give Up"


Gastmusiker:

Leo Nocentelli – guitar, vocals
Daniel Lanois – dobro, telecaster
Babacar Faye – djembe
Assane Thiam – talking drum, tama
Hossam Ramzy – surdo
Tim Green – tenor saxophone
Reggie Houston – baritone saxophone
Renard Poche – trombone
Wayne Jackson – trumpet, cornet
Ayub Ogada – backing vocals
Papa Wemba – backing vocals
Reddy Amissi – backing vocals
Stino Mubi – backing vocals


Label: Real World


Erscheinungsdatum: 1994


Stil: Rock, Pop


Trackliste:

CD1:

1. Come Talk To Me (6:13)
2. Steam (7:42)
3. Across The River (5:56)
4. Slow Marimbas (1:45)
5. Shaking The Tree (9:18)
6. Red Rain (6:14)
7. Blood Of Eden (6:57)
8. Kiss That Frog (5:56)
9. Washing Of The Water (4:06)
10. Solsbury Hill (4:45)

CD2:

1. Digging In The Dirt (7:36)
2. Sledgehammer (4:59)
3. Secret World (9:11)
4. Don‘t Give Up (7:36)
5. In Your Eyes (11:34)

Gesamtspieldauer: CD1 (58:59) und CD2 (40:58): 1:39:57

„Secret World Live“ heißt das zweite Live-Album und das zehnte Album des englischen Rockmusikers Peter Gabriel insgesamt. Es wurde am 16. und 17. November 1993 im Palasport Nuovo, Modena, Italien aufgenommen und am 13. September 1994 veröffentlicht. „Secret World Live“ enthält eine Live-Version des Liedes „Across The River“, welches bis zu diesem Zeitpunkt noch nicht in voller Länge auf einem anderen Peter Gabriel Album erschienen war.

„Secret World Live“ erhielt von Kritikern eher schwächere Bewertungen, was aufgrund der Lied-Auswahl auch nicht weiter verwunderlich ist. „Steam“, „Shaking The Tree“, „Kiss That Frog“ und auch „Don‘t Give Up“ in dieser Version, gehören keineswegs zu den Höhepunkten im Schaffen des Peter Gabriel. „Across The River“ ist dagegen eine schöne und sphärische Nummer, im Grunde genommen allerdings sehr untypisch für Peter Gabriel – dabei jedoch durchaus hörenswert. Das kurze „Slow Marimbas“ im Anschluss daran schwankt ebenfalls zwischen Sphäre und schließlich Weltmusik, kann dabei allerdings noch überzeugen. Höhepunkt auf der ersten Platte beziehungsweise CD ist der Titel „Red Rain“, welcher auch in dieser Live-Version mitreißend und packend klingt. „Solsbury Hill“ verliert dagegen in dieser Ausführung gegenüber dem Original.

Auf der zweiten Platte sind solch Klassiker wie „Digging In The Dirt“, „Sledgehammer“ oder auch „In Your Eyes“ vertreten. Doch auch diese Nummern klingen nicht so kraftvoll wie in den Album-Versionen. Verglichen mit dem ersten Live-Album des Peter Gabriel, „Peter Gabriel Plays Live“, fehlt auf dieser Platte deutlich an Dynamik. Die Titel reißen auf „Secret World Live“ nicht so mit, wie auf dem Vorgänger-Live-Album. Nichtsdestotrotz wissen viele der Lieder zu begeistern und fallen nur im Vergleich zu den Originalen etwa ab. Vielleicht wirken diese Titel live eingespielt auch einfach nicht so überzeugend und benötigen die ganzen Möglichkeiten eines Studios, um voll zu klingen. Und diese auf „Secret World Live“ immer wieder vorhandene Verknüpfung mit der Genre der Weltmusik reißt zudem ebenfalls nicht jeden Fan des Peter Gabriel von den Sitzen.

Fazit: „Secret World Live“ ist ein Live-Album von Peter Gabriel, welches einen etwas ratlos zurücklässt. Wunderschöne Titel gibt es auf der Platte zu hören, aber auch Lieder, die einfach nicht zu den Höhepunkten im Schaffen des englischen Musikers gehören. Dazu wirken einige Nummern in diesen Versionen nicht so überzeugend, wie in den Original-Einspielungen. Trotzdem handelt es sich bei der Musik von Peter Gabriel zu allermeist um mitreißende Lieder, so auch auf dieser Platte, die die Fans durchaus überzeugen werden. Ganz ohne Fan-Brille findet man jedoch Abstriche. Neun Punkte.

Anspieltipps: Across The River, Red Rain, Digging In The Dirt

The Police – Ghost In The Machine

The Police – Ghost In The Machine


Besetzung:

Sting – bass guitar, lead and backing vocals, double bass, keyboards, saxophone
Andy Summers – guitar, backing vocals, synthesizer, keyboards
Stewart Copeland – drums, backing vocals (5, 11), percussion, keyboards


Gastmusiker:

Jean Alain Roussel – keyboards (2)


Label: A&M Records


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: New Wave, Reggae Rock


Trackliste:

1. Spirits In The Material World (2:59)
2. Every Little Thing She Does Is Magic (4:20)
3. Invisible Sun (3:44)
4. Hungry For You (J'Aurais Toujours Faim De Toi) (2:52)
5. Demolition Man (5:57)
6. Too Much Information (3:42)
7. Rehumanize Yourself (3:10)
8. One World (Not Three)(4:46)
9. Ωmegaman (2:47)
10. Secret Journey (3:33)
11. Darkness (3:13)

Gesamtspieldauer: 41:09

„Ghost In The Machine“ nannte die englische Rockband The Police ihr viertes Studioalbum, welches am 2. Oktober 1981 auf dem Plattenlabel A&M Records veröffentlicht wurde. Das Album erreichte Platz 1 in der UK Album Charts und Platz 2 in den U.S. Billboard 200. In Deutschland kletterte es bis auf Platz 4 der Charts. Die Band veröffentlichte drei Singles aus dem Album: „Every Little Thing She Does Is Magic“, „Invisible Sun“ sowie „Spirits In The Material World“. „Ghost In The Machine“ belegt Platz 323 in der Rolling Stone 500 Greatest Albums Of All Time-Rangliste. Die Lieder auf dem Album stammen einmal mehr hauptsächlich von Sting. „Omegaman“ steuerte Andy Summers bei, „Darkness“ schrieb Stewart Copeland. Das Lied „Rehumanize Yourself“ ist schließlich eine Ko-Produktion aller drei Musiker.

Auch auf „Ghost In The Machine“ gestaltet es sich derart, dass sich auf dem Album einige bekannte und überzeugende Titel befinden und ebenfalls solche, die zum einen langweilig bis hin zu recht gewöhnungsbedürftig klingen. Dieses Mal befinden sich die besseren Lieder zu Beginn und am Ende der Platte, wohingegen man die mittleren Nummern deutlich schwerer ertragen kann. Dort klingt es dann gekünstelt, langatmig, jazzig angehaucht, ohne sich dabei jedoch auch nur ein kleines bisschen innovativ anzuhören. Da geht nichts mehr ins Ohr, wirkt und klingt langatmig und einfach belanglos und längst überholt.

Die Höhepunkte befinden sich – wie bereits erwähnt – eher an den Rändern der Platte, sind jedoch rar gesät. „Spirits In The Material World“ und „Every Little Thing She Does Is Magic“ sind die beiden bekanntesten Lieder der Platte. Gut gemachter, typisch nach The Police klingender Pop-Rock. Beide Lieder hören sich durchaus melodiös und eingängig an. „Invisible Sun“ sowie die letzten beiden Nummern auf „Ghost In The Machine“ klingen ebenfalls noch ganz in Ordnung, der ganze Rest ist Musik, die man nicht braucht.

Fazit: The Police sind Kult. Kult sind sie deshalb, weil die Band um den Hauptkomponisten Sting durchaus einige Ohrwürmer produzierte. Ansatzweise hört man diese auch auf „Ghost In The Machine“ – neben jeder Menge sehr langweiliger Musik. Spaß macht das Hören somit nur in Ausnahmefällen. Von daher ist diese Platte maximal noch Durchschnitt und dies ist bereits wohlwollend betrachtet. Mit ihrem letzten Album sollten die drei Musiker aus England dann aber glücklicherweise noch mal positiv überraschen. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Spirits In The Material World, Every Little Thing She Does Is Magic, Invisible Sun

Gregory Alan Isakov – Evening Machines

Gregory Alan Isakov – Evening Machines


Besetzung:

Gregory Alan Isakov – vocals, electric guitar, acoustic guitar, banjo, piano, organ, mellotron, juno, moog, rhodes, wurlitzer, orcoa, drums, ukulele, bass, god noises


Gastmusiker:

Bonnie May Pine – saw, background vocals
Julie Davis – background vocals
Steve Varney – electric guitar, banjo, electronic drums, background vocals
Jeb Bows – violin, viola, background vocals
Philip Parker – cello, background vocals
John Paul Grigsby – upright bass, electric bass, background vocals
Max Barcelow – drums, percussion, background vocals
Rachel Sliker – violin, viola, background vocals
Andrew Berlin – god noises, drums, percussion, rhodes, background vocals
background vocals – background vocals
Ashlei Priest – background vocals on "Powder"
Jamie Mefford – god noises, moog, rhodes, electric guitar, juno, drums 
Jesse Bates – pedal steel
Nick Forster – pedal steel, lap steel
Ilan Isakov – rhodes, wurlitzer
Lauren Jacobson – casio, choral member on "Too Far Away"


Label: Suitcase Town Music


Erscheinungsdatum: 2018


Stil: Folk, Pop


Trackliste:

1. Berth (4:53)
2. San Luis (4:32)
3. Southern Star (2:19)
4. Powder (3:12)
5. Bullet Holes (3:29)
6. Was I Just Another One (2:57)
7. Caves (4:49)
8. Chemicals (3:19)
9. Dark, Dark, Dark (2:59)
10. Too Far Away (3:24)
11. Where You Gonna Go (4:01)
12. Wings In All Black (3:43)

Gesamtspieldauer: 43:42

Gregory Alan Isakov ist ein Musiker, der am 19. Oktober 1979 in Johannesburg, Südafrika, geboren wurde. Aufgrund der Apartheitspolitik in seinem Geburtsland wanderte seine Familie 1986 in die Vereinigten Staaten aus und somit wuchs er ab dieser Zeit in Philadelphia, Pennsylvania, auf. Sein erstes Album mit dem Titel „Rust Colored Stones“ veröffentlichte er im Jahr 2003 noch selbst. Inzwischen sind unter seinem Namen bereits sieben Studioalben erschienen. Das letzte dieser Reihe heißt „Evening Machines“ und wurde am 4. Oktober 2018 auf dem Plattenlabel Suitcase Town Music veröffentlicht.

Auf „Evening Machines“ hört man Folk, der durchaus abwechslungsreich instrumentiert ist, also nicht nur auf den Gesang und die Gitarre reduziert wird. Selbstverständlich hört man, wie fast immer bei US-amerikanischen Künstlern in diesem musikalischen Genre, auch mal eine Lap Steel Gitarre, die das Western Feeling so ein klein wenig ankurbelt. Doch ist die Musik von Gregory Alan Isakov weit davon entfernt im Country- und Western-Bereich zu fischen, das Genre ist eindeutig jenes des Folks. Und so hört man auf dieser Scheibe insgesamt zwölf Titel, alle in eher gemäßigtem Tempo gehalten, die nachdenklich bis melancholisch klingen. Musik, die bestens zu der eher dunklen Jahreszeit passt.

Alles auf „Evening Machines“ klingt eingängig und nett, ohne jedoch allzu sehr über diesen Status „nett“ hinauszukommen. Sicherlich findet man kein schlechtes Lied auf diesem Album, etwas Herausragendes allerdings auch nicht. So oder so ähnlich hat man modernen Folk bereits schon öfters gehört. Alles klingt irgendwie gut auf dieser Platte, die dann aber doch nur einfach so durchläuft. War da denn was? Auf jeden Fall kann man diese Platte gut in einem Zug durchhören, der Stil wird wenig bis gar nicht variiert. Immer ist es sanfter Folk, der maximal an der einen oder anderen Stelle bis in das Mid-Tempo hineinreicht. Bereits beim ersten Mal des Hörens waren mir zwei Nummern aufgefallen, die auch noch nach mehreren Durchläufen meine Favoriten geblieben sind. Es sind die Lieder „Caves“ und „Where You Gonna Go“. Ersteres beginnt zumindest etwas flotter, zweitgenanntes Lied ist eines der ruhigsten des ganzen Albums. Doch beide Nummern gehen eben schnell ins Ohr und besitzen einen gewissen Wiederkennungswert.

Fazit: Natürlich ist das „Jammern“ auf hohem Niveau und „Evening Machines“ ist weiß Gott kein schlechtes Album geworden. Doch ist es leider auch keines, welches allzu große Spuren hinterlassen wird. Allerdings, wenn man sich nach einem anstrengenden Tag ausruhen möchte, sich auf das Sofa drapiert, die Kopfhörer aufsetzt und „Evening Machines“ von Gregory Alan Isakov hört, dann wird man auch Entspannung finden. Manch eine oder einer wird dabei auch einschlafen, aber zumindest entspannt. Neun Punkte.

Anspieltipps: Caves, Where You Gonna Go

Dear Reader – Day Fever

Dear Reader – Day Fever


Besetzung:

Cherilyn MacNeil – vocals, various keyboard instruments and guitars


Gastmusiker:


John Vanderslice – synthesizer, synthesizer programming
Adam Theis – horns
Ben Goldburg – clarinet
Nate Blaz – cello
Jason Slota – drums
Andrew Maguire – percussion
James Riotto – bass, synthesizer programming
Sami Perez – vocals
Medeline Kenney – vocals
Carly Bond – vocals
Inés Beltranena – vocals
Lindy Groening – vocals
Erika Wilson – vocals
Rebecca Edwards – vocals


Label: City Slang


Erscheinungsdatum: 2017


Stil: Alternative Pop, Art Pop


Trackliste:

1. Oh, The Sky! (4:51)
2. Tie Me To The Ground (3:17)
3. So Petty So Pathetic (2:40)
4. Mean Well (4:08)
5. Wake Him (2:35)
6. Placate Her (3:35)
7. If Only Is (3:11)
8. I Know You Can Hear It (3:29)
9. Nothing Melodious (4:04)
10. Then, Not Now (3:20)
11. The Run (3:20)

Gesamtspieldauer: 38:35

„Day Fever“ heißt das vierte Studio-Album von Dear Reader, hinter dem sich die Südafrikanerin Cherilyn MacNeil verbirgt. „Day Fever“ erschien am 24. Februar im Jahr 2017 auf dem Plattenlabel City Slang und enthält, wie die Vorgängerplatte „Rivonia“ elf Lieder, die sich im Bereich des Alternative Pop bis hin zum Art Rock bewegen.

Nicht nur bezüglich der Anzahl der Lieder und der Laufzeit des Albums ähneln sich diese beiden Platten. Auch auf „Day Fever“ gibt es häufiger eher klassische Instrumente zu hören, diese werden allerdings dieses Mal manchmal von sehr synthetischen Tönen des Keyboards beziehungsweise Synthesizers begleitet. Viele schöne Vokal-Arrangements erklingen ebenfalls auf „Day Fever“ und die allermeisten Lieder des Albums gehen schnell ins Ohr, klingen melodiös und eingängig. Die Musik der Cherilyn MacNeil ist wahrlich eine besondere und außergewöhnliche. Lieder, die aus dem Rahmen fallen, spannend in Szene gesetzt wurden und dabei immer wieder Überraschungen für die Hörerin und den Hörer parat halten. Das klingt auch durchaus durchgängig überzeugend, lediglich der Titel „Then, Not Now“ fällt da unangenehm aus der Reihe. In einigen Passagen klingt das Lied gewollt übersteuert und verzerrt und zerrt damit mehr an den Nerven, als dass es ein gelungenes Stilmittel wäre.

Sehr viel schöner sind da schon die Lieder an zweiter und dritter Stelle der Platte geraten. „Tie Me To The Ground“ und „So Petty So Pathetic“ heißen die beiden Höhepunkte auf „Day Fever“. „Tie Me To The Ground“ klingt durch seine Gesangsarrangement fast schon skurril und dabei trotzdem restlos eingängig. „So Petty So Pathetic“ ist für mich der Ohrwurm der Platte. Beginnend mit sanften Piano-Klängen, zu der die helle Stimme der Cherilyn MacNeil ertönt, bleibt die Instrumentierung eher im Hintergrund. Rhythmusgeräusche, die gar nicht zum Rest des Liedes passen wollen, runden den außergewöhnlichen Eindruck ab. Da auch die restlichen Lieder sanft und melodiös das Ohr umspielen, steht dem Musikgenuss nichts mehr im Wege.

Fazit: Auch die vierte Scheibe der Cherilyn MacNeil alias Dear Reader mit dem Titel „Day Fever“ ist ein außergewöhnliches und sehr eingängiges Album geworden. Man hört darauf zumeist sanfte und leise Musik, mit etwas mehr elektronischer Unterstützung als zuvor und dadurch vielleicht nicht mehr ganz so melodiös wie der Vorgänger „Rivonia“. Allerdings kann dies die eine oder der andere durchaus auch anders sehen. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Tie Me To The Ground, So Petty So Pathetic, Placate Her

Cliff Richard – Cliff At Christmas

Cliff Richard – Cliff At Christmas


Besetzung:

Cliff Richards – vocals


Gastmusiker:

Dave Arch – orchestration
Pete Beachill – trombone
Mike Brignardello – bass
Stuart Brooks – trumpet
Chris Cameron – orchestral arrangements
Alex Charles – background vocals
Lizzie Deane – background vocals
Timothy Eames – programming
Hazel Fernandez – background vocals
Pete Gordeno – keyboards
John Hammond – drums
Mike Haughton – saxophone
Stephen Hussey – orchestral arrangements, strings
Dave Laudat – background vocals
Lee McCutcheon – programming
Jerry McPherson – guitar
John McPherson – guitar
Michael Mellett – background vocals
Paul Moessl – keyboards
The Nashville String Machine – strings
Amanda Omartian – background vocals
Michael Omartian – keyboards
Phil Palmer – guitar
Jeff Richman – guitar
Anne Skates – vocal arrangement, vocal director
Kara Tualatai – background vocals
Urban Soul Orchestra – horn, strings
Michelle Wolf – background vocals
Gavyn Wright – orchestra leader


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 2003


Stil: Pop


Trackliste:

1. Have Yourself A Merry Little Christmas (4:16)
2. Mistletoe & Wine (4:05)
3. Walking In The Air (4:19)
4. Little Town (4:08)
5. Mary’s Boy Child (with Helmut Lotti) (3:38)
6. Christmas Is Quiet (4:20)
7. Let It Snow (3:33)
8. Saviour’s Day (4:53)
9. White Christmas (3:16)
10. Silent Night (5:28)
11. Santa’s List (4:39)
12. When A Child Is Born (3:35)
13. Come To Us (4:33)
14. The Christmas Song (Merry Christmas To You) (4:12)
15. We Should Be Together (4:25)
16. Winter Wonderland (2:53)
17. The Millennium Prayer (4:39)

Gesamtspieldauer: 1:11:01

Am 17. November 2003, passend zur Vorweihnachtszeit, erschien das 35. Studio-Album des englischen Sängers Cliff Richard mit dem Titel „Cliff At Christmas“ auf dem Plattenlabel EMI. Darauf zu hören sind acht neue Titel sowie neun bereits veröffentlichte Stücke des Cliff Richard. Darunter sind auch Cliff Richards Interpretationen von bekannten Weihnachtsliedern wie „White Christmas“ oder „Silent Night“.

Diese Platte stellt eine sehr seltsame Zusammenstellung mehr oder weniger stimmungsvoller Lieder dar, die das Thema „Weihnachten“ beinhalten. Die Lieder sind dabei manchmal mit klassischen Instrumenten eingespielt worden, manchmal mit dem Keyboard. Das klingt dabei mitunter fast schon grausam, wenn man die englische Version von „Stille Nacht, Heilige Nacht“ mit synthetischen Beats versehen hört. Unfassbar schlecht. In weihnachtliche Stimmung wird man beim Hören der Platte kaum verfallen, da sich sanftere mit poppigeren Liedern abwechseln und vermischen. Das klingt alles künstlich, synthetisch und es tut einem fast leid um so manches Weihnachtslied. Cliff Richard baut hier keine weihnachtliche Stimmung auf, er zerstört sie auf brutale Art und Weise.

Einzig das poppig bis rockige „Walking In The Air“ kann auf „Cliff At Christmas“ gefallen. Allerdings ist das wiederum ein Lied, welches absolut null weihnachtliche Atmosphäre verströmt, sondern in seinem sich langsam aufbauenden Bombast, wie ein eingängiges und poppiges Lied klingt, welches zu jeder Jahreszeit aus dem Radio erklingen könnte. Ansonsten wird es wahrlich schwer, auf dieser Scheibe noch etwas Nettes oder Schönes oder Stimmungsvolles zu entdecken. Um an dieser Stelle überhaupt noch Lieder zu erwähnen, die ein winziges bisschen gelungener klingen und deutlich weniger peinlich sind, seien hier noch die beiden Nummern „Little Town“ und „Santa’s List“ angeführt.

Fazit: „Cliff At Christmas“ ist eine Platte, die einem die Vorweihnachtszeit oder gar den Heiligen Abend so richtig zerstören kann. Wie man glauben kann, Weihnachtslieder auf dem Keyboard im synthetischen Klang einspielen zu können, wird mir immer ein Rätsel bleiben. Jeder deutsche Kirchenchor erzielt hier mehr Atmosphäre. Doch den Engländern schien es tatsächlich zu gefallen. Sie lieben ihren Cliff eben. Im Jahr 2017 war es immer noch das „Weihnachts-Album“, welches sich in Großbritannien im 21. Jahrhundert am drittbesten verkaufte. Ganze 408.000 Mal passierte das. Ein Punkt.

Anspieltipps: Walking In The Air

Man – Do You Like It Here Now, Are You Settling In?

Man – Do You Like It Here Now, Are You Settling In?


Besetzung:

Michael “Micky” Jones – electric guitar, acoustic guitar, vocals
Roger “Deke” Leonard – electric guitar, acoustic guitar, vocals
Clive John – organ, piano, vocals
Martin Ace – bass guitar, acoustic guitar, vocals
Terry Williams – drums


Label: Parlophone


Erscheinungsdatum: 1971


Stil: Psychedelic Rock, Progressive Rock


Trackliste:

1. Angel Easy (5:02)
2. All Good Clean Fun (4:34)
3. We’re Only Children (8:31)
4. Many Are Called, But Few Get Up (7:29)
5. Manillo (5:17)
6. Love Your Life (9:05)

Gesamtspieldauer: 40:00

Lediglich neun Monate nach dem dritten und selbstbetitelten Album veröffentlichte die walisische Rockband Man im November 1971 bereits ihr viertes Studioalbum mit dem nun etwas länger geratenen Titel „Do You Like It Here Now, Are You Settling In?“. Ursprünglich erschien die Platte auf dem Label United Artists, wurde bereits mehrmals wiederveröffentlicht und liegt inzwischen auch in einer durchaus gelungenen remasterten Version vor.

Ist „Angel Easy“ noch eher ein relativ gewöhnlicher und auch uninteressanter Rocker, wird „Do You Like It Here Now, Are You Settling In?“ spätestens mit dem zweiten Lied „All Good Clean Fun“ zu einem guten Album. Waren auf der vorherigen Platte noch Country-Passagen, Rock’n’Roll-Anleihen und experimentelle Einlagen a la Pink Floyd zu hören, so werden einem auf „Do You Like It Here Now, Are You Settling In?“ als Zutaten eine Prise Skurrilität, ein paar psychedelische Takte und immer wieder längere progressive Abschnitte geboten. Insgesamt klingt dieses vierte Album der Waliser deutlich geschlossener, als noch der Vorgänger. Die einzelnen Lieder sind abwechslungsreich, entwickeln sich in ihrem Verlauf und die Band legt bei diesem Album großen Wert auf die Eingängigkeit ihrer Kompositionen. Die einzelnen Stücke klingen allesamt sehr melodiös und gehen schnell ins Ohr.

„Many Are Called, But Few Get Up” ist eine klasse Nummer ganz im Stile des Progressive Rock der frühen 70er Jahre. Weitere Höhepunkte sind das wunderschön abwechslungsreiche und sich steigernde „We’re Only Children“, das sanfte und eher unspektakuläre „Manillo“, welches allerdings mit seinen schönen Harmonien punkten kann. Schließlich soll an dieser Stelle auch nicht der letzte Titel des Albums unerwähnt bleiben. „Love Your Life“ ist das längste Lied des Albums und nicht aufgrund dieser Tatsache ein weiterer Höhepunkt auf „Do You Like It Here Now, Are You Settling In?“. Das liegt eher an den verschiedenen Teilen, den Rhythmus- und Tempowechseln, der Melodiösität und überzeugenden Soloeinlagen. Und schon sind fast alle Lieder der Platte aufgezählt, die auch heute noch lohnenswert klingt und beim Hören Freude macht.

Fazit: Mit „Do You Like It Here Now, Are You Settling In?“ gelang der walisischen Band Man ein überzeugendes Progressive Rock Album ganz in der Tradition der frühen 70er Jahre. Die Musik auf der Scheibe ist abwechslungsreich und eingängig zugleich. An keiner Stelle des Albums mag dabei Langweile aufkommen, dafür vermittelt die Platte jede Menge gute Unterhaltung. Elf Punkte.

Anspieltipps: We’re Only Children, Manillo, Love Your Life

Bob Dylan – The Freewheelin’ Bob Dylan

Bob Dylan – The Freewheelin’ Bob Dylan


Besetzung:

Bob Dylan – acoustic guitar, harmonica, vocals


Gastmusiker:

Howie Collins – guitar on "Corrina, Corrina"
Leonard Gaskin – double bass on "Corrina, Corrina"
Bruce Langhorne – guitar on "Corrina, Corrina"
Herb Lovelle – drums on "Corrina, Corrina"
Dick Wellstood – piano on "Corrina, Corrina"


Label: Columbia Records


Erscheinungsdatum: 1963


Stil: Folk


Trackliste:

1. Blowin‘ In The Wind (2:49)
2. Girl From The North Country (3:23)
3. Masters Of War (4:38)
4. Down The Highway (3:32)
5. Bob Dylan‘s Blues (2:28)
6. A Hard Rain‘s A-Gonna Fall (6:53)
7. Don‘t Think Twice, It‘s All Right (3:41)
8. Bob Dylan‘s Dream (5:02)
9. Oxford Town (1:50)
10. Talkin‘ World War III Blues (6:27)
11. Corrina, Corrina (2:44)
12. Honey, Just Allow Me One More Chance (2:00)
13. I Shall Be Free (4:47)

Gesamtspieldauer: 50:19

„The Freewheelin‘ Bob Dylan“ nannte der US-amerikanischen Singer-Songwriter Bob Dylan sein zweites Studioalbum, das am 27. Mai 1963 auf dem Plattenlabel Columbia Records veröffentlicht wurde. Während sein selbstbetiteltes Debütalbum Bob Dylan nur zwei eigene Lieder enthielt, stellt „The Freewheelin‘ Bob Dylan“ den Beginn von Alben dar, auf denen Bob Dylan zeitgenössische Texte zu traditionellen Melodien wiedergibt. Elf der dreizehn Songs auf dem Album sind Dylans Eigenkompositionen – zumindest vom Text her. Das Album beginnt mit „Blowin‘ In The Wind“, ein Lied, welches zur Hymne der 1960er Jahre wurde, und einen internationalen Hit für das Folk-Trio Peter, Paul & Mary kurz nach der Veröffentlichung von „The Freewheelin‘ Bob Dylan“ darstellte.

„The Freewheelin‘ Bob Dylan“ erreichte in den USA Platz 22 der Charts und kletterte 1964 in Großbritannien bis auf Platz 1. Im Jahr 2003 wurde das Album auf der Liste der 500 größten Alben aller Zeiten des Rolling Stone Magazine auf Platz 97 geführt. Das Album enthält mehrere andere Songs, die ebenfalls zu Bob Dylans Klassikern der Folkszene der 1960er Jahre gehören:  „Girl From The North Country“, „Masters Of War“, „A Hard Rain‘s A-Gonna Fall“ und „Don‘t Think Twice, It‘s All Right“. Ein weiterer Höhepunkt der Scheibe ist das Lied „Bob Dylan‘s Dream“. In all diesen Titeln hört man Bob Dylan in sehr typischer Art und Weise, welche ihn und seine Musik berühmt werden ließ. Folk Musik, sehr sanft gehalten und bis auf eine Ausnahme nur von ihm selbst instrumentiert. Sein Gesang, die akustische Gitarre und ab und an die Mundharmonika, das ist es, was die Lieder auf „The Freewheelin‘ Bob Dylan“ ausmachen.

Die Musik ist zumeist traditionell und von Bob Dylan überarbeitet worden, die Texte sind für die damalige Zeit durchaus sehr besonders. Denn auf diesem Album gibt es keine Liebeslieder mehr zu hören, Bob Dylan erzählt Geschichten, singt über Missstände, über Dinge, die ihn nachdenklich machen. Das alles wiederum sehr einfühlsam und mit Tiefgang und zu keiner Zeit platt. Diese Kombination gab es in den frühen 60er Jahren noch nicht, sodass „The Freewheelin‘ Bob Dylan“ durchaus etwas Besonderes darstellt – auch wenn das für die heutige Zeit nicht mehr unbedingt gilt. Doch war Bob Dylan hier ganz klar ein Vorreiter für viele Musikerinnen und Musiker. Musikalisch lassen die Lieder im Laufe des Albums leider stark nach. Die zweite Plattenseite besitzt längst nicht mehr diese Eingängigkeit und Melodiösität wie die ursprünglich erste LP-Seite. Für die Texte gilt dies allerdings nicht, die sind durchgängig lohnenswert gehört zu werden.

Fazit: Folk, eingängig und mit Texten versehen, die zum Nachdenken anregen. Das ist die Musik, die man auf „The Freewheelin‘ Bob Dylan“ zu hören bekommt. Die Lieder sind dabei häufig traditionell, wie zum Beispiel das Lied „Blowin‘ In The Wind“, welches auf das Spiritual „No More Auction Block“ zurückgeht. Die Texte stammen dagegen von Bob Dylan selbst und in Kombination wirkt diese Musik beeindruckend. Zumeist klingt das sehr eingängig und diese Platte stellt ein Zeitdokument der modernen populären Musik dar. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Girl From The North Country, Masters Of War, Bob Dylan‘s Dream

Caligula’s Horse – In Contact

Caligula’s Horse – In Contact


Besetzung:

Jim Grey – lead vocals
Adrian Goleby – guitar
Dave Couper – bass
Josh Griffin – drums
Sam Vallen – lead guitar, everythimng else


Gastmusiker:

Jørgen Munkeby – guest saxophone and backing vocals on "Graves"
Jake Morton – additional screamed, shouted and sung vocals
John Grey – additional screamed, shouted and sung vocals
Mitch Legg – additional screamed, shouted and sung vocals
Rick Collins – additional screamed, shouted and sung vocals
Sam Grey – additional screamed, shouted and sung vocals
Zac Greensill – additional screamed, shouted and sung vocals
Zak Muller – additional screamed, shouted and sung vocals


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2017


Stil: Alternative Rock, Progressive Metal


Trackliste:

To The Wind

1. Dream The Dead (8:09)
2. Will's Song (Let The Colours Run) (4:42)
3. The Hands Are The Hardest (4:26)
4. Love Conquers All (2:21)

The Caretaker

5. Songs For No One (7:43)
6. Capulet (3:23)

Ink

7. Fill My Heart (6:42)
8. Inertia And The Weapon Of The Wall (2:57)
9. The Cannon‘s Mouth (5:56)

10. Graves (15:31)

Gesamtspieldauer: 1:01:54

„In Contact“ nannte die australische Progressive Metal Band Caligula’s Horse ihr inzwischen bereits viertes Studioalbum. „In Contact“ wurde am 15. September 2017 auf dem Plattenlabel InsideOut Music veröffentlicht und die Band schreibt selbst über ihr Werk, dass „In Contact“ ihr bisher ehrgeizigstes und progressivstes Werk geworden sei. Neben ihrem zweiten Album „The Tide, The Thief & River‘s End“ ist „In Contact“ auch das zweite Konzeptalbum der Band. Vier separate Kapitel („To The Wind“, The Caretaker“, „Ink“ und „Graves“) sind auf „In Contact“ vier separaten Individuen und deren ganz „persönlichen Reisen“ gewidmet und wie sich diese durch die Kunst ausdrücken. Was etwas kryptisch klingt, wird auch durch das Studium der einzelnen Texte nicht viel klarer. Nun, etwas lediglich Angedeutetes lässt natürlich viel Spielraum für Interpretationen, somit wird jeder in den Texten etwas für sich finden oder darin lesen können. Geschrieben wurden die einzelnen Lieder erneut durch das Duo Jim Grey und Sam Vallen.

Musikalisch ist „In Contact“ eine Reise durch das Genre des Progressive Metal mit diversen Ausflügen in eher unspektakulärere Alternative Rock Gefilde. Von rasanter Geschwindigkeit bis zu längeren, fast schon elegischen Passagen, wird der Hörerin und dem Hörer einiges auf „In Contact“ geboten. Da krachen die Gitarren mal stakkato-mäßig aus den Boxen, ein anderes Mal klingen sie sanft, luftig, befreit und natürlich akustisch. Alles ist perfekt miteinander verbunden, geht ineinander über, wird erneut aufgegriffen und doch wieder fallengelassen. Das passt, macht Spaß beim Hören und Langeweile kommt hier niemals auf.

Besonders gelungen klingen die beiden Lieder „Fill My Heart“ sowie „Graves“, in denen die Komplexität und auch die Spielfreude der australischen Musiker besonders gut zur Geltung kommt. Wunderschöne, das Ohr umschmeichelnde Melodien neben jeder Menge Druck auf dem Kessel, der in Form von harten Gitarrensalven entlassen werden möchte und auch wird. Gerade diese Abwechslung in der Musik von Caligula’s Horse, welche an keiner Stelle konstruiert, sondern vielmehr gewachsen klingt, machen dieses Album zu einer lohnenden Platte.

Fazit: Die Mischung passt auf „In Contact“ von Caligula’s Horse. Progressive Metal und Alternative Rock gibt es auf dem Album in vielen Ausprägungen zu hören. Die Lieder nehmen verschiedene Wendungen, mit den Atmosphären, Tempi und Rhythmen spielen die Musiker sehr kreativ. Zu vertrackt klingen die einzelnen Titel dabei jedoch nie, die Melodie wird niemals über Bord geworfen, selbst in den härteren Passagen klingen die Australier noch eingängig. Sicher lohnend für alle Freundinnen und Freunde des melodischen Progressive Metal. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Fill My Heart, Graves

Pain Of Salvation – 12:5

Pain Of Salvation – 12:5


Besetzung:

Daniel Gildenlöw – lead vocals, acoustic guitar
Fredrik Hermansson – grand piano, harpsichord
Johan Hallgren – acoustic guitar, backing vocals
Johan Langell – drums, backing vocals
Kristoffer Gildenlöw – acoustic bass, cello, backing vocals


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2004


Stil: Progressive Metal


Trackliste:

Book I: Genesis

1. Brickwork Part I (Leaving Entropia T5 A) (5:44)
2. Brickwork Part II (This Heart of Mine T5) (2:35)
3. Brickwork Part III (Song for the Innocent T5) (1:23)
4. Brickwork Part IV (Descend 1) (0:37)
5. Brickwork Part V (Leaving Entropia T5 B) (0:48)

Book II: Genesister

6. Winning a War T5 (7:52)
7. Reconciliation T5 (4:22)
8. Dryad of the Woods T5 (5:37)
9. Oblivion Ocean T5 (5:18)
10. Undertow T5 (5:46)
11. Chain Sling T5 (4:25)

Book III: Genesinister

12. Brickwork Part VI (Ascend 1) (1:39)
13. Brickwork Part VII (Ascend 2) (1:19)
14. Brickwork Part VIII (Second Love) (4:12)
15. Brickwork Part IX (Ashes T5) (5:12)
16. Brickwork Part X (Descend 2) (3:51)

Gesamtspieldauer: 1:00:48

„12:5“ heißt das erste Live-Album der schwedischen Band Pain Of Salvation. Es wurde am 23. Februar 2004 auf dem Plattenlabel InsideOut Music veröffentlicht und während eines Konzertes in der Heimatstadt der Band, Eskilstuna, am 12. Mai 2003 aufgenommen. Daher auch der Album-Titel „12:5“. Während des Auftritts, der vor Freunden und Verwandten stattfand, kamen nur akustische Instrumente zum Einsatz, es ist also ein reines „unplugged“ Album geworden. „12:5“ enthält Nummern von drei der vier bisher veröffentlichten Studio-Alben der Band. Lediglich Lieder von „One Hour By The Concrete Lake“ sucht man darauf vergebens.

Die Lieder auf „12:5“ sind keineswegs die ursprünglichen Studio-Versionen, die lediglich mit akustischen Instrumenten eingespielt wurden. Die meisten Titel wurden neu arrangiert und haben zusätzlich neue Teile erhalten, die mitunter über die ursprünglichen Passagen gelegt wurden. Das klingt mitunter ganz interessant, zum Teil leider auch etwas selbstverliebt, manches Mal sogar recht zerstückelt. Somit kann die Musik der Schweden einen nicht mehr ganz so einfangen, wie wenn sie im Bombast schwelgt.

Selbstverständlich klingen die Nummern durch den gewählten Ansatz allesamt deutlich sanfter und weniger rockig, obwohl an manchen Stellen das Tempo trotzdem etwas angezogen wird. Im Zentrum steht oft der Gesang, bei dem Daniel Gildenlöw die ganze Breite seiner Stimme ausleben darf. Doch es gibt auch sehr viele mehrstimmige Passagen zu hören, die ebenfalls sehr gelungen klingen. Trotzdem, um diese Musik wohl wirklich genießen zu können, muss man wahrscheinlich eher ein großer Pain Of Salvation-Fan sein, denn ansonsten klingt das in seiner Gesamtheit maximal noch „ganz nett“, manches Mal sogar etwas gequält. Um diese Band zu schätzen, braucht man das Album „12:5“ nicht, denn die Lieder klingen im Original einfach besser.

Fazit: Wenn man ein Live-Album aus lediglich drei Alben „zimmern” möchte, sollte man sich wahrlich etwas überlegen. Das haben die Musiker von Pain Of Salvation getan, ihre Lieder umarrangiert, mit neuen Aspekten versehen und sogar akustisch eingespielt. Für Fans sicher ein Erlebnis und eine Ausweitung ihrer Lieblingsmusik. Für andere eher überflüssig, da die Musik im Original einfach kraftvoller und auch gelungener klingt. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Brickwork Part I (Leaving Entropia T5 A), Brickwork Part VII (Ascend 2)

Riverside – Wasteland

Riverside – Wasteland


Besetzung:

Mariusz Duda – vocals, electric and acoustic guitars, bass, piccolo bass, banjo, guitar solo on "Lament" and "Wasteland"
Piotr Kozieradzki – drums
Michał Łapaj – keyboards and synthesizers, rhodes piano and hammond organ, theremin on "Wasteland"


Gastmusiker:

Maciej Meller – guitar solo on "Acid Rain" - Part II. Dancing Ghosts", "Guardian Angel", "The Struggle For Survival - Part II. Battle Royale" and "River Down Below"
Michał Jelonek – violin on "The Day After", "Lament", "Wasteland" and "The Struggle For Survival - Part II. Battle Royale"
Mateusz Owczarek – guitar solo on "Vale Of Tears"


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2018


Stil: Progressive Rock, Art Rock


Trackliste:

1. The Day After (1:48)
2. Acid Rain (6:02)
Part I. Where Are We Now?
Part II. Dancing Ghosts
3. Vale Of Tears (4:48)
4. Guardian Angel (4:24)
5. Lament (6:10)
6. The Struggle For Survival (9:31)
Part I. Dystopia
Part II. Battle Royale
7. River Down Below (5:43)
8. Wasteland (8:27)
9. The Night Before (4:08)

Bonus Track der Ltd. CD Mediabook Ausgabe:

10. River Down Below (Edit) (4:25)

Gesamtspieldauer: 55:31

„Wasteland“ heißt das siebte Studioalbum der polnische Progressive Rock Band Riverside. Das Album ist gleichzeitig die erste Scheibe, die nach dem überraschenden Tod des Gitarristen der Band, Piotr Grudziński, der am 4. März 2016 am plötzlichen Herztod verstarb, veröffentlicht wurde. „Wasteland“ erschien am 28. September 2018 auf dem Plattenlabel InsideOut Music und ist angefüllt mit spannender Musik, die über sehr viel Abwechslung verfügt.

„Wasteland“ klingt sentimental, „Wasteland“ klingt melancholisch und „Wasteland“ klingt auch manches Mal traurig. Und dabei geht die Musik auf „Wasteland“ ins Ohr. Wunderschöne Melodien lassen sich auf diesem Album entdecken, welches nicht besonders tief im Progressive Rock wurzelt, seine Abwechslung aus verschiedenen Stimmungen und Atmosphären, Tempi und Rhythmen bezieht. Über allem schwebt allerdings diese leicht düstere Eingängigkeit der Musik, die sich schnell und konsequent im Ohr festsetzt und deren Melodien sich dort tief eingraben. Und genau das ist auch die Stärke dieses Albums, welches in wunderschönen Harmonien schwelgt, in die tief einzutauchen lohnt. Natürlich wird auch mal ordentlich gerockt, „Vale OF Tears“ ist ein gutes Beispiel dafür, wie Riverside sanfte Melodien und harten Rock zusammen in Einklang bringt, sodass alles erst richtig zu wirken scheint. Das klingt sehr überzeugend. Der Abwechslungsreichtum wird zudem sehr groß geschrieben auf „Wasteland“. Es ist nicht nur der Rock, der hier in sich variiert wird, auf diesem Album bekommen Hörerin wie Hörer auch sanfte slawische Einschübe zu Gehör und selbst Fans der Italo Western, mit der Musik von Ennio Morricone, wird ein leichtes Lächeln auf die Lippen gezaubert werden.

Die Höhepunkte auf „Wasteland“ heißen „Lament“, „Wasteland“ und „The Night Before“. Auch bei diesen Stücken spielt Mariusz Duda mit seiner Band mit den Atmosphären und dies so überzeugend, dass man sich sehr einfach auf diese Musik einlassen kann und darin aufzugehen vermag. Allerdings sind dies nur drei Beispiele von insgesamt neun Titeln, die auf ihre Art und Weise alle zu überzeugen wissen und einfach gefallen, wenn man auf solch Genres wie Art Rock oder auch Progressive Rock steht. Der Anteil an progressiven Passagen auf „Wasteland“ ist dabei zugegebenermaßen relativ limitiert, wenn auch die Ansätze bezüglich Komplexität von Rhythmus und Melodie immer wieder ansatzweise zu hören sind. Aber eben lediglich ansatzweise. Doch macht das nichts, das Genre spielt keine Rolle, denn „Wasteland“ klingt einfach überzeugend, egal welchem Genre die Musik angehört.

Fazit: Das siebte Album der polnischen Band Riverside klingt zum einen sehr melancholisch und reicht bis hin zu richtiggehend traurig klingenden Passagen. Doch die Musik packt in all ihrer Abwechslung, in den vielen unterschiedlichen Stimmungen und Passagen, die man auf diesem Album geboten bekommt. Über allem stehen dabei die eingängigen Melodien, die in jedem Titel enthalten sind und einfach schön und einnehmend klingen. Gerockt wird auf „Wasteland“ und die Platte enthält ebensolche Passagen zum Innehalten. Einfach gelungen. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Lament, Wasteland, The Night Before