Van Der Graaf Generator – The Least We Can Do Is Wave To Each Other

Van Der Graaf Generator – The Least We Can Do Is Wave To Each Other

Besetzung:

Peter Hammill – acoustic guitar and lead vocals; piano on "Refugees"

Hugh Banton – farfisa organ, piano and backing vocals

Nic Potter – bass guitar and electric guitar

Guy Evans – drums and percussion

David Jackson – tenor and alto sax, flute and backing vocals

Gastmusiker:

Gerry Salisbury – cornet on “White Hammer”

Mike Hurwitz – cellos on “Refugees”

Label: Virgin Records

Erscheinungsdatum: 1970

Stil: Progressive Rock

Trackliste:

1. Darkness (11/11) (7:28)

2. Refugees (6:23)

3. White Hammer (8:16)

4. Whatever Would Robert Have Said? (6:07)

5. Out Of My Book (4:08)

6. After The Flood (11:28)

Bonus Tracks:

7. The Boat Of Millions Of Years (3:53)

8. Refugees (Single Version) (5:18)

Gesamtspieldauer: 53:00

„The Least We Can Do Is Wave To Each Other” ist das zweite Album der britischen Band Van Der Graaf Generator, es erschien im Februar 1970 und beinhaltet progressive Rockmusik in Reinkultur. Diese ist auf der Platte in einer weitestgehend sehr melodischen Form vertreten. Zwar wird es auch mal schrill, wenn wie gegen Ende von „White Hammer“, welches von der Hexenverfolgung im Mittelalter handelt, David Jackson alles aus seinem Saxophon herauszuholen versucht. Das ist jedoch eine von zwei Ausnahmen. Die zweite ist der letzte und längste Titel „After The Flood“. Dieser weißt zwar ebenfalls sehr harmonische und melodiöse Passagen auf, beinhaltet allerdings auch einen sehr verstörenden Teil, bei dem der Gesang des Peter Hammill stark übersteuert wiedergegeben wird. Alles wirkt hier wirr, schräg, gehetzt – eine wahre Kakophonie. Aber dann fügt sich alles wieder in Harmonie zusammen.

Nun, es geht allerdings auch ganz anders. Da ist zum einen das wunderschöne „Refugees“, welches eher an ein Weihnachtslied, denn an einen Rock-Song erinnert. Flöten und Geigen klingen gerade so, als ob sich der Himmel auftun würde und Peter Hammill singt hier butterweich und hoch, wahrlich beeindruckend und keineswegs kitschig. „Darkness (11/11)“, welches übrigens so heißt, da hier die Version verwendet wurde, die die Band am 11.11.1969 aufgenommen hat, beginnt mit Windgeheul. Und auch bei diesem Lied entblättert sich dann ein sehr melodiöses und zunächst weiches Stück, welches zwar auch treibendere Passagen enthält, trotzdem nie den Weg der Eingängigkeit verlässt. Absolut gelungen ist auch hier ein weiteres Mal der Bläserpart, den David Jackson zum Titel beisteuert.

Auch bei „Whatever Would Robert Have Said?” spielt das Saxophon eine große Rolle. Die Nummer ist ein klein wenig mehr im Midtempo angesiedelt und lebt von den Wechseln, die mal getragener und im Moll verhaftet und dann wieder treibender aus den Boxen strömen. Bliebe noch „Out Of My Book“, ebenfalls wieder ein sehr ruhiges Stück, vielleicht nicht ganz so überzeugend wie „Refugees“, dennoch ebenfalls durchaus gelungen, was nicht zuletzt durch die hier im Vordergrund stehende Flötenuntermalung erreicht wird.

Auf der remasterten Ausgabe der Platte wurden noch zwei Zugaben hinzugefügt. Zum einen ist das die Single-Version von „Refugees“ und die ehemalige B-Seite dieser Single, der Titel „The Boat Of Millions Of Years“. Beide Nummern sind ebenfalls ganz nett anzuhören.

Fazit: Wer eher auf die „gemäßigteren“ und harmonischen Töne in der Musik von Van Der Graaf Generator steht, den wird diese Platte begeistern. Zum Teil gibt es hier himmlische und überaus friedvolle Musik auf die Ohren, mit der man träumen kann. Trotzdem gibt es auch hier die musikalischen Ausbrüche der Band, die hier auf „The Least We Can Do Is Wave To Each Other“ für sehr viel Abwechslungsreichtum steht. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Darkness (11/11), Refugees

Various Artists – Black Europe

Various Artists – Black Europe

Label: Bear Family Records



Erscheinungsdatum: 2013

Zurück zu den Wurzeln der Popmusik

MP3 und Download, iTunes und Soundcloud, die Zeiten eines Plattenspielers scheinen lange vorbei zu sein. Und doch, es gibt noch die begeisterten Freunde des alten Klanges. Wie sonst sollte man erklären und verstehen, dass sich drei Musikbegeisterte für ein Projekt zusammen getan haben, daran mehrere Jahre arbeiteten und dann auch noch eine Plattenfirma fanden, die dieses umfangreiche Werk veröffentlichte.

Und umfangreich ist “Black Europe – The sounds and images of black people in Europe pre-1927”: 44 Cds und zwei gebundene Bücher. Dokumentiert werden Tonaufnahmen und die Geschichten von Schwarzen in Europa vor 1927. “Ich mußte einen "Cutoff" definieren, sonst wäre das Werk endgültig unbezahlbar geworden”, erklärt Rainer Lotz, einer der drei Musikärchäologen. “Ich spielte zunächst mit der Idee, den 1.Weltkrieg als Cäsur zu nehmen. Aber gerade diese Jahre waren eine Periode gravierender Umwälzungen, insbesondere durch die Entstehung und Verbreitung von Blues und Jazz. Also nahm ich die Aufnahmetechnik: Einbeschlossen werden alle Aufnahmen, die vor der Verwendung des Mikrophons akustisch "durch den Trichter" gemacht wurden.”

Manches klingt auch wirklich so, wie “durch den Trichter”, doch “Black Europe” ist eine Dokumentation von historischem Wert. Und das gleich in vielerlei Hinsicht. Es kratzt und knistert manchmal bis zur Unhörbarkeit, man fragt sich, wer das hören will. Viele werden es nicht sein, denn diese Box ist auf 500 Exemplare weltweit limitiert. Es gibt noch nicht einmal Rezensionskopien, auch als Journalist muß man den beachtlichten Betrag von 499 Euro hinlegen.

Und dennoch “Black Europe” ist ein Meisterwerk, das beachtet werden muß. Die drei Autoren Jeffrey Green, Dr. Rainer Lotz und Howard Rye haben in zehn Jahren Kleinstarbeit Archive und Privatsammlungen in ganz Europa und in Übersee durchforstet. Alle drei befassen sich schon Jahrzehnte als Sammler und Wissenschaftler mit diesem Themenbereich, wußten also, wo sie mit dem Suchen anfangen mußten. Man ahnte vom Umfang der Aufnahmen, hatte aber keinen Überblick, wie viele der Ton-Dokumente weltweit überlebt hatten, und in welchem Zustand sie waren. Auf was die Autoren immer wieder stießen, waren die Bereitschaft und die Begeisterung von Sammlern und Archiven, diese Box zu vervollständigen. Zum großen Teil wurde alles kostenfrei zur Verfügung gestellt, ansonsten wäre diese Edition wohl nie zu finanzieren gewesen.

Es dauerte und dauerte, bis die 44 CDs mit insgesamt 56 Stunden,

26 Minuten und 27 Sekunden Tonaufnahmen endlich gefüllt waren. Aber, so sagen die Autoren, man habe wohl nahezu alle Aufnahmen aus dieser Zeit gefunden und klanglich von den Originaltonträgern aufbereitet. Hinzu kommen zwei umfangreiche Bücher, in denen nicht nur auf jede einzelne Aufnahme eingegangen wird, es wurden auch Unmengen an Bildmaterial zusammen getragen: Die Fotos zeigen die Künstler, die man hier hören kann, aber auch Auftrittsorte, Platten-Cover, Konzertplakate und und und …

Auf “Black Europe” geht es nicht nur um Musik. Die Autoren haben auch in Archiven von Museen, wie dem Völkerkunde Museum in Berlin, nach Tönen gesucht. Dort stießen sie zum Beispiel auf Sprachaufnahmen aus dem Jahr 1904, die von Ludwig Anzaklo, einem in Deutsch-Togo geborenen und für ein paar Jahre in Tübingen lebenden Mann eingesprochen wurden. Die Sprache ist Ewhe, heute fast vergessen. Aufgrund der kolonialen Vergangenheit einiger europäischer Länder wurde Anfang des 20. Jahrhunderts versucht, Sprache und Gesang der afrikanischen Volksgruppen aufzuzeichnen. Die Königlich Preußische Phonographische Kommission stieß dabei auf ein Füllhorn von Möglichkeiten, direkt im eigenen Land. Zwischen dem 29. Dezember 1915 und dem 19. Dezember 1918 wurden insgesamt 2677 Aufnahmen von rund 250 Sprachen, Dialekten und traditioneller Musik in den Kriegsgefangenenlagern des Deutschen Reiches gesammelt, wie dem Internierungslager Wünsdorf, 40 Kilometer südlich von Berlin: von gefangenen Soldaten, die in den Kolonien gegen den Kaiser kämpften, oder an der Seite der Kolonialmächte in Europa eingesetzt und als Gefangene nach Deutschland gebracht wurden. Jahrzehntelang wurde dieses enthnographische Material – aufgenommen auf Wachszylindern – geheim gehalten. Nun ist es zum ersten Mal zugänglich gemacht worden.

All diese Aufnahmen chronologisch zu hören, ist nahezu unmöglich. Man muß gezielt vorgehen, durch die beiden Bücher blättern und sich jene Geschichten und Töne heraussuchen, die einem als Hörer interessant erscheinen. Da sind etliche der “Missing Links” zu finden, gerade im Bereich des Jazz. Wie die Geschichte des Drummers Louis Mitchell, der zweifelsohne mit seinen Jazz Kings zu den Begründern des Jazz gehörte, lange bevor Fletcher Henderson oder Louis Armstrong, die als Pioniere gelten, überhaupt bekannt wurden. Mitchell tourte sowohl in den USA wie auch in Europa.

Europa war ein Hauch von Freiheit für afro-amerikanische Künstler und Musiker. Hier durften sie Platten aufnehmen, was ihnen weitgehend in Amerika verwehrt blieb. Es gab Auftrittsmöglichkeiten, die Tourneen wurden gesponsert und beworben, und Schwarze mußten in London, Paris, Kopenhagen, Amsterdam oder Berlin nicht durch die Hintertür zu ihrem eigenen Konzert gehen. Und es wurde breit über die Auftritte und Aufnahmen, die Filme und Ereignisse in den Zeitungen berichtet. Diese Artikel kamen dann auf Umwegen in die USA, wo sie von den schwarzen Zeitungen und Magazinen wiederveröffentlicht wurden, was dazu führte, dass mehr und mehr afro-amerikanische Musiker und Gruppen den langen Weg über den großen Teich antraten. Sie fanden in Europa die Arbeit, die Möglichkeiten und die Bedingungen, die ihnen in der rassistischen Zweiklassengesellschaft der USA Anfang des 20. Jahrhunderts verwehrt blieben.

“Black Europe – The sounds and images of black people in Europe pre-1927” ist ein Hörbuch der etwas anderen, der besonderen Art. Hier werden längst vergessene Geschichten wiedererzählt oder nicht Bekanntes in einem passenden Rahmen vorgetragen. Diese Box zeigt auch die Bedeutung und den Anteil schwarzer Musiker und Künstler in den Anfängen der Popmusik in Europa. Nach jahrelanger Kleinarbeit an diesem Projekt kommen die Autoren zu der Erkenntnis, dass es die einmalige “Verwirklichung eines Lebenstraums” war.

Neben der umfangreichen Box ist auch noch eine 3-CD Box unter dem Titel „ Over There! Sounds And Images From Black Europe” zum Preis von 39,90 Euro bei Bear Family Records erschienen. 

The Cranberries – No Need To Argue

The Cranberries – No Need To Argue


Besetzung:

Dolores O'Riordan – vocals, electric and acoustic guitars, keyboards
Noel Hogan – electric and acoustic guitars
Mike Hogan – bass guitar
Feargal Lawler – drums and percussion


Gastmusiker:

John And His String Section – strings


Label: Island Records


Erscheinungsdatum: 1994


Stil: Pop, Rock, Alternative Rock


Trackliste:

1. Ode To My Family (4:31)
2. I Can't Be With You (3:08)
3. Twenty One (3:08)
4. Zombie (5:06)
5. Empty (3:26)
6. Everything I Said (3:53)
7. The Icicle Melts (2:54)
8. Disappointment (4:15)
9. Ridiculous Thoughts (4:32)
10. Dreaming My Dreams (3:36)
11. Yeats' Grave (3:00)
12. Daffodil Lament (6:14)
13. No Need To Argue (2:57)

Gesamtspieldauer: 50:39

Das Lied „Zombie“ kennt wohl jeder. Es war der Hit auf dem zweiten Album der irischen Band Cranberries mit dem Titel „No Need To Argue“. Sicherlich war diese Nummer auch ein Grund dafür, dass die Band mit dieser 1994 erschienenen Platte ihren internationalen Durchbruch feiern konnte. Allerdings ist „Zombie“, welches textlich vom Nordirland-Konflikt handelt, absolut untypisch für „No Need To Argue“. Ist dieser Hit kraftvoll, rockig und treibend, so entsprechen die anderen zwölf Titel auf dem Album eher Adjektiven wie sanft, ruhig und zerbrechlich.

Das beginnt gleich mit dem ersten Lied „Ode To My Family“. Sehr weich, sehr melodiös und getragen kommt hier die Stimme der Dolores O'Riordan wunderschön zur Geltung. Den Background-Gesang hat sie dabei auch noch übernommen, sodass es hier gleich die volle Ladung dieses Gesangs zu hören gibt, der so gerne gegen Ende einer Zeile nach oben wegzukippen, sich zu überschlagen liebt. Sanft wie der Anfang ist auch das Ende der Platte mit dem Titelsong „No Need To Argue“ gestaltet. Hier wird es dann sogar schon minimalistisch in Bezug auf die Instrumentierung. Dolores O'Riordan flüstert fast und diese zerbrechliche Stimme wird nur durch sanfte Orgelklänge untermalt.

Zwischen diesen beiden Titeln gibt es, neben dem bereits erwähnten „Zombie“, noch zehn weitere Songs, die alle in die gleiche verträumte Richtung tendieren. Sanfte, ruhige Musik, meist sehr melancholisch vorgetragen, mitunter sentimental, nur ab und an mal von einem schnelleren oder flotteren Part unterbrochen. So ist „No Need To Argue“ irgendwie ein November-Album, eine Platte für graue Tage, um den eigenen Blues so richtig aufleben zu lassen.

Fazit: Wunderschön verträumt klingt dieses zweite Werk der Cranberries. Dazwischen dann noch so eine rockige Nummer wie „Zombie“. Wahrlich überzeugend das Ganze. Wer auf Melodiösität und Harmonie in der Musik steht, der sollte hier unbedingt mal ein Ohr riskieren. Elf Punkte.

Anspieltipps: Ode To My Family, Zombie, Daffodil Lament

Bastille – Bad Blood

Bastille – Bad Blood


Besetzung:

Dan Smith – lead vocals, keyboards, percussion, string arrangements
Kyle Simmons – keyboards, percussion, backing vocals
Will Farquarson – bass, keyboards, acoustic guitar, backing vocals
Chris "Woody" Wood – drums, backing vocals


Gastmusiker:

Mark Crew – keyboards, string arrangements
Verity Evanson – cello, string arrangements
Juliet Lee – violin
Sophie Lockett – violin
Gemma Sharples – violin
Willemijn Steenbakkers – violin
Alexandra Urquhart – viola
Richard Phillips – cello
Dave DeRose – drums
Ian Dudfield – backing vocals
Ralph Pelleymounter – backing vocals
Josh Platman – backing vocals
Jon Willoughby – backing vocals


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 2013


Stil: Pop


Trackliste:

1. Pompeii (3:35)
2. Things We Lost In The Fire (4:01)
3. Bad Blood (3:33)
4. Overjoyed (3:26)
5. These Streets (2:55)
6. Weight Of Living, Part II (2:55)
7. Icarus (3:45)
8. Oblivion (3:16)
9. Flaws (3:39)
10. Daniel In The Den (3:09)
11. Laura Palmer (3:06)
12. Get Home (6:38)

Gesamtspieldauer: 43:58

„Bastille“ ist eine ziemlich gehypte Band aus London, England, die auf vielen Plattformen unter dem Genre „Alternative Rock“ eingereiht wird. Da wird es dann jedoch schwierig, denn das, was Bastille hier auf ihrem Debut darbieten, ist mit Sicherheit kein Alternative Rock. Es ist im Grunde genommen auch kein Alternative Pop mehr. Das ist Pop-Musik des Jahres 2013 in Reinkultur, nicht mehr und nicht weniger. Das Label „Pop-Musik“ muss ja auch nichts Schlechtes oder Negatives bedeuten, macht es im Fall von Bastille auch nicht, aber wer sich eine irgendwie geartete Rock-Musik auf „Bad Blood“ erwartet, der wird unter diesen Umständen vermutlich enttäuscht werden.

Die Musik der vier Briten hat auch was. Man kann ihr wahrlich nicht absprechen überaus eingängig zu sein und Ohrwürmer hervorzurufen, die bei so manchem Hörer auch länger hängenbleiben werden - bei der einen Hörerin oder dem anderen Hörer mit Sicherheit aber auch deutlich weniger. Trotzdem, die ganze Platte ist überaus eingängig und zu jeder Zeit melodiös. Und auch wenn es hier den ein oder anderen nachdenklicheren Song zu hören gibt, der getragen dargeboten wird, wie zum Beispiel „Oblivion”, bei dem den Celli alles abverlangt wird, geht die gesamte Scheibe deutlich in die Richtung: „Musik für schöne Tage“.

Was mitunter etwas stört, dass ist dieser synthetische Sound. Klar gibt es mit Chris "Woody" Wood einen Drummer in der Band, der seine Aufgabe auch perfekt verrichtet – jedoch nicht immer – aber er kann überhaupt nichts für diesen Umstand. Viel zu oft greift die Band auf den synthetischen Sound des Synthesizers zurück, der einfach nicht die musikalische Qualität und den Klang eines „menschlichen“ Schlagzeugers erzeugen kann. Da klingt es dann schon mal sehr plastikmäßig und scheint auch durchaus so gewollt zu sein.

Nun und diese durchgängige Eingängigkeit erzeugt leider auch ganz andere Gefühle beim Konsumenten. Man sitzt da, hört die Scheibe und fast alles gefällt einem oder man findet alles irgendwie „gar nicht schlecht“ – spätestens nach dem zweiten Hören. Allerdings sagt und fühlt man auch spätestens nach dem zehnten Hören „Okay, jetzt reicht’s aber mal“. Soll nur heißen, dass die Musik durchaus gut gemacht ist, aber sehr stark Gefahr läuft, dass man sich an diesen Klängen ziemlich schnell überhört, sie nicht längerfristig bestehen können. Alles fließt, richtige Ausfälle gibt es irgendwie nicht, den absoluten „Übersong“, den sucht man allerdings auch vergebens. Alles hat ein gewisses Niveau ohne großartige Ausschläge nach oben oder unten.

Fazit: Die Musik von Bastille auf „Bad Blood“ ist eingängig, melodiös und man kann sie fast zu jeder Zeit hören. Da gibt es wohl nur wenig andere Meinungen darüber. Trotzdem ist diese Scheibe mit Sicherheit keine Platte, die in zwanzig Jahren noch für Aufsehen sorgen wird, dazu ist alles zu sehr vorhersehbar, mitunter auch ein wenig oberflächlich und mit dem Makel behaftet, dass man sich an solch einer Musik schnell überhören kann. Von daher nicht schlecht, allerdings auch nichts Besonderes. Gibt es Menschen, die behaupten, dies könnte ihr Lieblings-Album für alle Zeiten sein? Kaum vorstellbar. Hierbei kann es sich dann nur um Hitparaden-Hörer handeln, die allerdings schon bald etwas Neues finden werden, ganz nach Adenauers Devise: „Was interessiert mich mein Geschwätz von gestern?“ Acht Punkte.

Anspieltipps: Things We Lost In The Fire, Bad Blood, Flaws

David Bowie – Space Oddity

David Bowie – Space Oddity


Besetzung:

David Bowie – vocals, 12-string guitar, stylophone, kalimba, rosendale electric chord organ


Gastmusiker:

Mick Wayne – guitar
Tim Renwick – guitar, flue, recorder
Keith Christmas – acoustic guitar
John Lodge – bass
Tony Visconti – bass, flute, recorder
Herbie Flowers – bass
John Cambridge – drums
Terry Cox – drums
Rick Wakeman – mellotron, electric harpsichord
Paul Buckmaster – cello
Benny Marshall and friends – harmonica


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1969


Stil: Folk, Pop


Trackliste:

1. Space Oddity (5:16)
2. Unwashed And Somewhat Slightly Dazed (6:12)
3. Don't Sit Down (0:44)
4. Letter To Hermione (2:37)
5. Cygnet Committee (9:36)
6. Janine (3:25)
7. An Occasional Dream (3:01)
8. Wild Eyed Boy From Freecloud (4:52)
9. God Knows I'm Good (3:22)
10. Memory Of A Free Festival (7:11)

Gesamtspieldauer: 46:16

Das zweite Album David Bowies, welches ursprünglich nur unter seinem Namen veröffentlicht wurde und erst später den Titel „Space Oddity“ erhielt, ist noch ganz stark im Folk verwurzelt. Und auch wenn es immer wieder Pop-Anleihen zu hören gibt oder aber Passagen, die zum Teil sogar experimenteller gestaltet sind, so sticht dieses Genre bei der Liedauswahl doch hervor.

Die Platte wird eröffnet mit dem Titeltrack „Space Oddity“, gleichzeitig auch dem bekanntesten Lied des Albums, welches es 1969 bis auf Platz 5 der englischen Single-Charts schaffte. Ein sehr eingängiger Titel, von der akustischen Gitarre dominiert, bei dem schwebende und wabernde Synthesizer-Teppiche für den „Weltraum-Touch“ sorgen. Sehr eingängig die Nummer und Inspiration für Peter Schillings „Major Tom“ zur Zeit der Neuen Deutschen Welle. Es folgt mit „Unwashed And Somewhat Slightly Dazed“ ein Lied, welches zunächst sehr folkig klingt, im weiteren Verlauf allerdings immer mehr „aus den Fugen“ gerät. Die Mundharmonika nimmt eine zentrale Position ein und es klingt schließlich gar nicht mehr so harmonisch, sondern durchaus auch etwas schräger und vor allen Dingen treibender. „Don't Sit Down” ist eine kleine Spielerei, wohl eine kurze Improvisation, bevor David Bowie mit „Letter To Hermione“ seiner ehemaligen Freundin ein sehr sanftes und eingängiges Denkmal setzt.

„Cygnet Committee”, mit knappen zehn Minuten Spieldauer das längste Lied des Albums, kann im Anschluss daran stimmungsmäßig an den vorherigen Titel anknüpfen. Ruhig und folkig klingt es hier zunächst erneut, bis sich der Titel immer weiter steigert, fordernder wird, ohne dabei jedoch etwas von seiner Melodiösität einzubüßen. „Janine“ und „An Occasional Dream” sind fast schon poppige Nummern, ebenfalls wieder melodiös und vor allen Dingen ruhig und sanft.

Das trifft auch auf „Wild Eyed Boy From Freecloud” zu, wobei diese Nummer noch durch den Einsatz eines Orchesters unterstützt wird. Diese Instrumentierung macht das Stück noch ein wenig eingängiger und wärmer. Die ruhige Grundstimmung bleibt auch hier erhalten. Genau wie bei dem tollen „God Knows I'm Good”. Akustischer Gitarrensound und die Stimme des David Bowie stehen hier ganz klar im Vordergrund und Bowie erzählt dabei eine rührige Geschichte. Beschlossen wird die Scheibe schließlich durch „Memory Of A Free Festival“. Mit Harmonika-Untermalung wird das Lied eingeleitet, in dem zunächst David Bowie sehnsüchtig singt und gegen Ende des Liedes schließlich alles in einen sehr kraftvollen Chor mündet. Klasse gelungen.

Fazit: „Space Odditiy“ ist eine tolle Scheibe geworden, die keinen schlechten Song für den Hörer bereithält. Alles wirkt und stimmt, die Lieder gehen ins Ohr und hier ist alles andere als 08/15 Folk oder Pop zu hören. Spannende Titel, die man so schnell nicht mehr aus dem Ohr bekommt. Elf Punkte.

Anspieltipps: Space Oddity, Cygnet Committee, God Knows I’m Good

Fleetwood Mac – Mystery To Me

Fleetwood Mac – Mystery To Me


Besetzung:

Bob Welch – electric guitar, acoustic guitar, lead and backing vocals
Bob Weston – electric guitar, slide guitar, acoustic guitar, backing vocals
Christine McVie – keyboards, lead and backing vocals
John McVie – bass guitar
Mick Fleetwood – drums, percussion


Gastmusiker:

Richard Hewson – string arrangements


Label: Warner Music


Erscheinungsdatum: 1973


Stil: Pop, Rock


Trackliste:

1. Emerald Eyes (3:35)
2. Believe Me (4:12)
3. Just Crazy Love (3:27)
4. Hypnotized (4:49)
5. Forever (4:08)
6. Keep On Going (4:05)
7. The City (3:37)
8. Miles Away (3:50)
9. Somebody (5:04)
10. The Way I Feel (2:43)
11. For Your Love (3:47)
12. Why (4:55)

Gesamtspieldauer: 48:11

Nicht weiter überraschend, denn wieder einmal gibt es ein Fleetwood Mac Album, inzwischen die achte Platte, die immer wieder mal überzeugen kann und tolle Songs aufweist, dann allerdings auch wieder Songs beinhaltet, die mit dem Rest nicht kompatibel zu sein scheinen. Und auch qualitativ sind die Titel nicht immer auf Augenhöhe.

Nun, beginnen wir mal bei den besseren Stücken. Einen davon gibt es mit „Emerald Eyes“ gleich zu Beginn. Eine schöne getragene Nummer, die trotzdem groovt. Zudem wächst der Titel mit jedem weiteren Hören und wird mit der Zeit zu einem guten Bekannten. Das war es leider allerdings auch schon mit der ehemaligen ersten Plattenseite. Allerdings wird die zweite Seite auch wieder mit einem richtig guten Titel, wenn nicht sogar mit dem Höhepunkt auf „Mystery To Me“ eingeleitet. „The City” groovt, man kann kaum die Füße still halten und dieser eingesetzte „Wah-Wah-Effekt“ ist fast schon mit grandios zu umschreiben.

„Miles Away“ klingt ein wenig gehetzt, aber durchaus interessant. Ein Rock-Song, der beim Hörer ebenfalls versteht, länger hängenzubleiben. „The Way I Feel” ist eine getragene Pop-Nummer, die über eine schöne Melodie verfügt. Na und dann ist das natürlich noch „For Your Love“. Dieses Lied kennt fast jeder und stammt ursprünglich nicht von Fleetwood Mac. Graham Gouldman hat es geschrieben und bekannt wurde es durch die Yardbirds (aus denen Renaissance hervorging), die es 1965 veröffentlichten. Auch in dieser Version hier von Fleetwood Mac eine richtig gute Nummer. Den Abschluss des Albums stellt „Why“ dar. Ein bluesiges Stück, welches immer dann am besten kling, wenn Christine McVie mal gerade nicht singt.

Nun und der Rest, der kann vielleicht bis auf „Hypnotized“, was sehr an die Musik von Chris Rea erinnert, so gar nicht mehr überzeugen. Da gibt es so nervige, poppige Stücke wie „Believe Me“ und „Just Crazy Love“ aus der Feder Chrsitine McVies, die dann einfach schön sind, wenn sie vorbei sind. Funkige Nummern gibt es auch zu hören in Form von „Keep On Going“ und „Somebody“, wobei vor allen Dingen letzter Titel wahrlich gewöhnungsbedürftig ist. Bliebe noch „Forever“ mit dem die Neue Deutsche Welle vorweggenommen wurde. Zumindest was den Sound der Rhythmusmaschine anbelangt. Da wird es dann echt schwierig die passenden Worte zu finden. Sagen wir mal so, bei der Neuen Deutschen Welle wirkt und passt das. Aber vielleicht hatten entsprechende Deutsche Bands damals in den 80ern ja ihre Inspiration durch diesen Song bekommen.

Fazit: Es ist wie es ist. Bei Flettwood Mac gab es bisher kein Album, welches durchgehend überzeugen kann. Klar, ein paar Perlen finden sich auch auf „Mystery To Me“. Das sind allerdings keine allzu großen „Perlen“. Gelungen aber trotzdem. Und dann kommt eben dieser Rest, der manches Mal durchaus nervig sein kann und den man sich immer wieder wegwünscht. Aber da ist er nun mal und geht auch mit in die Bewertung ein. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Emerald Eyes, The City, For Your Love

Patty Moon – Dream Up

Patty Moon – Dream Up


Besetzung:

Patty Moon – vocals, piano


Gastmusiker:

Tobias Schwab – bass, reed organ, clarinet, guitar, accordion, drums, percussion, musicbox
David Neuffer – cello
Christian Simon – flugelhorn, trumpet


Label: Traumton Records


Erscheinungsdatum: 2009


Stil: Post Rock, ArtPop


Trackliste:

1. Dream Up (3:52)
2. Keep Control (1:22)
3. Closer (3:49)
4. Drunk (4:20)
5. Peppermint Patties (3:03)
6. Singing Nurses (2:16)
7. Ambulance (2:59)

Gesamtspieldauer: 21:44

Das Einzige, was Patty Moon mit ihrer dritten Veröffentlichung nicht so ganz gelungen ist, das ist die Laufzeit der CD. Lediglich knappe 22 Minuten gibt es auf „Dream Up“ aus dem Jahr 2009 zu hören. Diese haben es dann allerdings wieder in sich. Verträumte und sehr harmonische, sowie melodische Musik gibt es auf dieser EP zu hören. Die Qualität ist über alle sieben Titel hinweg dabei sehr hoch - Ausschläge nach unten gibt es nicht. Alles klingt und wirkt und versetzt den Zuhörer in eine Art Traumwelt.

Eingeleitet wird das Album mit einer Spieluhr, die den Titelsong „Dream Up“ eröffnet. Es folgt ein sehr schönes, pianolastiges Stück, bei dem auch wieder wunderschön der Gesang Judith Heuschs zur Geltung kommt. Der Titel geht bereits beim ersten Hören unmittelbar ins Ohr und verliert auch während weiterer Durchläufe nichts von seiner Magie. Bei „Keep Control” handelt es sich um ein kurzes, zunächst nach Kirmes-Musik klingendes Stück, eine sehr schöne und auch wieder melodiöse Abwechslung, die sich dieses Mal auf die Instrumentierung bezieht. „Closer“ klingt schließlich nach Melancholie pur, ist eine ganz sanfte und ein klein wenig schwebende Nummer. Bei „Drunk“ wird es im Anschluss daran sogar noch ein wenig verträumter, was nicht zuletzt an den Streichern und der klasse integrierten Klarinette des Thomas Schwab liegt.

Aber auch auf „Peppermint Patties“ trifft diese Verträumtheit zu, wunderschön entfaltet sich hier eine eindringliche Melodie. „Singing Nurses” fällt dagegen fast schon aus dem Rahmen. Fordernder wird die Musik hier zunächst durch den verstärkten Einsatz der Bläser. Ein sehr gut gelungener Kontrapunkt. Dann schließlich schwebt das Album mit „Ambulance” ganz sanft aus.

Fazit: Nun, wie schon erwähnt, der einzige Nachteil dieser Platte ist die kurze Laufzeit, was bei einer EP allerdings nicht weiter verwunderlich sein dürfte. Ansonsten gibt es alle Zutaten, die ein Patty Moon Album zu etwas ganz Besonderem werden lassen. Klasse Musik für die ruhigeren Momente des Lebens. Nur aufgrund der Kürze vergebe ich hier lediglich zehn Punkte, ansonsten hat das Album irgendwie mehr verdient.

Anspieltipps: Dream Up, Peppermint Patties, Singing Nurses

The Who – It’s Hard

The Who – It’s Hard


Besetzung:

Roger Daltrey – lead vocals, rhythm guitar
John Entwistle – bass guitar, brass, backing vocals, lead vocals on "One At A Time", synthesizer on "Dangerous" and "One At A Time"
Kenney Jones – drums
Pete Townshend – guitars, backing vocals, lead vocals on "Eminence Front", co-lead vocals on "Athena" and "Cooks County", piano and synthesizer on "One Life's Enough"


Gastmusiker:

Andy Fairweather-Low – rhythm guitar on "It's Your Turn"
Tim Gorman – synthesizer and organ on "Dangerous", electric piano on "Eminence Front", synthesizer on "One Life's Enough" and "One At A Time"


Label: Polydor


Erscheinungsdatum: 1982


Stil: Rock


Trackliste:

1. Athena (3:48)
2. It's Your Turn (3:41)
3. Cooks County (3:52)
4. It's Hard (3:50)
5. Dangerous (3:35)
6. Eminence Front (5:39)
7. I've Known No War (5:57)
8. One Life's Enough (2:22)
9. One At A Time (3:19)
10. Why Did I Fall For That (3:56)
11. A Man Is A Man (3:56)
12. Cry If You Want (5:23)


Bonus Tracks:

13. It's Hard (Live) (4:56)
14. Eminence Front (Live) (5:44)
15. Dangerous (Live) (3:48)
16. Cry If You Want (Live) (7:12)

Gesamtspieldauer: 1:10:57

Bei „It’s Hard“ handelt es sich um das zweite Album, welches nach dem Tod Keith Moons entstand und eingespielt wurde, dem letzten vor der Auflösung der Band und dem zehnten Studio-Album von „The Who“. Die Scheibe ist allgemein sehr umstritten, besonders unter den Fans der Band, dabei hält sie durchaus auch einige Höhepunkte für den Musikfreund parat. Einer davon ist der Titelsong „It’s Hard“. Schöne Melodie, eingängig und die Nummer lebt von den Stimmungswechseln im Lied selbst und der Stimme des Roger Daltrey.

Dann ist da natürlich auch noch eines der besten Lieder der Who überhaupt: „Eminence Front“. Was wie eine Synthie-Popnummer beginnt, mit plastikmäßigem Rhythmus-Sound, entwickelt sich zu einem absolut überzeugenden Rock-Song. Pete Townsend wusste mit Sicherheit, dass dies sein Meisterwerk auf der Platte war, deshalb übernahm er hier auch gleich die Vocals selbst. „Eminence Front“ ist ein unglaublich kraftvoller und mitreißender Rock-Song, der auch nach dem tausendsten Mal des Hörens in keinster Weise langweilig wird. Großes Kino.

Auch der folgende Titel „I've Known No War“ ist eine klasse Nummer. Erneut mit einem Synthesizer-Sound unterlegt, entwickelt sich ein spannendes, rhythmisches und melodiöses Lied, welches auch mit langen Instrumentalpassagen punkten kann. Gar nicht mehr so rockig ist dann „One Life's Enough“. Eine ruhige und getragene Ballade, die ihre Eindringlichkeit erst richtig nach dem mehrmaligen Hören entfaltet. „Dangerous“ ist eine von drei Nummern, die John Entwistle geschrieben hat, der Rest des Albums stammt aus der Feder Pete Townshends. Das Lied ist rockig und punktet vor allem durch den sehr gelungenen Refrain, der sich unmittelbar im Musikzentrum des Hörers festsetzt. Und auch unter den anderen Titeln befindet sich kein Ausfall. Was denn dann mehr oder weniger überzeugt, liegt dabei natürlich ganz am Geschmack des Hörers. 

Ergänzt wurde das Album auf der remasterten CD durch vier Bonustracks in Form von Live-Einspielungen bereits auf der CD vorhandener Titel. Auch diese Lieder können hier in leicht abgeänderter Form überzeugen.

Fazit: „It’s Hard“ ist ein schönes und überzeugendes Rock-Album geworden. Es sollte anschließend vierundzwanzig Jahre dauern, bis die Band erneut ein Studio-Album veröffentlichen sollte. Somit stellt „It’s Hard“ einen gelungenen Abschluss dieser Phase der Band dar. Hier rockt es, mitunter sehr eindringlich, das Gefühl für tolle Melodien und packende Rhythmen zeigt die Band auch auf dieser zehnten Veröffentlichung. Zwar ist „It’s Hard“ nicht mehr zu vergleichen mit den Klassikern der Who aus den frühen 70er Jahren, aber deutlich besser als das, was so manch andere Heroen dieser Musikgeschichte in den 80er Jahren noch veröffentlichten. Neun Punkte.

Anspieltipps: It's Hard, Eminence Front, I've Known No War

Yes – Yes

Yes – Yes


Besetzung:

Jon Anderson – lead singer and incidental percussion
Peter Banks – guitar, vocals
Bill Bruford – drums, vibes
Chris Squire – bass, vocals
Tony Kaye – organ, piano


Label: Atlantic Records


Erscheinungsdatum: 1969


Stil: Progressive Rock, Pop


Trackliste:

1. Beyond And Before (4:53)
2. I See You (6:48)
3. Yesterday And Today (2:49)
4. Looking Around (4:17)
5. Harold Land (5:42)
6. Every Little Thing (5:42)
7. Sweetness (4:33)
8. Survival (6:19)


Bonus Tracks:

9. Everydays (Single Version) (6:21)
10. Dear Father (Version #2; Previously Unissued) (5:49)
11. Something's Coming (7:07)
12. Everydays (Version #1, Previously Unreleased) (5:15)
13. Dear Father (Early Version #1, Previously Unissued) (5:29)
14. Something's Coming (Early Version, Previously Unissued) (8:02)

Gesamtspieldauer: 1:19:49

Das ist schon so eine Sache mit den Debut-Alben so mancher Band beziehungsweise so manches Solo-Interpreten. Wenn man da an die ersten „Gehversuche“ von David Bowie oder auch Genesis denkt, dann waren diese doch noch sehr im Pop der sechziger Jahre verhaftet und hatten mit dem Stil, den sie in späteren Jahren prägen sollten, noch reichlich wenig zu tun. Ein wenig anders ist das beim Debut von Yes mit dem gleichnamigen Album-Titel. Auch hier gibt es zwar diese reinen Pop-Anleihen, der progressive Ansatz, der ist hier aber schon deutlich bemerkbar.

Zwei Cover-Versionen gibt es auf dem ursprünglichen Album. Da ist zum einen „I See You“ von den Byrds und schließlich noch „Every Little Thing“ von den Beatles. Beide Nummern wurden an den „Yes-Sound“ angepasst und klingen deutlich abweichend vom Original. Trotzdem sind das nicht die Höhepunkte der Platte. Diese beginnt mit „Beyond And Before“. Einem durchaus progressiven Stück, was in der Art der Darbietung liegt, die durch mehrstimmigen Gesang unterfüttert wurde und auch rockige sowie eher schwebende Abschnitte bereithält – also kein Lied, welches nach der Devise Strophe – Refrain etc. funktioniert. „Yesterday And Today“ ist dagegen eine sehr sanfte Nummer und kann deutlich eher dem Genre Pop zugeschrieben werden. Das sieht bei „Looking Around” schon ganz anders aus beziehungsweise hört sich anders an. Hier hört man den späteren Yes-Sound bereits sehr gut heraus und diese Nummer hätte auch auf späteren Veröffentlichungen der Band ihren Platz finden können, ohne stilistisch vom Rest abzuweichen.

„Harold Land” ist erneut eine Mixtur der Genres. Das Lied beginnt treibend und orgeldominiert und entwickelt sich dann zu einem sehr eingängigen und melodiösen Stück, welches durchaus auch Vergleiche zu den frühen Genesis aufkommen lässt. Bei „Sweetness“ spielt zunächst auch wieder die Orgel des Tony Kaye eine große Rolle, dann wird es sehr ruhig und der Lied-Titel „Sweetness“ passt hier dazu perfekt. So richtig überzeugen kann die Nummer allerdings nicht. Bliebe noch „Survival“ von der ursprünglichen Plattenzusammenstellung. Jetzt bewegt sich die Band wieder auf dem Terrain der progressiven Musik und sogar jazzige Ansätze sind hier zu vernehmen, bis alles wieder sehr schwebend und „luftig“ wird.

Auf der remasterten Fassung gibt es schließlich noch sechs Zugaben, wobei es sich bei vier Titeln davon um Cover-Versionen handelt, „Everydays“ von Stephen Stills gibt es dabei sogar in zwei unterschiedlichen Einspielungen. Lediglich „Dear Father“ stammt aus der Feder Jon Andersons und Chris Squires. Das Lied gibt es ebenfalls in zwei verschiedenen Versionen zu hören und passt stilistisch uneingeschränkt zum Rest der Platte. Die Orgel spielt wieder eine wichtige Rolle, ansonsten ein ruhiger Song, der hauptsächlich während der Instrumentalpassagen an Fahrt gewinnt. Bei den Covers legen die Musiker von Yes sogar noch ein wenig mehr Wert auf die progressiven Ansätze und lassen ihrem Spieltrieb freien Lauf.

Fazit: Zwar ist das Album qualitativ noch nicht vergleichbar mit späteren Veröffentlichungen wie „Close To The Edge“, „The Yes Album“ oder „Fragile“, dazu wirkt es manches Mal noch nicht bis zum Ende konsequent durchdacht und durchgezogen, die Ansätze, die die Musik von Yes zu etwas Besonderem werden lassen, diese Ansätze sind jedoch bereits vorhanden. Wer auf die frühen Yes steht, der findet hier jede Menge für sich. Wer eher etwas mit Titeln wie „Owner Of A Lonely Heart“ anzufangen weiß, für die oder den ist diese Platte definitiv nicht geeignet. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Looking Around, Harold Land

Uriah Heep – Demons And Wizards

Uriah Heep – Demons And Wizards


Besetzung:

David Byron – lead vocals
Mick Box – lead guitar, vocals
Ken Hensley – acoustic, electric and slide guitar, vocals, keyboards, percussion
Lee Kerslake – drums, percussion, vocals
Gary Thain – bass guitar
Mark Clarke – bass guitar, lead vocals ("The Wizard")


Label: Universal Music


Erscheinungsdatum: 1972


Stil: Rock, Hard Rock


Trackliste:

1. The Wizard (3:03)
2. Traveller In Time (3:27)
3. Easy Livin' (2:38)
4. Poet's Justice (4:18)
5. Circle Of Hands (6:27)
6. Rainbow Demon (4:28)
7. All My Life (2:48)
8. Paradise / The Spell (12:42)

Gesamtspieldauer: 39:51

„Demons And Wizards” nannten die englischen Rocker von Uriah Heep ihr viertes Album, welches 1972 veröffentlicht wurde. Und auch auf dieser Veröffentlichung gibt es wieder jede Menge gut gemachten Hard Rock zu hören, der allerdings nicht mehr diese Höhepunkte bereithält, die man auf den Vorgängerplatten immer wieder finden konnte. Trotzdem hält die Scheibe einige gute Titel parat, die mit jedem weiteren Hören zu schönen Begleitern werden können.

Das bekannteste Stück des Albums ist wohl „Easy Livin'“. Eine treibende und rockige Nummer, die auch mit vom genialen Sound der fetten Orgel Ken Hensleys lebt. Das Stück geht einem sofort in die Beine, die unweigerlich mitwippen möchten. Ebenfalls überaus gelungen ist „Traveller In Time”. Das Lied setzt sich aus sanfteren und sehr rockigen Abschnitten zusammen, ist dabei überaus melodiös und geht schnell ins Ohr. Dies gilt auch für „Circle Of Hands”, wobei hier wieder der Orgel Ken Hensley eine dominierende Rolle zufällt. Gerade in den ruhigeren Passagen kommt auch die Stimme David Byrons klasse zur Geltung. Die Orgel steht auch beim darauffolgenden Song „Rainbow Demon” zunächst im Mittelpunkt. Schwer und kraftvoll wirkt sie hier und es entwickelt sich schließlich eine etwas getragenere und durchaus auch melodiöse Nummer, die sich schnell im Ohr festsetzt.

Den Ausschlag nach unten bildet die vorletzte Nummer „All My Life“. Das wiederum liegt nicht nur an der Musik alleine, die es irgendwie nicht schafft, den Hörer einzufangen. Es ist auch dieser schleimig, schmalzige Text, der einen vor allen gegen Ende des Liedes, nach dem hundertsten „I will love you all my live“, fast schon Reißaus nehmen lässt. Es folgt als letztes Lied, das mit knapp dreizehn Minuten Spieldauer gleichzeitig längste Stück des Albums ist: „Paradise / The Spell”. Auch hier gibt es sehr schöne und begeisternde Abschnitte zu hören, dann allerdings auch wieder Passagen, die einen sehr viel weniger zu packen verstehen. Da gibt es so einen Part, der ein wenig an „Boogie Woogie“ erinnert, so gar nicht zum Rest des Liedes passen will und somit wirkt die Nummer hier auch ein kleinwenig „zusammengestöpselt“ – ist sie wohl auch, da sie sogar zwei verschiedene Titel hat und anscheinend auf späteren Veröffentlichungen durch ein wenig Stille getrennt wurde.

Fazit: Die Höhepunkte gibt es auf „Demons And Wizards“. Dabei auch nur wenig „Ausschussware“ und ein paar Songs, die in die Richtung „Mittelmaß“ tendieren. Trotzdem lohnenswert, für all diejenigen Musikfreunde, die auf etwas härteren Rock der frühen 70er Jahre stehen und natürlich auch für alle Uriah Heep Fans. Neun Punkte.

Anspieltipps: Circle Of Hands, Rainbow Demon

David Bowie – David Bowie

David Bowie – David Bowie


Besetzung:

David Bowie – vocals, guitar, etc.


Gastmusiker:

Jede Menge, nicht weiter aufgeführte Musiker.


Label: DERAM (Universal)


Erscheinungsdatum: 1967 (1975, 1997, 2010)


Stil: Pop


Trackliste:

1. Rubber Band (Single Version) (2:05)
2. The London Boys (3:23)
3. The Laughing Gnome (3:03)
4. The Gospel According To Tony Day (2:50)
5. Uncle Arthur (2:10)
6. Sell Me A Coat (3:01)
7. Rubber Band (2:20)
8. Love You Till Tuesday (3:12)
9. There Is A Happy Land (3:15)
10. We Are Hungry Men (3:00)
11. When I Live My Dream (3:24)
12. Little Bombardier (3:27)
13. Silly Boy Blue (3:53)
14. Come And Buy My Toys (2:10)
15. Join The Gang (2:20)
16. She's Got Medals (2:26)
17. Maid Of Bond Street (1:45)
18. Please Mr. Gravedigger (2:40)
19. Love You Till Tuesday (Single Version) (3:02)
20. Did You Ever Have A Dream (2:09)
21. Karma Man (3:06)
22. Let Me Sleep Beside You (3:27)
23. In The Heat Of The Morning (2:59)
24. Ching-A-Ling (2:05)
25. Sell Me A Coat (Remixed Version) (2:54)
26. When I Live My Dream (Version 2) (3:52)
27. Space Oddity (Original Version) (3:47)

Gesamtspieldauer: 1:17:42

Drei Cover, im Grunde genommen eine Platte, die sich allerdings trotzdem in ihren Zusammenstellungen beziehungsweise Anordnungen der Lieder unterscheiden. Das ursprünglich 1967 veröffentlichte erste Album David Bowies mit selbigem Titel, beinhaltete insgesamt vierzehn Lieder. Auf den Nachveröffentlichungen und Zusammenstellungen der damaligen Zeit wurden diese noch um weitere, bisher nicht auf einem Album erschienene Singles erweitert. Bei „Images“ handelt es sich um eine Doppel-LP, die wohl nie auf CD erschienen ist, ohne zusätzliche Mixe auskommt, dafür beim Aufklappen des Covers mit sehr fantasievollen Comic-Bildern aufwartet, welche jeweils einem Lied entsprechen. „The Deram Anthology 1966-1968“ ist dagegen ziemlich deckungsgleich mit der remasterten und erweiterten Version vom Album „David Bowie“. Unterschiede finden sich in der Art der „alternativ“ hinzugefügten Songs, die beim Album „David Bowie“ auch die Mono-Versionen der Lieder enthalten sowie diverse Mixe und den Titel „London, Bye, Ta Ta“. Währenddessen wird auf „The Deram Anthology 1966-1968“ noch die ursprüngliche Version von „Space Oddity“ wiedergegeben. Deshalb auch das „1966 – 1968“ im Titel des Albums. Alle anderen Lieder entstanden nämlich 1966 oder 1967 und wurden zu dieser Zeit auch veröffentlicht. Die oben angegebene Trackliste zeigt übrigens die Anordnung auf „The Deram Anthology 1966-1968“.

Zur Musik ist zu sagen, dass es sich hierbei um englischen sechziger Jahre Pop handelt, der nicht allzu tiefgründig ist. Ein klein wenig klingt es manchmal auch nach englischsprachigem Schlager, ein anderes Mal dann sehr skurril, wie bei „The Laughing Gnome“ oder „Please Mr. Gravedigger“. Bei ersterem fühlt man sich unweigerlich an das „Lied der Schlümpfe“ mit Vadder Abraham erinnert. Die Musik ist zwar nicht gleich, jedoch „unterhält“ sich David Bowie hier mit einem „Gnom“, der mit seiner Stimme sehr an Donald Duck erinnert. Bei „Please Mr. Gravedigger“ hört man dann Glockengeläut, Donnergrollen, Regen, viel „Gegrabe“, einen verschnupften David Bowie und keine Begleitmusik. Sicherlich experimentell für die damalige Zeit. Auf den beiden CD-Versionen bekommt man David Bowie übrigens in dem Song „Ching-A-Ling“ auch in der Formation „Feathers“ zu hören. Diese bestand kurzfristig aus David Bowie selbst, seiner Freundin Hermione Farthingale (an die auf „Space Oddity“ der Titel „Letter To Hermione“ erinnert) sowie John Hutchinson. Alle Drei singen hier auch und es ist so ein typischer Pop-Titel für die damalige Zeit.

Nun, es findet sich wie bereits erwähnt jede Menge sechziger Jahre Pop auf den Alben. Oftmals nicht sehr weltbewegend, aber durchaus mit einigen Höhepunkten durchsetzt. Da ist zunächst das schöne und getragene „The London Boys“, welches bereits einen Vorgeschmack auf zukünftige Veröffentlichungen des David Bowie macht und stilistisch auch auf „Diamond Dogs“ seinen Platz hätte finden können. Sehr eingängig ist „Rubber Band“, was nicht zuletzt auch an der Instrumentierung mit diversen Bläsern liegt. Hier ist allerdings definitiv die Album-Version besser gelungen, als die Single-Version. Ein tolles und spannendes Stück und auf seine Art außergewöhnlich. In die Richtung Folk geht die Nummer „Come And Buy My Toys“. Wunderbar eingängig und melodiös. Auch sehr gelungen: “In The Heat Of The Morning”. Was zunächst ebenfalls wie ein Pop-Song beginnt, wird im weiteren Verlauf sogar noch ein wenig rockig.

Fazit: Dieses erste Album des David Bowie ist anders, als alles, was da noch folgen sollte. Wer auf 60ies Pop steht, wird viel Spaß an der Scheibe haben. Wer David Bowie Fan ist sollte durchaus auch mal ein Ohr riskieren, denn hier gibt es durchaus Ungewöhnliches des Musikers zu hören. Interessant sind auf jeden Fall die Ansätze, die David Bowie hier bereits seinen Hörern zeigt. Nichts Weltbewegendes – zugegeben, trotzdem irgendwie „nett“. Neun Punkte.

Anspieltipps: The London Boys, Rubber Band, Come And Buy My Toys, She's Got Medals, In The Heat Of The Morning