Get Well Soon – Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon

Get Well Soon – Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon


Besetzung:

Verena Gropper – vocals (1, 3, 4, 5, 6, 11), violin (1, 4, 5, 6, 8, 11, 13)
Wallis Bird – vocals (1, 5, 6, 8, 10)
Sebastian Benkler – vocals (1), trumpet (1, 2, 5, 7, 8, 11, 13, 14)
Philipp Schwärr – additional programming (2, 9)
Maike Rosa Vogel – vocals (13)
Dominik Meeth – bass (13)
Aoife O’Sullivan – vocals (14)
Mercedes O’Reilly – vocals (14)
Konstantin Gropper – everything else


Label: City Slang


Erscheinungsdatum: 2008


Stil: Pop, Folk


Trackliste:

1. Prelude (2:55)
2. You / Aurora / You / Seaside (3:11)
3. Christmas In Adventure Parks (3:28)
4. People Magazine Front Cover (4:30)
5. If This Hat Is Missing I Have Gone Hunting (4:10)
6. Help To Prevent Forest-Fires (5:15)
7. I Sold My Hands For Food So Please Feed Me (6:39)
8. We Are Safe Inside While They Burn Down Our House (5:14)
9. Born Slippy Nuxx (4:54)
10. Your Endless Dream (5:33)
11. Witches! Witches! Rest Now In The Fire (4:00)
12. Ticktack! Goes My Automatic Heart (3:54)
13. Lost In The Mountains (Of The Heart) (5:22)
14. Coda (1:09)

Gesamtspieldauer: 1:00:13

Konstantin Gropper ist ein deutscher Songwriter und Multiinstrumentalist, der 2008 unter dem Titel “Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon” sein erstes Studio-Album veröffentlichte. Get Well Soon wurde dabei gleich zur Überschrift über all seine Werke auserkoren, die er in Zukunft (zumindest bis 2013) noch veröffentlichen sollte.

Das, was man da auf dem ersten Album des Biberachers zu hören bekommt, ist dabei wahrlich beeindruckend. Was ist das eigentlich für Musik? Manches Mal hört man spanische oder mexikanische, dann wieder amerikanische und schließlich auch französische Anklänge, obwohl es sich hierbei sicherlich nicht um ein Werk der „Weltmusik“ handelt. Folk ist das auch irgendwie nicht so recht, dann doch schon eher Pop, allerdings Pop-Musik auf allerhöchstem Niveau. Pop-Musik mit Anspruch.

Festzustellen ist zudem, dass sich die Musik des Konstantin Gropper dem Hörer nicht sofort erschließt. Es bedarf schon einiger Durchläufe der Platte, bis sich einem die Feinheiten und Schönheiten dieser Lieder offenbaren. Alles ist eher ruhig gehalten, gerockt wird da überhaupt nicht. Es werden eher Stimmungen und Atmosphären erzeugt, die man sehr angenehm in solch Titeln wie „I Sold My Hands For Food So Please Feed Me“, „We Are Safe Inside While They Burn Down Our House“ oder „Witches! Witches! Rest Now In The Fire“ genießen kann. Manches Mal überkommt einem dabei das Gefühl, vertonte Märchen zu hören, die dabei jedoch zu keiner Zeit den Eindruck des Kitsches in sich tragen.

Äußerst zurückhaltend und warm ist jedes Lied, jeder Abschnitt, im Grunde genommen jeder Ton dieses Albums gehalten. Und all das erzeugt, nach einigen Durchläufen, ein Gefühl beim Hörer, als ob es sich bei dieser Platte um einen alten Bekannten, einen Freund handelt. Müsste man sich ein oder mehrere Adjektive für diese Musik ausdenken, um sie zu beschreiben, so könnten diese wohl „schön“, „sanft“ und „spannend“ lauten. Die Musik ist etwas für die Träumer unter den Musikhörern, die auf die stillen Momente stehen und diese ganz für sich alleine genießen können. Alles ist melodisch gehalten, einen schrägen Ton findet man da kaum. Und wenn doch, dann ist dieser so schräg, dass er schon wieder fast melodisch klingt. Ein Widerspruch, der beim Hören des Albums in Logik übergeht. Alles wirkt eingängig, bis ins letzte durchdacht und ausgetüftelt, ohne dabei auch nur den Anschein von Sterilität aufkommen zu lassen. Einfach schöne Musik eben. Schöne Musik, die den Zuhörer trifft.

Fazit: Wer auf melodiöse und einfühlsame Töne steht, der sollte hier mal ein Ohr riskieren. Das wiederum mehrmals wiederholen, denn dann werden sich dem Hörer wunderschöne Welten auftun. „Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon“ ist ein richtig gutes Album geworden, welches für die ruhigeren Stunden des Tages gedacht ist. Wahrlich keine Gute-Laune-Musik, es sind eher die nachdenklicheren Töne, die Konstantin Gropper hier präsentiert. Und das in einer Art und Weise, die Spaß macht und einfach gefallen kann. Elf Punkte.

Anspieltipps: People Magazine Front Cover, Your Endless Dream, Ticktack! Goes My Automatic Heart, Lost In The Mountains (Of The Heart); im Grunde genommen hätte ich hier fast jedes Lied anführen können.

Madsen – Goodbye Logik

Madsen – Goodbye Logik


Besetzung:

Johannes Madsen – Gitarre, Gesang
Sebastian Madsen – Gesang, Gitarre
Sascha Madsen – Schlagzeug, Gesang
Niko Maurer – Bass
Folkert Jahnke – Keyboard


Gastmusiker:

Florian Bischof – Cello (1, 3 & 10)
Stefan Pintev – Geige (8)
Rodrigo Reichel – Geige (8)
Hanno Kuhns – Cello (8)


Label: Universal Music


Erscheinungsdatum: 2006


Stil: Deutsch Rock


Trackliste:

1. Du Schreibst Geschichte (3:11)
2. Ein Sturm (3:50)
3. Piraten (3:49)
4. Good Bye Logik (3:44)
5. Ich Rette Die Welt (3:23)
6. Unzerbrechlich (3:40)
7. Ich Komme Nicht Mit (3:02)
8. Der Moment (4:15)
9. Happy End (3:47)
10. Ein Produkt (3:49)
11. Euphorie (3:28)

Gesamtspieldauer: 40:04

Guten und eingängigen Deutsch-Rock, der im Internet auch unter der Überschrift „Indie-Rock“ kursiert, bekommt man auf „Goodbye Logik“ von der Band Madsen präsentiert. Diese setzt sich neben dem Texter und Komponisten Sebastian noch aus seinen beiden Brüdern Johannes und Sascha Madsen sowie dem Bassisten Niko Maurer zusammen. Zum Zeitpunkt der Entstehung des Albums gehörte auch noch den Keyboarder Folkert Jahnke zum Line-Up der Band.

Die elf Lieder der fünf Musiker auf „Goodbye Logik“ sind meist rockig, ohne dabei die Melodiösität zu vernachlässigen. Die Musik geht ziemlich schnell ins Ohr, wird manchmal ein wenig härter, dann allerdings auch wieder ein bisschen gemäßigter wiedergegeben. Für stimmungsmäßige Abwechslung ist also gesorgt. Insgesamt klingt das Ganze so ein wenig nach Gute-Laune-Musik ohne, dass dies dabei negativ gemeint wäre. Eher lässt sich daraus der Schluss folgern, dass Hörer, die diese Platte auflegen, kaum der Möglichkeit einer Depression ausgesetzt werden. Für den nötigen Groove ist auch gesorgt, sodass „Goodbye Logik“ sicherlich eine gute Investition für all diejenigen darstellt, die auf „Nummer sicher“ gehen wollen, denen an diesem Tag der Sinn eher nach Sonne und Sorglosigkeit steht. Großartig experimentiert wird nicht auf diesem Album, der mit dem ersten und wohl auch bekanntesten Lied „Du Schreibst Geschichte“ eingeschlagene Weg bezüglich der transportierten Atmosphäre, egal ob rockig oder etwas nachdenklicher, wird konsequent weiterverfolgt. Und das funktioniert so auch ganz gut.

Fazit: „Goodbye Logik“ ist sicherlich kein „Über-Album“ geworden, trotzdem handelt es sich um eine Scheibe, die man als Hörer immer wieder gerne einlegt, wenn man auf Deutsch-Rock steht? Die Jungs machen hier das, was sie am besten können: Gut losrocken. Dabei wird das Ganze mit schönen Melodien untermalt, sodass sich die Lieder ohne große Anlaufzeit im Ohr des Hörers zu verfangen wissen. Aufdringlich ist die Musik dabei auch nicht und verfügt zudem über Texte, bei denen es sich lohnt, mal etwas genauer hinzuhören. Alles in allem schafft es die Musik von Madsen hier, den Hörer gut zu unterhalten. Was will man mehr? Acht Punkte.

Anspieltipps: Du Schreibst Geschichte, Goodbye Logik, Euphorie

Syd Barrett – The Madcap Laughs

Syd Barrett – The Madcap Laughs


Besetzung:

Syd Barrett – guitars, vocals


Gastmusiker:

Mike Ratledge – keyboards (2, 3)
Hugh Hopper – bass (2, 3)
Robert Wyatt – drums (2, 3)
Willie Wilson – bass (4, 6)
Jerry Shirley – drums (4, 6)
David Gilmour – guitar (7, 8)
Roger Waters – bass (7, 8)
Richard Wright – organ (8), vibraphone (8)


Label: EMI / Harvest


Erscheinungsdatum: 1970


Stil: Psychedelic Rock


Trackliste:

1. Terrapin (5:05)
2. No Good Trying (3:26)
3. Love You (2:30)
4. No Man's Land (3:03)
5. Dark Globe (2:02)
6. Here I Go (3:12)
7. Octopus (3:48)
8. Golden Hair (2:00)
9. Long Gone (2:51)
10. She Took A Long Cold Look (1:55)
11. Feel (2:18)
12. If It's In You (2:26)
13. Late Night (3:11)


Bonus Tracks:

14. Octopus (Takes 1 & 2) (3:09)
15. It's No Good Trying (Take 5) (6:23)
16. Love You (Take 1) (2:29)
17. Love You (Take 3) (2:11)
18. She Took A Long Cold Look At Me (Take 4) (2:45)
19. Golden Hair (Take 5) (2:28)

Gesamtspieldauer: 57:13

Anfang 1968 wurde Syd Barrett durch seine Bandkollegen von Pink Floyd einfach nicht mehr zu den gemeinsamen Konzerten abgeholt. Er war zu sehr den Drogen verfallen, hatte viel mit LSD experimentiert und war absolut unzuverlässig geworden – sowohl im Studio, wie auch auf der Bühne, auf der er zeitweise bei Konzerten nur noch rumstand und vor sich hinstarrte. David Gilmour hatte schließlich seinen Platz in der Band eingenommen. Und eben jener David Gilmour unterstützte hier seinen alten Freund Syd Barrett bei der Fertigstellung dieser Platte, genau wie die jetzt Ex-Kollegen Roger Waters und Rick Wright. Das Ergebnis ist das durchaus beeindruckende erste Soloalbum Syd Barretts mit dem Titel „The Madcap Laughs“, welches Anfang 1970 veröffentlicht wurde.

Man scheint auf „The Madcap Laughs“ Musik von einem Musiker zu hören, der weder singen noch Gitarre spielen kann, so schräg klingt das alles. Hier ist offensichtlich und hörbar jemand am Üben, denn nicht anders klingen Titel wie „Dark Globe“, „Here I Go“, „Feel“ oder „If It's In You“. Da ist kaum mehr zu erkennen, dass es sich bei Syd Barrett um den Gründer und genialen Songschreiber von Pink Floyd handelt, der nun, nur ganz kurze Zeit später, noch auf dem Höhepunkt seiner Karriere mit Anfang 20, anscheinend anfing geistig zu verbrennen. Von diesem Genius ist hier nichts mehr zu hören, weder von den Ideen her, noch in Bezug auf die Umsetzung der Musik. Die Lieder wirken mitunter so, als ob sie gerade beim Spielen auch komponiert werden würden. Alles ist unausgereift und endet zum Teil völlig abrupt.

Auf der Platte wurden manchmal - nicht nur bei den Bonus Tracks - die Studiokonversationen am Ende oder zu Beginn eines Songs mit wiedergegeben, die zusätzlich die Verwirrtheit Syd Barretts widerspiegeln. Das wirkt schon alles sehr abgefahren. Meist ist auch nur Syd Barrett mit seiner Gitarre zu vernehmen, die Begleitmusiker halten sich vornehm zurück.

Ein „Pink Floyd-Feeling“ der frühen Tage kommt am ehesten noch in der Mitte des ursprünglichen Albums bei den Titeln „Golden Hair“ und „Long Gone“ auf. Ersteres Lied wirkt unglaublich düster und bei „Long Gone“ ist sogar eine interessante Melodie mit Background-Gesang auszumachen. Beide Lieder wirken zudem so, als ob das, was hier zu hören ist, auch so geplant war, denn auch großartige Verspieler sind dieses Mal nicht mehr auszumachen – ganz im Gegensatz zu den meisten übrigen Titeln der Platte.

Fazit: Was man diesem Album garantiert nicht absprechen kann ist der Umstand, dass es irgendwie spannend ist. Dieses wirre Gitarrenspiel, die falschen Töne, der nölende Gesang und das Studiogebrabbel - all das zusammen ergibt eine ganz seltsame Melange aus atmosphärischen Stimmungen, die es so wohl sonst nirgendwo zu hören gibt. In seiner Gesamtheit wirkt dieses Album düster, klingt auf seine Art irgendwie ungesund und ist mit Sicherheit nur etwas für den eingefleischten Pink Floyd Fan – oder für den Hörer, der mal was ganz „Abgefahrenes“ erhören möchte. Wäre Syd Barrett nicht der Gründer von Pink Floyd gewesen, wäre dieses Album mit Sicherheit nie veröffentlicht worden. So stellt es irgendwie ein Dokument über den geistigen Verfall eines Menschen dar. Spannend, aber musikalisch alles andere als überzeugend. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Golden Hair, Long Gone, Late Night

Radical Face – Ghost

Radical Face – Ghost


Besetzung:

Ben Cooper – all instruments


Gastmusiker:

Emeral Cooper – piano on “Welcome Home”
Mark Hubbard – snare drum on “Welcome Home”
Alex Kane – bass on “Glory And The Strangest Things”


Label: Morr Music


Erscheinungsdatum: 2007


Stil: Pop


Trackliste:

1. Asleep On A Train (2:00)
2. Welcome Home, Son (4:47)
3. Let The River In (5:06)
4. Glory (6:12)
5. The Strangest Things (4:25)
6. Wrapped In Piano Strings (3:37)
7. Along The Road (4:17)
8. Haunted (4:43)
9. Winter Is Coming (4:22)
10. Sleepwalking (4:42)
11. Homesick (3:43)

Gesamtspieldauer: 47:52

Klar, Radical Face kennt man aus der Werbung. Da wird ein Photoapparat gezeigt und es ertönt dieses schöne „Aaah, Aaah, Aaah, Aaaaaah“. „Welcome Home, Son“ heißt das Lied auf der Platte mit dem Titel „Ghost“. „Ghost“ wiederum ist ein Konzeptalbum, bei dem ein altes Haus Geschichten erzählt von all dem, was es im Laufe „seines Lebens“ so alles erlebt hat.

Nun, Radical Face ist das Bandprojekt des Ben Cooper aus Jacksonville, Florida, USA. Praktisch die gesamte Platte hat er dabei alleine eingespielt, die wenigen Ausnahmen einer Unterstützung sind oben aufgeführt. Die Musik auf „Ghost“ ist angefüllt mit Wehmut und Melancholie, Schwere und Sentimentalität. Somit ist „Ghost“ ein sehr trauriges Album geworden, welches eine gedrückte Stimmung verbreitet, allerdings auch genau darin seine Stärken hat.

Alle Lieder der Platte sind sehr ruhig gehalten und zudem immer auch sehr melodiös. Dabei ist „Welcome Home, Son“ wahrlich nicht der einzige Titel, der überzeugen kann. Wer welchen Song am schönsten findet liegt dabei natürlich im Ohr beziehungsweise am Geschmack des Hörers. Findet man allerdings bereits diesen kurzen Ausschnitt, der da in der Werbung zu hören ist schön, wird man vom gesamten Album des Ben Cooper begeistert sein, denn hier klingt irgendwie alles sehr gelungen.

Fazit: Ruhige, schön melodiöse und damit eingängige Musik bekommt der Hörer auf „Ghost“ geboten. Die Instrumentierung ist sehr zurückhaltend gewählt worden, was diesen etwas traurigen Eindruck der Stücke noch ein wenig verstärkt. Ben Cooper macht mit Radical Face hier auf „Ghost“ eindeutig Musik für die trüberen Tage des Lebens. November-Musik, die in den stillen Momenten des Tages ihre ganze Kraft zu entfalten weiß. Das ist meist sehr gelungen und es gibt nur wenige Titel, die nicht so ganz überzeugen können – und diese befinden sich hauptsächlich am Ende des Albums. Neun Punkte.

Anspieltipps: Welcome Home Son, Glory, The Strangest Things

Wolfgang Ambros – Live

Wolfgang Ambros – Live


Besetzung:

Wolfgang Ambros – Gesang, akustische Gitarre
Peter Koller – elektrische Gitarre, Gesang
Helmut Pichler – Bass
Günter Dzikowski – Tasteninstrumente, Gesang
Helmut Nowak – Schlagwerk


Label: Bellaphon


Erscheinungsdatum: 1979


Stil: Live-Album, Austro Rock


Trackliste:

CD1 / Platte 1:

1. Allan wia Stan (6:25)
2. I bin’s ned (3:36)
3. Wie wird des weitergehn (4:10)
4. De No. 1 vom Wienerwald(3:03)
5. Du bist wia de Wintasunn (4:16)
6. Wahre Liebe (2:50)
7. Denk ned noch (5:33)
8. Der Berg (Aus der Watzmann ruft) (4:40)


CD2 / Platte 2:

9. Es lebe der Zentralfriedhof (4:00)
10. Schifoan (3:52)
11. Minderheit (2:55)
12. Mir geht es wie dem Jesus (2:36)
13. Schaffnerlos (3:40)
14. De Kinett’n wo i schlof (3:56)
15. Des Sandlers Flucht (2:45)
16. Da Hofa (3:54)
17. Zwickt’s Mi (3:18)
18. Du Schwoaza Afghane (5:48)

Gesamtspieldauer Platte 1 und 2: 1:11:17

Es gab eine Zeit in Deutschland, in der die- beziehungsweise derjenige zu den „völlig Ahnungslosen“ gehörte, die oder der dieses Live-Album von Wolfgang Ambros nicht besaß. Es war „in“, diese Platte zu haben und vor allen Dingen auch darüber zu reden. Nun und wenn man diese Scheibe heutzutage auflegt, kann man das auch ein klein wenig nachvollziehen, denn das, was man auf „Live“ zu hören bekommt ist abwechslungsreich und meistens überaus gelungen. Aufgenommen wurde die Platte während einer BRD-Tour im April 1979, die genauen Konzerte sind auf der Plattenhülle nicht wiedergegeben. Jedoch findet sich da der Nachsatz: „Da wir weder Zeit noch Lust, und schon gar kein Geld für irgendwelche Overdubs hatten, hören Sie auf der Platte lediglich, was wir wirklich gespielt beziehungsweise gesungen haben. Ergebenst Ihre W. Ambros Corporation.“ Nun, Overdubs waren auch nicht nötig, der Klang ist natürlich und somit auch unverfälscht und beeinträchtigt das Hörerlebnis in keinster Weise negativ.

Einige der Stücke auf „Live“ sind Bob Dylan Adaptionen. Songs, die von Wolfgang Ambros mit deutschen beziehungsweise österreichischen Texten versehen wurden. Das wären die Stücke „Allan wia a Stan“, I bin’s net“, „Wahre Liebe“, „Denk ned noch“ und „Des Sandlers Flucht“. Die restlichen Lieder hat er größtenteils allein oder zusammen mit Josef „Joesi“ Prokopetz geschrieben. Einige wenige haben noch einen anderen Zusatzautor.

Wolfgang Ambros kann immer dann sehr gut überzeugen, wenn er nachdenkliche Lieder, ruhige Stücke geschrieben hat, beziehungsweise wenn er diese singt und spielt. Mag sein, dass sein „Schifoan“ der Hit schlechthin war und auch heute noch auf so mancher Après Ski Party zum Besten gegeben wird, da man ihn eben nach dem sechsten Jager-Tee noch deutlich besser mitgrölen kann. Aber genau das ist es, ein einfaches und eben eingängiges Lied zum Abfeiern, welches hauptsächlich im Zuge eines gewissen Alkoholspiegels seine Hitqualität entfaltet. Solche Lieder jedoch wie „Wie wird es weitergehen“, „Der Berg“, „Minderheit“ und „Schaffnerlos“ haben da dann schon sehr viel mehr Tiefgang und stellen für den Hörer eine nachdenkliche, sentimentale und melancholische Bereicherung dar, die zudem sofort ins Ohr geht. Und dann ist da natürlich noch das herrlich marode „Der Zentralfriedhof“. Toller Song, tolle Musik, toller Text. Witzig gemacht.

Fazit: „Live“ von Wolgang Ambros lohnt sich, wenn man mal in die Musik und ein wenig auch in die Stimmung Ende der 70er Jahre eintauchen will. Die Platte wurde übrigens 2012 in einer remasterten Version von Wolfgang Ambros wiederveröffentlicht. Die Lieder der Scheibe setzen sich aus rockigeren Titeln, fast schon Stimmungsliedern und sehr nachdenklichen Tönen zusammen – eine breite Palette also, die jedoch einen sehr guten Überblick über das Schaffen des Wolfgang Ambros ermöglicht. Am gelungensten sind dabei diese nachdenklicheren Lieder und Texte, da sie es schaffen den Hörer zu berühren und mitunter auch noch ein klein wenig über das Ende des Liedes hinaus nachwirken. Deshalb auch eine klare Kaufempfehlung von mir an alle die, die ein echt gutes und variantenreiches Album mit sehr viel Musik für gar nicht mal viel Geld zu schätzen wissen. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Wie wird es weitergehen, Der Berg, Minderheit, Schaffnerlos, Der Zentralfriedhof

And You Will Know Us By The Trail Of Dead – Madonna

And You Will Know Us By The Trail Of Dead – Madonna


Besetzung:

Jason Reece – ohne Instrumentenangabe
Conrad Keely – ohne Instrumentenangabe
Kevin Allen – ohne Instrumentenangabe
Neil Busch – ohne Instrumentenangabe


Gastmusiker:

Julie Pomerleau – horn
Carolyn Cremona – horn
Clay Embry – horn
Jimmy Burdine – horn
Steven Hall – drums


Label: Domino Recording Ltd.


Erscheinungsdatum: 1999


Stil: Rock, Hard Rock, Alternative


Trackliste:

1. And You Will Know Them By The Trail Of Dead (0:31)
2. Mistakes & Regrets (3:47)
3. Totally Natural (4:16)
4. Blight Takes All (4:44)
5. Clair De Line (3:26)
6. Flood Of Red (3:54)
7. Children Of The Hydras Teeth (1:23)
8. Mark David Chapman (4:10)
9. Up From Redemption (0:23)
10. Aged Dolls (7:17)
11. The Day The Air Turned Blue (1:03)
12. A Perfect Teenhood (5:17)
13. Sigh Your Children (5:00)

Gesamtspieldauer: 45:12

Sechszehn Monate nach ihrem Debut, veröffentlichten die Texaner von And You Will Know Us By The Trail Of Dead bereits ihr zweites Album. Musikalisch hatte sich nicht allzu viel getan, produktionstechnisch jedoch eine ganze Menge. Die einzelnen Titel waren nun nicht mehr übersteuert, sondern genau richtig und hörenswert abgemischt worden. Auch auf „Madonna“ belieferten die vier Musiker ihre Käufer wieder mit knallhartem Rock, der durchaus mit Hard Rock umschrieben werden kann, wenn auch der Alternative Einfluss ein klein wenig Einzug in die Musik von Trail Of Dead gefunden hatte.

Der Eingangstitel „And You Will Know Them By The Trail Of Dead“ ist eine kurze Soundkollage, während der verschiedene weibliche wie männliche Stimmen je ein Wort zum Titel des Liedes beisteuern. Interessant dabei das „Them“ anstatt des „Us“, wie es im wirklichen Bandtitel vorkommt. Allgemein kann man auf „Madonna“ feststellen, dass die Titel etwas melodischer geworden sind und sie haben in ihrer Songstruktur an Gehalt gewonnen. Es geht auf „Madonna“ nicht mehr nur um den ultimativen Kick, nicht mehr nur darum den Hörer wegzubeamen, auch Melodien stehen jetzt im Fokus der Songs und der Band – wenn auch nicht immer und manches Mal auch nur ganz zart angedeutet.

Eingängigkeit sieht jedoch definitiv anders aus, das Album will erarbeitet werden. Stück für Stück. Überwiegend „kracht“ wieder und das durchaus auch kompromisslos auf „Madonna“. Trotzdem „knallt“ es hier besser als noch auf dem Debut-Album, da man jetzt alles wesentlich besser nachvollziehen, in die Lieder besser eintauchen kann. Zudem haben sich nun auch etwas „ruhigere“ Songs wie „Claire De Lune“ oder das fast schon sphärisch zu nennende „Children Of The Hydra's Teeth“ mit auf das Album geschlichen. Und dann gibt es da auch noch so schöne Songs wie „Aged Dolls“, ruhig und fast schon untypisch für den Rest der Platte, aber eingängig und ein Vorgeschmack auf das, was And You Will Know Us By The Trail Of Dead dem Hörer später noch kredenzen werden. Aber das da kein Missverständnis aufkommt, auch bei diesem Titel wird im Refrain „hart“ gerockt, aber dieses Zusammenspiel, das eben nicht mehr nur noch aus „Augen zu und durch“ besteht, dieses ist verflogen. Die Band hat einen Schritt in Richtung der etwas anspruchsvolleren Musik gemacht, die nicht nur durch Lautstärke und eiskalt durchgezogenen Heavy Rock punkten will. Nicht umsonst folgt im Anschluss an „Aged Dolls“ auch gleich der kurze Titel „The Day The Air Turned Blue“. Sphärisch, pianolastig und so ganz neu im Songkatalog der US-Amerikaner. Okay, danach geht es erst mal wieder so richtig ab, aber allein dieser Wechsel wäre auf dem Debut-Album schon undenkbar gewesen.

Fazit: Stilistisch noch sehr am Erstling angelehnt, gibt es hier allerdings schon die sanfteren und auch durchaus interessanteren Zwischentöne zu hören, die die Musik von And You Will Know Us By The Trail Of Dead so bereichernd werden lassen. Es „kracht“ zwar wieder, jedoch nicht mehr durchgängig. Für Freunde des Hard’n’Heavy definitiv immer noch genau die richtige Scheibe. Für Freunde von Platten wie „World’s Apart“ eröffnen sich hier zum ersten Mal die Horizonte. Das Album knallt, für mich knallt es manches Mal noch ein klein wenig zu undifferenziert. Aber mit jedem weiteren Hören passt es Stückchen für Stückchen ein wenig mehr. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Mistakes & Regrets, Aged Dolls, The Day The Air Turned Blue

Golden Earring – No Promises...No Debts

Golden Earring – No Promises...No Debts


Besetzung:

George Kooymans – guitar, vocals
Rinus Gerritsen – bass guitar, keyboards
Barry Hay – flute, vocals
Cesar Zuiderwijk – drums


Gastmusiker:

John Legrand – harmonica


Label: Polydor


Erscheinungsdatum: 1979


Stil: Rock


Trackliste:

1. Heartbeat (3:01)
2. Need Her (3:08)
3. Sellin‘ Out (3:46)
4. Snot Love In Spain (3:50)
5. Save Your Skin (6:43)
6. D Light (3:35)
7. Tiger Bay (3:13)
8. Weekend Love (4:15)
9. Don't Close The Door (3:30)
10. Don't Stop The Show (2:42)
11. By Routes (2:54)

Gesamtspieldauer: 40:37

Irgendwie schienen der niederländischen Band Golden Earring Ende der 70er Jahre die Ideen auszugehen, ganz so hört sich nämlich „No Promises...No Debts“ an. Allerdings hielt das die Band nicht davon ab, weiter ganz fleißig Platten zu veröffentlichen. „No Promises...No Debts“ ist bereits die fünfte Platte in lediglich vier Jahren und das vierzehnte Studio-Album der Band insgesamt.

Auf „No Promises...No Debts“ tummeln sich Belanglosigkeiten ohne Ende, die zum einen Ohr hinein-, aus dem anderen wieder herauswandern. Das ist 08/15-Rock geworden, ohne jegliche Höhepunkte. Klar ist das keine schlechte Musik, allerdings auch überhaupt keine, die einen in irgendeiner Art und Weise begeistern könnte. Man legt die CD in den Spieler ein, dann läuft sie durch und plötzlich ist wieder Schluss. War da was?

Das Album erzeugt Langeweile. Ab und an wird mal geschrien, ich nehme an, um den Hörer wieder aus seinem Schlummer herauszureißen. Mitreißende Ideen oder gute Melodien: völlige Fehlanzeige. Und dabei ist die Musik noch nicht mal wirklich schlecht gemacht, eben nur völlig ideen- und einfallslos. So wirkt das zumindest. Und immer dann, wenn ein Lied mal gut eingeleitet wird, dann entwickelt es sich im weiteren Verlauf zu etwas Nichtssagendem, geschweige denn besonders Hörenswertem. Da ist man schon dankbar, wenn wenigstens der letzte Titel sich mal ein klein bisschen von den anderen abhebt. Das liegt allerdings daran, dass es ein Instrumentalstück ist.

Fazit: Vielleicht haben Golden Earring in dieser Zeit einfach zu viele Platten veröffentlicht und hätten sich mal etwas mehr Zeit für Ideen nehmen sollen, damit diese auch reifen können. „No Promises...No Debts“ ist eines dieser Alben, die man hat, aber nie anhört. Ich habe das jetzt noch ein paar Mal gemacht, um das hier auch schreiben zu können. Aber das war es jetzt. Jetzt kommt die CD wieder an ihren Platz im Schrank und ich befürchte für einige Zeit. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Sellin‘ Out, Save Your Skin, By Routes

Ape, Beck & Brinkmann – Regenbogenland

Ape, Beck & Brinkmann – Regenbogenland


Besetzung:

Fred Ape – Gesang, Gitarre

Klaus Beck – Gitarre, Gesang, Mundharmonika, Percussion

Peter Brinkmann – Congas, Percusssion, Gitarre, Gesang, Mandoline, Mundharmonika, Das wahnsinnige Schlagzeug, ECS-Steeldrum, Trommel, Kesselpauke

Gastmusiker:

Walter Speckmann – Bass, Drei Goldgräber vom Klondike: Chorus

Klara Brandi – Flöte

Label: FolkFreak Schallplatten


Erscheinungsdatum: 1982


Stil: Deutscher Folk


Trackliste:

1. Regenbogenland (4:12)
2. Indianersee (3:21)
3. Das Haus (3:43)
4. Der Schlag (2:07)
5. Das letzte Paradies (2:09)
6. Endlich ein Liebeslied (4:06)
7. Wir sind noch wahre Pioniere (1:51)
8. Global 2001 (3:25)
9. Auf der Flucht erschossen (3:07)
10. Wounded Knee (4:10)
11. Startbahn (4:26)

Gesamtspieldauer: 36:37



Wenn man mal so seine alten Platten durchforstet, dann stößt man immer wieder auf Dinge, an die man eigentlich schon Jahrzehnte nicht mehr gedacht hat. Voraussetzung dafür ist natürlich, dass man sich zu der Zeit bereits Platten zugelegt hat und nicht dem „Wahn“ verfallen ist, diese Schallplatten in Zeiten von CD’s oder MP3-Dateien zu entsorgen. Solch eine Platte hielt ich heute tatsächlich in Händen, als ich mir angesehen habe, was da so alles unter dem Buchstaben „A“ noch rumsteht: „Regenbogenland“ von Ape, Beck und Brinkmann. Ausgeschrieben waren das Fred Ape, Klaus Beck und Peter Brinkmann, die zusammen eine Folk Combo aus Dortmund bildeten, welche Anfang der 80er Jahre Musik mit, na nennen wir sie mal „Musik mit sozialkritischen Texten“ veröffentlichte. Und dieses „Regenbogenland“ ist genau so eine Platte, die lange nicht mehr den Weg auf meinen Plattenteller fand.

Irgendwie ist diese Scheibe ein Zeitdokument der neueren deutschen Geschichte. Die Platte gibt es leider nur noch in Second Hand Läden oder aber auf Plattenbörsen zu erwerben. Auf CD wurde sie wohl nie gepresst (anscheinend wurde allerdings mal ein Sampler 2003 nachgedruckt). Beim Hören selbiger Scheibe ist es wahrlich sehr interessant, was sich Musiker, die ganz offensichtlich politisch gesehen eher links angesiedelt waren, damals so vorstellten, mit welchen Texten sie ihre Platten zu verkaufen versuchten. Anfang der 80er Jahre des letzten Jahrhunderts herrschte noch der kalte Krieg und „saurer Regen“ war genauso ein Thema wie die Anti-AKW-Bewegung. Im Grunde genommen sind solche Inhalte ja auch heute zum Teil noch aktuell. Sehr  interessant ist dabei jedoch vor allem, wie zu jener Zeit an diese Themen herangegangen wurde, wie sie behandelt und musikalisch umgesetzt wurden.

Die Lieder auf „Regenbogenland“ handeln von der Umweltzerstörung, der Hausbesetzerszene, von Polizeiwillkür und deren Aggressivität, einer Tankerhavarie, dem Streben nach möglichst viel Gewinn, unabhängig davon, ob die Natur dabei nun zerstört wird oder nicht, wie die Welt wohl im 21. Jahrhundert aussehen wird, was Amerika mit seinen Ureinwohnern veranstaltet hat, der Anti-Atomkraft-Bewegung und und und.

Einiges davon mag vielleicht heute ein wenig naiv klingen, zu sehr schwarzgemalt und auch zu pessimistisch gesehen. Was ich allerdings hier unbedingt anführen möchte – denn darum geht es ja auch vor allem auf diesen Seiten – das ist die Musik. Und die ist einfach klasse. Deutsche Folk-Musik, absolut eingängig und mit Ohrwurmcharakter. Da haben sich die drei Dortmunder Musiker sehr viel Mühe gegeben. Das klingt richtig gut und macht einfach Spaß beim Zuhören, ist sehr melodiös und hat den gewissen Wiedererkennungswert. Bei der Umsetzung des Ganzen steht dabei meist die akustische Gitarre im Vordergrund. Die Lieder auf „Regenbogenland“ sind auch in ihrer Kombination aus Text und Musik Teil der Deutschen Geschichte, allein deshalb lohnt es sich, soweit die Möglichkeit besteht, mal ein Ohr zu riskieren – ganz egal, ob man das damals für richtig, für übertrieben, für falsch hielt oder ob man zu jener Zeit überhaupt schon Musik konsumieren konnte.

Fazit: „Regenbogenland“ von Ape, Beck und Brinkmann ist ein Zeitdokument unserer deutschen, neueren Historie, die noch gar nicht so lange zurück liegt. Die Texte sind zumindest interessant, da sie den zu jener Zeit vorherrschenden Zeitgeist sehr gut wiedergeben. Die Musik dazu ist richtig toll gelungen, wenn man auf die „leiseren Töne“, Melodiösität  und Eingängigkeit steht. Schade, dass es „Regenbogenland“ nicht auf CD gibt. Elf Punkte.

Anspieltipps: Im Grunde genommen jedes Lied, wenn es noch aufzutreiben ist.

.Com/Kill – .Com/Kill

.Com/Kill – .Com/Kill

Label: Accession Records


Erscheinungsdatum: 2013

Trackliste:

1. Freaks Like Us (5:19)
2. Com/Kill One (4:29)
3. Das Blendwerk (3:57)
4. Monster Divine (4:40)
5. Who:Ah! (3:45)
6. Machines (5:32)
7. Still die Gier (3:47)
8. Out of Control (4:16)
9. Knecht der Lüge (4:21)

Gesamtspieldauer: 40:06

Eine der Bands, die von Anfang an auf Radio Goethe mit dabei war, ist Diary Of Dreams. Irgendwie hatten und haben sie genau das, was mich anspricht. Elektronisch geladene, treibende Beats, dunkel-düstere Atmosphäre, Texte am Rande des Wahnsinns, dazu die beeindruckende Stimme von Sänger Adrian Hates.

Doch neben DoD arbeiteten Hates und sein Co-Partner Gaun:A seit 1996, dem Gründungsjahr von Radio Goethe, auch noch an einem Nebenprojekt, das irgendwie immer ins Hintertreffen geriet. Nun ist es da und heißt “.Com/Kill”. Und ich frage mich, warum man damit so lange wartete. Eine geniale Platte, die man laut hören muss, wirklich laut. Zeit für eine Dröhnung der Extraklasse. Ein Tick verdrehter, härter, abgefahrener als Diary Of Dreams. Etliche Lagen an Klanggewittern und fernen Soundskulpturen berauschen und berieseln einen. Die Texte mal Englisch, mal Deutsch. .Com/Kill sind ein musikalischer Weitsprung für die beiden Musiker. Man kann nur hoffen, dass das Nachfolgewerk nicht wieder so lange auf sich warten lässt. Die internationale Clubszene wird dieses Projekt dankend annehmen.

Absolut empfehlenswert, zweifellos eine der besten Platten 2013, 14 Punkte.

The Pogues – Red Roses For Me

The Pogues – Red Roses For Me


Besetzung:

Shane MacGowan – vocals, guitar
Jem Finer – banjo
Spider Stacy – tin whistle
James Fearnley – accordion
Cait O'Riordan – bass guitar
Andrew Ranken – drums


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 1984


Stil: Irish Folk, Punk


Trackliste:

1. Transmetropolitan (4:16)
2. The Battle Of Brisbane (1:50)
3. The Auld Triangle (4:20)
4. Waxie's Dargle (1:53)
5. Boys From The County Hell (2:56)
6. Sea Shanty (2:25)
7. Dark Streets Of London (3:33)
8. Streams Of Whiskey (2:33)
9. Poor Paddy (3:10)
10. Dingle Regatta (2:52)
11. Greenland Whale Fisheries (2:37)
12. Down In The Ground Where The Dead Men Go (3:30)
13. Kitty (4:23)

Gesamtspieldauer: 40:17

The Pogues machen Irish-Folk-Musik, die leicht punkig angehaucht ist, allerdings nichts mit der Musik der Heroen dieses Genres, wie den Sex Pistols oder den Ramones gemein hat. Mitunter sind die Stücke auch überarbeitete traditionelle irische Folk-Songs, die etwas „flotter“ wiedergegeben werden.

Wer Irish Folk mag, der wird auch mit den Pogues seinen Spaß haben. Irgendwie klingt jedes Lied nach „Guter Laune“. Die einzelnen Stücke sind meist im Mid-Tempo gehalten und wenn man der Musik zuhört, hat man sofort ein irisches Volksfest vor Augen, bei dem von den Teilnehmern ordentlich und schnell das Tanzbein geschwungen wird.

Abwechslung wird auf diesem ersten Werk der Iren allerdings nicht allzu groß geschrieben, die Lieder ähneln sich sehr. Mit einer Spieldauer von vierzig Minuten, wird es auf der ursprünglichen Version der Platte allerdings auch niemals langweilig. Die Musik wippt irgendwie durch und die einzelnen Songs ziehen zügig am Ohr des Hörers vorbei. Zwei Ausnahmen gibt es diesbezüglich allerdings doch. „The Auld Triangle“ und das letzte Stück „Kitty“ sind deutlich melancholischer und ruhiger gehalten und lockern das Gesamtwerk dadurch noch malen bisschen auf.

Fazit: Die Musik der Pogues zaubert einem irgendwie ein Lächeln auf die Lippen und man ist ständig in Versuchung mit zu wippen. Dem spricht auch nichts entgegen, sodass man sich mit „Red Roses For Me“ die gute Laune ins Haus holen kann. Vielleicht nicht jeden Tag, dazu wirkt es manches Mal auch ein klein wenig zu hektisch – obwohl, ist eben Irish Folk, der will zum Mitmachen animieren und da kann eine kleine Prise „Hektik“ durchaus auch mal von Vorteil sein. Acht Punkte.

Anspieltipps: The Auld Triangle, Dark Streets Of London

Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik

Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik


Besetzung:

Flea – bass, backing vocals, trumpet, keyboard, percussion
John Frusciante – electric and acoustic guitars, 12-string guitar, backing vocals, percussion
Anthony Kiedis – lead vocals, percussion
Chad Smith – drums, percussion


Gastmusiker:

Brendan O'Brien – mellotron on "Breaking the Girl" and "Sir Psycho Sexy", b3 organ on "Suck My Kiss" and the B-Side "Soul To Squeeze"
Gail Frusciante and her friend – choir vocals on "Under the Bridge"
Pete Weiss – jew's harp on "Give It Away"


Label: Warner Bros. Records


Erscheinungsdatum: 1991


Stil: Funk Rock, Rock


Trackliste:

1. The Power Of Equality (4:04)
2. If You Have To Ask (3:37)
3. Breaking The Girl (4:55)
4. Funky Monks (5:23)
5. Suck My Kiss (3:37)
6. I Could Have Lied (4:04)
7. Mellowship Slinky In B Major (4:00)
8. The Righteous & The Wicked (4:08)
9. Give It Away (4:43)
10. Blood Sugar Sex Magik (4:31)
11. Under The Bridge (4:24)
12. Naked In The Rain (4:26)
13. Apache Rose Peacock (4:42)
14. The Greeting Song (3:14)
15. My Lovely Man (4:39)
16. Sir Psycho Sexy (8:17)
17. They're Red Hot (1:12)

Gesamtspieldauer: 1:13:56

Eigentlich passen die Red Hot Chili Peppers so gar nicht in mein Beuteschema, wenn es um deren Musik geht. Obwohl, später schon, allerdings nicht zu der Zeit, als „Blood Sugar Sex Magik“ entstanden ist. Das war 1991 und die Band machte damals so eine Art Funk Rock, angereichert mit HipHop-Elementen. Im Grunde genommen müsste ich das Weite suchen.

Trotzdem ist dieses fünfte Album der Red Hot Chili Peppers keine schlechte Platte geworden, selbst für mich nicht, dessen Musikgeschmack immer wieder mal nur tangiert wird. Die Musik ist in sich geschlossen, konsequent und geht meist nur wenig Kompromisse ein. Soll heißen, ein einmal eingeschlagener Weg wird unabdingbar weiter verfolgt. Und wenn das dann so klingt wie bei „Give It Away“ kann selbst ich etwas damit anfangen. Hier groovt es, es gibt auch mal den etwas „schrägeren“ Ton und dieser HipHop-Gesang des Anthony Kiedis passt einfach perfekt.

„Breaking The Girl“ und das wohl bekannteste Lied der Platte „Under The Bridge“ sind dagegen fast schon „normale“ Rock-Lieder, die zudem auch noch eingängig und melodiös gelungen sind. Noch ein weiteres Beispiel für die Abwechslung auf dem Album ist „I Could Have Lied“. Ein sehr ruhiger Song, der mitunter richtiggehend balladesk klingt und somit fast aus dem Rahmen des Gesamtkonzepts auf „Blood Sugar Sex Magik“ fällt.

Der Titeltrack selbst ist auch wieder eine groovige und funkige Nummer, der allerdings auch etwas härtere Töne beiwohnen. Vielleicht ist auch gerade das der Grund, warum das Lied überzeugen kann. Dieser Rock in Verbindung mit der gesprochen Strophe, das hat schon was. Der Rest der Platte dagegen ist eher unmelodiös, hier wird ebenfalls viel Wert auf den Groove oder den Funk gelegt und findet seine volle Ausprägung im über achtminütigen „Sir Psycho Sexy“. Das ist kann dann allerdings schon sehr gewöhnungsbedürftig.

Fazit: Funk Rock, den bekommt man hier auf „Blood Sugar Sex Magik“ hauptsächlich zu hören. Wenn man damit so gar nichts anzufangen weiß, dann wird einem dieses Album fürchterlich auf den Senkel gehen. Es gibt sie zwar auch, die schönen Rock-Nummern, aber der Fokus der Platte liegt auf einem anderen Schwerpunkt. Jedoch auch hier gibt es etwas für den Rock Fan zu entdecken. Nicht alles wirklich überzeugend, aber dafür sind Fernbedienungen ja auch erfunden worden. Festzuhalten bleibt allerdings, dass man sich das Label „Funk Rock“ durchaus auch mal geben kann, denn „selbst hier“ versteckt sich mitunter richtig gute Musik. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Breaking The Girl, Give It Away, Under The Bridge