Porcupine Tree – Deadwing

Porcupine Tree – Deadwing

Besetzung:

Steven Wilson – vocals, guitars, piano, keyboards, hammered dulcimer, bass guitar on 1, 3, 5, (middle section) 7
Richard Barbieri – keyboards and sythesizers
Colin Edwin – bass guitar
Gavin Harrison – drums and percussion


Gastmusiker:

Adrian Belew – solo guitar on 1 and 4
Mikael Akerfeldt – harmony vocals on 1, 3, 5, second guitar solo on 5


Label: WEA International Inc.


Erscheinungsdatum: 2005


Stil: Alternative / Progressive Rock


Trackliste:

1. Deadwing (9:47)
2. Shallow (4:17)
3. Lazarus (4:19)
4. Halo (4:39)
5. Arriving Somewhere But Not Here (12:02)
6. Mellotron Scratch (6:57)
7. Open Car (3:47)
8. The Start Of Something Beautiful (7:40)
9. Glass Arm Shattering (6:17)

Mit ihrem 2005 erschienen Werk “Deadwing” haben Porcupine Tree eine tolle CD hingelegt. Abwechslung pur erwartet einen auf dieser Scheibe. Und was sich in „In Absentia“ schon andeutete, setzt sich hier konsequent fort: Schwere Gitarren à la Hardrock finden noch mehr Einzug in die Musik von Porcupine Tree.

Deutlich wird das sofort beim ersten Stück, bei dem es sich gleichzeitig auch um den Titeltrack handelt. „Deadwing“ erinnert zwar noch beim mehrstimmigen Gesang und dem sphärischen Mittelteil an vorangegangene Veröffentlichungen, aber die zum Teil abgefahrenen Gitarren lassen eher an eine Heavy Metal Band erinnern, als an Porcupine Tree.

Ähnlich geht es dann mit „Shallow“ weiter. Ebenfalls ein Heavy Metal Stück, bei dem nur die Zwischenteile die alten Porcupine Tree aufleben lassen. Für alteingesessene Fans sicherlich schwerer zu verdauende Kost. Aber keine Sorge, schon geht es weiter in alter „Porcupine Tree Manier“. „Lazarus“ ist ein Track, der so herrlich schwebend daherkommt und auch auf einem Album wie „Lightbulb Sun“ seinen Platz gefunden hätte.

Bei „Halo“ wird es dann sofort wieder ganz anders. Schräg und abgefahren und auch wieder härter tönt der Song aus den Boxen. Ob die Geschichte mit dem Heiligenschein (Halo) jetzt ironisch oder ernst gemeint ist, will ich einfach mal so stehen lassen.

Und dann kommt es, das Stück des Albums und eines der besten Lieder, die Porcupine Tree jemals geschrieben haben: „Arriving Somewhere But Not Here”. Klingt der Anfang wunderbar schwebend, wie viele Songs in der Karriere der Band, so folgt dann bei 6:18 wieder ein Heavy Metal Teil, der zunächst so gar nicht zum Rest des Liedes passen will. Wie dieser dann aber aufgelöst wird und bei 8:07 wieder in einen sehr melodiösen und immer noch schnellen Part mündet, das ist aller Ehren wert und fast schon genial umgesetzt. Daran schließt sich ein Teil an, der stark an Pink Floyd erinnert, was nicht nur am Gitarrenspiel Steven Wilsons liegt. Die Nummer klingt nun fast wie eine Reminiszenz an David Gilmour. Anschließend verklingt das Lied genauso, wie es auch begonnen hat: Herrlich schwebend mit mehrstimmigen Gesang.

Es folgt „Mellotron Scratch“ ebenfalls wieder mehrstimmig eingespielt und von der Stimmung her wieder bei früheren Veröffentlichungen. „Open Car“ ist anschließend hauptsächlich wieder ein Heavy Metal Song, der immer wieder von ruhigeren Passagen durchbrochen wird.

Umgekehrt präsentiert sich da „The Start Of Something Beautiful”. Hier ist der Refrain “heavy” und der Rest des Liedes wirkt getragen, aber schön getragen. Bleibt noch „Glass Arm Shattering“. Den Abschluss des Albums bildet damit ein Lied, welches ganz auf härtere Töne verzichtet. Träumerisch schwebend wird damit ein kontrastreiches, wie auch abwechslungsreiches Album, beschlossen.

Fazit: Ein tolles Album ist Pocupine Tree da gelungen. Manchmal hätte man sich vielleicht gewünscht, dass ein Stil während eines Liedes einfach mal durchgezogen worden wäre. Aber das stimmt irgendwie auch nicht, denn gerade diese Wechsel machen das Album aus. Wer auf gut gemachte Rockmusik mit Prog-Ansätzen steht, der kann hier überhaupt nichts falsch machen. Für dieses Album vergebe ich zwölf Punkte.

Anspieltipps: Lazarus, Arriving Somewhere But Not Here, Mellotron Scratch

Grobschnitt – Ballermann

Grobschnitt – Ballermann


Besetzung:

Stefan Danielak (Wildschwein) – lead vocals, guitar
Joachim H. Ehrig (Eroc) – drums, percussion, electronic, vocals on Sahara
Gerd O. Kühn (Lupo) – lead guitar
Bernhard Uhlemann (Bär) – bass guitar
Volker Kahrs (Mist) – keyboards


Label: Metronome Music / Brain


Erscheinungsdatum: 1974


Stil: Krautrock, Progressive Rock


Trackliste:

1. Sahara (5:38)
2. Nickel-Odeon (9:20)
3. Drummer's Dream (6:16)
4. Morning Song (5:47)
5. Magic Train (13:22)
6. Solar Music, Part 1 (17:33)
7. Solar Music, Part 2 (15:57)

Im Jahr 1974, in dem so viele tolle progressive Rock Platten das Licht der Welt erblickten, in diesem Jahr schickten sich fünf Hagener Musiker an, es ihren britischen Kollegen gleich zu tun und sie veröffentlichten mit „Ballermann“ ebenfalls einen Klassiker, der auch heute, Ende 2011 und damit 37 später, nichts von seinem Glanz verloren hat.

Die Platte beginnt zunächst mit einem Spaß, bei dem Erke Eroc ein paar einleitende Worte zur neuen Platte und zum Song „Sahara“ im breitesten Denglisch spricht. Das Ganze endet mit dem Satz: „Come on boys, let’s sing, that the camels are breaking together – one – two – three – four!“ Was folgt ist ein schräger La-la-la-Gesang, der dann in einen breiten Gitarren- und Keyboardsound übergeht. Eroc übernimmt weiterhin den Gesang und auch wenn dieser, sowohl in seiner Art, als auch vom Text her, weiterhin nicht ganz ernst zu nehmen ist, so ist das Lied trotzdem klasse. Tolle Melodie verbunden mit einem breiten, fetten und dichten Sound. Klasse gemacht. Das Lied endet schließlich, indem es immer schneller und schneller gespielt wird, sich die Stimmen gen Mickey Mouse verabschieden und dabei langsam ausgeblendet werden.

Die zweite Nummer, „Nickel-Odeon“, beginnt wieder mit einem breiten Orgelsound, in den sich dann die Gitarre einklinkt. Das Stück ist die ersten knapp zweieinhalb Minuten ein Instrumentalstück, ehe sich Stefan Danielak mit seinem Gesang zur Instrumentierung dazugesellt. Und hier, in dieser Nummer passt der Gesang sehr gut. Vielleicht, weil er nicht ganz so übertreibt im Ziehen der Vokale, wie es noch auf weiteren Nummern der Platte zu hören sein wird. Nein hier passt es und auch die Musik ist klasse. Der Gesang wird durch sehr ruhige, zurückhaltende Passagen unterbrochen. Alle wie gehabt sehr harmonisch aufeinander abgestimmt, getragen vom breiten Orgelsound und einer Gitarre, die in diesem Stück manchmal so wunderschön frickelig und gleichzeitig melodiös sein darf.

Es folgt „Drummer’s Dream“, welches mit einem schönen Klavierlauf eingeleitet wird. Und hier gibt es sogar mal mehrstimmigen Gesang der Hagener Kombo zu hören. Und auch das haben sie drauf. Der Sologesang Danielaks wirkt hier aber irgendwie überzogen, übertrieben. Ansonsten ist das Stück eine schöne Nummer, die sich immer im Fluss befindet. „Morning Song“ im Anschluss daran, ist wieder ein sehr melodiöses und ruhiges Lied, bei der Sänger Wildschwein hauptsächlich seine Kopfstimme benutzt. Und das klingt gar nicht mal schlecht, das macht er hier richtig gut. Das Lied wird im weiteren Verlauf sogar ein wenig härter, bis es schließlich wieder auf die eher lustige Seite beendet wird, indem sich Eroc wieder in die Vocals mit einbringt.

„Magic Train“ ist mit seinen 13:20 Minuten das drittlängste Lied auf der Platte und stellt eigentlich zwei Lieder dar, die im Grunde genommen nichts miteinander zu tun haben. Da ist zuerst dieser wunderschöne Klavierpart, der etwas länger als drei Minuten andauert und dann leider irgendwie viel zu früh endet. Unglaublich schön. Es kommt zur Pause und der zweite Teil von „Magic Train“ beginnt. Dieser wird durch den Gesang Stefan Danielaks eröffnet und der Song entwickelt sich dann zu einem richtigen Stück progressiver Rockmusik. Für mich klingt Grobschnitt in keinem anderen Song so sehr nach Genesis wie hier. Da sind diese Ideen, diese Breaks, diese Tony Banks-Keyboardläufe, diese Steve Hackett-Gitarrenriffs. Bis auf den Gesang wirklich ganz, ganz nah bei Genesis der frühen 70er.

Ja und dann kommt es, das Meisterwerk von Grobschnitt: „Solar Music“. In dieser Version hier 33 Minuten lang und für mich auch eine der besten Versionen. Und am schönsten genießt man dieses Stück Musik relaxt auf dem Sofa mit Kopfhörern auf den Ohren. Tolle Klangwelten eröffnen sich hier dem Hörer von sphärisch schwebend bis druckvoll treibend, von ganz zart bis kraftvoll und laut. 33 Minuten Abwechslung pur und das wirklich durchgängig melodiös und immer packend. Und auch hier sind wieder einige Scherze eingebaut. Am besten gefällt mir jener, bei dem am Ende des ersten Teils das Mainzelmännchen meiner Jugend sein „Guten Abend“ in das Mikrophon plärrt. „Solar Music“ hat alles und wer Krautrock, aber auch progressive Rockmusik mag, der kann an diesem Stück Musik nicht vorbeigehen - denn „Solar Music“ muss man gehört haben. Und am besten die Live-Version von 1978 gleich hinterher.

Fazit: „Ballermann“ ist ein, wenn nicht der Klassiker von Grobschnitt. Das liegt natürlich mit an der ersten Veröffentlichung des Songs „Solar Music“. Aber auch die anderen Stücke können gefallen, wenn sie auch natürlich nicht an diesen Übersong heranreichen. In all den Jahren hat die Platte nichts von ihrer Klasse eingebüßt und kann immer noch begeistern. Empfehlen zum Kauf würde ich die remasterte Version von 2008. Diese Ausgabe der CD erhöht das Klangerlebnis noch einmal. Mir ist Ballermann 13 Punkte wert.


Anspieltipps: Sahara, Magic Train, Solar Music, Part 1, Solar Music, Part 2

Brute – Nine High A Pallet

Brute – Nine High A Pallet


Besetzung:

Vic Chesnutt – guitar, harmonica and vocals
David A. Schools – bass
Michael N. Houser – guitar
Todd A. Nance – drums and found percussion
John R. Hermann – keyboards
John F. Bell – dobro and backing vocals
Johnny Hickman – echo harp
David Lowery – guitar
John Keane – pedal steel guitar


Label: Warner


Erscheinungsdatum: 1995


Stil: Rock, Folk


Trackliste:

1. Westport Ferry
2. Blight
3. Good Morning Mr. Hard On
4. I Ain't Crazy Enough
5. Protein Drink / Sewing Machine
6. Let's Get Down To Business
7. George Wallace
8. PC
9. Snowblind
10. Miserable
11. Bastards In Bubbles
12. Cataclysm

1995 veröffentlichte Vic Chesnutt unter dem Bandnamen “Brute” die CD “Nine High A Pallet”. An Weihnachten 2009 nahm sich Vic Chesnutt mit einer Überdosis eines Medikaments das Leben. Und eine gewisse Traurigkeit oder Hoffnungslosigkeit scheint schon sehr lange ein Teil seines Lebens gewesen zu sein. Zumindest erscheint das so, wenn man sich etwas näher mit den Texten und der Musik Vic Chesnutts beschäftigt. Und diese Traurigkeit kommt auch in seinem Bandprojekt „Brute“ zu Tage. Denn auch hier finden sich jede Menge traurige und düstere Lieder.

Die Musik auf „Nine High A Pallet“ ist meist sehr gitarrenlastig. Mal klingt sie folkiger, mal rockiger. Und diese Musik kann durchaus begeistern. Langsam, ganz langsam wird man mit „Westport Ferry“ in das Universum des Vic Chesnutt eingeführt. Ein ruhiger, fast schon schüchterner Song, dezent instrumentiert mit Gitarre und Mundharmonika, der nur zum Refrain ein wenig Fahrt aufnimmt. Und dann folgt mit „Blight“ gleich eines der Höhepunkte des Albums. Wenn ich dem Titel ein Substantiv zuordnen müsste, dann hieße das Sehnsucht. „Blight“ klingt für mich nach Sehnsucht, hat eine schöne, aber traurige Melodie und ist ein Lied, in dem man „schwelgt“ – auch wenn der Titel etwas ganz anderes sagt.

Es folgt „Good Morning Mr. Hard On”, eine Nummer bei der die Gitarre diesmal von einem Klavier begleitet wird und welches sehr viel fröhlicher wirkt. „I Ain’t Crazy Enough“ wird anschließend mittels einer Orgel eingeleitet und ist gleichzeitig wieder sehr viel düsterer. Die Orgel wirkt hier oft wie eine Kirchenorgel und trägt mit zur gedrückten, manchmal sogar fast getragenenen Stimmung des Liedes bei.

Hört man Vic Chesnutt, so muss man auch einige Worte über seinen Gesang verlieren. Der wirkt oft so leise, so zurückhaltend, so zerbrechlich. Und damit passt er sich bestens an die Stimmung der Lieder an, die ebenfalls meist sehr unaufdringlich sind und gerade darin ihre Schönheit zeigen.

Das fünfte Stück auf dem Album ist ein Doppeltitel und heißt „Protein Drink / Sewing Machine“. Und dieser Song ist für mich das Meisterwerk auf dem Album. Ein unglaublich dichtes Lied, welches aus zwei Teilen besteht, viele Gitarrensoli enthält und im Part „Sewing Machine“ von alltäglichen Dingen erzählt, die so unspektakulär sind, wie ich sie bisher nur noch alltäglicher von Genesis auf „Aisle Of Plenty“ kredenzt bekommen habe, als die Zubereitung von Rühreiern vertont wurde. Das soll nicht heißen, dass die Musik Vic Chesnutts auch nur im Geringsten der von Genesis mit Peter Gabriel ähnelt. Allerdings sind beide Stücke musikalisch toll umgesetzt, jedes auf seine Weise.

Nun und so geht die CD weiter. Mit sehr viel Gitarre, meist sehr ruhig, aber auch immer wieder mit rockigeren Stücken. Traurig, aber auch immer wieder mit fröhlicheren Farbtupfern. Man muss sich nur darauf einlassen können.

Fazit: Ich kann nicht mit jedem Lied Vic Chesnutts etwas anfangen. Auch muss man allgemein manchmal einfach in der Stimmung zu Vic Chesnutt oder in diesem Fall zu Brute sein. Aber es gibt auch Stücke, die sind einfach klasse wie „Blight“ oder „Protein Drink / Sewing Machine“, die man auch immer hören kann und sehr gerne hört. So bleiben auf dieser Platte zwei Übersongs, die von zehn weiteren begleitet werden, für die man die Muße haben muss. Trotzdem erweitert dieses Album irgendwie den Horizont. Doch, nicht nur für die tollen Titel, für die Gesamtheit vergebe ich neun Punkte.

Anspieltipps: Westport Ferry, Blight, Protein Drink / Sewing Machine, Bastards In Bubbles

Fischer-Z – Red Skies Over Paradise

Fischer-Z – Red Skies Over Paradise


Besetzung:

John Watts – vocals, guitars, keyboards
Steve Liddle – drums, backing vocals
David Graham – bass, bass pedals, backing vocals


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: New Wave, Rock


Trackliste:

1. Berlin (4:37)
2. Marliese (3:53)
3. Red Skies Over Paradise (A Brighton Dream) (4:37)
4. In England (2:45)
5. You'll Never Find Brian Here (2:12)
6. Battalions Of Strangers (5:08)
7. Song And Dance Brigade (3:06)
8. The Writer (3:24)
9. Bathroom Scenario (3:51)
10. Wristcutters Lullaby (2:50)
11. Cruise Missiles (4:20)
12. Luton To Lisbon (1:57)
13. Multinationals Bite (3:36) 

Gesamtspieldauer: 46:11

Fischer-Z war eine der angesagtesten Bands des New Wave, Anfang der achtziger Jahre des letzten Jahrhunderts. Und das lag nicht zuletzt an dem Album „Red Skies Over Paradise“ aus dem Jahr 1981. Dieses Album ist ein wahres Feuerwerk voller Ideen und Einfälle des „Machers“ von Fischer-Z, John Watts. Und die Platte allein auf New Wave zu reduzieren, damit würde man dieser Scheibe auch nicht gerecht werden, denn hier finden sich neben New Wave Klängen Poplieder, Rocklieder, sowie mit Punk und Reggae angehauchte Stücke. Und das alles wirkt so unkompliziert, wird so schwerelos dargebracht, dass das Zuhören einfach Spaß macht.

Mit Sicherheit gibt es bessere Sänger als John Watts. Aber auch dieses „nicht immer ganz sichere Singen“, vor allem bei den höheren Passagen, gehört zur Musik von Fischer-Z einfach dazu. Genau wie die durchweg sehr überlegten und tiefergehenden Texte. Egal ob die jetzt über den kalten Krieg gehen (Battalions Of Strangers), über die krankhafte Verehrung eines Filmstars (Marliese), die globale Aufrüstung (Cruise Missiles) oder eine Hommage an eine Stadt sind (Berlin), die Texte lohnen sich mitgelesen zu werden und sind auch auf dem Booklet abgedruckt.

Musikalisch gibt es auf „Red Skies Over Paradise“ auch jede Menge Höhepunkte. Die heißen „Berlin“, „Marliese“, „In England“, „Battalions Of Strangers“, „The Writer“, „Cruise Missiles“, „Luton To Lisbon“ und schließlich „Multinationals Bite“. Also so ziemlich alle Stücke der CD. Und das Schöne ist, die anderen sind auch nicht viel schlechter. Auf dem Album findet sich kein Allerwelts-Pop, sondern klasse durchdachte, durcharrangierte und durchweg interessante Kompositionen, die nicht immer ganz klar einer Stilrichtung zugeordnet werden können. Klar gibt es kompliziertere, mehr fordernde Musik oder aber deutlich härtere Bands, aber manchmal steht einem der Sinn einfach nach Fischer-Z. Mir wenigstens.

Fazit: „Red Skies Over Paradies“ ist eine Platte, die den Sound Anfang der 80er sehr gut wiedergibt. Aber die Musik ist sogar noch ein wenig facettenreicher als viele New Wave Bands der damaligen Zeit. Fischer-Z erkennt man sofort, spätestens wenn der Gesang einsetzt. Und dieser Wiedererkennungswert, gepaart mit eingängigen Melodien und interessanten Texten, lässt das Album wachsen – bis hin zu elf Punkten.

Anspieltipps: Berlin, Battalions Of Strangers, Cruise Missiles, Luton to Lisbon, Multinationals Bite

Stereophonics – Just Enough Education To Perform

Stereophonics – Just Enough Education To Perform


Besetzung:

Kelly Jones – guitar and singing
Richard Jones – bass and harmonica
Stuart Cable – drums


Gastmusiker:

Marshall Bird – piano, backing vocals, wurlitzer and harmonica
Hazel Fernandez, Aileen McLaughlin, Anna Ross – backing vocals on “Vegas Two Times”
Glen Hyde – harmonica on track “Rooftop”


Label: V2 Music Ltd.


Erscheinungsdatum: 2001


Stil: Rock


Trackliste:

1. Vegas Two Times (4:29)
2. Lying In The Sun (4:31)
3. Mr.Writer (5:19)
4. Step On My Old Size Nines (4:01)
5. Have A Nice Day (3:25)
6. Nice To Be Out (3:09)
7. Watch Them Fly Sundays (3:30)
8. Everyday I Think Of Money (3:25)
9. Maybe (4:35)
10. Caravan Holiday (3:13)
11. Rooftop (6:15)

Gut gemachte Rock-Musik gibt es auf dem dritten Album der Stereophonics aus dem Jahr 2001 zu hören. Gut gemachte Rock-Musik, die allerdings auf „Just Enough Education To Perform“ nur noch an wenigen Stellen die „Härte“, wie auf den beiden Vorgängeralben der drei Waliser entwickelt. Laute und verzerrte Töne gibt es hier hauptsächlich auf der ersten, “Vegas Two Times“ und - mit Abstrichen - auf der letzten Nummer, „Rooftop“ zu hören. Nach dem Kracher zu Eröffnung folgt mit „Lying In The Sun“ ein schöner entspannter Titel, der richtiggehend zum Relaxen und zum „in der Sonne liegen“ einlädt. Nette Nummer, die leicht schwebend die Boxen verlässt und bei dessen Hören man sich einfach nicht aufregen kann.

„Mr. Writer“, das dritte Stück, war die erste Singleauskopplung aus dem Album und wurde auch mit einem interessanten Video geadelt. Für mich das beste Lied auf dem Album. Besonders gut kommt hier auch Kelly Jones‘ kratzige Stimme rüber. Interessant dabei sind auch immer die kurzen Erläuterungen im Booklet zu den einzelnen Songs. Bei Mr. Writer sollte der Sound demnach ähnlich klingen wie bei Stevie Wonders „Maybe Your Baby“, dem zweiten Titel aus dem Album „Talk Book“. Meiner Meinung nach ließ sich Kelly Jones beim Schreiben des Titels aber auch vom sechsten Stück der Platte, „Superstition“ inspirieren. Und auch wenn die Musik der Stereophonics eine völlig andere ist als die soulige Musik eines Stevie Wonders, so wurde hier zumindest der Sound als Vorlage genommen und klasse in ein Rockstück übertragen. Gelungen.

Die folgenden Nummern werden nun hauptsächlich von der Akustik-Gitarre dominiert. Die Titel sind alle schöne, nette Songs, die sofort ins Ohr gehen, die nicht aufregen, aber einen wohl auch leider nicht länger beschäftigen. Man kann das alles super gut anhören, die Lieder sind wahrlich nicht schlecht, aber sie fließen so dahin. Sie bleiben einfach nicht hängen.

Anders ist das bei „Everyday I Think Of Money”. Ein Stück, ebenfalls relativ ruhig, aber doch mit dem gewissen Etwas. Diesem Etwas, der die sehr guten Songs von den guten Liedern unterscheidet. „Everyday I Think Of Money” hallt nach. Und auch hier kommt der Gesang Kelly Jones‘ wieder sehr gut zum Tragen. Zudem verbreitet das Stück so ein „Stückchen Sehnsucht“. Alles passt perfekt zusammen, die zurückhaltende Instrumentierung, die Melodie und der Gesang. Klasse Nummer.

Die beiden folgenden Titel sind wieder nicht schlecht gemachte Rocknummern, die sich dem Pop allerdings annähern. Das letzte Stück, „Rooftop” unterscheidet sich dann von den anderen auch durch den klasse Einsatz einer Mundharmonika, die dem Stück sehr viel Schwung verleiht.

Fazit: An der dritten Platte der Stereophonics „Just Enough Education To Perform” ist nichts schlecht. Es lassen sich keine schlechten Lieder ausmachen. Allerdings gibt es da auch einige Titel, die, na sagen wir mal so mitlaufen. Die hört man sich an und vergisst sie wieder, da diese Lieder keinen Anker im Musikzentrum des Hirns setzen können. Zumindest nicht in meinem. Und leider sind diese Stücke stark in der Überzahl auf dem Album. Allerdings gibt es auch Highlights auf der Platte, die ihren größten Höhepunkt in „Mr. Writer“ hat. Das sind neun Punkte.

Anspieltipps: Lying In The Sun, Mr.Writer, Everyday I Think Of Money

Gentle Giant – Acquiring The Taste

Gentle Giant – Acquiring The Taste


Besetzung:

Derek Shulman – alto sax, clavichord, cowbell, lead vocals
Phil Shulman – alto & tenor sax, clarinet, trumpet, piano, claves, maracas, lead vocals
Ray Shulman – bass, violin, viola, electric violin, Spanish guitar, tambourine, 12 string guitar, organ bass pedals, skulls, vocals
Gary Green – 6 string guitar, 12 string guitar, 12 string wah-wah guitar, donkey's jawbone, cat calls, voice
Kerry Minnear – electric piano, organ, mellotron, vibraphone, Moog, piano, celeste, clavichord, harpsichord, tympani, maracas, lead vocals
Martin Smith – drums, tambourine, gongs, side drum


Gastmusiker:

Paul Cosh – trumpet, organ
Tony Visconti – recorder, bass drum, triangle


Label: Vertigo


Erscheinungsdatum: 1971


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Pantagruel's Nativity (6:53)
2. Edge Of Twilight (3:52)
3. The House, The Street, The Room (6:06)
4. Acquiring The Taste (1:40)
5. Wreck (4:40)
6. The Moon Is Down (4:49)
7. Black Cat (3:54)
8. Plain Truth (7:36)

“Acquiring the taste is the second phase of sensory pleasure. If you've gorged yourself on our first album, then relish the finer flavours (we hope) of this, our second offering.
It is our goal to expand the frontiers of contemporary popular music at the risk of being very unpopular. We have recorded each composition with one thought - that it should be unique, adventurous and fascinating. It has taken every shred of our combined musical and technical knowledge to achieve this.
From the outset we have abandoned all preconceived thoughts on blatant commercialism. Instead we hope to give you something far more substantial and fulfilling. All you need to do is sit back, and acquire the taste.”

Das ist die Botschaft, die Gentle Giant auf das Platten- beziehungsweise CD-Cover zu ihrer zweiten Veröffentlichung „Acquiring The Taste“ aus dem Jahr 1971 drucken ließ. Der zweite Satz darin erscheint mir dabei am Wichtigsten und bedeutet frei übersetzt etwa: „Unser Ziel ist es, die Grenzen der zeitgenössischen Pop-Musik zu erweitern, auch auf die Gefahr hin, dabei sehr unpopulär zu sein.“ „Unpopulär“ wirkt es zunächst wirklich. Denn wenn ich ein Album kenne, dem man Zeit zum Reifen einräumen muss, sprich, man muss es immer und immer wieder hören, bis sich einem seine Schönheit, seine Komplexität und auch seine Qualität erschließt, dann ist das „Acquiring The Taste“ von Gentle Giant. Alles was Yes, Genesis, King Crimson, ja sogar Van der Graaf Generator da produziert haben, ist sehr viel eingängiger. Und so ließ mich „Acquiring The Taste“ nach dem ersten Hören ziemlich ratlos zurück und es festigte sich der Gedanke: Mann, ist das abgefahren! Und wenn ich direkt danach Punkte für dieses Album hätte vergeben sollen, so wären es wohl nicht mehr als derer drei geworden.

Aber natürlich habe ich diesem Album Zeit zum Reifen eingeräumt. Sogar eine ganze Menge Zeit. Und siehe da, der Opener „Pantagruel's Nativity“ wurde plötzlich sehr viel melodischer und jedes Instrument, jedes gesungene Wort sowie jeder Ton erklingen genau an der perfekten Stelle in dem Lied. „Edge Of Twilight” wirkt plötzlich nicht mehr nur getragen, sondern mit seinem Gesang und seiner Instrumentierung fast schon mystisch und plötzlich tauchen da diese Spinett-Klänge in der Mitte des Liedes auf und rühren – zu was auch immer.

„The House, The Street, The Room” rockt und hat einen wunderschönen, melodiösen Refrain. Dann gibt es da diesen völlig schrägen Part, in dem die Trompete so herrlich frei klingt, bis E-Gitarre und Orgel das Zepter des Handelns in die Hand nehmen und es richtig rockt. Und schließlich geht alles wieder in den Anfangspart über, um abschließend wieder mit dieser Trompete zu enden.

Der Titelsong „Acquiring The Taste” ist eine kurze Instrumentalnummer, die ebenfalls erst nach dem zehnten Hören melodiös klingt. Dann folgt „Wreck”, überraschenderweise ein Titel, der sogar schon beim ersten Hören ins Ohr geht. Zum Teil wirkt dieses Stück wie ein Shanty und man ist versucht dieses „Hey Yeah Yeah Hold On“ mitzugrölen. Konterkariert wird das Ganze durch einen Part bestehend aus Blockflöten und Spinett. Jetzt wird es richtig mittelalterlich. Und die Gesamtheit des Songs wirkt in keinster Weise konstruiert, alles passt perfekt zusammen.

Bei „The Moon Is Down” fällt sofort dieser mehrstimmige Gesang auf, der klasse arrangiert ist. Und richtig toll und melodiös geht es dann instrumental weiter. „The Moon Is Down” ist die Nummer auf dem Album, die bei mir durch mehrmaliges Hören am stärksten gewachsen ist. Für mich inzwischen ein Highlight im Repertoire der sanften Riesen.

Es folgt der siebte Titel, „Black Cat“. Hier spielt die Violine die Hauptrolle, mal gezupft, mal gestrichen. Und auch bei diesem Track gibt es wieder toll arrangierten, mehrstimmigen Gesang. Neben „Wreck“ ist „Black Cat“ wohl der Song des Albums, der am schnellsten ins Ohr geht, auch wenn sich der Mittelteil ein wenig nach Katzenmusik anhört... Klasse auch das Ende des Stücks, wenn das Maunzen und Schnurren einer Katze mittels Instrument wiedergegeben wird.

„Plain Truth” ist das längste Stück des Albums und bildet gleichzeitig seinen Abschluss. Eine zunächst sehr rockige Nummer, die einen sehr ruhigen Mittelteil aufweist, in dem eine ganze Menge aus der Violine herausgeholt wird, bevor es wieder rockig endet.

Fazit: Mit „Acquiring The Taste” kann man Menschen verjagen! Solche, die mit progressiver Rockmusik der frühen Siebziger nichts anfangen können – sowieso. Aber auch wenn man gerade dort seine musikalische Heimat gefunden hat, so erfordert „Acquiring The Taste“ doch noch zusätzliche Arbeit. Die Musik erschließt sich nicht sofort. Sie ist überhaupt keine Musik für den Hintergrund. Sie erfordert die volle Aufmerksamkeit des Hörers, der, wenn er so tickt wie ich, erst nach mehreren Durchläufen die volle Schönheit der Kompositionen erkennen wird. Auch nach vielem Durchhören ist das kein 15-Punkte-Album. Allerdings haben sich die drei Punkte vom Beginn mehr als verdreifacht: Von mir gibt es für „Acquiring The Taste” zehn Punkte.

Anspieltipps: The House, The Street, The Room; Acquiring The Taste; Wreck; The Moon Is Down

Gentle Giant – Gentle Giant

Gentle Giant – Gentle Giant


Besetzung:

Derek Shulman – lead vocals, backing vocals and some bass
Ray Shulman – most bass, violin, some guitar, percussion, backing vocals
Phil Shulman – sax, trumpet, recorder, lead vocals and backing vocals
Kerry Minnear – keyboard, some bass, cello, lead vocals, backing vocals and tuned percussion
Gary Green – lead guitar, 12 string guitar
Martin Smith – drums and percussion


Gastmusiker

Paul Cosh – tenor horn on “Giant”
Claire Deniz – cello on “Isn't It Quiet And Cold”


Label: Vertigo


Erscheinungsdatum: 1970


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Giant (6:24)
2. Funny Ways (4:23)
3. Alucard (6:02)
4. Isn't It Quite And Cold? (3:54)
5. Nothing At All (9:08)
6. Why Not? ( 5:31)
7. The Queen (1:40)

“Gentle Giant” heißt das Debut der gleichnamigen Band aus dem Jahr 1970. Und es war ein sehr gelungenes Debut, welches die sechs Briten und Multiinstrumentalisten da vorlegten. Ein gelungenes Debut mit progressiver Rockmusik. Und obwohl Gentle Giant nie den gleichen Erfolg haben sollte wie einige andere progressive Bands zur damaligen Zeit, so beeinflusste Gentle Giant mit ihrer Musik, in den etwas mehr als zehn Jahren ihres Bestehens, doch ebenfalls eine ganze Menge anderer Bands und Solokünstler.

Doch nun zum Erstling der Band Gentle Giant. Auf dem Innencover werden die Stücke mit „These are the giant’s favourites:“ angekündigt. Und so beginnt die Platte mit dem Stück „Giant“. Langsam schwebt eine Hammond Orgel herein, bis schließlich, in dieser Reihenfolge, Bass, Schlagzeug, Gesang und E-Gitarre einsetzen. Und sofort ist das Stück eine herrlich treibende Nummer progressiver Rockmusik. Hier gibt es die Rhythmus- und Stilwechsel, mehrstimmige Gesangseinlagen, schräge und wunderschön melodiöse Abschnitte. Hier wird gleich im ersten Stück alles geboten: Passagen zum Überraschtsein, genauso wie Stellen zum Schwelgen. Klar muss man bei diesem Lied etwas mit progressiver Rockmusik der 70er anfangen können, um dieses Stück genießen zu können. Wenn man das allerdings kann, eröffnet sich hier ein wahres Füllhorn von Ideen.

Der nächste Track „Funny Ways“ kommt da dann schon sehr viel eingängiger daher. Auch in diesem Stück gibt es zwar schrägere Abschnitte, geprägt ist das Lied allerdings von einer sehr melodiösen Grundstimmung, die sofort ins Ohr geht. Klasse hier auch wieder die Gesangsarrangements, die perfekt durchkomponiert sind und keine Wünsche offen lassen – genau wie der Einsatz der Streicher.

Weiter geht es mit „Alucard“. Wieder ein Track in bester progressiver Machart. Den Anfang beherrschen Saxophon, Keyboard und E-Gitarre und lassen das Stück, perfekt aufeinander abgestimmt, schön schräg beginnen. Wenn dann auch noch der Gesang einsetzt, der auf diesem Stück so klingt, als wäre er zunächst rückwärts aufgenommen worden, dann ist die Mixtur des Prog-Rock-Songs perfekt erreicht. Es folgen noch Zutaten wie fette Hammond-Orgel-Klänge und ganz leise Passagen. Was lediglich fehlt, sind die überaus melodischen Klänge, die sofort ins Ohr gehen und dort auch lange verbleiben.

Diese gibt es dann allerdings im Überfluss in dem nächsten Stück. „Isn’t It Quiet And Cold?“ Eine tolle melodiöse Nummer, bei der die Violinen gestrichen oder aber gezupft werden und alles vor Leichtigkeit und Freude zu hüpfen scheint. Ein toller Song, der so gar nicht zum Rest der Platte passen will und genau dadurch wieder eine Überraschung bereit hält und Spaß macht.

Und noch melodiöser geht es weiter. Der Beginn von „Nothing At All“ ist wohl eines der eingängigsten Stücke, die Gentle Giant überhaupt geschrieben haben. Absolute Klasse und ein Höhepunkt des Albums. Nach 2:30 ist es dann aber vorbei mit dem „Schmusekurs“ und es geht deutlich rockiger zu Werke. Ganz anders wird es dann ab 4:30, denn jetzt hören wir ein Drumsolo, in welches ab 5:50 zunächst sehr melodiöse, später dann auch dissonante Pianotöne ihren Einzug finden. Und bei 7:45 löst sich alles wieder auf und wir befinden uns wieder im allerersten Teil des Liedes. So schön wie die Nummer angefangen hat, genauso schön endet sie auch. Auf das Drumsolo hätte man vielleicht verzichten können, andererseits wirkt es nach diesem, kombiniert mit der atonalen Pianoeinlage, wie ein Aufklaren des Himmels, wenn das Lied wieder in seinen ersten Teil überführt wird.

„Why Not?“ ist der vorletzte Track auf dem Album. Von seiner Machart erinnert es ein wenig an die erste Nummer, „Giant“. Auch hier gibt es treibende und schräge Abschnitte, genau wie herrlich schwebende, melodiöse Teile. Das Stück endet in einem schnellen, gitarrendominierten Rockteil, den man so auch nur selten bei Gentle Giant hört.

Ganz zum Schluss gibt es anschließend noch die Gentle Giant Adaption der englischen Nationalhymne. „The Queen“ heißt das Stück, lebt von dem Gitarrensound und den Breaks, würde allerdings auch nicht fehlen, wenn es nicht auf der Platte zu finden wäre.

Fazit: Ein schönes, spannendes und abwechslungsreiches Debut haben Gentle Giant mit der gleichnamigen Platte da 1970 vorgelegt. Hier gibt es alles, was das Herz des Prog-Fans höher schlagen lässt. Und Vieles, was da noch kommen sollte, lässt sich auf diesem Album schon erahnen. Warum Gentle Giant allerdings nie den gleichen Stellenwert und Erfolg wie andere Bands des gleichen Genres zur damaligen Zeit, also zum Beispiel Genesis, Yes oder King Crimson, erreichten, liegt vielleicht am Fehlen eines charismatischen Frontmannes wie es Peter Gabriel, Jon Anderson oder Robert Fripp waren. Oder aber es liegt an den, im geringeren Maße vorhandenen Songs, mit überaus eingehender Melodie. Diese Stücke gibt es zwar auch bei Gentle Giant, allerdings in kleinerer Anzahl. Dafür lebt Gentle Giant die anderen Facetten einer Prog-Band mehr aus, als die oben genannten Bands.
Alles in allem ein tolles Debut von Gentle Giant, was zur damaligen Zeit sicherlich viel Vorfreude auf künftige Werke der Band heraufbeschwor. Und diese Werke sollten auch folgen. Elf Punkte.

Anspieltipps: Giant, Funny Ways, Isn’t It Quiet And Cold?, Nothing At All

Steve Hackett – Please Don`t Touch

Steve Hackett – Please Don`t Touch


Besetzung:

Steve Hackett – electronic and acoustic guitars, vocals, keyboards, percussion


Gastmusiker:

Tom Fowler – bass
Phil Ehart – drums, percussion
Chester Thompson – drums, percussion
Steve Walsh – vocals on track 1 & 3
Richie Havens – vocals on track 5 & 10, percussion
Dave Lebolt –- keyboards
John Acock – keyboards
John Hackett – flutes, piccolos, bass pedals, keyboards
Graham Smith – violin
Randy Crawford – vocals on track 6
Hugh Malloy – cello


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1978


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Narnia (4:05)
2. Carry On Up The Vicarage (3:11)
3. Racing In A (5:07)
4. Kim (2:13)
5. How Can I? (4:38)
6. Hoping Love Will Last (4:23)
7. Land Of A Thousand Autumns (1:38)
8. Please Don't Touch (3:39)
9. The Voice Of Necam (3:11)
10. Icarus Ascending (6:27)
11. Narnia (Bonustitel, John Perry Vocal Version) (3:36)
12. Land Of A Thousand Autumns / Please Don't Touch (Bonustitel, live) (7:53)
13. Narnia (Bonustitel, Alternative Version) (4:30)

Gesamtspieldauer: 54:29

„Please Don’t Touch“ lautet der Titel des zweiten Soloalbums aus der Feder Steve Hacketts, dem ehemaligen Genesis-Gitarristen. Und „Please Don’t Touch“ war gleichzeitig das erste Album, welches Steve Hackett nach seiner Genesis-Demission veröffentlichte. Auffällig an diesem Album ist, dass Hackett hier sehr viele, verschiedene Musikstile auf einer Platte vereint. Hier hört man Rock- und Popelemente, Folk, sogar Soul und natürlich progressiven Rock.

Eröffnet wird die Platte durch „Narnia“, einer von Kansas Sänger Steve Walsh gesungenen Nummer, die sofort ins Ohr geht. Das Stück war ursprünglich auch als Single-Auskopplung vorgesehen. Die Veröffentlichung scheiterte allerdings am Veto von Steve Walshs Plattenfirma. So kann man in den Bonustiteln eine alternative Version des Liedes mit John Perry als Sänger hören. Dessen Gesang passte jedoch nicht so perfekt zur Stimmung des Liedes, sodass auf eine Singleauskopplung vollständig verzichtet wurde.

Der nächste Titel der Platte, „Carry On Up The Vicarage” hat es dann gleich in sich. Hier gibt es neben der „normalen“ Gesangsspur, auf der man Steve Hackett singen hört, zwei weitere Gesangsspuren, auf der die Stimme des Musikers verfremdet wurde. Das Lied startet zunächst mit Spieluhr- und Grammophonklängen, bis schließlich ein Duettgesang erklingt. Eine Stimme wird dabei etwas zu schnell abgespielt, sodass sie ein bisschen erhöht wird und an einen Zwerg erinnert (wie bei „The Laughing Gnome“ von David Bowie). Die zweite Gesangsstimme wird dagegen ein wenig zu langsam abgespielt, wodurch sie tiefer erscheint und sehr gut zu einem Riesen passen würde. Beim Hören des Stückes findet man das entweder bescheuert oder aber witzig, wobei ich mich ganz klar zur letzten Fraktion zähle. Klasse Idee. Das Lied hat dabei eine tolle Melodie und gehört für mich zu den Highlights des Albums, da ich so etwas, in dieser Kombination, auch sonst noch nie gehört habe.

Das nächste Stück, „Racing In A“ ist eine Rocknummer mit progressiven Ansätzen, bei der sich abermals Steve Walsh für den Gesang auszeichnet. Das Lied ist sicher nicht schlecht, will allerdings trotzdem nicht so richtig zünden. Richtig gut wird die Nummer allerdings nach knapp vier Minuten, wenn sie zu einem reinen, akustischen Gitarrensolo wird. Hier kann Steve Hackett sein ganzes Können an der Gitarre einbringen. Wunderbar schwebend und sphärisch ist dann, die sich anschließende, Instrumentalnummer „Kim“. Die Querflöte im Duett mit der Gitarre hört sich einfach nur klasse an.

Und schon folgt das nächste Highlight des Albums. „How Can I?“, gesungen von Richie Havens. Das Lied ist ein wunderschönes, fließendes Stück, das perfekt arrangiert, zum sentimentalen oder melancholischen Schwelgen einlädt. Richtig gut gemacht.

Nun, dann folgt er, der Stilbruch. „Hoping Love Will Last“ ist nicht nur ein etwas schleimig wirkender Titel für ein Lied, der restliche Text passt sich dem auch noch perfekt an. Man hört Randy Crawford diese Soulnummer singen. Und was bei Pink Floyd’s „A Great Gig In The Sky“ wunderbar funktionierte, funktioniert hier in keinster Weise. Das Stück wirkt wie ein Fremdkörper auf der Platte. Fließend geht diese Nummer schließlich in den nächsten Track „Land Of A Thousand Autumns“ über. Eine kurze Instrumentaleinlage, die vor allem eines schafft: Sphäre.

Es schließt sich der Titeltrack „Please Don`t Touch“ an. Eine progressive Rocknummer, die laut Booklet am besten ganz laut und mit möglichst viel Höhen und Bass gehört werden sollte. So viel Bass, wie die Anlage hergibt. Und auf diesen drei Minuten und neununddreißig Sekunden wird dem Hörer nun alles geboten, was das Progger-Herz höher schlagen lässt. Stimmungs- und Rhythmuswechsel, treibende und ruhigere Passagen - und schräge Töne. Auf die sehr melodischen Abschnitte, die sonst auch häufig ihren Part in progressiven Rockstücken eingeräumt bekommen, muss der Zuhörer allerdings verzichten.

Es folgen noch zwei weitere Höhepunkte der CD. Zum einen ist da „The Voice Of NECAM“, das dritte Instrumentalstück hintereinander - und ein Stück, was in dem Zusammenspiel Computer – Gitarre unglaublich viel Atmosphäre schafft. Beschlossen wird das ursprüngliche Album schließlich durch den Track „Icarus Ascending”, gesungen wieder von Richie Havens. Ein wahrlich würdiger Abschluss. Eine schöne Melodie und eine Instrumentierung, die zum Teil bombastische Züge aufweist. Das ganze Album klingt so auf einem sehr breiten und dichten Klangteppich aus.

Blieben noch die drei Bonustitel der 2005 remasterten Version des Albums. Zunächst ist da „Narnia“, gesungen von John Perry. Wie oben bereits erwähnt, fiel diese Version durch und wurde keine Singleauskopplung. Mir selbst gefällt die Steve Walsh Version ebenfalls besser, allerdings kenne ich diese auch schon sehr viel länger. „Land Of A Thousand Autumns / Please Don't Touch” ist dann eine Live-Version. Und schließlich gibt es noch eine alternative Version von “Narnia”, dieses Mal wieder mit Steve Walsh am Gesang. Diese Version unterscheidet sich allerdings nur im Ausklang des Liedes, welcher hier ein wenig länger ist als beim Original.

Fazit: Für mich ganz klar das beste Steve Hackett Album. Tolle Titel gibt es hier zu hören und sehr viel weniger Mittelmaß. Und mit dem „Soulausschlag nach unten“ bei „Hoping Love Will Last“ kann vielleicht nur ich nichts anfangen. Sonst macht die Scheibe einfach Spaß, elf Punkte.

Anspieltipps: Carry On Up The Vicarage, Kim, How Can I?

Thirty Seconds To Mars – This Is War

Thirty Seconds To Mars – This Is War


Besetzung:

Jared Leto – vocals, rhythm guitar, keyboards
Shannon Leto – drums, percussion
Tomislav Miličević – lead guitar, violin, keyboards


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 2009


Stil: Rock, Poprock


Trackliste:

1. Escape (2:23)
2. Night Of The Hunter (5:40)
3. Kings And Queens (5:47)
4. This Is War (5:27)
5. 100 Suns (1:58)
6. Hurricane (6:12)
7. Closer To The Edge (4:33)
8. Vox Populi (5:43)
9. Search And Destroy (5:38)
10. Alibi (5:59)
11. Stranger In A Strange Land (6:54)
12. L490 (4:26)

Gesamtspieldauer: 1:00:45

Vier Jahre nach der letzten Veröffentlichung, brachte die Amerikanische Band „Thirty Seconds to Mars“ 2009 ihr lang erwartetes, drittes Album „This Is War“ heraus. Und die Band hatte sich für seine Anhänger etwas Besonderes einfallen lassen. Nicht nur, dass auf dem Album die Fans in Form von Chören zu Worte kommen, nein, einige von ihnen wurden sogar auf dem CD Cover verewigt, welches in tausend verschiedenen Variationen veröffentlicht wurde.

Die Musik auf „This Is War“ ist eingängig. Sehr eingängig sogar, mit einem Hang zum Pathetischen und zum Bombast, den man immer wieder heraushören kann. Die Songs sind alle klasse arrangiert, wobei man sicherlich verschiedener Meinung bezüglich des Einsatzes des Fanchores sein kann. Eigentlich eine klasse Idee – dass diese allerdings bei fast allen Stücken umgesetzt werden muss, das kann man auch anders sehen.

Die Musik auf „This Is War“ geht größtenteils sofort ins Ohr und erinnert in seiner Machart und Stimmung sehr häufig an U2. Und genau in den Momenten, in denen dieser Weg ein wenig verlassen wird, zeigt die Band ihren eigenen Charakter. Den hört man beim Opener „Escape“, auf dem tollen „Hurricane“, auf dem ruhigeren „Alibi“ und dem überraschenden „L490“.

“Night Of The Hunter”, “Kings And Queens” und “This Is War” sind Kracher, die zum Mitgröhlen anregen. Richtig gut gemachter Pop-Rock. In diese Kategorie fällt der Großteil der Stücke auf dem Album. Und das ist nicht mal negativ gemeint, denn die Musik weiß zu unterhalten und man hört sehr gerne hin. Etwas Besonderes ist es allerdings nicht, muss es aber auch gar nicht immer sein, denn wenn Musik unterhält, dann hat sie schon viel erreicht – und das schaffen „30 Seconds To Mars“ mit ihrem Album „This Is War“.

Fazit: Auf dem Album finden sich viele gute Songs und überhaupt kein Titel, der unbedingt übersprungen werden müsste. Ob sich die Band allerdings mit diesem häufigen Choreinsatz einen Gefallen getan hat? Ich finde dieses Stilmittel wird hier deutlich überstrapaziert. Und außerdem, dies soll ja ein Fan-Chor sein, den man auf dem Album zu hören bekommt. Ist es denn wirklich so, dass man sich spätestens mit dem Stimmbruch oder aber dem ersten Sprießen des Busens von der Band abkehrt? Denn genau so klingt der Chor, nach jeder Menge zwölfjähriger Mädels und Burschen. Dafür gibt es neun Punkte.

Anspieltipps: Kings And Queens, This Is War, Hurricane, Alibi, L490

Muse – Origin Of Symmetry

Muse – Origin Of Symmetry


Besetzung:

Matthew Bellamy – vocals, guitar, keyboard, piano
Dominic Howard – drums
Christopher Wolstenholme – bass, backing vocals


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 2001


Stil: New Prog, Rock, Pop


Trackliste:

1. New Born (6:00)
2. Bliss (4:12)
3. Space Dementia (6:20)
4. Hyper Music (3:20)
5. Plug In Baby (3:40)
6. Citizen Erased (7:19)
7. Micro Cuts (3:38)
8. Screenager (4:19)
9. Darkshine (4:47)
10. Feeling Good (3:19)
11. Megalomania (4:37)

Gesamtspieldauer: 51:44



„Origin Of Symmetry“ hieß im Jahr 2001 die zweite Veröffentlichung der britischen Band Muse. Und „Origin Of Symmetry“ ist wahrlich kein Album, welches man so nebenbei hören oder genießen kann. Nein, hier wird die ganze Aufmerksamkeit des Hörers eingefordert – als Hintergrundmusik würde dieses Album wahrlich nur nerven.

Beim Anhören der einzelnen Tracks des Albums, fällt als allererstes der ungewohnte und zum Teil wohl auch gewöhnungsbedürftige Gesang Matthew Bellamys auf. Der ist irgendwo zwischen den Bee Gees und Klaus Nomi einzuordnen. Zwar nicht bei jeder Nummer, aber doch ist die Stimme des Sängers so präsent und wohl mit der ausschlaggebende Punkt, ob man die Musik von Muse mag oder aber überhaupt nichts damit anfangen kann. Mir gefällt diese Stimme als Stilmittel bei einzelnen Liedern, und die Band macht auch nicht den Fehler, diese Eigenheit, dieses Alleinstellungsmerkmal überzustrapazieren. Beispielhaft dafür steht Track Nummer 4, „Hyper Music“, ein Lied, welches wohl am ehesten dem Genre „Hard Rock“ zugeordnet werden kann und bei dem sich Bellamys Stimme auch in niederen, „normalen“ Gefilden gut bewegt.

Einen krassen Gegensatz dazu bildet das Stück „Micro Cuts“. So hoch habe ich bisher keinen Sänger singen gehört. Das Lied fängt mit einer sehr schönen Melodieführung an und dann kommt er, dieser kaum zu beschreibende Gesang, der noch zusätzlich verfremdet worden zu sein scheint. Klar, das Lied mag man oder man hasst es. Eine dritte Meinung dazu wird es kaum geben – oder doch: Ich finde es interessant!

Aber nun mal der Reihe nach: Die CD beginnt richtig klasse mit dem Stück „New Born“. Ein wirklich guter Opener, auf dem die Musiker von Muse gleich zeigen, was ihre Stärken sind: Schöne und abwechslungsreiche Melodien und ein Gesamtsound, der so nicht alltäglich ist. Und bei dieser Nummer passt das Siegel „New Prog“ auch hundertprozentig. Genauso wie beim zweiten Track des Albums, „Bliss“. Auch hier liegt dem Song eine klasse Melodie zugrunde, die diesmal jedoch sehr schnell treibender dargeboten wird. Und da ist sie natürlich auch wieder, die Gesangsstimme, die ihresgleichen sucht.

„Space Dementia“ beginnt ganz leise und zart, um dann mit einer schönen Klavierlinie aufzuwarten. Und auch hier gibt es wieder die für Muse passenden Zutaten zu hören: Eingängige Melodie, Rhythmus- und Stimmungswechsel.

Genau wie sein Vorgänger „Hyper Music“ ist „Plug In Baby“ ein etwas härterer Song mit treibendem Rhythmus. Und das Stück weist ebenfalls einen sehr eingängigen Refrain auf, den man als Mann allerdings nur schwerlich mitintonieren kann…

Das längste Stück auf dem Album, das über sieben Minuten lange „Citizen Erased“, gefällt durch seine Stimmungswechsel, „Screenager“ wirkt dagegen fast schon experimentell und fällt im Vergleich zu den anderen zehn Stücken völlig aus dem Rahmen.

„Feeling Good“ lässt den Hörer ein Supertramp-Gedächtnis-Keyboard hören und kann wieder durch eine schöne Melodie und seine klasse Rhythmusfraktion punkten. Blieben noch „Darkshines“, eine für das Album sehr ruhige Nummer, die lediglich beim Refrain an Fahrt gewinnt und „Megalomania“ ein fast schwebendes und sphärisches Stück, welches von einer Orgel dominiert wird.

Fazit: Die Musik von Muse ist sehr melodiös, aber klar, die Geister werden sich am Gesang scheiden. Der ist außergewöhnlich und die- oder derjenige, die oder der diesen nicht sofort verteufelt, kann auf „Origin Of Symmetry“ einige richtig gute Songs finden, die zum Teil begeistern, zumindest allerdings ganz nett anzuhören sind. Muse ist sicherlich kein 08/15-Pop-Band. Und „Origin Of Symmetry“ ist beileibe kein Allerweltsalbum. Von mir gibt es für die Scheibe elf Punkte.

Anspieltipps: New Born, Bliss, Space Dementia, Hyper Music, Citizen Erased, Micro Cuts