Michael Jackson – History

Michael Jackson – History


Besetzung:

Michael Jackson – string arrangement, keyboard arrangements, solo and background vocals, keyboards, guitars, drums, percussion


Gastmusiker:

Janet Jackson – solo and background vocals
R. Kelly – additional background vocals
Nathan Morris – additional background vocals
Wanya Morris – additional background vocals
Shawn Stockman – additional background vocals
Michael McCary – additional background vocals
Bryan Loren – additional background vocals
Andraé and Sandra Crouch and The Andraé Crouch Singers – additional background vocals
Carol Dennis – additional background vocals
Jackie Gouche – additional background vocals
Gloria Augustus – additional background vocals
Linda McCrary – additional background vocals
Leah Frazier – additional background vocals
Leah Frazier – additional background vocals
The Notorious B.I.G. – rap
Shaquille O'Neal – rap
David Foster – piano
Brad Buxer – piano
BIG "Jim" Wright – piano, organ
Jonathan Mackey – piano
Jimmy Jam – keyboards and synthesizers, synthesizer programming, drum programming, drums, percussion, synth bass
Terry Lewis – keyboards and synthesizers, synthesizer programming, drum programming, drums, percussion, synth bass
David Foster – keyboards and synthesizers
Steve "Yada" Porcaro – keyboards and synthesizers
David Paich – keyboards and synthesizers
Bill Bottrell – keyboards and synthesizers
Dallas Austin – keyboards and synthesizers
R. Kelly – keyboards and synthesizers
René Moore – keyboards and synthesizers
Brad Buxer – keyboards and synthesizers, , synthesizer programming, intro soundscapes and sound effects, orchestrations
Simon Franglen – keyboards and synthesizers
Greg Phillinganes – keyboards and synthesizers
Lafayette Carthon – keyboards and synthesizers
Michael Boddicker – keyboards and synthesizers, synthesizer programming
Chuck Wild – keyboards and synthesizers, synthesizer programming
Rob Arbitter – keyboards and synthesizers
Gary Adante – keyboards and synthesizers
John Barnes – keyboards and synthesizers
Randy Walman – keyboards and synthesizers
Simon Franglen – synthesizer programming, synclavier programming, drums, percussion
Steve Porcaro – synthesizer programming
Peter Mokran – synthesizer programming, drum programming
Chuck Wild – synthesizer programming, intro soundscapes and sound effects
Andrew Scheps – synthesizer programming, drum programming, synclavier programming, intro soundscapes and sound effects
Rick Sheppard – synthesizer programming
Rob Hoffman – synthesizer programming, guitars
Bobby Brooks – synthesizer programming, drums, percussion
Jeff Bova – synthesizer programming
Chris Palmero – synthesizer programming
Jason Miles – synthesizer programming
Arnie Schulze – synthesizer programming
Gregg Mangiafico – synthesizer programming
Slash – guitars
Nile Rodgers – guitars
Trevor Rabin – guitars
Paul Jackson Jr. – guitars
Steve Lukather – guitars
Bill Bottrell – guitars, drums, percussion
Jeff Mirinov – guitars
Michael Thompson – guitars
Jen Leigh – guitars
Buddy Williams – drums, percussion
Bruce Swedien – drums, percussion, intro soundscapes and sound effects
Paulinho Da Costa – drums, percussion
René Moore – drums, percussion
Chuck Wild – drums, percussion
Bryan Loren – drums, percussion
Omar Hakim – drums, percussion
Steve Ferrone – drums, percussion
David Paich – bass
Colin Wolfe – bass
Louis Johnson – bass
Wayne Pedzwater – bass
Keith Rouster – bass
Doug Grigsby – bass
Guy Pratt – bass
Greg Phillinganes – synth bass
Larry Williams – horns
Jerry Hey – horns
Gary Grant – horns
Bill Reichenbach – horns
Kim Hutchcroft – horns
Paul Peabody – violin solo
Matt Forger – intro soundscapes and sound effects
Michael Boddicker – children's choir conductors
Annette Sanders – children's choir conductors
Maxi Anderson – children's choir conductors
Tracy Spindler – children's choir
Natalia Harris – children's choir
Jonathan Ungar – children's choir
Brandi Stewart – children's choir
Reeve Carney – children's choir
Caryn Jones – children's choir
Brian Jones – children's choir
Kimberly Johnson – children's choir
Crystal Pounds – children's choir
Rhonda Hoskins – children's choir
Crystal Grant – children's choir
Caleena Campbell – children's choir
Nikisha Grier – children's choir
Chauna Bryant – children's choir
Jania Foxworth – children's choir
Crystal Jackson – children's choir
Kandy Johnson – children's choir
Charity Young – children's choir
Angela Fisher – children's choir
Coy Mattison – children's choir
Alan Shearman – background voiceovers
Anna Mathias – background voiceovers
Gregory Martin – background voiceovers
Dawn McMillan – background voiceovers
Phillip G. Proctor – background voiceovers
Susan Silo – background voiceovers
Jesse Corti – background voiceovers
Hattie Winston – background voiceovers
Maurice La Marche – background voiceovers
Rodger Bumpass – background voiceovers
Daniel Medvedev – narrative by russian boy: 
Ed Wiesnieski – narrative by kgb interrogator: 
Emily Bernstein – orchestrations
Geoff Grace – orchestrations


Label: Epic Records


Erscheinungsdatum: 1995


Stil: Pop, Rock R&B, Soul


Trackliste:

CD1: HIStory Begins / Greatest Hits: HIStory, Volume I

1. Billie Jean (4:54)
2. The Way You Make Me Feel (4:58)
3. Black Or White (4:16)
4. Rock with You (3:40)
5. She's Out Of My Life (3:38)
6. Bad (4:07)
7. I Just Can't Stop Loving You (4:12)
8. Man In The Mirror (5:19)
9. Thriller (5:57)
10. Beat It (4:18)
11. The Girl Is Mine (3:42)
12. Remember The Time (4:00)
13. Don't Stop 'Til You Get Enough (6:06)
14. Wanna Be Startin' Somethin' (6:03)
15. Heal The World (6:25)


CD2: HIStory Continues

1. Scream (4:38)
2. They Don't Care About Us (4:44)
3. Stranger In Moscow (5:45)
4. This Time Around (4:21)
5. Earth Song (6:48)
6. D.S. (4:49)
7. Money (4:42)
8. Come Together (4:03)
9. You Are Not Alone (5:46)
10. Childhood (4:28)
11. Tabloid Junkie (4:33)
12. 2 Bad (4:57)
13. HIStory (6:38)
14. Little Susie (6:15)
15. Smile (4:56)

Gesamtspieldauer CD1 (1:11:38) und CD2 (1:17:12): 2:28:50

Das neunte Studio-Album des Michael Jackson erschien im Jahr 1995 auf dem Label Epic Records unter der Überschrift „History“. Und klar, das war damals ein wenig „Nepp“, denn man kaufte nicht nur 15 neue Songs, sondern 15 ältere Titel gleich mit. Dem Album wurde unter der Überschrift „HIStory Begins / Greatest Hits“ einfach eine CD in Form eines „Best Of…- Albums“ mit dazugepackt. Klar, Michael Jackson befand sich zu der Zeit ein wenig in der Krise. Mehrere Klagen wegen angeblichem Kindesmissbrauchs hatte er am Hals und die Einnahmen sprudelten auch nicht mehr so. Was lag da näher, als solch einen „Kniff“ zu machen, ein Doppelalbum herauszubringen und dafür natürlich deutlich mehr Geld verlangen zu können.

Nun, sei es drum, auf die CD 1 gehe ich hier gar nicht ein. Seine Hits sind das zweifelsohne, zumindest größtenteils. „Dirty Diana“ fehlt mir hier, eines der drei besten Stücke, die Michael Jackson jemals geschrieben hat. Allerdings ist man damit sofort wieder an dem Punkt angelangt, dass Geschmäcker eben verschieden sind und man es somit sowieso nie allen Recht machen kann. Stimmt. 

CD 2, die den Untertitel „HIStory Continues“ trägt, besteht nun neuem Material. Obwohl so ganz stimmt das auch wieder nicht. Die Cover Version des Beatles Klassikers „Come Together“ wurde bereits 1988 aufgenommen und ist an sich schon kein neues Lied mehr. Die erste Version des „Earth Songs“ wurde auch bereits 1989 aufgenommen, jedoch dann immer wieder überarbeitet. Nun, eine lange Vorbereitungszeit für dieses Album also, welches mich allerdings musikalisch einigermaßen positiv überrascht. „History“ ist ein gutes Pop-Album geworden, mit ein paar wirklich überzeugenden Songs. „They Don't Care About Us“ geht zum Beispiel sofort ins Ohr und bleibt, nicht zuletzt durch die wahnsinnig gute Rhythmusfraktion, hängen. Auch der bereits genannte „Earth Song“ hat ein wenig Ohrwurmcharakter. Zwar fängt die Nummer etwas sehr süßlich an, steigert sich dann allerdings zu einem überzeugenden Pop-Lied.

Das bereits erwähnte Beatles Cover „Come Together“ ist ebenfalls gelungen und auch nicht im Radio zu hörende Lieder wie „Little Susie“, „Stranger In Moscow“, „This Time Around“, „D.S.“ oder „Tabloid Junkie” lassen sich noch gut anhören und überzeugen immer dann, wenn sie nicht so unfassbar weich und schleimig klingen und wirken. Denn genau diese Art der Lieder gibt es leider auch auf „History“. Bei Titeln wie „You Are Not Alone“, „Childhood“ oder „Smile“ schüttelt es einen nur noch. „Childhood“ ist eine Nummer aus dem Film „Free Willy 2“ und das mit Abstand schleimigste Lied, welches ich kenne. Klingt auch ein wenig nach Musical und man sollte sich mal die Mühe machen und auf den Text achten – absolut unfassbar. Wahnsinn, dass ein erwachsener Mann so etwas in dieser Art und Weise singen kann. Das Lied „You Are Not Alone“ ist auch ein Hit des Michael Jackson, welches R. Kelly für ihn schrieb. Unglaublich, wie schlecht Musik sein kann. Dieses Gesülze ist kaum auszuhalten und somit trüben diese Stücke den Gesamteindruck des Albums leider doch schon sehr.

Fazit: Einige ganz nette Pop-Lieder gibt es auf „History“ zu hören, daneben allerdings auch unfassbar Schlechtes. Doch Menschen, die auf Pop stehen, werden durchaus etwas mit diesem Album anzufangen wissen. Einige der Lieder gehen gut ins Ohr und manchmal rockt Michael Jackson sogar. Von daher, insgesamt gesehen gibt es deutlich Schlimmeres. Sieben Punkte.

Anspieltipps: They Don't Care About Us, Earth Song

Anthony Phillips & Harry Williamson – Gypsy Suite

Anthony Phillips & Harry Williamson – Gypsy Suite


Besetzung:

Anthony Phillips – 12 string guitar, 6 string guitar, piano, synthesizer, organ, percussion
Harry Williamson – 6 string guitar, bass, echoes, piano, autoharp, percussion, gliss


Label: Voiceprint


Erscheinungsdatum: 1994 (Aufnahmen aus den Jahren ‘75, ‘76 und ‘78)


Stil: Instrumentalmusik


Trackliste:

1. Gypsy Suite
Movement I - First Light (7:59)
Movement II - Siesta (5:11)
Movement III - Evening Circle (5:44)
Movement IV - The Crystal Ball (10:04)
2. Tarka
Movement I -The Early Years (8:46)
Movement II
IIa - Stream River and Salmon Hunting (6:41)
IIb - Dunes & Estuary (6:38)
IIc - Moonfield - Postscript (1:21)

Gesamtspieldauer: 52:27

Nein, die Gypsy Suite von Anthony Phillips und Harry Williamson klingt so gar nicht nach Gypsy-Musik. Der Ex-Genesis Gitarrist und Multiinstrumentalist Anthony Phillips und der ebenfalls mit sehr vielen Musikinstrumenten vertraute Harry Williamson tragen hier ein Stück wunderschöner Gitarrenmusik vor, welches knapp zwanzig Jahre zuvor aufgenommen wurde, bevor es im Jahr 1994 endlich auf dem Label „Voiceprint“ erschien. Der Grund hierfür lag wohl in dem Umstand begründet, dass das Stück ursprünglich mit anderen Instrumenten eingespielt werden sollte, eine Idee, die letztendlich doch nicht umgesetzt wurde.

Die „Gypsy Suite“ für zwei Gitarren erinnert häufig an klassische Musik, ohne dass dies dabei von Bedeutung wäre, denn diese Scheibe überzeugt dabei und geht eben nicht so „nach hinten los“ wie der Versuch vieler anderer Rock-Musiker, klassische Musik in ihre zeitgenössischen Lieder zu integrieren. Nun, die Musik ist sehr zart und an mancher Stelle könnte es durchaus auch mal etwas „peppiger“ klingen, was man dann auch sofort mit der Musik der Sinti und Roma verbinden würde. Die Musik des Titelstücks „Gypsy Suite“ ist jedoch hauptsächlich sehr ruhig, zart und fast schon bedächtig und die einzelnen Nummern nehmen nur sehr selten mehr auf. Aber gerade hierin liegt auch ein wenig der Zauber dieser Musik begründet, die so wunderschön sanft klingt, so melodiös und eingängig.

Ein klein wenig voller klingt es dann bei den „Tarka-Movements“. Das liegt eindeutig daran, dass hier nun nicht mehr „nur“ Gitarren zu hören sind, sondern zum Beispiel auch Piano, Orgel, Synthesizer und Perkussion. Die Musik ist allerdings genauso eingängig und melodiös wie die „Gypsy Suite“ zuvor, wird jedoch durch die Variation an Musikinstrumenten noch abwechslungsreicher gestaltet. Wieder sind nur die beiden Musiker zu hören, die jetzt noch mehr musikalische Einflüsse zulassen und so Musik zelebrieren, die durchaus ein wenig magisch klingt.

Fazit: Diese Musik, die hier auf „Gypsy Suite“ zu hören ist, ist schon eine ganz besondere. Sehr leicht, frei, an manchen Stellen mystisch, immer entspannt und manches Mal verzaubernd klingen die Lieder von Anthony Phillips und Harry Williamson auf dieser Platte. Und manchmal meine ich auch, daraus die frühen Genesis heraushören zu können, aber das mag vielleicht nur Einbildung sein. Auf jeden Fall verdient diese Platte das Siegel „Überzeugend“ und ist neben „The Geese And The Ghost“ und natürlich dem Genesis-Album „Trespass“ das Beste, welches ich von Anthony Phillips kenne. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Alles

(Hier "Tarka" Part 1 in einer anderen Version)

Oceansize – Effloresce

Oceansize – Effloresce


Besetzung:

Mike Vennart – guitar, vocals
Steve Durose – guitar, backing vocals
Richard “Gambler” Ingram – guitar
Jon Ellis – bass, keyboards
Mark Heron – drums


Gastmusiker:

Martin & Kimberly McCarrick – cello, violin, viola on "Massive Bereavement" and "Long Forgotten"
Claire Lemmon – backing vocals on "Massive Bereavement" and "Saturday Morning Breakfast Show"


Label: Beggars Banquet Records


Erscheinungsdatum: 2003


Stil: Alternative Rock, Progressive Rock, Art Rock, Psychedelic


Trackliste:

1. I Am The Morning (4:18)
2. Catalyst (6:40)
3. One Day All This Could Be Yours (4:19)
4. Massive Bereavement (9:59)
5. Rinsed (3:58)
6. You Wish (6:00)
7. Remember Where You Are (5:22)
8. Amputee (5:32)
9. Unravel (2:50)
10. Women Who Love Men Who Love Drugs (8:30)
11. Saturday Morning Breakfast Show (9:04)
12. Long Forgotten (8:57)

Gesamtspieldauer: 1:15:32

Kultstatus hat die Scheibe „Effloresce“ von Oceansize bei den Fans inne. Dieses erste Album der englischen Band aus Manchester, dem noch drei weitere Studio-Platten folgen sollten, stellt etwas ganz Besonderes für die Fangemeinde dar. Im Februar 2011 gaben die Musiker der Band dann leider via Twitter und Facebook bekannt, dass sie Oceansize aufgelöst haben und sie von nun an getrennte Wege gehen wollen. Auch als Freund gut gemachter Rockmusik, der Oceansize nicht von Anfang an verfolgte, kann man gut nachvollziehen, dass diese Scheibe durchaus einen ganz besonderen Stellenwert besitzt. Die fünf Engländer bieten hier ihren Hörerinnen und Hörern ein unfassbar vielschichtiges Album, welches von sanft säuselnd bis zu hart rockend die ganze Palette des Rocks in sich zu vereinigen scheint.

Auf „Effloresce“ gibt es wunderschöne Instrumentalstücke zu hören, sanfte Titel und Nummern, die quasi zu explodieren scheinen. In diesen einzelnen Stücken sind Tempo- und Rhythmuswechsel genauso selbstverständlich integriert, wie völlige atmosphärische Wechsel, die einen immer wieder aufhorchen lassen. Alles klingt zunächst sehr melodiös und hat man es sich gerade zufrieden in den dicken Wolken sanfter Harmonien bequem eingerichtet, da reißt einen ein aggressives Riff oder der nun gar nicht mehr so weiche Gesang des Mike Vennart schlagartig aus allen süßen Träumen heraus. Dies geschieht jedoch nicht auf eine unangenehme, verstörende Art und Weise, sondern geradezu herausfordernd logisch und in sich schlüssig. Nur so kann und muss es sein, genau so funktioniert die Musik von Oceansize auf „Effloresce“.

Klar bewegt sich die Band hier auch in den Bereichen des Progressive Rock, der im 21. Jahrhundert einfach so klingen musste. Um mit dieser Art der Musik etwas anfangen zu können, sollte man jedoch auf jeden Fall auch die härteren Passagen in der Rock-Musik mögen. Denn für zart besaitete Musikkonsumenten ist diese Platte definitiv nicht geeignet. Trotz der auch vorhanden ruhigen Stellen auf „Effloresce“, steht ganz klar der härtere Rock im Vordergrund und dominiert hier die Musik von Oceansize. Auch dem „etwas Anderen“ sollte man sich nicht verschließen. Oceansize machen keine Radio- oder Hitparaden-Musik. Auf „Effloresce“ gibt es atmosphärische, fast schon experimentelle Stücke, wie die Nummer „Rinsed“ und dann wird einem fast wieder das Hirn weggeblasen, wenn plötzlich alles zu explodieren scheint. Aber genau diese Mischung macht „Effloresce“ auch zu einer sehr intensiven Reise, die man immer wieder gerne antritt.

Fazit: Ein sehr gelungenes Debut-Album ist „Effloresce“ von Oceansize geworden. Eine absolut abwechslungsreiche Platte, angefüllt mit Progressive Rock und Alternative Rock, der praktisch an jeder Stelle zu überzeugen weiß. Jetzt haben die fünf Engländer die Musik zwar mit dieser Scheibe nicht neu erfunden, jedoch haben sie diese definitiv um eine weitere Nuance bereichert. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: I Am The Morning, Remember Where You Are, Women Who Love Men Who Love Drugs, Long Forgotten

Phantom Planet – Phantom Planet

Phantom Planet – Phantom Planet


Besetzung:

Alex Greenwald – lead vocals, guitar
Sam Farrar – bass guitar, backing vocals
Jacques Brautbar – rhythm guitar
Darren Robinson – lead guitar
Jason Schwartzman – drums


Gastmusiker:

Dean Keller – saxophone on "Big Brat" and "You're Not Welcome Here"
Bill Racine – additional saxophone on "Big Brat"


Label: Epic Records


Erscheinungsdatum: 2004


Stil: Alternative Rock


Trackliste:

1. The Happy Ending (3:18)
2. Badd Business (2:16)
3. Big Brat (3:21)
4. 1st Things 1st (2:51)
5. Making A Killing (2:41)
6. You're Not Welcome Here (3:27)
7. By the Bed (3:41)
8. Knowitall (4:01)
9. Jabberjaw (3:13)
10. After Hours (2:44)
11. The Meantime (3:43)


Bonus Tracks:

12. California (3:13)
13. Lonely Day (3:40)
14. Anthem (4:20)
15.Our Darkest Hour (3:02)

Gesamtspieldauer: 49:37

„Phantom Planet“ ist eine Alternative Rockband aus Los Angeles, die 1994 gegründet wurde und in den Jahren 1998 bis 2008 insgesamt vier Studioalben veröffentlichte. Dieses hier ist die dritte Scheibe der Band und wurde interessanter Weise leidglich unter dem Band-Namen „Phantom Planet“ bei Epic Records herausgebracht. Zu hören gibt es hier Alternative Rock, der durchaus auch mal in den Grenzbereich zwischen Rock und Pop eintaucht, ohne dabei jedoch platt und anbiedernd zu wirken.

Zwar sind die Titel der Band auch eingängig und häufig auch sehr melodiös, trotzdem experimentieren die Jungs hier durchaus mit ihrer Musik. Das bedeutet, neben den immer wieder vorhandenen Harmonien gibt es auch mal Klänge, die gar nicht mehr so harmonisch klingen, sondern eher schräg und verschroben. Das wertet die Musik der fünf US-Amerikaner allerdings durchaus auf, macht sie interessanter und lässt sie sich ein wenig und an manchen Stellen vom radiotauglichen Mainstream entfernen.

Das Tempo, welches Phantom Planet seinen Lieder verordnet hat, liegt hauptsächlich im Mid-Tempo bis hin zum geradlinigen und schnelleren Rock. Richtig sanft klingt die Band im Grunde genommen nie. Der Sound stimmt auch, die Scheibe ist perfekt abgemischt und da geht auch beim lauterem Hören nichts verloren, was diese Platte noch ein wenig lohnender werden lässt. Überhaupt gibt es hier wenig zu meckern. Die einzelnen Stücke zünden ziemlich schnell und dass die Musiker nicht genug Material hatten und irgendwelche B-Ware mit hinzupackten, kann man sicherlich auch nicht behaupten. Sogar eher das Gegenteil ist der Fall, da dem Album inzwischen noch vier Zugaben beigemischt wurden, die sich qualitätsmäßig perfekt in die anderen Songs einreihen und somit „Phantom Planet“ von Phantom Planet sogar noch mal aufwerten.

Fazit: Guten und überzeugenden Alternative Rock gibt es bei Phantom Planet zu hören. Das ist kein 08/15 Rock, sondern die Band hat ihren ganz eigenen, rauen und doch melodischen Stil, der die Musik von Phantom Planet noch ein wenig reizvoller werden lässt. Im Grunde genommen für jede Hörerin beziehungsweise jeden Hörer etwas, welche auf gut gemachten und nicht ganz alltäglichen Rock stehen. Zehn Punkte.

Anspieltipps: You're Not Welcome Here, California, Anthem

Live – Mental Jewelry

Live – Mental Jewelry


Besetzung:

Edward Kowalczyk – lead vocals, acoustic guitar
Chad Taylor – guitar, vocals
Patrick Dahlheimer – bass, vocals
Chad Gracey – drums, percussion, vocals


Label: Radioactive Records


Erscheinungsdatum: 1991


Stil: Alternative Rock


Trackliste:

1. Pain Lies On The Riverside (5:11)
2. Operation Spirit (The Tyranny Of Tradition) (3:18)
3. The Beauty Of Gray (4:14)
4. Brothers Unaware (4:45)
5. Tired Of "Me" (3:26)
6. Mirror Song (3:38)
7. Waterboy (3:07)
8. Take My Anthem (4:37)
9. You Are The World (4:24)
10. Good Pain (5:39)
11. Mother Earth Is A Vicious Crowd (4:10)
12. 10,000 Years (Peace Is Now) (5:09)

Gesamtspieldauer: 51:42

Im Jahr 1991 veröffentlichter die US-amerikanische Rock Band Live ihr erstes Studioalbum unter dem Namen „Mental Jewelry“. Gut gemachten und eingängigen Alternative Rock hört man darauf, der bereits darauf hindeutet, welches sehr überzeugende Album die Yorker aus Pennsylvania als nächstes veröffentlichen werden. „Throwing Copper“ sollte dies dann heißen und „Mental Jewelry“, das Debut, stellt irgendwie die Voraussetzung für das Nachfolgealbum dar.

„Mental Jewelry“ ist noch nicht so genial wie sein Nachfolger. Die einzelnen Titel beziehen dabei sich häufig auf die Schriften des indischen Philosophen Jiddu Krishnamurti und klingen gut, jedoch noch nicht ganz so überzeugend wie jene, die drei Jahre später veröffentlicht werden sollten. Edward Kowalczyk scheint seinen Gesangsstil noch nicht ganz gefunden zu haben, die Riffs zünden noch nicht ganz so direkt und auch die Arrangements klingen hier noch nicht so ganz überzeugend.

Allerdings ist die auch etwas „Jammern“ auf hohem Niveau, denn Spaß macht „Mental Jewelry“ durchaus bereits. Die Musik von Live ist auf dieser Platte melodiös, hier finden sich die sanften zarten Passagen, genau wie die harten und rockigeren Abschnitte. Mit jedem Durchlauf der Scheibe gehen die einzelnen Titel besser ins Ohr. Diesen einen herausragenden Song findet man zwar nicht auf „Mental Jewelry“, jedoch gibt es auch keinen Ausfall nach unten. Das Album strömt sehr abwechslungsreich aus den Boxen, da macht das Zuhören einfach Laune und die Füße wippen unweigerlich mit.

Fazit: Wer auf gut gemachten Alternative Rock steht, kann mit dieser Scheibe kaum etwas falsch machen. Und auch wenn die Reise von Live hier erst angefangen hat und noch lohnender und spannender werden sollte, so macht bereits dieses Debut Album der US-Amerikaner Laune. Gut gemachter und abwechslungsreicher Alternative Rock, der so nie im Radio läuft und dabei so hörenswert ist. Neun Punkte.

Anspieltipps: Pain Lies On The Riverside, Mirror Song

Nickelback – The Long Road

Nickelback – The Long Road


Besetzung:

Chad Kroeger – lead vocals, lead guitar
Ryan Peake – rhythm guitar, backing vocals
Mike Kroeger – bass guitar, backing vocals
Ryan Vikedal – drums


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 2003


Stil: Rock, Mainstream


Trackliste:

1. Flat On The Floor (2:02)
2. Do This Anymore (4:04)
3. Someday (3:27)
4. Believe It Or Not (4:08)
5. Feelin' Way Too Damn Good (4:16)
6. Because Of You (3:30)
7. Figured You Out (3:48)
8. Should've Listened (3:42)
9. Throw Yourself Away (3:55)
10. Another Hole In The Head (3:35)
11. See You At The Show (4:03)

Gesamtspieldauer: 40:35

„The Long Road” heißt das vierte Album der kanadischen Rockband Nickelback. Im Jahr 2003 wurde es ursprünglich auf dem Label „Roadrunner Records“ veröffentlicht und war achtzig Wochen in den US-amerikanischen Billboard Charts vertreten. Mit dieser Scheibe hatten es die vier Musiker aus Alberta nun endgültig geschafft, im Mainstream des Rock anzukommen. Die Verkaufszahlen waren vergleichbar zum Vorgänger und „The Long Road” ist wahrlich angefüllt mit jeder Menge harter, jedoch auch radiotauglicher Musik.

Ins Ohr gehen die Nummern dabei auch durchaus. Titel, die deutlich gegenüber anderen abfallen, gibt es auf dieser Scheibe auch nicht zu beklagen. Die einzelnen Lieder sind zumeist im Hard Rock angesiedelt, Freunde des Headbanging können sich also das Haupthaar ordentlich durchschütteln und sollten Kamm oder Bürste nicht vergessen. Etwas ruhigere Nummern wie „Should've Listened“ sind die große Ausnahme auf dieser Scheibe, die allgemein für eine kraftvolle Härte zu stehen scheint.

Was allerdings jedoch auch wieder bei diesem Nickelback Album offensichtlich beziehungsweise gut herauszuhören ist, das ist die doch etwas fehlende Variation in der Musik der Band. Klar, Nickelback haben ein Konzept, eine bestimmte Herangehensweise an die Musik, welches dann kompromisslos umgesetzt wird. Das mag natürlich eingefleischten Fans der Band gut gefallen, denn ihre Lieblingsmusik gibt es somit immer wieder – in nur leichten Variationen. Genau dies kann jedoch auch eine gewisse Langeweile bedeuten. Die Musik von Nickelback läuft – einmal eingelegt – irgendwie so ein kleines bisschen einfach durch. Beim ersten Hören ist da keine Nummer, die aus allen heraussticht. Alles hat seine Qualität, durchaus, ein wenig mehr Phantasie beziehungsweise Experimentierfreude würde man Nickelback jedoch ab und an schon wünschen.

Fazit: Wer auf gut gemachten Mainstream Rock der etwas härteren Sorte steht, die oder der kann mit „The Long Road” von Nickelback im Grunde genommen nichts falsch machen. Die Lieder sind dabei eingängig, ohne jetzt allerdings den einen, ganz großen Ohrwurm für die Hörerin oder den Hörer bereit zu halten. Dazu ähneln sich die einzelnen Nummern durchaus ein wenig, womit dem Ganzen etwas die Abwechslung und Spannung abgeht. Trotzdem sicherlich kein schlechtes Album, wie bereits gesagt, etwas für Freunde des eingängigen Rocks. Acht Punkte.

Anspieltipps: Figured You Out, Should've Listened

Calexico – Edge Of The Sun

Calexico – Edge Of The Sun


Besetzung:

Ryan Alfred – bass, upright bass, guitar, synthesizer, vocals
Joey Burns – accordion, banjo, bass, cello, congas, guitars, harmonica, organ, shaker, ukulele, vocals
John Convertino – drums, percussion
Sergio Mendoza – accordion, guitar, mellotron, organ, percussion, piano, ukulele, vibraphone, vihuela, background vocals
Paul Niehaus – pedal steel
Jacob Valenzuela – trumpet
Martin Wenk – synthesizer, trumpet, vibraphone
Jairo Zavala – bass, guitar


Gastmusiker:

Sam Beam – vocals
Ben Bridwell – vocals
Pieta Brown – vocals
Neko Case – vocals
Tom Hagerman – strings
Steff Koeppen – vocals
Thomas Konstantinou – bouzouki, lute
Greg Leisz – guitar, pedal steel
Gaby Moreno – vocals
Carla Morrison – vocals
Adrian Perez – harp
Antonio Pro – guitarron
Isaac Rodriguez – vocals
Amparo Sánchez – vocals
Chris Schultz – Percussion, vocals
Craig Schumacher – moog bass
Nick Urata – vocals


Label: City Slang


Erscheinungsdatum: 2015


Stil: Independent Rock, Americana


Trackliste:

1. Falling From The Sky (3:23)
2. Bullets & Rocks (3:30)
3. When The Angels Played (2:25)
4. Tapping On The Line (3:28)
5. Cumbia De Donde (3:09)
6. Miles From The Sea (3:41)
7. Coyoacán (3:03)
8. Beneath The City Of Dreams (2:35)
9. Woodshed Waltz (3:29)
10. Moon Never Rises (3:28)
11. World Undone (4:29)
12. Follow The River (3:54)

Gesamtspieldauer: 40:41

Im April 2015 veröffentlichte die Band Calexico ihr bereits neuntes Album unter dem Titel „Edge Of The Sun“. Und wieder ist darauf jede Menge sehr eingängige Musik zu hören, sanft zumeist und immer melodiös. Einen Unterschied gibt es jedoch zu den vorherigen Platten der US-Amerikaner. Die einzelnen Lieder haben wieder einen sehr viel stärkeren folkloristischen Touch erhalten, klingen häufig sehr mexikanisch – und das liegt nicht nur daran, dass einige Titel auch in spanischer Sprache eingesungen wurden.

Da erklingen manches Mal die Trompeten dermaßen präsent, dass man denkt, gleich kommt eine Mariachi Band um die Ecke gebogen und der dicke Guitarrón-Spieler (das ist diese große Gitarre) lächelt einen breit an, wobei einer seiner drei Goldzähne heftig im Lichtschein blitzt. Aber nicht nur diese Folklore bekommt man auf „Edge Of The Sun“ zu hören. Auch die Lap Steel Gitarre kommt mehrfach zum Einsatz, sodass man zusätzlich von der US-amerikanischen Südstaaten Folklore ebenfalls eine Breitseite abbekommt.

Die weniger „einschlägigen“ Independent Rock Stücke fehlen ein wenig auf dieser Scheibe, die dadurch etwas verliert. Punkten kann das Album immer dann, wenn es mal mehr folkig klingt und weniger nach Folklore, denn für letzteres benötigt man einfach das passende Ohr und wahrscheinlich auch die entsprechende innere Einstellung. So überzeugen mich am meisten der Opener „Falling From The Sky“, ein klein wenig rockigeres Lied, trotzdem noch sehe gemäßigt, jedoch mit nur wenigen folkloristischen Einflüssen ausgestattet. Noch mehr gelungen ist die Nummer 11 der Scheibe: „World Undone“. Hier klingen Calexico, verträumt und verspielt. Klar ist das auch Americana, jedoch sehnsüchtig und um Erlösung bettelnd. Der Rest der Platte ist ziemlich stark eingefärbt mit diesen Tönen, die man einfach mögen muss, jedoch stellt nicht für jeden eine „Fiesta Mexicana“ das Optimum dar.

Fazit: Sehr viel mehr zu ihren Ursprüngen kehren Calexico auf „Edge Of The Sun“ zurück. Hier gibt es jede Menge Nord- und Mittelamerikanische Folklore zu hören. Natürlich ist dies kein richtiges beziehungsweise reines Mariachi Album und auch keine reine Western & Country Scheibe. Die Ansätze sind allerdings darauf sehr präsent und absolut unüberhörbar. Für mich etwas zu viel Folklore und ich kenne definitiv wesentlich interessantere Calexico-Alben. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Falling From The Sky, World Undone

Hugo Race & The True Spirit – The Spirit

Hugo Race & The True Spirit – The Spirit


Besetzung:

Hugo Race – vocals, guitars, piano, synthesizer, mellotron, organ, arp, odyssey, electroacoustic guitars


Gastmusiker:

Brett Poliness – drums, vocals, bongos, percussion, organ, piano
Bryan Colechin – bass, vocals
Michelangelo Russo – minimoog, moog, harmonica, trombone, vocals, trumpet, electronica, vocals
Nico Mansy – orchestrations, piano, hammond, organ, reverse keys
Stefan Rogall – rhythm loops


Label: Glitterhouse Records


Erscheinungsdatum: 2015


Stil: Art Rock


Trackliste:

1. Man Check Your Woman (4:28)
2. Elevate My Love (4:31)
3. The Information (3:33)
4. Sleepwalker (4:36)
5. Heaven Or Die (1:44)
6. Bring Me Wine (4:12)
7. Dollar Quarter (6:03)
8. Heartbreak 69 (3:32)
9. Wildcards (4:12)
10. Higher Power (4:51)

Gesamtspieldauer: 41:46

Hugo Race hat wieder mal eine Platte mit der Band „The True Spirit” aufgenommen. Passenderweise gleich unter dem Titel „The Spirit“. Im Jahr 2015 wurde diese auf dem deutschen Label Glitterhouse Records veröffentlicht. Und es erwartet einem als Hörerin beziehungsweise Hörer keine großartige Überraschung auf dieser Scheibe, die erneut angefüllt ist mit der so typisch tieftraurigen, melancholischen bis sentimentalen Musik des Australiers.

Man legt die Scheibe ein und gleitet hinein, in die stimmungsvolle Welt des Hugo Race, die von seiner sonoren Stimme und jeder Menge Akkorde in Moll dominiert wird. Das klingt dann an vielen Stellen fast schon ergreifend, in den allermeisten Abschnitten sanft und zurückhaltend. Nur sehr selten wirkt diese Musik des Ex-Nick Cave And The Bad Seeds-Mitglieds mal fordernder oder treibender. Auch von der Instrumentierung her, scheint hier oftmals weniger mehr zu sein.

Die Musik des Hugo Race kann man absolut mit „sehr melodiös“ umschreiben. Alles lebt von Harmonien, welche allesamt ziemlich schnell ins Ohr gehen. Aber ganz so einfach macht es Hugo Race seinen Hörern dann doch nicht. Denn unter all dieser Melodiösität mischt sich durchaus auch mal ein Akkord, den man so dort nicht erwarten würde, der dann schräger klingt, anders. Auch das macht die Musik des Australiers so spannend. Und schließlich gibt es mit „Heartbreak 69“ auch noch einen Titel, der völlig von der Atmosphäre lebt, die er transportiert. Gesungen wird hier nicht mehr, zwar hört man noch Wortfetzen, allerdings ist hier die Musik und das gesungene Wort nur noch sehr sphärisch angelegt, was in diesem Fall sogar zu einer weiteren Auflockerung von „The Spirit“ beiträgt.

Fazit: Ein schönes und ruhiges, aber auch sehr intensives Album ist „The Spirit“ geworden. Wer auf sanfte und tiefgehende Musik steht, die zumeist sehr melodiös gehalten ist, wird diese Scheibe lieben. Ganz bestimmt eher Musik für die ruhigen Stunden des Lebens. Absolut nichts Aufregendes, jedoch was sehr Entspannendes. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Sleepwalker, Bring Me Wine, Higher Power

Algiers – Algiers

Algiers – Algiers


Besetzung:

Franklin James Fisher – lead vocals, backing vocals, guitar, piano, rhodes, wurlitzer, percussion, cello, drums, sampling
Ryan Mahan – bass, tr-808, juno-6, arp string ensemble, prophet-5, wurlitzer, programming, percussion, guitar, backing vocals
Lee Tesche – guitar, prepared piano, prepared guitar, programming, percussion, backing vocals


Gastmusiker:

Natalie Judge – backing vocals (8)


Label: Matador Records


Erscheinungsdatum: 2015


Stil: Rock, Gospel


Trackliste:

1. Remains (3:05)
2. Claudette (3:31)
3. And When You Fall (3:41)
4. Blood (5:38)
5. Old Girl (4:24)
6. Irony. Utility. Pretext. (4:30)
7. But She Was Not Flying (3:58)
8. Black Eunuch (3:39)
9. Games (3:49)
10. In Parallax (8:20)

Gesamtspieldauer: 44:40

„Algiers“ heißt das Debut-Album der gleichnamigen Band aus Atlanta, Georgia. Im Jahr 2015 wurde es veröffentlicht, die Musiker haben die band Algiers allerdings schon 2007 gegründet. Sehr viel Vorbereitungszeit für das erste Album also. Liest man dann etwas über Algiers im Internet beziehungsweise diversen Zeitschriften nach, stößt man plötzlich auf solch eine Genrebezeichnungen wie „Psychedelic Soul“, was immer das auch bedeuten oder darstellen mag. Zumindest mit Sicherheit keine alltägliche Musik, denn das sagt diese musikalische Richtung bereits aus, ob es sie nun gibt oder nicht. Nun, aber es stimmt, Algiers machen Musik, die man sonst so, in dieser Art nicht so häufig zu hören bekommt. Da bleibt auf jeden Fall etwas von hängen. Algiers, egal ob man damit etwas anfangen kann oder nicht, Algiers hinterlassen Spuren mit ihrer Musik.

Für mich ist das jedoch kein „Psychedelic Soul“, sondern sehr viel eher rockiger Gospel – oder einfach ganz kurz: Gospel Rock. Die Musik klingt einfach nach schwarzer Musik, die auch in Kirchen hätte gespielt werden können – wenn, ja wenn da nicht auch noch dieser „Rockeinschlag“ wäre, der diese Musik mitunter sogar „hart“ werden lässt. Die Rhythmen spielen eine große Rolle in der Musik von Algiers und der Gesang des Franklin James Fisher lässt wahrlich das Herz des Musikhörers höherschlagen. Sehr überzeugend und kraftvoll, klingt jedoch nicht nur dieser, sondern die ganze Band.

Man kann wahrlich nicht behaupten, dass diese Scheibe nur so von Ohrwürmern überquellen würde. Aber diese Titel fahren einem in die Füße, die dadurch kaum zu bändigen sind. Alles vibriert, lässt einen unweigerlich mitwippen. Und dann gibt es da auch jene Titel, die nach jener Traurigkeit, nach jener Sehnsucht nach Freiheit klingen, die den meisten Gospelgesängen der ursprünglich versklavten, schwarzen US-amerikanischen Bevölkerung immer anhaftete. Wirklich keine „normale“ Musik.

Fazit: „Algiers“ von Algiers überzeugt deswegen, weil es einfach völlig andere Musik ist. Gerockte Gospelmusik gibt es nicht allzu oft zu hören. Diese ist dann mal mehr, mal weniger eingängig, denn sie beinhaltet durchaus auch experimentellere Passagen, die für das Ohr des Hitparaden-Konsumenten wohl kaum geeignet sind. Für alle anderen die offen sind für Neues, stellt dies die Möglichkeit dar, mal wirklich was Neues hören zu dürfen. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Remains, Black Eunuch, In Parallax

Agnes Obel – Aventine

Agnes Obel – Aventine


Besetzung:

Agnes Obel – vocals, piano and rhythms


Gastmusiker:

Mika Posen – violin and viola
Anne Müller – cello and violin
Robert Kondorossi – guitar
Gillian Fleetwood – harp


Label: Play It Again Sam


Erscheinungsdatum: 2013


Stil: Art Pop, Folk, Indie Pop


Trackliste:

1. Chord Left (2:30)
2. Fuel To Fire (5:29)
3. Dorian (4:48)
4. Aventine (4:08)
5. Run Cried The Crawling (4:26)
6. Tokka (1:30)
7. The Curse (5:53)
8. Pass Them By (3:31)
9. Words Are Dead (3:46)
10. Fivefold (1:59)
11. Smoke & Mirrors (2:57)

Gesamtspieldauer: 41:02

„Aventine“ nannte die Dänin Agnes Obel ihr zweites Album. Und genau wie ihr Debut-Werk „Philharmonics“ aus dem Jahr 2010, so ist auch die drei Jahre später erschienene zweite Platte der Sängerin und Pianistin angefüllt mit warmer und weicher, überaus melodiöser und immer sanfter Musik.

Auf „Aventine“ scheint die Zeit still zu stehen. Nichts ist hier schnell, laut, hektisch oder fordernd. Genau das Gegenteil ist der Fall. „Aventine“ ist beseelt von einer wunderbaren Ruhe, von sanften Tönen und von Harmonien im absoluten Überfluss. Wer es liebt, in Musik voll einzutauchen, diese in aller Ruhe auf seinem Lieblingsplatz zu genießen, für all jene hat Agnes Obel dieses Album geschrieben.

Natürlich steht neben dem intensiven Pianospiel wieder die sanfte Stimme der Dänin im Vordergrund, die, neben der ruhigen Musik, diese Atmosphäre der süßen Sentimentalität bis hin zur Melancholie vermittelt. Auch die Texte sind Agnes Obel dabei überaus gelungen, lyrisch, ganz ohne Kitsch und Schmusebotschaften. Immer wird alles nur sehr zart und zurückhaltend instrumentiert, neben dem Piano bleibt da kaum mehr Platz für andere Instrumente. Lediglich verschiedene Streicher machen das Gesamtbild oftmals noch runder, voller und intensiver.

Fazit: Ein Album zum Träumen hat Agnes Obel hier einmal mehr vorgelegt. Sehr, sehr weibliche Musik, sanft und warm und eindringlich. Ganz eindeutig Lieder, für die ruhigeren Stunden des Lebens, Musik zum Abschalten, zum Ausspannen, zum Eintauchen. Jeder Titel ist dabei äußerst melodiös und immer harmonisch. Macht einfach Laune, nach einem anstrengenden Tag – und nicht nur da. Elf Punkte.

Anspieltipps: Fuel To Fire, Tokka, Fivefold, Smoke & Mirrors

Interzone – Interzone

Interzone – Interzone


Besetzung:

Heiner Pudelko – Gesang, Mundharmonika
Leo Lehr – Gitarre
Bibi Schulz – Gitarre
Trotter Schmidt – Bass, Mundharmonika
Hans Wallbaum – Schlagzeug


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: Rock


Trackliste:

1. Hintermänner (4:00)
2. Blues (3:14)
3. Kinderlied (3:31)
4. Blnw (2:51)
5. Jobs (2:51)
6. Rita & Klaus (3:22)
7. Dilettanten des Wunders (3:27)
8. Die Lebendigen + Die Toten (4:18)
9. Liebeslied (4:04)
10. Glotze (4:00)
11. Karl (3:59)

Gesamtspieldauer: 39:42

Das erste, selbstbetitelte Album „Interzone“, stellte den Startpunkt von sechs Album-Veröffentlichungen dar, die die Berliner Band zwischen 1981 und 1996 tätigte. Vor allen die beiden ersten Alben von Interzone haben dabei bereits so etwas wie einen „Kultstatus“ bei den Fans inne. Über allem schwebt dabei sicherlich der Gesang des Anfang 1995 an einem Gehirntumor verstorbenen Sängers Heiner Pudelko, für dessen Stimme es wohl keinen zweiten Vergleich gibt.

Nein, das ist keine Neue Deutsche Welle, die die Berliner Band hier zu Gehör bringt, das ist Rock Musik mit meist durchaus intelligenten Texten. Und diese Musik ist überaus eindrucksvoll, wenn auch zugegebenermaßen nicht gleich beim allerersten Hören. Doch mit der Zeit wird hier auch alles sehr viel vertrauter und an Stellen, an denen es zuvor noch rau und schräg klang, entdeckt man plötzlich Melodiösität und vorher ungehörte Harmonien.

Interzone decken auf ihrer ersten Platte auch ein wahrlich großes Spektrum an muskalischer Vielfalt ab. Langsame und getragene Nummern gibt es hier genauso zu hören wie Titel, die fast schon unter der Überschrift „Punk“ einzureihen sind. Mal klingt es rockiger, mal ein klein wenig poppiger und auch Reggae kann man zumindest phasenweise heraushören. Die Texte spiegeln dabei einen kleinen Auszug aus der deutschen Geschichte, da die Zeit im Jahr 1981 speziell für Deutschland noch eine ganz andere war.

Nun, allerdings muss der größte Raum einer Besprechung einer Interzone-Platte natürlich dem Gesang des Heiner Pudelko gewidmet sein. Vergleiche zu anderen Sängern gibt es da kaum. Heiner Pudelko singt so dermaßen schrill, dass dies das Erkennungsmerkmal der Musik von Interzone schlechthin ist. Der Sänger, der auch auf dem Album-Cover abgebildet ist, versteht es meisterhaft seine Stimme in den Vordergrund zu schieben und damit auch Eindruck zu hinterlassen. Allerdings ist dies auch ein kleines Manko der Musik, die viele Hörerinnen und Hörer genau deswegen schon beim ersten Hören ablehnen. Es ist wirklich sehr außergewöhnlich, um nicht zu sagen gewöhnungsbedürftig. Ich wiederum finde das eher spannend anzuhören, benötige allerdings nach einem Durchlauf der Scheibe auch eine kurze Auszeit von Interzone. Zu oft hintereinander gehört, kann die Musik von Interzone sonst nämlich schon recht nervig wirken.

Fazit: Gut gemachten Rock aus Deutschland gibt es von Interzone auf ihrem selbstbetitelten Debut-Album zu hören. Vor allem bleibt davon der Gesang des Heiner Pudelko im Ohr, der wahrlich einmalig ist. Ob einem dieser gefällt? Reine Geschmackssache! Die Band breitet musikalisch ein weites Feld über Hörerinnen und Hörer aus, von sanft bis punkig gibt es hier viel zu entdecken. Spannend ist das alles schon, auch aufgrund der Texte. Ein Meisterwerk ist die Musik von Interzone jedoch nicht. Neun Punkte.

Anspieltipps: Hintermänner, Rita & Klaus, Liebeslied, Karl

Nickelback – Silver Side Up

Nickelback – Silver Side Up


Besetzung:

Chad Kroeger – lead vocals, lead guitar
Ryan Peake – rhythm guitar, backing vocals
Mike Kroeger – bass guitar
Ryan Vikedal – drums, percussion


Gastmusiker:

Ian Thornley – Slide guitar on "Good Times Gone"


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 2001


Stil: Rock


Trackliste:

1. Never Again (4:20)
2. How You Remind Me (3:43)
3. Woke Up This Morning (3:50)
4. Too Bad (3:52)
5. Just For (4:03)
6. Hollywood (3:04)
7. Money Bought (3:24)
8. Where Do I Hide (3:38)
9. Hangnail (3:54)
10. Good Times Gone (5:18)

Gesamtspieldauer: 39:10

„Silver Side Up“ heißt das dritte Album der kanadischen Rockband Nickelback. Diese Scheibe wurde im Jahr 2001veröffentlicht und enthält jenen Titel, der für die vier Musiker den endgültigen Durchbruch bedeutete und sicherlich nicht zuletzt zum überragenden Erfolg dieser Scheibe beitrug: „How You Remind Me“. Eine Rock-Nummer, im Mid-Tempo gehalten, die sich ziemlich schnell im Ohr der Hörerin beziehungsweise des Hörers festsetzt. Kurz nach der Veröffentlichung lief dieses Lied auch in den Radiostationen dieser Welt rauf und runter und man konnte sich dem Titel nicht mehr entziehen – trotzdem hat man sich an ihm nicht überhört, auch ein Qualitätsmerkmal.

Ebenfalls noch sehr gelungen und auch mit Ohrwurmpotential ausgestattet, ist das folgende Lied „Woke Up This Morning“. Auch diesen Titel trägt die Band im Mid-Tempo vor, die Nummer groovt und überzeugt auch bereits beim ersten Durchlauf. So, jetzt komme ich aber zu dem Manko der Musik von Nickelback, welches im Grunde genommen nur indirekt eines ist. Ein schlechter Titel hat sich nämlich nicht auf „Silver Side Up“ geschlichen, trotzdem überzeugt diese Scheibe nicht restlos.

Dies liegt einzig und allein daran, dass Nickelback einem bestimmten Musikstil frönen und diesen auch konsequent durchziehen. Das wiederum bedeutet, das nicht nur die bereits erwähnten zwei Titel im Mid-Tempo gehalten sind, nein, auf „Silver Side Up“ verfügt jedes Lied über dieses Tempo. Auch sonst ähneln sich die einzelnen Stücke von der Machart her sehr, ohne freilich direkt identisch zu sein. Allerdings kann man Kritiker und Fans durchaus verstehen, die behaupten, auf „Silver Side Up“ klingen alle Lieder sehr ähnlich bis gleich. Ich empfinde das ebenso, wenn auch „Good Times Gone“, die letzte Nummer des Albums, noch mal für Abwechslung sorgt. Dies liegt nicht nur an der hier eingesetzten Slide Gitarre, sondern auch darin begründet, dass die Band dieses Mal deutlicher mit den Tempi und den Lautstärken im Titel selbst spielt. Diese werden nun stärker variiert – und damit bleibt diese Nummer sehr viel mehr hängen, als so manch andere dieses Albums, welches doch eigentlich keine Ausfälle beinhaltet.

Fazit: Ein grundsolides Rock-Album ist „Silver Side Up“ geworden, ausgestattet mit zwei, drei wirklichen Höhepunkten. Größere „Ausschläge nach unten“ gibt es nicht zu beklagen, wenn auch die Abwechslung auf dieser Scheibe nicht übermäßig groß geschrieben wird. Sei es drum, Freunden des Rock wird diese Scheibe mit Sicherheit gut gefallen und die Höhepunkte sind auch wirklich sehr hörenswerte Rock-Nummern mit Ohrwurmcharakter. Neun Punkte.

Anspieltipps: How You Remind Me, Woke Up This Morning, Good Times Gone

Jethro Tull – The Jethro Tull Christmas Album

Jethro Tull – The Jethro Tull Christmas Album


Besetzung:

Ian Anderson – flute, vocals, acoustic guitars, mandolin, piccolo, percussion
Martin Barre – electric and acoustic guitars
Andrew Giddings – keyboards, accordion and keyboard bass
Jonathan Noyce – bass guitar
Doane Perry – drums and percussion


Gastmusiker:

James Duncan – drums and percussion
Dave Pegg – bass, mandolin

The Sturcz String Quartet:
Gábor Csonka – 1st violin
Péter Szilágyi – 2nd violin
Gyula Benkő – viola
András Sturcz – cello


Label: Parlophone Records


Erscheinungsdatum: 2003


Stil: Rock, Folk Rock


Trackliste:


CD1 (Studio):

1. Birthday Card At Christmas (3:40)
2. Holly Herald (4:17)
3. A Christmas Song (2:47)
4. Another Christmas Song (3:32)
5. God Rest Ye Merry, Gentlemen (4:34)
6. Jack Frost And The Hooded Crow (3:37)
7. Last Man At The Party (4:49)
8. Weathercock (4:17)
9. Pavane (4:19)
10. First Snow On Brooklyn (4:58)
11. Greensleeved (2:39)
12. Fire At Midnight (2:26)
13. We Five Kings (3:17)
14. Ring Out Solstice Bells (4:05)
15. Bourée (4:25)
16. A Winter Snowscape (4:56)


CD2 (Live):

1. Weathercock (4:44)
2. Introduction: Rev. George Pitcher / Choir: What Cheer (3:33)
3. A Christmas Song (3:19)
4. Living In These Hard Times (3:46)
5. Choir: Silent Night (3:08)
6. Reading: Ian Anderson, Marmion (2:18)
7. Jack In The Green (2:36)
8. Another Christmas Song (3:58)
9. Reading: Gavin Esler, God's Grandeur (1:51)
10. Choir: Oh, Come All Ye Faithful (3:52)
11. Reading: Mark Billingham, The Ballad Of The Breadman (3:35)
12. A Winter Snowscape (3:42)
13. Reading: Andrew Lincoln, Christmas (3:14)
14. Fires At Midnight (3:39)
15. We Five Kings (3:20)
16. Choir: Gaudete (3:41)
17. God Rest Ye Merry, Gentlemen / Thick As A Brick (10:27)

Gesamtspieldauer CD1 (59:04) & CD2 (1:04:53): 2:03:57

Im Jahr 2003 veröffentlichte Ian Anderson mit seiner Band Jethro Tull deren insgesamt 21. und gleichzeitig wohl auch letztes Studioalbum mit dem Titel „Jethro Tull – The Jethro Tull Christmas Album“. Ende September erschien diese Scheibe, also fast passend zur bald startenden Weihnachtszeit und dem dazugehörenden Weihnachtsgeschäft. Auf der Platte befinden sich neue Stücke von Jethro Tull, bereits veröffentlichte Lieder der Band, die hier entsprechend „weihnachtlich“ überarbeitet wurden und traditionelle Lieder, die ebenfalls das Thema „Weihnachten beinhalten und entsprechend an die Musik von Jethro Tull „adaptiert“ wurden.

Nun, was man dem „The Jethro Tull Christmas Album“ sicherlich nicht absprechen kann ist die Tatsache, dass beim Hören immer wieder „weihnachtliche“ Gefühle aufkommen. Dabei klingt die Platte jedoch überaus „folkig“ und hätte auch bestens in die Folk Rock Phase der Band Ende der 70er Jahre gepasst. Dazu passt auch, dass hier zwar viel von „Santa“, „December“ und „Christmas“ gesungen wird, die Musik ist jedoch eine völlig andere, als wir in Deutschland sie mit Weihnachten in Verbindung bringen würden. Das liegt daran, dass die Lieder auf dieser Scheibe deutlich weniger getragen klingen, egal ob es sich dabei um neue, alte oder traditionelle Kompositionen handelt. „The Jethro Tull Christmas Album“ klingt fröhlich und strahlt Freude aus, die in den allermeisten der Titel zu „erhören“ ist.

Diese Scheibe ist sicherlich keine essentielle in der Diskographie dieser Band, da es hier eben nur wenig Neues zu hören gibt, das Überarbeiten bisher bereits bestehenden Materials mehr im Vordergrund stand. So hat Ian Anderson alle Lieder „zusammengesucht“, die auf den vorherigen zwanzig Alben das „Thema“ Weihnachten behandelten. Da er gleichzeitig auch noch an einem Solo-Album arbeitete war es wohl manchmal gar nicht einfach, welches der neuen Stücke hier und welches auf „Rupi’s Dance“ landen sollten. Nun, die letztlich enthaltene „Mischung“ hat es trotzdem in sich, wird neben den folkigen Abschnitten auch durchaus mal mehr feierlich, wenn dann die Streicher auch einen größeren Einsatz bekommen.

Ab 2009 beinhaltet das Album noch eine zweite CD, bei der ein 2008 in der St Bride’s Kirche aufgenommener Gottesdienst zu hören ist. Hier hört man neben einigen der Jethro Tull Weihnachtslieder, auch die Worte des Pastors, Erklärungen  von Ian Anderson und ebenso weitere Weihnachtslieder, gesungen von einem Chor. Klar, das fehlt dann „Stille Nacht, Heilige Nacht“ auch nicht mehr. Diese CD ist eine nette Zugabe, wenn auch der Gesang des Chors mitunter etwas gewöhnungsbedürftig ist.

Fazit: Das beste Fazit zu dieser Scheibe schreibt Ian Anderson selbst im beiliegenden Booklet der Albums: „Wenn Du „Bourée“ magst und Dir auch die Lieder auf dem Album „Songs From The Wood“ gefallen, dann wirst Du dieses Album lieben“. Unrecht hat der gute Ian Anderson damit nicht, jedoch würde man die Scheibe noch mehr lieben, wenn es sich dabei ausschließlich um neues Material halten würde, was durchaus den Spannungsbogen erhöht hätte. Doch genug gemeckert, „The Jethro Tull Christmas Album“ klingt nach Folk, ist fröhlich, vermittelt Weihnachten. Zehn Punkte.

Anspieltipps: A Christmas Song, Last Man At The Party, Pavane, A Winter Snowscape