Various Artists – Tanzen bis die Pauke platzt Besetzung: Keine weiteren Angaben Gastmusiker: Keine weiteren Angaben Label: Karussell Erscheinungsdatum: 1990 Stil: Party Musik, Schlager Trackliste: 1. Resi, I hol’ di mit mein’m Traktor ab (Kirmes Karussell) (3:42) 2. Herzilein (Party Service Band) (7:59) 3. An der Nordseeküste (Kirmes Karussell) (2:51) 4. Mein Tuut, Tuut (Party Service Band) (5:31) 5. Der blonde Hans (Party Service Band) (4:43) 6. Wenn I mit dir tanz (Party Service Band) (4:02) 7. Drei Affen rasen durch den Wald (TV-Anstaltsband) (3:06) 8. Ba-Ba Banküberfall (Party Service Band) (9:50) 9. Polonäse Blankenese (Gottlieb Wendehals) (5:14) 10. Der Eiermann (Party Service Band) (4:42) 11. Alles hat ein Ende nur die Wurst hat zwei (Kirmes Karussell) (3:18) 12. Wir haben keine Mittel mehr (Kirmes Karussell) (9:30) 13. Keine Sterne in Athen (Party Service Band) (4:28) 14. Barbara, komm’ mit mir nach Afrika (TV-Anstaltsband) (9:42) Gesamtspieldauer: 1:18:46
Ich wusste es nicht: Nein ich wusste es wirklich nicht, dass es solche Platten überhaupt gibt. Ein Album, angefüllt mit Stimmungsschlagern, jedoch stammt die Musik nicht von den Original-Interpreten, sondern von solch Combos wie der Party Service Band, der TV-Anstaltsband oder Kirmes Karussell. Unfassbar.
Veröffentlicht wurde die Scheibe im Jahr 1990 auf dem Plattenlabel Karussell, welches anscheinend sogar über eine eigene Band verfügt. Bis auf Gottlieb Wendehals und seiner Polonäse Blankenese sind alle Lieder von irgendwelchen zusammengestellten Bands nachgespielt worden. Egal was man von der Musik hält, so etwas verbietet sich gehört zu werden, denn es ist nur noch billig. Damit lasse ich es hier auch bewenden, denn dieses Album, mit dem schon ein Kopfschütteln hervorrufenden Namen „Tanzen bis die Pauke platzt“, ist im Grunde genommen keinen einzigen Satz wert.
Fazit: Definitiv das schlechteste Album, welches ich besitze. Nachgespielte schlechte Musik! Wie soll es da auch noch eine weitere Steigerung geben? Hierfür würde es sich ganz bestimmt lohnen ein negatives Punktesystem einzuführen. Ist aber noch nicht soweit, von daher hoch verdiente null Punkte.
Motorpsycho – The Tower Besetzung: Tomas Järmyr – drums, percussion, vocals Hans Magnus Ryan – guitars, vocals, keyboards Bent Sæther – bass, vocals, guitar, keyboards Gastmusiker: Alain Johannes – vocals (3), messenger guitar (4,7), cigar box guitar (4), flute (6) Label: Stickman Records Erscheinungsdatum: 2017 Stil: Progressive Rock, Alternative Rock, Psychedelic Rock, Space Rock Trackliste: CD1: 1. The Tower (including The Wishboner) (8:44) 2. Bartok Of The Universe (6:08) 3. A.S.F.E. (6:53) 4. Intrepid Explorer (9:52) 5. Stardust (3:34) 6. In Every Dream Home (There's A Dream Of Something Else) (8:35) CD2: 7. The Maypole (including Malibu and Stunt Road) (3:39) 8. A Pacific Sonata (15:30) 9. The Cuckoo (7:29) 10. Ship Of Fools (14:41) Gesamtspieldauer CD1 (43:25) und CD2 (41:19): 1:24:44
„The Tower“ nannte die norwegische Band Motorpsycho ihr bereits einundzwanzigstes Album seit der Debut-Platte im Jahr 1991. Das Doppelalbum erschien im September 2017 auf dem Label Stickman Records im restlichen Europa, wohingegen in Skandinavien, dem Vereinigten Königreich, Frankreich und den USA der Vertrieb über Rune Grammofon läuft. Hörte man auf den ersten Alben von Motorpsycho noch harten Rock der eher geradlinigen Sorte, so hielten auf den späteren Veröffentlichungen der Band auch die Genres Progressive Rock und Psychedelic Rock mit Einzug in die Musik der Norweger.
Bestes Beispiel für den durchaus vorhandenen progressiven Ansatz der Band ist das Album „The Tower“. Nicht durchgängig zwar, jedoch immer wieder gibt es hier Überraschendes zu hören, alles ummantelt von deftigem Rock, der mitreißt. Ist das Space Rock oder Alternative Rock, der hier die Verpackung darstellt? Wohl beides und im Grunde genommen nur eine unwichtige Definitionsfrage. Das wirklich Wichtige an diesem Doppel-Album ist, dass es mitreißt, packt und berührt. Viel lebt auf „The Tower“ von der Wiederholung, der Redundanz in der Musik, in der einem ein Motiv, ein Akkord kompromisslos und gnadenlos immer und immer wieder neu präsentiert wird. Dabei wird die Vorgabe leicht variiert, verändert, leiser und lauter, rhythmischer und spaciger angespielt. Niemals kommt dabei auch nur der Hauch von Langweile auf. Die Musik rockt einem das Trommelfell weich, klingt hypnotisch und unfassbar mitreißend.
Dies funktioniert nicht bei allen zehn Titel gleich und gut, einen richtigen Ausfall gibt es auf der Scheibe allerdings nicht zu beklagen. Diese Musik wirkt, wenn man auf Rock auch in der kräftigeren Ausprägung steht. Dafür gibt es einige Höhepunkte auf „The Tower“, die man einmal gehört, nicht mehr missen möchte. Es sind vor allen Dingen die Longtracks, die hier am meisten überzeugen können. Das mitreißende „Intrepid Explorer“, welches Züge des Psychdelic Rock aufweist. Oder „In Every Dream Home (There's A Dream Of Something Else)“. Diese Nummer klingt so leicht und doch so kraftvoll, mit der Querflöte aufgelockert und geht wunderbar ins Ohr. Doch der Höhepunkt der Scheibe soll erst ganz am Schluss kommen. Das knapp fünfzehnminütige „Ship Of Fools“ ist das Meisterwerk dieses Albums. Sanft und zerbrechlich beginnt das Lied mit einer Art schrägen Spieluhr-Sound, dem Zeit gegeben wird, sich im Ohr festzusetzen. Dann setzten die Gitarren ein und wiederholen ein Riff immer wieder und wieder und wieder. Dazu gesellen sich schräge Sounds und Töne und das Lied steigert sich und steigert sich und steigert sich. Wenn Musik hypnotisch klingen kann, um die Zuhörerin und den Zuhörer in eine Art musikalische Trance zu versetzen, dann hier, bei dieser Nummer. Wahrlich groß.
Fazit: Musik kann wunderbar begeistern. Gut, im Falle von Motorpsycho und ihrem Album „The Tower“ sollte man durchaus eine gewisse Affinität zu den nicht ganz geradlinigen Sounds und zu härterem Rock verspüren. Dazu benötigt man Spaß und Hingabe zu intensiven und fast schon hypnotisierenden Wiederholungen, die im eigenen musikalischen Weltbild nicht langweilig, sondern begeisternd klingen, da sie sich immer wieder leicht verändern und steigern. Auf die Nuancen kommt es an. Schafft man dies, so ist „The Tower“ eine mitreißende Scheibe, die wirkt und begeistert. Vierzehn Punkte.
Anspieltipps: Intrepid Explorer, In Every Dream Home, Ship Of Fools
Crippled Black Phoenix – (Mankind) The Crafty Ape Besetzung: Justin Greaves – guitar, drums, bass, saw, ebow, electronics, percussion, megaphone, synth, hammond Karl Demata – acoustic guitar, guitar, baritone guitar, dobro, wah-mandolin Christian Hellmann – bass Mark Furnewall – organ, synth, rhodes Joe Volk – voice Gastmusiker: Daisy Chapman – piano, voice Mark Ophidian – synth, mellotron, samples, electronics, bells, vocoda David Norman – drums Belinda Kordic – voice Paul Eros – horns Sally Wragg – viola, violin Paul Booker – double bass Label: Cool Green Recordings Erscheinungsdatum: 2012 Stil: Blues, Folk, New Artrock Trackliste: CD1: Chapter I (A Thread) 1. Nothing (We Are...) (1:25) 2. The Heart Of Every Country (10:04) 3. Get Down And Live With It (7:11) 4. (In The Yonder Marsh) (4:11) 5. A Letter Concerning Dogheads (6:24) 6. The Brain / Poznan (7:37) Chapter II (The Trap) 7. Laying Traps (4:45) 8. Born In A Hurricane (3:31) 9. Release The Clowns (5:23) 10. (What?) (1:35) CD2: Chapter III (The Blues Of Man) 1. A Suggestion (Not A Very Nice One) (5:54) 2. (Dig, Bury, Deny) (2:08) 3. Operation Mincemeat (6:58) 4. We'll Never Get Out Of This World Alive (4:12) 5. Faced With Complete Failure, Utter Defiance Is The Only Response (14:50) Gesamtspieldauer CD1 (52:09) und CD2 (34:04): 1:26:13
Crippled Black Phoenix ist eine Rockband aus England, deren einziges festes Mitglied der Multiinstrumentalist Justin Greaves ist. Ansonsten wechseln die Mitglieder häufig – sowohl beim Einspielen der Studioalben wir auch bei den Live-Auftritten. „(Mankind) The Crafty Ape“ ist wohl das vierte Studioalbum der Band. So ganz eindeutig ist das allerdings nicht, da Crippled Black Phoenix auch EPs veröffentlichen, die dann allerdings doch die Laufzeit eines ganz normalen Albums erreichen. „(Mankind) The Crafty Ape“ erschien im Jahr 2012 auf dem Plattenlabel Cool Green Recordings in Form eines Doppelalbums und klingt intensiv, modern und mitreißend.
Gerne wird die Band mit Pink Floyd verglichen, allerdings höre ich hier Parallelen lediglich in ganz kurzen Passagen und musikalischen Arrangements. Ansonsten hört man hier aufwendig gestalteten Alternative Rock, der mit kleinen Einsprengseln in Form diverser Stimmen oder Geräusche noch abwechslungsreicher klingt. Dazu gesellen sich eher folkige Abschnitte und auf CD2 die ein oder andere bluesige Passage. Auch Ausflüge in den Bereich des Art Rock kann man hier vernehmen, alles immer ausgestattet mit fetten Beats und Sounds. „(Mankind) The Crafty Ape“ von Crippled Black Phoenix klingt mitreißend und packend, abwechslungsreich, melodiös und spannend. Die einzelnen Lieder gehen sehr schnell ins Ohr und verbleiben dort auch ohne zu schnell zu verblassen.
Es gibt eine ganze Fülle guter bis sehr guter Titel auf „(Mankind) The Crafty Ape“, einem Konzeptalbum, welches die Geschichte der Menschheit beleuchtet – ziemlich pessimistisch wird diese hier erzählt. Schlechte Lieder gibt es auf dem Album keine, alles wirkt und klingt und zieht einen mit. Sehr abwechslungsreich hören sich die insgesamt fünfzehn Stücke an, die rocken und begeistern. Wenn ich an dieser Stelle doch einzelne Titel als Höhepunkte erwähne, so ist das eine Auswahl, die auch anders hätte ausfallen können, da die Scheibe einfach wirkt und Vieles hier lohnend erwähnt gehört. „The Brain / Poznan“ beeindruckt sehr, hört sich fast schon nach Progressive Rock an. Das kurze „(Dig, Bury, Deny)“ klingt so herrlich sehnsüchtig und frei. „Get Down And Live With It“ rockt unfassbar mitreißend. „A Suggestion (Not A Very Nice One)“ ist ein genialer Blues und das sage ich, obwohl ich diesem Genre nicht unbedingt uneingeschränkt zugetan bin. „Faced With Complete Failure, Utter Defiance Is The Only Response“ schließlich ist eine lange, zunächst sphärische, später sehr rockige Reise. Aber wie bereits erwähnt, auch der Rest auf „(Mankind) The Crafty Ape“ klingt und lohnt definitiv gehört zu werden.
Fazit: Ein mitreißendes und überaus abwechslungsreiches Album ist „(Mankind) The Crafty Ape“ von Crippled Black Phoenix geworden. Die Musik klingt absolut modern und packend, alles ändert sich, geht ineinander über, geht in sich auf. Es sind die sanften Passagen, es sind die rockigen Passagen, es sind die melodischen Passagen, es sind die sphärischen Passagen, die auf dem Album überzeugen und nachhaltig wirken. Mit jedem weiteren Durchgang wird die Scheibe wertvoller, wird noch lohnender. So macht Musk einfach Spaß. Dreizehn Punkte.
Anspieltipps: The Brain / Poznan, (Dig, Bury, Deny), Get Down And Live With It, Faced With Complete Failure Utter Defiance Is The Only Response
Rome – Hall Of Thatch Besetzung: All words and music written and performed by Jerome Reuter Label: Trisol Music Erscheinungsdatum: 2018 Stil: Neofolk Trackliste: 1. Blighter (4:21) 2. Nurser (4:43) 3. Hunter (6:11) 4. Slaver (5:28) 5. Martyr (3:39) 6. Hawker (3:49) 7. Prayer (5:05) 8. Keeper (4:17) 9. Clemency (4:38) Gesamtspieldauer: 42:16
So ganz kommt man bei Jerome Reuter und seinem Projekt Rome nicht mit. Das letzte offizielle und zwölfte Studio-Album war aber wohl „The Hyperion Machine“ und erschien im Jahr 2016. Im Juni 2017 erschien das live eingespielte „Hansa Studios Session“, ein Kompilationsalbum mit einem neuen Titel. Im November 2017 erschien schließlich noch die EP „Stillwell (feat. Thåström)“. Das dreizehnte Album von Rome mit dem Titel „Hall Of Thatch“ wurde dann am 19. Januar 2018 veröffentlicht. Erneut erschien die Platte auf Trisol Music. Das Album ist durchzogen von Gesänge, Predigten, Gebete, Segnungen, die Jerome Reuter, wie man im beiliegenden Booklet nachlesen kann, in Vietnam in den Jahren 2014 und 2015 in verschiedenen Pagoden, Tempeln, Klöstern, Trommeltürmen und Meditationshallen aufgenommen hat.
Einmal mehr klingt die Scheibe unglaublich intensiv und dicht und erneut hat Jerome Reuter alle Instrumente selbst eingespielt. Die Lieder klingen allerdings wie von einer Band eingespielt, man spürt die Dynamik, von daher ist das Ergebnis schon mal beeindruckend. Die diversen religiösen vietnamesischen Einspielungen lockern dabei die Musik spannend und abwechslungsreich auf. Die Lieder auf „Hall Of Thatch“ fangen einen ein, fassen einen an und packen. Gerade der Anfang der Platte, mit den ersten vier Nummern, klingt überaus einnehmend. Jerome Reuter hat das Gespür für Dramaturgie in der Musk und gleichzeitig auch, für die Melodie, die Hörerinnen und Hörer für sich gewinnt. Die Stimme des Luxemburgers klingt manchmal etwas rauer auf „Hall Of Thatch“, an anderer Stelle hört es sich jedoch wieder sehr viel vertrauter an, wenn man die früheren Veröffentlichungen von Rome kennt.
Mit den Titeln „Martyr“ und „Hawker“ wird die Musik von Rome in der Mitte der Platte sogar geradezu experimentell. „Martyr“ klingt aggressiv, schräg und laut. Kein Lied, welches ins Ohr geht. Schwelgt man zu Beginn der Platte noch in Harmonie, so wird man mit diesem Titel aus allen Träumen gerissen. Ein monotones, verzerrtes und stampfendes Riff wird begleitet von eher geschrienem Gesang, denn von gesungenen Wörtern. Völlig ungewohnt für Rome. Dem Album kann man somit zumindest sicherlich kein einheitliches „Vorbeischwimmen“ vorwerfen. „Hawker“ startet anschließend mit einer Art Klanggebilde, zu der wohl eine Vietnamesin religiöse Sätze einsingt, bis alles erneut in den eingängigen Gitarrensound des Jerome Reuter übergeht. Sehr schöner Kontrast. Die Lieder werden gegen Ende des Albums nun wieder melodiöser und erreichen mit dem letzten Titel „Clemency“ einen weiteren Höhepunkt und würdigen Abschluss.
Fazit: Gefällt einem ein Album des Jerome Reuter alias Rome, so kann man getrost auch bei den anderen zugreifen. Man wird es nicht bereuen. Rome hat einen ganz eigenen Stil, der einen hohen Wiedererkennungswert besitzt. Doch auch, wenn man bereits weiß, auf welche Musik man hier stoßen wird, so ist dies nie langweilig oder enttäuschend. Viel eher kommt es zu einer Ausweitung und man kann aus einem noch größeren Fundus toller Rome-Melodien und Lieder auswählen. Wer auf Eingängigkeit, Harmonie und Melodiösität mit einer Prise Experiment in der Musik steht, die niemals oberflächlich wirkt oder klingt, die oder der wird an Rome und dem Album „Hall Of Thatch“ viel Spaß haben. Zwölf Punkte.
Kin Ping Meh – Concrete Besetzung: Geff Harrison – vocals Gagey Mrozeck – guitars Chris Klöber – keyboards Alan "Joe" Wroe – basses Charly Weber – drums & percussion Label: Warner Music Erscheinungsdatum: 1976 Stil: Rock, Blues Rock, Hard Rock, Rock’n’Roll, Live-Album Trackliste: 1. Light Entertainment (4:35) 2. Come Together (5:49) 3. Too Many People (4:22) 4. Me And I (4:43) 5. I Want To Die A Millionaire (8:06) 6. Night-Time Glider (6:55) 7. East Winds (7:06) 8. High Time Whiskey Flyer (11:46) 9. Blue Horizon (7:27) 10. Dancing In The Street (3:42) 11. Don't Force Your Horse (4:37) 12. Good Time Gracie (3:50) 13. Rock Is The Way (6:32) Gesamtspieldauer: 1:19:34
„Concrete“ ist ein Live-Doppelalbum der deutschen Band Kin Ping Meh. „Concrete“ erschien ursprünglich im Jahr 1976, wurde dann im Jahr 2016 auf dem Plattenlabel Warner Musik in Form einer remasterten CD wiederveröffentlicht. Die Mannheimer Band Kin Ping Meh ist dabei ein gutes Beispiel für ein weit verbreitetes Missverständnis. Hat eine Band in den 70er Jahren oder auch später Lieder in einer Länge über sechs bis sieben Minuten veröffentlicht, dann wurde sie sogleich von irgendwelchen „Fachleuten“ dem Genre des Progressive Rock zugeordnet. Auch Kin Ping Meh werden häufig dort „abgelegt“ oder aber in einem Atemzug mit Psychedelic Rock erwähnt. Doch die Musik der Mannheimer hat genauso viel mit Progessive Rock oder Psychedelic Rock zu tun, wie Helene Fischer mit AC/DC. Beides Mal geht es um Musik, aber das ist schon die Gemeinsamkeit.
Kin Ping Meh machen Rock und Blues Rock und spielen manchmal ein Thema sehr stark ausgewalzt immer und immer wieder an. Einen gewissen hypnotischen Effekt, der auch mal mit dem Wort „Langeweile“ umschrieben werden kann, möchte ich der Band dabei gar nicht absprechen, jedoch ist das sicherlich kein Progressive Rock. Ausgedehnte Soli gibt es auf „Concrete“ zu hören und Musik, die vom Genre Rock auch mal in den Hard Rock hinüberwechselt. Das Ganze wird unterfüttert durch Rock’n’Roll und Blues Rock. Freundinnen und Freunde entsprechender musikalischer Genres können da vielleicht das ein oder andere für sich entdecken.
Lege ich diese Musik auf, so strömt sie leider lediglich an mir vorbei. Nichts bleibt da hängen oder fesselt besonders. Während des Stücks „Blue Horizon“ hört man ein ausgedehntes Schlagzeug-Solo, ganz nett, trotzdem nichts Begeisterndes. Auch die Cover-Version des Beatles-Klassikers „Come Together“ hat man schon überzeugender gehört, trotzdem gehört sie auf „Concrete“ noch zu den Höhepunkten der Scheibe. Dies gilt ebenfalls für eine weitere Cover-Version, jene von „Dancing In The Street“. Immerhin eine Melodie, die hängenbleibt. Irgendwie ist auf „Concrete“ jedoch lediglich jede Menge Allerwelts-Rock’n’Roll zu hören, der einfach nicht packt – zumindest mich nicht. Dazu kommt noch der Umstand, dass die Aufnahme dumpf klingt. Definitiv gibt es soundtechnisch bessere Einspielungen – auch aus der Zeit damals. Das Remastering ist im Falle von „Concrete“ nicht gelungen, sodass auch der Klang des gesamten Albums kaum dazu beiträgt, der Platte doch noch etwas mehr abgewinnen zu können.
Fazit: Keinen Progressive Rock, sondern Rock’n’Roll und Blues Rock bieten Kin Ping Meh ihren Hörerinnen und Hörern vor allen Dingen. Dafür gibt es sicherlich Interessenten. Sucht man allerdings das Besondere in der Musik, so ist diese Scheibe von Kin Ping Meh definitiv die falsche Wahl. Irgendwie langweilig. Dazu gesellt sich ein mieser und dumpfer Klang des Albums. Nein, „Concrete“ überzeugt ganz und gar nicht. Fünf Punkte.
Vince Guaraldi Trio – A Boy Named Charlie Brown Besetzung: Vince Guaraldi – piano Monty Budwig – bass Colin Bailey – drums Label: Fantasy Inc. Erscheinungsdatum: 1969 Stil: Jazz Trackliste: 1. Oh, Good Grief (2:24) 2. Pebble Beach (2:51) 3. Happiness Is (3:43) 4. Schroeder (1:54) 5. Charlie Brown Theme (4:25) 6. Linus & Lucy (3:07) 7. Blue Charlie Brown (7:30) 8. Baseball Theme (3:15) 9. Freda (With The Naturally Curly Hair) (4:34) Bonus Track: 10. Fly Me To The Moon (8:55) Gesamtspieldauer: 42:44
Vince Guaraldi wurde lediglich 47 Jahre alt und verstarb Anfang des Jahres 1976 am plötzlichen Herztod. Bekannt wurde der Jazz-Pianist hauptsächlich durch seine Musik, die die Peanuts Comic-Strips, welche in den 60er Jahren erstmals im Fernsehen liefen, untermalte. Von daher wird er akustisch immer mit diesen kleinen Geschichten um den Verlierer Charlie Brown verbunden bleiben und weiterleben.
Die Musik des Vince Guaraldi passt perfekt zu den zumeist kurzen TV-Filmen, bildet mit diesen quasi eine Einheit. Man hört Easy-Listening-Jazz, der ab und an dabei auch swingt. Ins Ohr geht die Musik dabei eher weniger bis gar nicht, wirkt allerdings in Verbindung zu den Bildern bestens. Freundinnen und Freunde des Jazz werden die Scheibe wahrscheinlich sogar sehr lieben, denn die Spielfreunde des Vince Guaraldi ist hier in jedem Takt, in jedem Akkord zu hören, fließt aus seinen Fingern und überträgt sich auf sein Pianospiel.
Ich konnte die Serie im Fernsehen ebenfalls verfolgen, im Ohr war mir allerdings nur das Lied „Linus & Lucy“ geblieben. Das liegt sicherlich daran, dass diese jazzigen Melodien nicht so harmonisch klingen und schwerlich ins Ohr gehen, wenn man diesem musikalischen Genre nicht ganz speziell zugetan ist. Macht jedoch nichts, die Musik wirkt und löst Erinnerungen aus, was definitiv nicht jede Musik vollbringt.
Fazit: Für Nostalgiker und Jazz-Freunde bestens geeignet. Nicht nur Charlie Brown wurde mit dieser Musik ein Denkmal gesetzt, sondern auch dem viel zu früh verstorbenen Vince Guaraldi. Man hört die Scheibe, kennt die Lieder nicht und wird gleich an diesen kleinen Typ mit dem Namen Charlie Brown erinnert. Das hat was. Ohne Bewertung.
Rheingold – Im Lauf Der Zeit Besetzung: Bodo Staiger – alle Instrumente und Gesang Brigitte Staiger – Gesang Label: Lucky Bob Records Erscheinungsdatum: 2017 Stil: Elektro Pop Trackliste: 1. Kraut (3:46) 2. Im Lauf der Zeit (3:59) 3. Sehnsucht (4:17) 4. Stromaufwärts (4:19) 5. Theme ‘84 (5:02) 6. Energie (5:03) 7. Ins Leben zurück (3:42) 8. Weißes Licht (3:43) 9. Paradieshafen (6:11) 10. Sternstaub (4:22) Gesamtspieldauer: 44:29
Bodo Staiger hat es noch einmal gemacht und Rheingold erneut aufleben lassen. Nach „Rheingold“ (1980), „R.“ (1982), „Dis-Tanz (1984) und dem Coveralbum „Electric City (Düsseldorfer Schule)“ (2007) erschien im Juni 2017 das vierte bis fünfte – je nach Zählweise – Studioalbum der „Band“ mit dem Namen „Im Lauf der Zeit“. Rheingold besteht inzwischen lediglich noch aus Bodo Staiger. Brigitte Kunz an den Keyboards ist nicht mehr Mitglied der Band, dafür unterstütze Bodo Staiger dessen Frau Brigitte zumindest gesanglich beim Einspielen der Platte.
Zum Hören gibt es auf „Im Lauf der Zeit“ eine ganze Menge Elektro-Pop, mal mit, mal ohne Gesang. Das Album ist absolut „retro“, soll heißen, die Musik klingt noch genauso wie zu Beginn der 80er Jahre. Vielleicht klingt der Sound des Synthesizers etwas voller, doch dieses unsägliche Geklapper des Drum-Computers holt einen schnell in die damalige Zeit zurück. Das klang bezüglich des Rhythmus damals schon billig und klingt heute leider noch genauso. Ins Ohr geht die Musik leider gar nicht mehr, klingt sehr viel eher langweilig und sehr gewöhnungsbedürftig. Die Neue Deutsche Welle zeichnete sich vor allem durch tolle und eingängige Melodien aus, weniger durch musikalische Arrangements. Auf „Im Lauf der Zeit“ fehlen diese eingängigen Melodien jedoch.
Nun, wer jedoch schon immer bedingungslos in die synthetischen Klänge der Neuen Deutschen Welle einsteigen konnte, den wird dies mit „Im Lauf der Zeit“ wohl ebenfalls gelingen. Beim Lied „Energie“ wird sogar der Sound aus dem wohl bekanntesten Stück von Rheingold, „Dreiklangsdimensionen“, aufgegriffen. Mehr Zitat geht kaum. Beim unsäglichen Instrumentalstück „Theme ‘84“ nähert sich die Musik von Rheingold schließlich sogar verdächtig nah dem Deutschen Schlager an. Das klingt nach primitiven Dieter Bohlen Sound, über dem nur noch die Stimme von Andrea Berg fehlt. Grausam. Ansonsten klingt das Ganze ab und an noch ganz nett, aufgrund dieses definitiv vorhandenen Nostalgie-Faktors, viel mehr kommt aber leider nicht.
Fazit: Für Fans der damaligen Zeit ganz bestimmt eine lohnende Anschaffung. Auch Freundinnen und Freunde Deutscher Musik in Form des Schlagers könnten hier Spaß haben. Ich jedoch sitze da, schaue auf meine Platten und CDs und überlege, „Was könnte der Grund dafür sein, diese CD einzulegen?“ Es fällt mir keiner ein. Vier Punkte.
Warhaus – Warhaus Besetzung (ohne Instrumentenangabe): Marten Devoldere Jasper Maekelberg Michiel Balcaen Sylvie Kreusch Bart Verwaeck Boris van Overschee Casco Phil Christophe Claeys David Sanders Geoffrey Burton Jens Bouttery Lennart Heyndels Nathan Daems Pieter Kindt Senne Guns Sep Françoise Simon Casier Label: Play It Again Sam Erscheinungsdatum: 2017 Stil: Independent Rock Trackliste: 1. Mad World (3:39) 2. Love’s A Stranger (3:26) 3. Well Well (4:41) 4. Control (3:55) 5. Dangerous (5:37) 6. Bang Bang (4:17) 7. Everybody (4:43) 8. No Such High (3:05) 9. Kreusch (4:08) 10. Fall In Love With Me (4:26) Gesamtspieldauer: 42:01
Warhaus heißt das Solo-Projekt des Belgiers Maarten Devoldere. Dieser ist auch noch Sänger der Band Balthazar und gründete im Jahr 2016 seine zweite Band Warhaus. In diesem Jahr erschien auch das erste Album. Am 13. Oktober 2017 wurde schließlich dann die zweite, selbstbetitelte Scheibe auf dem Plattenlabel Play It Again Sam veröffentlicht. Auf „Warhaus“ von Warhaus hört man sanften und durchaus harmonischen Independent Rock, der wie ein ruhiger Fluss aus den Boxen zu strömen scheint. Bassist Simon Casier sowie Schlagzeuger Michiel Balcaen seiner Band Balthazar unterstützten Maarten Devoldere unter anderem beim Einspielen des Albums.
Zu hören ist auf der Platte sehr unaufgeregter Independent Rock, der atmosphärisch immer wieder an die Musik des Leonard Cohen erinnert – ohne jedoch vollständig damit vergleichbar zu sein. Nicht ganz ins Bild der Musik des Kanadiers passt die zwar überzeugende und ebenfalls sanfte, jedoch anders klingende Stimme des Belgiers Maarten Devoldere. Auch teilt sich dieser seinen Gesangpart ab und an mit Sylvie Kreusch. Die Musik klingt sanft, enthält allerdings auch den ein oder anderen experimentelleren Ansatz in Form von etwas schrägeren Tönen oder Sounds. Und schließlich ist es die Musik selbst, die zwar klingt, doch nicht diesen Eindruck hinterlässt. Die einzelnen Stücke hören sich durchaus melodisch und harmonisch an, es fehlt jedoch das gewisse Etwas, über welches ein Lied auch verfügen sollte, um auch längerfristig hängen zu bleiben.
Somit lassen sich auch kaum bis keine Höhepunkte auf „Warhaus“ von Warhaus ausmachen. Allerdings soll hier auch nicht unerwähnt bleiben, dass es ebenso keine Ausfälle auf dem Album zu beklagen gibt. Alles klingt und das gar nicht mal schlecht. Die einzelnen Stücke gehen durchaus ins Ohr, plätschern allerdings im weiteren Verlauf der Platte immer weiter vor sich hin, sodass es keinen wirklichen Grund gibt einmal aufzuhorchen. Wenn dann schließlich noch, wie beim Titel „Everybody“, der Einsatz der Streicher etwas übertrieben wird, dann wird dieses Plätschern zum süßlichen Säuseln und noch etwas uninteressanter.
Fazit: Sanfte, sehr sanfte Töne gibt es überwiegend von Warhaus auf ihrem zweiten, selbstbetitelten Album zu hören. Die Musik klingt durchaus, geht auch ins Ohr, erinnert dabei immer wieder mal an Leonard Cohen, schafft es jedoch nicht, restlos zu überzeugen. Dazu wirken die einzelnen Titel einfach etwas zu wenig, hallen viel zu wenig nach. Nett anzuhören ist das Album allerdings trotzdem, schlechte und totlangweilige Musik klingt definitiv ganz anders. Acht Punkte.
Grobschnitt – Jumbo Besetzung: Joachim H. Ehrig (Eroc) – Schlagzeug, Perkussion, elektronische Effekte, alberne Stimmen und Schikane Gerd Otto Kühn (Lupo) – Soloelektrogitarre, Geschäftskram Stefan Danielak (Wildschwein) – Gesang, Chor, Rhythmus- und Akustikgitarre Wolfgang Jäger (Pepe) – Bassgitarre und freundliches Lächeln Volker Kahrs (Mist) – Orgel, Mellotron, Klavier, Klafünf, Synthesizer und elektronisches Bügelbrett Label: Universal Music Erscheinungsdatum: 1976 Stil: Progressive Rock, Krautrock Trackliste: 1. Jupp (0:12) 2. Vater Schmidt’s Wandertag (9:39) 3. Der Clown (6:55) 4. Traum und Wirklichkeit (5:27) 5. Sonntag’s Sonnabend (11:27) 6. Auf Wiedersehen (0:47) Bonus Tracks der remasterten Wiederveröffentlichung von 2015: 7. Vater Schmidt / Father Smith (Live At Jugendheim Niedermühlenkamp, Bielefeld / 1977) (10:24) 8. The Clown (Live At Haus der Jugend, Lünen / 1977) (6:50) 9. Sunny Sunday’s Sunset (Live At Haus der Jugend, Lünen / 1977) (11:15) 10. Sonnenflug (live) (4:03) 11. Der Ölberg, wie er singt und lacht (Live At Haus der offenen Tür, Rheine / 1975) (12:04) Gesamtspieldauer: 1:19:08
„Jumbo“ heißt das dritte Studioalbum der Hagener Progressive Rock Band Grobschnitt. In zwei unterschiedlichen Versionen wurde die Scheibe veröffentlicht. Im Jahr 1975 erschien die englischsprachige Ausgabe des Albums, ein Jahr später dann die auf Deutsch eingesungene Variante der Platte. Beide Alben wurden damals auf dem inzwischen nicht mehr existenten Plattenlabel Metronome Records veröffentlicht. Bei dem nun besprochenen Album handelt sich um eine im Jahr 2015 remasterte Fassung von „Jumbo“ in der deutschen Ausgabe. Die englischsprachigen Varianten der Lieder wurden der Scheibe in Form von Live-Einspielungen als Zugaben beigefügt.
Man hört auch auf „Jumbo“ den für Grobschnitt so typischen, sehr melodischen und harmonischen Progressive Rock. Weiche und sanfte Passagen wechseln sich dabei mit härteren und nach vorne preschenden Abschnitten ab. Dazu gelingt es der Band auch immer wieder, speziell in den Instrumentalpassagen, einen fast schon hypnotischen Effekt zu erzeugen, wenn bestimmte Themen oder Akkorde immer und immer wieder wiederholt werden. Selbstverständlich darf auch auf „Jumbo“ eine ordentliche Prise Klamauk nicht fehlen, die immer wieder mal kurz aufleuchtet. „Jupp“ und „Auf Wiedersehen“ sind solche Spaß-Lieder zu Beginn und am Ende des ursprünglichen Albums, doch wird auch bei den anderen Titeln entsprechender Humor befeuert – hier allerdings sehr dosiert.
Musikalisch gesehen gehen die einzelnen Titel nicht ganz so ins Ohr wie auf den beiden Vorgängern. Die Ausnahme bildet auf „Jumbo“ jedoch das wahrlich gelungene „Sonntag’s Sonnabend“, gleichfalls auch das längste Lied der Platte. Hier klingen Grobschnitt eingängig und interessant, hypnotisch und spannend, abwechslungsreich und melodiös. Keine Sekunde ist dieser Titel zu kurz und die Nummer wird auch nach dem hundertsten Mal des Hörens kein bisschen langweilig. Ebenso können die Lieder „Vater Schmidt’s Wandertag“ sowie „Traum und Wirklichkeit“ noch punkten, wenn auch nicht mehr so überzeugend wie das längste Stück des Albums. Gut und lohnend gehört zu werden sind sie jedoch allemal. Insgesamt macht die Platte damit durchaus Laune, wenn man denn auf die harmonische Ausprägung des Progressive Rocks steht.
Auch dieses Mal wurde bei der remasterten Wiederveröffentlichung nicht gegeizt. Bei „Jumbo“ sind es die gleichen Titel, die nun nochmals zu hören sind, jedoch live eingespielt und in der englischen Variante, wie sie ein Jahr zuvor veröffentlicht worden waren. Die Soundqualität ist dabei sehr gut, bis auf jene beim letzten Stück „Der Ölberg, wie er singt und lacht“. Diese Einspielung klingt eher dumpf und flach. Allerdings ist diese Nummer praktisch ein reines Spaß-Lied, welches entbehrlich ist.
Fazit: Für Grobschnitt Fans ganz sicher eine tolle Platte. Und auch wer gerne Progressive Rock aus Deutschland hört, wird hier bestens bedient. Mag man dazu noch die melodiöse Ausprägung dieses musikalischen Genres, kann gar nichts mehr schiefgehen und man wird die Platte lieben. „Jumbo“ ist vielleicht nicht das beste Grobschnitt Album geworden, allerdings immer noch ein sehr hörenswertes. Zehn Punkte.
PJ Harvey – Uh Huh Her Besetzung: PJ Harvey – vocals, guitars, bass, piano, melodica, accordion, autoharp Gastmusiker: Rob Ellis – drums, percussion, backing vocals (3) Head – backing vocals (3, 5) Evelyn Isaac – backing vocals (7, 14) Label: Island Records Erscheinungsdatum: 2004 Stil: Alternative Rock, Punk, Folk Rock Trackliste: 1. The Life & Death Of Mr. Badmouth (4:53) 2. Shame (2:33) 3. Who The Fuck? (2:09) 4. Pocket Knife (3:44) 5. The Letter (3:22) 6. The Slow Drug (3:25) 7. No Child Of Mine (1:08) 8. Cat On The Wall (3:03) 9. You Come Through (2:48) 10. It's You (4:13) 11. The End (1:23) 12. The Desperate Kingdom Of Love (2:44) 13. Seagulls (1:11) 14. The Darker Days Of Me & Him (4:34) Gesamtspieldauer: 47:23
„Uh Huh Her“ heißt das siebte Studioalbum der englischen Musikerin und Sängerin Polly Jean Harvey. Die Platte wurde von ihr über einen Zeitraum von zwei Jahren geschrieben, aufgenommen und produziert – alles in Eigenregie. Auch die Instrumente wurden von ihr, mit Ausnahme des Schlagzeugs, für welches ihr wieder Rob Ellis zur Verfügung stand, selbst eingespielt. „Uh Huh Her“ erschien am 31. Mai 2004 auf dem Plattenlabel Island Records. Auch wenn die Platte mit Platz 29 in den US-amerikanischen Billboard 200 die bisher höchste Platzierung in den USA erreichte, so verkaufte es sich weltweit insgesamt doch schlechter als ihre bisherigen Alben.
Die musikalische Bandbreite auf dem Album ist eine deutlich größere, als noch auf den Vorgängeralben. Zwar hört man auch auf „Uh Huh Her“ wieder Alternative Rock, doch auch der Punk war zurückgekommen und dominiert zum Beispiel solch ein Lied, mit dem für den Punk passenden Titel, „Who The Fuck“. Doch es gibt auf dem Album noch weitere Töne in der Musik der PJ Harvey zu hören. Folk Rock erweitert nun das musikalische Spektrum der Engländerin und gerade diese Titel können auf „Uh Huh Her“ auch sehr überzeugen. Dazu gibt es sogar reine Instrumentalnummern, bei denen es sich im Falle von „Seagulls“, wie könnte es anders sein, um reines Möwengeschrei handelt. Sehr sanfte und eingängige Klänge konkurrieren auf „Uh Huh Her“ mit deutlich schrägeren Tönen, die bis ins Aggressive hineinreichen können.
Einer der Höhepunkte auf „Uh Huh Her“ ist das, aufgrund seiner Instrumentierung sehr ungewöhnliche und auch sonst fast ein wenig avantgardistisch klingende „You Come Through“. Auch jenes sehr kurze, minimalistische und folkige Instrumentalstück „The End“ kann hierzu gezählt werden. Ebenfalls „The Desperate Kingdom Of Love“. Ein Lied, welches wohl ebenso am ehesten dem Folk zugerechnet werden kann, bei dem die Musik und der Gesang der PJ Harvey äußerst zerbrechlich und weich klingen. Und schließlich wäre da noch die letzte Nummer der Platte zu erwähnen, „The Darker Days Of Me & Him“. Eine erneut eher sanfte Nummer, durchaus im Alternative Rock angesiedelt, die sich langsam steigert und bestens ins Ohr geht.
Fazit: „Uh Huh Her“ hat Poly Jean Harvey nicht nur alleine eingespielt, es ist auch das Album, welches die bisher größte musikalische Spannbreite aufweist. Alternative Rock, Punk, Folk und etwas Instrumentalmusik gibt es auf dem achten Album der Engländerin zu hören. Nicht alles davon ist unbedingt hörenswert, einiges jedoch ganz bestimmt. Zwar präsentiert sich „Uh Huh Her“ keinesfalls einheitlich, dafür wird es einem beim Hören niemals langweilig. Es gibt viel zu entdecken. Neun Punkte.
Anspieltipps: You Come Through, The End, The Desperate Kingdom Of Love, The Darker Days Of Me & Him
Can – Tago Mago Besetzung: Damo Suzuki – vocals Holger Czukay – bass Michael Karoli – guitar, violin Jaki Liebezeit – drums, double bass, piano Irmin Schmidt – organ, electric piano, vocals on "Aumgn" Label: Spoon Records Erscheinungsdatum: 1971 Stil: Krautrock, Psychedelic Rock, Experimental Rock Trackliste: 1. Paperhouse (7:28) 2. Mushroom (4:03) 3. Oh Yeah (7:22) 4. Halleluhwah (18:32) 5. Aumgn (17:36) 6. Peking O (11:37) 7. Bring Me Coffee Or Tea (6:46) Gesamtspieldauer: 1:13:29
„Tago Mago“ heißt die dritte Veröffentlichung der Kölner Band Can und ist gleichzeitig ihr zweites offizielles Studioalbum. Erschienen ist die Platte ursprünglich als Doppelalbum im Februar des Jahres 1971 und hinterlässt bis heute Spuren bei diversen Musikern und auch den Hörerinnen und Hörern. Bei Can hatte sich etwas getan. Der Japaner Damo Suzuki war nun festes Mitglied der Formation geworden, der ursprüngliche Sänger Malcolm Mooney hatte die Band verlassen. Was dann mit „Tago Mago“ folgte, war an Wucht und Intensität kaum mehr zu überbieten.
Ich kenne nichts Vergleichbares, nichts, was wie „Tago Mago“ klingt. Echt Nichts. Ist das jetzt wirklich noch Musik? Ganz sicher kann man sich dabei nur an manchen Stellen des Albums sein. Irgendwie fängt alles noch ganz harmlos an. Die ehemalige Seite 1 der Platte enthält psychedelisch angehauchten Krautrock, zumeist nicht zu melodiös und eingängig, jedoch noch nicht zu weit weg von der „Norm“. „Paperhouse“ geht dabei sogar ziemlich schnell ins Ohr, „Mushroom“ klingt schräg bis atonal und bei „Oh Yeah“ wird der Text rückwärts eingesungen. Seltsam ist das alles irgendwie schon hier, aber eben noch nicht zu weit entfernt vom Konventionellen. Can experimentieren eben ganz gerne, warum also soll man ein Lied nicht auch mal rückwärts einsingen? Klingt doch spannend.
Dann folgen allerdings die ehemalige zweite und dritte Plattenseite des Albums und danach scheint alles irgendwie anders zu sein. Musik ist nicht mehr nur Musik. Musik ist Geräuschkulisse geworden, falsch und mystisch klingend, sich unfassbar merkwürdig, zum Teil sich grausam und zerstörerisch anhörend. Abschnitte, die auf Musik und ein Lied hinweisen gibt es, jedoch stehen diese scheinbar nicht im Vordergrund der Stücke „Halleluhwah“ und „Aumgn“. „Halleluhwah“ wirkt allerdings noch durch einen nie enden wollenden Rhythmus, der zwar durch kurze Einschübe selten unterbrochen wird, jedoch sofort wieder aufflammt und stoisch weiter seine Kreise zieht. Das Lied vibriert, stampft und neben all jener Rhythmik generieren sich seltsame Laute, sonderbare Geräusche, schräge Töne und schließlich zur Krönung noch eine Art zunächst gelangweilter Gesang, der später zu allem Überfluss auch noch falsch klingt, sodass man alles nur noch sehr schwer zusammen bekommt. Monotonie hüllt einen dabei ein und lässt einen nicht mehr los. Nur dieses Geschrei versucht anscheinend Hörerinnen und Hörer daraus herauszulösen, schafft es jedoch nicht mehr. Verloren und gefangen.
Nachdem „Halleluhwah“ verklungen ist, folgt mit „Aumgn“ das zweite fast zwanzigminütige Stück auf „Tago Mago“. Mag man zu Beginn der Nummer noch von relativ sphärischer Musik sprechen können, so ändert sich dieser Eindruck immer mehr. Musik und Noten wandeln sich immer mehr zu Geräuschen, zu bedrückenden Stimmungen, zu eigenartigen Klängen. Brutal konsequent ziehen Can das bei diesem Stück durch. Es klingt falsch, beklemmend, kakophonisch. Kann man hier wirklich noch durchgängig von Musik sprechen oder sind das zumindest zum Teil nur noch Klanggebilde, losgelöst von jeglicher Struktur und Form? Wohl eher Letzteres trifft auf diese Art der akustischen Befeuerung zu. Sicherlich einzigartig in dieser Konsequenz. Auch das folgende „Peking O“ entlässt einen noch nicht in den Frieden seiner Umwelt. Nun ist es zumeist der Gesang des Damo Suzuki, der einen aus gewohnten Hörerlebnissen herausreißt. Nichts scheint hier mehr herkömmlich, nichts mehr gewöhnlich zu sein oder zu klingen.
Irgendwie dann doch versöhnlich, mit dem Stück „Bring Me Coffee Or Tea“, klingt „Tago Mago“ schließlich aus. Das letzte Lied ist nun tatsächlich wieder ein Lied, hat Struktur, sogar eine Melodie ist da herauszuhören. Auf den allermeisten Platten wäre dieses Stück furchtbar „abgefahren“, hier jedoch holt es einen ab, fängt Hörerin und Hörer wieder ein und führt diese zurück in die Realität. Ein versöhnlicher Abschluss.
Fazit: Oh nein, selbstverständlich ist „Tago Mago“ keine Musik für den Massenmarkt und vielleicht muss man sogar ein musikalischer „Freak“ sein, um diese Platte überhaupt durchhören zu können. Doch „Tago Mago“ ist etwas Besonderes, etwas, was es sonst so nicht gibt. Hier wurden definitiv neue Wege beschritten, die in dieser Konsequenz danach wohl auch nicht mehr begangen wurden. Ich könnte dieses Album niemals zu meinem Lieblingsalbum küren, jedoch hinterlässt die Scheibe Spuren, sehr viele Spuren. Ich fühle mich durch „Tago Mago“ bewegt, das schafft bei Weitem nicht jede Musik. Elf Punkte.
U2 – Songs Of Experience Besetzung: Bono – vocals The Edge – guitars, vocals, keyboards Adam Clayton – bass guitar Larry Mullen Jr. – drums, percussion Gastmusiker: Andy Barlow – additional keyboards (tracks 1, 9), programming (1), sound design (1) Jacknife Lee – additional keyboards (2–3, 5, 11–12), additional guitar (2, 5, 10–12), programming (2–3, 5, 11–12), keyboards (6), additional backing vocals (12) Haim – additional backing vocals (2) Ryan Tedder – programming / additional programming (3, 6, 7), additional backing / background vocals (4, 6, 7, 8), keyboards (6), additional guitar (8) Brent Kutzle – programming/additional programming (3, 6, 7), keyboards / additional keyboards (4, 6), additional guitar / acoustic guitar (6, 7) Davide Rossi – strings (3, 10) Kendrick Lamar – outro (4), intro (5) Goshua Usov – additional keyboards (4) Jolyon Thomas – additional guitar (4, 9), additional keyboards (4, 9) Brandon Collins – string arrangement (6) Amy Helman – violins (6) Avery Bright – violins (6) Betsy Lamb – viola (6) Paul Nelson – cello (6) Noel Zancanella – additional programming (6) Nate Lotz – additional percussion (6) Lady Gaga – background vocals (6) Steve Wilmot – additional percussion (7) Declan Gaffney – additional keyboards (7) Julian Lennon – additional background vocals (7) Andrew Taggart – additional keyboards (12) Paul Epworth – programming (13), additional keyboards (13) Label: Island Records Erscheinungsdatum: 2017 Stil: Pop, Rock Trackliste: 1. Love Is All We Have Left (2:41) 2. Lights Of Home (4:16) 3. You're The Best Thing About Me (3:45) 4. Get Out Of Your Own Way (3:58) 5. American Soul (4:21) 6. Summer Of Love (3:24) 7. Red Flag Day (3:19) 8. The Showman (Little More Better) (3:23) 9. The Little Things That Give You Away (4:55) 10. Landlady (4:01) 11. The Blackout (4:45) 12. Love Is Bigger Than Anything In Its Way (4:00) 13. 13 (There Is A Light) (4:19) Gesamtspieldauer: 51:14
„Songs Of Experience“ heißt das vierzehnte Studioalbum der irischen Band U2. Am 1. Dezember 2017 wurde das Album auf dem Plattenlabel Island Records veröffentlicht. Der Albumtitel wurde, wie bereits der des Vorgängeralbums „Songs Of Innocence“, vom Gedichtband des Engländers William Blake abgeleitet, der diesen unter dem Titel „Songs Of Innocence And Of Experience“ im Jahr 1794 veröffentlichte. Das Album-Cover zeigt Bono’s Sohn Eli und The Edge’s Tochter Sian beim Händchenhalten. „Songs Of Experience“ beinhaltet thematisch Briefe, die Sänger Bono an Orte und Menschen schrieb, die ihm am Herzen liegen.
Musikalisch klingt „Songs Of Experience“ leider alles andere als innovativ. Klar ist die Musik auf dem Album eindeutig als jene von U2 auszumachen, doch diese wunderschönen Stücke, die sich auf anderen Scheiben der Band befinden, die sucht man hier vergebens. Ohne behaupten zu können, dass „Songs Of Experience“ eine schlechte Platte wäre, so zündet sie trotzdem nicht. Viel mehr hört man hier eher durchschnittlichen Pop-Rock, der einen mal mehr, ein anderes Mal deutlich weniger packt. Was auf „Songs Of Experience“ besonders überzeugt, liegt dabei ganz am musikalischen Geschmack der Hörerin oder des Hörers. Wohl kaum jemand wird allerdings diese Scheibe als die beste von U2 betiteln. Dazu sind die einzelnen Lieder einfach zu gewöhnlich geworden.
Ins Ohr geht auf „Songs Of Experience“ einiges, nicht allzu viel davon versteht sich jedoch auch festzusetzen – auch nicht nach mehreren Durchläufen. Positiv erwähnenswert wären da der kurze Opener „Love Is All We Have Left“, das sanfte und doch etwas groovende „Summer Of Love“ sowie die beiden aufeinanderfolgenden Stücke „The Little Things That Give You Away“ sowie „Landlady“. Klingt erstgenannte Nummer sehr schön sehnsüchtig und man hört hier den typischen U2-Gitarrensound, so ist „Landlady“ wohl das Stück der Platte mit den eingängigsten Harmonien.
Fazit: Das viertzehnte Album von U2 mit dem Titel „Songs Of Experience“ wurde nicht wie der Vorgänger zunächst auf i-Tunes veröffentlicht, sondern erschien sofort auch auf CD. Der Ärger war der Band damals wohl genug, sodass man wieder herkömmliche Wege ging. „Songs Of Experience“ ist ein eher durchschnittliches Album geworden. Das gilt sowohl im Vergleich zur bisherigen Musik von U2, wie auch im Vergleich zu anderen Pop-Rock-Scheiben. Und genau das ist es auch, was man auf dem Album hört, nämlich eine eher unspektakuläre Mischung aus Rock und Pop, die nicht großartig für Aufsehen und Aufregung sorgt. Acht Punkte.
Anspieltipps: Love Is All We Have Left, Summer Of Love, The Little Things That Give You Away, Landlady
David Gilmour – Rattle That Lock Besetzung: David Gilmour – lead vocals (all), guitars (all), keyboards (all except 8), piano (1, 3, 4, 5), sncf sample (2), hammond organ (2, 5, 9), bass guitar (5, 6, 7, 10), bass harmonica (7), electric piano (9, 10) Gastmusiker: Jon Carin – electric piano (9) David Crosby – backing vocals (4) Graham Nash – backing vocals (4) Danny Cummings – percussion (3, 4, 5, 7, 10) Steve DiStanislao – drums (2, 3, 5, 7, 9), percussion (2, 3, 7), backing vocals (2) Roger Eno – piano (4, 7) Martin France – drums (8) Gabriel Gilmour – piano (6) Jools Holland – piano (8) Damon Iddins – accordion (3), calliope keyboard (3) Rado Klose – guitar (8) Chris Laurence – double bass (8) The Liberty Choir – backing vocals (2) Phil Manzanera – hammond organ (2, 3), keyboard elements (2, 3, 6), acoustic guitar (3, 9) Louise Marshall – backing vocals (2, 9) Andy Newmark – drums (5, 6, 10) Eira Owen – french horn (3) John Parricelli – guitar (8) Mica Paris – backing vocals (2, 9) Guy Pratt – bass guitar (2, 9) Mike Rowe – electric piano (9) Polly Samson – backing vocals (9) Yaron Stavi – bass guitar (2), double bass (2, 4, 5), backing vocals (2) Colin Stetson – saxophone (8) Richard Wright – voice sample (4) Robert Wyatt – cornet (8) Zbigniew Preisner – orchestration (1, 3, 5, 6, 9, 10) Michaël Boumendil – original sncf jingle (2) Label: Columbia Records Erscheinungsdatum: 2015 Stil: Rock Trackliste: 1. 5 A.M. (3:04) 2. Rattle That Lock (4:55) 3. Faces Of Stone (5:32) 4. A Boat Lies Waiting (4:34) 5. Dancing Right In Front Of Me (6:11) 6. In Any Tongue (6:46) 7. Beauty (4:28) 8. The Girl In The Yellow Dress (5:25) 9. Today (5:55) 10. And Then... (4:29) Gesamtspieldauer: 51:25
„Rattle That Lock“ heißt das vierte Solo-Album des Ex-Pink Floyd Gitarristen David Gilmour. Es erschien am 18. September 2015 und wurde auf dem Plattenlabel Columbia Records veröffentlicht. Auf „Rattle That Lock“ hört man an vielen Stellen unverwechselbar David Gilmour heraus, gerade der Klang seiner Gitarre lässt hier kaum Möglichkeiten der Verwechslung zu. Dazu diese Stimme, absolut keine Verwechslung mehr möglich. Speziell klingen dabei die Instrumentallieder und Instrumentalpassagen wie kleine Reminiszenzen an längst vergangene Tage.
Leider stellt man beim Hören der Scheibe allerdings auch schnell fest, dass David Gilmour gerade in der Verbindung zu Roger Waters, vielleicht auch noch in Kooperation mit Rick Wright zusammen, in der Lage war, geniale Musik schreiben. Auf „Rattle That Lock“ ist das leider immer nur ansatzweise zu hören. Das soll nicht bedeuten, dass die Lieder auf dem Album schlecht klingen oder gar nicht unterhalten. Doch im Grunde genommen ist das, was David Gilmour hier seinen Hörerinnen und Hörern vorsetzt, oftmals ziemlich austauschbarer Pop-Rock geworden, der nur an ganz wenigen Stellen aufhorchen lässt.
Drei Instrumentalstücke gibt es auf „Rattle That Lock“. Zu zwei der weiteren Titel schrieb David Gilmour selbst den Text. Die restlichen Liedertexte steuerte Polly Samson bei, Journalistin, Autorin und gleichzeitig auch die Ehefrau des David Gilmour. Gabriel Gilmour, David Gilmours Sohn, hat auf „Rattle That Lock“ übrigens ebenfalls einen Auftritt, er spielt das Piano auf dem Stück „In Any Tongue“. Auch Roxy Music Keyboarder und Gitarrist Phil Manzanera war beim Einspielen der Titel beteiligt und schließlich sind Graham Nash sowie David Crosby beim Stück „A Boat Lies Waiting“ im Hintergrund zu hören. Doch trotz all dieser Beteiligung, weder textlich noch musikalisch kann die Scheibe vollends überzeugen. Fängt alles noch ganz interessant mit der Instrumentalnummer „5 A.M.“ an, so klingt das bei dem Titellied „Rattle That Lock“ schon anders. Die Nummer basiert auf dem SNCF-Jingle, der Erkennungsmelodie der französischen Eisenbahn. Nicht weiter schlimm, doch das Lied klingt eben poppig bis rockig, nur dieser Gitarrensound möchte uns hier noch etwas anderes verkaufen. Das folgende Stück „Faces Of Stone“ stellt für mich den Höhepunkt der Scheibe dar. Sehr bedächtig mit sanften Pianoklängen beginnend, im weiteren Verlauf folkiger werdend und schließlich werden sogar Themen aufgegriffen, die an Zirkus-Musik erinnern. Hier klingt David Gilmour spannend, sehr abwechslungsreich und überaus eingängig – auch wenn dieser Titel gerade so gar nichts mit der Musik von Pink Floyd zu tun hat.
Leider war es das dann auch bereits mit den Höhepunkten. Die Platte plätschert vor sich hin, ohne dabei wirklich schlecht zu klingen. Überzeugend ist das allerdings auch nicht, eher austauschbar. Pop-Rock, Mainstream oder wie auch immer man das nennen möchte. Eine Ausnahme stellt noch die Nummer „The Girl In The Yellow Dress“ dar. Jetzt klingt David Gilmour leicht jazzig swingend. Da haben wir die Abwechslung, das Auffällige. Aber musste das wirklich sein? Nun, Herr Gilmour hat es wahrlich schwer, kann es nur wenigen Recht machen. Ansonsten wird an der ein oder anderen Stelle von ihm nochmals an die eigene musikalische Vergangenheit erinnert. „A Boat Lies Waiting“, klingt das Lied nicht sehr ähnlich wie „Us And Them“? Die Lieder hinterlassen einfach kaum Spuren mehr, setzen sich nicht mehr fest, klingen aus oder werden zumeist ausgeblendet. Aus vorbei.
Fazit: Es ist meiner Meinung nach überhaupt nicht schlimm, wenn sich Musikerinnen und Musiker selbst zitieren, denn sie stehen zumeist für eine ganz spezielle, eigene Art der Musik, wenn sie denn nicht rein im Mainstream verwurzelt sind. Man kann das nicht nur als Wiederholung, sondern durchaus auch als Ausweitung der Musik auffassen. David Gilmour zitiert sich auf „Rattle That Lock“ zwar ebenfalls selbst, bleibt dabei jedoch irgendwie hängen, stecken, endet schließlich im Mainstream des poppigen Rocks. Das Album ist damit auch immer noch keine schlechte Scheibe, jedoch auch nicht mehr als Durchschnitt. Acht Punkte.
