New Model Army – The Ghost Of Cain

New Model Army – The Ghost Of Cain


Besetzung:

Justin Sullivan – vocals, guitar
Robert Heaton – drums
Jason 'Moose' Harris – bass



Gastmusiker:

Mark Feltham – harmonica on "Poison Street" and "Ballad"


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1986


Stil: Rock; Post Punk


Trackliste:

1. The Hunt (4:12)
2. Lights Go On (3:59)
3. 51st State (2:38)
4. All Of This (3:33)
5. Poison Street (3:07)
6. Western Dream (3:54)
7. Lovesongs (3:04)
8. Heroes (4:06)
9. Ballad (3:58)
10. Master Race (3:01)

Gesamtspieldauer: 35:31

„The Ghost Of Cain“ heißt das dritte Album der Engländer von New Model Army und stellte so etwas wie den Durchbruch der Band dar, was nicht zuletzt an dem Song „51st State“ lag. 1986 veröffentlicht, können die drei Musiker hier auf dieser Scheibe ihre Wurzeln im Punk allerdings noch nicht verleugnen. Viele der Titel klingen noch sehr nach dem Genre Punk und richtig „ruhige“ Titel gibt es auf „The Ghost Of Cain“ nur ganz vereinzelt. Meist rockt es, mal eben etwas punkiger, mal etwas weniger, der Rock steht aber auf jeden Fall an erster Stelle. Einzige richtige Ausnahme ist da, nomen est omen, der Titel „Ballad“ mit sehr viel Mundharmonika versehen und nur sehr zurückhaltend eingesetzter Gitarre.

Neben dem Titel „51st State“, den man einfach kennen sollte, sonst hätte man wahrlich etwas verpasst, ist auch die darauffolgende Nummer „All Of This“ klasse gelungen und wird hauptsächlich von der akustischen Gitarre bestimmt. Sehr eingängig das Ganze, ein Lied, welches groovt und einfach Spaß macht. Ebenso eingängig – und dieses Mal wirklich etwas langsamer – ist der Titel „Lovesongs“. Auch hier ist es wieder die akustische Gitarre, die das Lied dominiert.

Die restlichen Songs rocken, wie oben bereits erwähnt. Dabei ist es oftmals etwas weniger die Melodie, die im Vordergrund steht, sondern eher der Groove. Dies gelingt den Musikern von New Model Army allerdings sehr gut auf „The Ghost Of Cain“. Wer angepunkten Rock mag, der wird hier fündig werden.

Fazit: Ein wenig wirkt es auf der dritten Scheibe der Briten so, als suchten New Model Army noch ihren neuen Stil. Punk ist das nicht mehr durchgängig, manches Mal sogar nur noch ganz am Rande. Und mit „51st State“ schien sich dann auch der Weg zu ebnen, hin zum Rock, der melodiös und trotzdem immer packend und groovend ist. Neun Punkte.

Anspieltipps: Lights Go Out, 51st State, All Of This, Lovesongs

A-ha – Hunting High And Low

A-ha – Hunting High And Low


Besetzung:

Morten Harket – vocals
Magne Furuholmen – keyboards, vocals
Pål Waaktaar – guitars, vocals


Label: Warner Brothers Records


Erscheinungsdatum: 1985


Stil: Synthie Pop, Pop


Trackliste:

1. Take On Me (3:46)
2. Train Of Thought (4:11)
3. Hunting High And Low (3:43)
4. The Blue Sky (2:22)
5. Living A Boy's Adventure Tale (5:00)
6. The Sun Always Shines On T.V. (5:06)
7. And You Tell Me (1:51)
8. Love Is Reason (3:04)
9. I Dream Myself Alive (3:06)
10. Here I Stand And Face The Rain (4:30)

Gesamtspieldauer: 36:39

So ganz „normale“ Pop-Musik gibt es hier auf den Plattenbesprechungen ja nur relativ selten. Nun, das soll sich jetzt mal wieder mit A-ha ändern. Und zwar mit deren Hit-Album aus dem Jahr 1985, mit dem die drei Norweger den internationalen Durchbruch geschafft haben. 1985 war ein Jahr, in dem ich mir solche Musik durchaus noch zugelegt habe. Es sei mit meinem damals noch jungen Alter „entschuldigt“.

Ich habe mir das Album damals aber nicht wegen dem Lied „Take On Me“ zugelegt, welches auch durch seine bis dorthin revolutionäre Videotechnik, die auf MTV rauf und runter gesendet wurde, für Furore sorgte. Damals war MTV auch noch frei empfangbar, aber das ist eine andere Geschichte. A-ha waren danach der Schwarm vieler jungen Mädels, die in Gekreische ausgebrochen sind, sobald sich die drei Musiker irgendwo blicken ließen. Ich habe nicht geschrien, die drei allerdings auch nie persönlich getroffen – wer weiß was dann passiert wäre…

Zwei ganz nette Lieder befinden sich auf diesem Album. Da wäre zum einen das schon erwähnte „Take On Me“ und dann das wirklich sehr eingängige und schöne „The Sun Always Shines On T.V.“. Der Kaufgrund für mich war allerdings ein anderer, dieser ist für mich das mit Abstand beste Stück des Albums: Es ist das Lied „Hunting High And Low“, der Titeltrack und ich muss zugeben, dieses Stück gefällt mir auch heute, bald dreißig Jahre später, immer noch sehr gut. Tolle Melodie, eine irgendwie geartete melancholische Stimmung, schöne Wechsel – einfach ein spannendes und auch eingängiges Lied mit sehr hohem Ohrwurmcharakter.

Der ganze Rest der Platte ist Synthie-Pop der schlechteren Sorte. Klar mag hier die oder der eine noch einen Favoriten für sich entdeckt haben, aber essentiell ist das alles nicht mehr, eher belangloses Computer-Keyboard-Gedudel. Auf die Texte muss ich an dieser Stelle wohl auch erst gar nicht eingehen, denn die sind wahrlich nicht das Gelbe vom Ei und handeln überwiegend – oh Wunder – von der Liebe, von der verflossenen Liebe, von der erhofften Liebe und und und.

Fazit: Ein Synthie-Pop-Album haben die drei Norweger da 1985 auf den Markt geschmissen und sorgten damit für sehr viel Wirbel. Nicht zuletzt auch MTV trug zum großen Erfolg der Platte bei, die den Videoclip, der wahrlich gelungen ist, zu „Take On Me“ in die Dauerschleife nahmen, sodass dieser praktisch stündlich ausgestrahlt wurde. Es gibt ein paar schöne Songs auf „Hunting High And Low“ und mit dem Titeltrack zudem ein sehr überzeugendes Lied, welches ich durchaus als Bereicherung in meiner Musiksammlung ansehe. Mit dem Rest kann ich allerdings so gar nichts mehr anfangen. Das war Mitte der 80er Jahre bereits so und hat sich auch danach nicht mehr geändert. Deshalb gibt es für „Hunting High And Low“ von A-ha acht Punkte.

Anspieltipps: Take On Me, Hunting High And Low, The Sun Always Shines On T.V.

Brian Adams – Into The Fire

Brian Adams – Into The Fire


Besetzung:

Brian Adams – guitar, piano, keyboards
Keith Scott – lead guitar, backing vocals
Dave Taylor – bass
Mickey Curry – drums


Gastmusiker:


Robbie King – organ
Dave Pickel (Pick) – piano
Tom Mandel – keyboard, organ
Jim Vallance – piano, percussion, sequencer
Ian Stanley – keyboards
Tom Hannah – tour keyboards


Label: A&M Records


Erscheinungsdatum: 1987


Stil: Mainstream Rock


Trackliste:

1. Heat Of The Night (5:07)
2. Into The Fire (4:41)
3. Victim Of Love (4:07)
4. Another Day (3:41)
5. Native Son (6:04)
6. Only The Strong Survive (3:45)
7. Rebel (4:02)
8. Remembrance Day (5:59)
9. Hearts On Fire (3:30)
10. Home Again (4:18)

Gesamtspieldauer: 45:14

„Into The Fire“ ist das fünfte Album des Kanadiers, welches 1987 veröffentlicht wurde. Der „Hit“ der Platte war gleich das erste Lied „Heat Of The Night“. Mainstream Rock, aber mit dem gewissen Wiedererkennungswert. Der ganze Rest der Platte ist ziemlich schnell zusammengefasst, denn hier beweist Brian Adams bereits, warum er später auch „Schmuserocker“ und dergleichen Titel verliehen bekam. Das ist alles ganz eingängige Musik, die jedoch keinerlei Nachhaltigkeit beinhaltet. Mal etwas härter, mal etwas ruhiger gehalten, mitunter auch überaus langweilig.

Brian Adams lebt von seiner Stimme, die wahrlich auch einen gewissen Wiedererkennungswert besitzt, die Musik ist allerdings allzu sehr für den Massenmarkt konzipiert. Ziemlich viel und offensichtliche Eingängigkeit, um schnell in die Charts zu gelangen. Das glückte dem Kanadier sogar bereits drei Jahre zuvor mit dem Album „Cuts Like A Knife“, welches seinen internationalen Durchbruch mit sich brachte. Von da an war es auch vorbei mit der ursprünglich von ihm bevorzugten Musikstil, dem Hard Rock. Ab jetzt gab es AOR (Adult Oriented Rock) beziehungsweise Mainstream-Mucke, damit die Kassen noch ein wenig schneller klingelten, was ihm allerdings auch nicht vorzuwerfen ist. Haben viele andere ja genauso gemacht.

Fazit: Wer AOR und Mainstream mag, dem sei dieses Album zu empfehlen. Auch wenn ich die Platte mein Eigen nennen darf, so ist das doch keine Musik mehr, die mir in irgendeiner Art und Weise zusagt. Viel zu sehr wird hier auf die Bedienung des Massenmarktes geschielt, was wiederum bewirkt, dass die Musik schnell ins Ohr geht, man derer allerdings auch sehr schnell sehr überdrüssig wird. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Heat Of The Night

Arcade Fire – The Suburbs

Arcade Fire – The Suburbs

Besetzung:

Régine Chassagne – ohne Instrumentenangabe
Richard Reed Parry – ohne Instrumentenangabe
Win Butler – ohne Instrumentenangabe
Tim Kingsbury – ohne Instrumentenangabe
Will Butler – ohne Instrumentenangabe
Jeremy Gara – ohne Instrumentenangabe
Sarah Neufeld – ohne Instrumentenangabe


Gastmusiker:


Sarah Neufeld – strings
Owen Pallett – strings
Richard Reed Parry – strings
Marika Anthony Shaw – strings
Clarice Jensen – additional strings
Nadia Sirota – additional strings
Yuki Numata – additional strings
Caleb Burhans – additional strings
Ben Russell – additional strings
Rob Moose – additional strings
Colin Stetson – saxophones (tracks 9, 13 & 15)
Pietro Amato – French horn (tracks 13 & 15)


Label: Mercury


Erscheinungsdatum: 2010


Stil: Indie Rock, Pop


Trackliste:

1. The Suburbs (5:15)
2. Ready To Start (4:16)
3. Modern Man (4:40)
4. Rococo (3:57)
5. Empty Room (2:52)
6. City With No Children (3:12)
7. Half Light I (4:14)
8. Half Light II (No Celebration) (4:27)
9. Suburban War (4:45)
10. Month Of May (3:51)
11. Wasted Hours (3:21)
12. Deep Blue (4:28)
13. We Used To Wait (5:01)
14. Sprawl I (Flatland) (2:54)
15. Sprawl II (Mountains Beyond Mountains) (5:26)
16. The Suburbs (Continued) (1:28)

Gesamtspieldauer: 1:04:05

Ich liebe Musik. Manche Menschen können das nicht nachempfinden. Die stellen während der Autofahrt das Radio an und lassen sich genau von dem berieseln, was irgendein Redakteur gerade in die Endlos-Schleife mit aufgenommen hat, weil er dafür von der Plattenfirma bezahlt wurde. Ich höre nicht nur im Auto Musik, ich höre fast immer Musik. Beim Joggen, in meinem Arbeitszimmer, beim Essen (manches Mal auch zum Verdruss meiner Familie, wobei ich dabei allerdings den Lautstärkeregler entsprechend „unterhaltungsfreundlich“ nach unten reguliere) und auch sonst in allen möglichen Situationen. Wenn ich im Auto mal das Radio anstelle, dann um mich zu informieren, was gerade in der Welt vor sich geht. Ansonsten schiebe ich meine Musik in den Player und genieße die Fahrt.

Ich wähle Musik aus und lasse mich auch sehr gerne inspirieren. Auch durch das Internet. Und wenn da mal eine Scheibe an die hundert positive Bewertungen hat und in mein „Beuteschema“ wie zum Beispiel „Indie Rock“ passt, dann wird das Teil auch bestellt. In diesen dreißig Sekunden, die man da pro Lied umsonst mal reinhören kann, in dieser halben Minute kann ich mir kein Bild von einem einzelnen Stück machen, beziehungsweise mir nicht entsprechendes Gehör verschaffen, um das Ganze abschließend beurteilen zu können. Genau so lief das bei Arcade Fire und ihrer Platte „The Suburbs“. Gelesen, gekauft, gewartet und als sie dann da war, wurde die Scheibe sofort in den CD-Spieler geschoben. Stutzig hat mich zu Beginn nur der Aufkleber „53rd Grammy Award Winner“ gemacht. Die meisten Oscar-prämierten Filme des Jahres finde ich Kacke. Man denke da nur an „Titanic“, einem Film, bei dem ich schon vorher wusste, dass das Schiff sinken würde. Und ich bin mir sicher Rihanna hat auch schon Grammy Awards gewonnen und mit Sicherheit auch irgendwelche HipHop-Größen. Aber das ist meist nicht meine Musik, da fehlt mir völlig der Zugang. Aber Arcade Fire sollen ja Indie Rock machen, das muss also klappen…

Okay, jetzt bin ich endlich bei der Musik der Kanadier angelangt, die sie auf „The Suburbs“ gepresst haben. Und ich nehme es gleich vorweg, die Musik ist nicht schlecht. Es ist diese Art der Musik, die ich nicht sofort im Radio wegschalten würde, sondern auch mal zuhöre. Ich möchte mich ja inspirieren lassen. Allerdings, wenn ich im Internet lese: „Das Beste der letzten zwanzig Jahre…“, „DIE Musik des 21. Jahrhunderts…“, „Es gibt nichts Besseres…“, „Die Offenbarung des Indie Rock…“ und so weiter, da komme ich dann sogar ganz gehörig ins Zweifeln.

Meine Fresse, das ist noch nicht mal Indie Rock, was da auf „The Suburbs“ zu hören ist. New Model Army machen Indie Rock. Arcade Fire spielen und singen auf „The Suburbs“ Pop-Musik. Keine schlechte, habe ich ja bereits erwähnt. Aber eine Offenbarung? Das Beste überhaupt? Ne sorry, kann ich nicht nachvollziehen und ich habe die Weisheit auch nicht mit Löffeln gefressen. „The Suburbs“ von Arcade Fire ist ein nettes Pop-Album, was keine Ausfälle in sich trägt. Eingängige Melodien, schöne Ideen. Die Lieder haben alle eine gewisse Qualität und können einem sogar recht zügig gefallen, benötigen also nicht zu viele Durchläufe im CD-Player, um im Ohr des Hörers anzukommen. Und bei einigen Titeln passiert das sehr schnell, bei anderen dauert es etwas länger – aber alle haben ihre Qualität und richtige Ausschläge nach unten fehlen wahrlich. Den ganz großen Ausreißer in die andere Richtung, findet man auf der Platte allerdings leider auch nicht. So ist „The Suburbs“ kein schlechtes, aber doch noch „normales“ Pop-Album geworden und wahrlich keine Offenbarung, die in den letzten zwanzig Jahren keinen Vergleich zu scheuen hätte.

Fazit: Ein nettes, für mich allerdings durchschnittliches Pop-Album ist „The Suburbs“ von Arcade Fire geworden. Die Musik macht Laune und sich so etwas anzuhören macht sicherlich auch Spaß, wenn man Cabrio fährt. Ich habe aber kein Cabrio – mein Fehler. Trotzdem, ganz bestimmt kein schlechtes Album, allerdings den Hype darüber, den kann ich nicht nachvollziehen. Acht Punkte.

Anspieltipps: Suburban War, We Used To Wait

And You Will Know Us By The Trail Of Dead – Source Tags & Codes

And You Will Know Us By The Trail Of Dead – Source Tags & Codes


Besetzung:

Jason Reece – ohne Instrumentenangabe
Conrad Keely – ohne Instrumentenangabe
Kevin Allen – ohne Instrumentenangabe
Neil Busch – ohne Instrumentenangabe



Label: Interscope Records


Erscheinungsdatum: 2002


Stil: Alternative, Hard Rock


Trackliste:

1. Introduction (1:32)
2. It Was There That I Saw You (3:58)
3. Another Morning Stoner (4:34)
4. Baudelaire (4:17)
5. Homage (3:29)
6. How Near, How Far (3:54)
7. Life Is Elsewhere (0:55)
8. Heart In The Hand Of The Matter (4:48)
9. Monsoon (5:54)
10. Days Of Being Wild (3:27)
11. Relative Ways (4:04)
12. After The Laughter (1:15)
13. Source Tags & Codes (5:55)

Gesamtspieldauer: 48:02

„Source Tags & Codes“ nannten die vier Texaner von And You Will Know Us By The Trail Of Dead ihr drittes Album, welches im Jahr 2002 erschien. Und dieses Album beinhaltete einen weiteren Schritt weg vom kompromisslosen Hard’n‘Heavy-Sound, hin zu mehr Melodiösität in der Musik, die trotzdem alles andere als mit „weichgespült“ beschrieben werden kann.

Gerockt wird auch auf „Source Tags & Codes“, jedoch gleich der erste Titel „Introduction“ führt den Hörer ganz sanft, leise und melodiös mit Pianoklängen in das Album ein. Mit dem nächsten Titel „It Was There That I Saw You“ sind diese ruhigeren Klänge allerdings bereits wieder überholt, es wird wieder gerockt. Doch hier ist bereits festzustellen, dass der einmal eingeschlagene „härtere“ Weg nicht mehr wie auf den vorherigen beiden Alben durchgezogen wird, denn schon dieser Titel setzt sich aus mehreren Teilen zusammen, in denen auch ruhigere Abschnitte zum Zuge kommen. Das macht die Musik von And You Will Know Us By The Trail Of Dead auf diesem Album eindeutig interessanter.

Auch positiv festzuhalten ist der Umstand, dass die Jungs dem Abmischen der Platte jetzt noch mehr Aufmerksamkeit geschenkt zu haben scheinen. Die Becken scheppern zwar immer noch ein wenig undifferenziert, aber sonst bekommen die einzelnen Instrumente, wie auch der Gesang, eigenen Spielraum eingeräumt, der hier auch nicht übersteuert klingt und alles gleichberechtigt zur Geltung kommen lässt. Somit ergibt sich ein ganz anderes Klangerlebnis als noch auf dem Debut, bei dem alles waberte und man oftmals hauptsächlich ein großes und lautes Rauschen zu vernehmen glaubte.

„Source Tags & Codes“ ist ein schönes Rock-Album geworden, bei dem zwar die absoluten Übersongs fehlen, das Zusammenspiel aus Hard Rock und den leiseren Tönen jedoch ein in sich geschlossenes Bild abgibt, welches sich lohnt genauer betrachtet beziehungsweise gehört zu werden. Von knallhart, wie bei „Homage“, bis hin zum sanften, bereits erwähnten Opener, ist so ziemlich jede Musik-Geschwindigkeit auf „Source Tags & Codes“ enthalten. Nicht anders sieht es da mit dem Gesang aus. Wildes Geschrei gibt es genauso zu hören, wie sehr differenzierte und melodische Gesangslinien.

Und wenn es vielleicht auch keine absoluten Übersongs zu entdecken gibt, so befinden sich auf diesem dritten Album von And You Will Know Us By The Trail Of Dead doch einige wirklich klasse Titel. Zu erwähnen wäre hier „How Near, How Far“, eher im Mid-Tempo angesiedelt, obwohl die Nummer durchaus richtig gut rockt. „Heart In The Hand Of The Matter“ ist ebenfalls eine richtig gut gelungene Mid-Tempo-Nummer, die einfach Spaß macht. Und dann ist da natürlich noch „Relative Ways“ – für mich das Lied auf der Platte, welches einem schon mal einen schönen Vorgeschmack auf die nächste Scheibe „Worlds Apart“ vermittelt, denn genau da hätte dieser Song stilistisch auch seinen Platz gefunden. Klasse eingängige Rock-Musik, die groovt, die rockt, die melodiös ist. Musikfreund, was willst Du mehr? „After The Laughter“ erinnert etwas an das Eingangsstück. Ganz sanft wird hier ebenfalls das Piano bedient – leider ist das Stück etwas zu kurz geraten.

Bliebe noch der Titelsong „Source Tags & Codes“. Wieder eine überaus gelungene und eingängige Nummer, die sich vom Tempo her ebenfalls im mittleren Bereich der Geschwindigkeitsskala ansiedelt. Die vier Musiker von And You Will Know Us By The Trail Of Dead müssen nicht mehr schreien und holen trotzdem alles aus ihren Instrumenten heraus. Das alles wirkt jetzt sehr viel mehr nach „Komponieren von Musik“. Schön auch das Ende, bei dem das Album mit Violinen- und Celli-Klängen langsam ausklingt. Gelungen.

Fazit: Auf „Source Tags & Codes“ haben And You Will Know Us By The Trail Of Dead einen weiteren Schritt nach vorne gemacht – ohne dabei anbiedernd zu wirken oder offensichtlich den Massenmarkt bedienen zu wollen. Die Musik ist ausgereifter geworden, die Stücke sind qualitativ deutlich besser und packen den Zuhörer mehr. Vielleicht sehen das knallharte Rock-Fans ein wenig differenzierter oder sogar ganz anders. Mir jedoch gefällt der hier eingeschlagene Weg auf jeden Fall schon deutlich besser, als noch die ersten Schritte der Band. Neun Punkte.

Anspieltipps: Introduction, How Near How Far, Relative Ways, Source Tags & Codes

Guns N’ Roses – Use Your Illusion I

Guns N’ Roses – Use Your Illusion I


Besetzung:

W. Axl Rose – lead vocals, piano, choir and synthesizer programming, backing vocals, acoustic guitar, keyboards, sound effects
Izzy Stradlin – rhythm guitar, backing vocals, acoustic guitar, co-lead guitar, lead vocals, percussion
Slash – lead guitar, co-rhythm guitar, slide guitar, acoustic guitar, dobro, classical guitar, backing vocals, talkbox, six-string bass
Duff McKagan – bass, backing vocals, acoustic guitar
Dizzy Reed – keyboards, piano, clavinet, backing vocals, organ
Matt Sorum – drums, percussion, backing vocals, choir


Gastmusiker:

Johann Langlie – sound effects
Bruce Foster – sound effects
Michael Monroe – harmonica and saxophone
Jon Thautwein – horn
Matthew McKagan – horn
Rachel West – horn
Robert Clark – horn
Tim Doyle – tambourine
Alice Cooper – vocals
West Arkeen – acoustic guitar
Shannon Hoon – backing vocals
Reba Shaw – backing vocals
Stuart Bailey – backing vocals
Mike Clink – nutcracker


Label: Geffen Records


Erscheinungsdatum: 17. 9. 1991


Stil: Hard Rock


Trackliste:

1. Right Next Door To Hell (3:02)
2. Dust N' Bones (4:59)
3. Live And Let Die (3:04)
4. Don't Cry (Original Lyrics) (4:45)
5. Perfect Crime (2:24)
6. You Ain't The First (2:37)
7. Bad Obsession (5:27)
8. Back Off Bitch (5:04)
9. Double Talkin' Jive (3:24)
10. November Rain (8:58)
11. The Garden (5:22)
12. Garden Of Eden (2:42)
13. Don't Damn Me (5:20)
14. Bad Apples (4:28)
15. Dead Horse (4:18)
16. Coma (10:16)

Gesamtspieldauer: 1:16:07

Das gab es auch noch nie, dass eine Band an einem Tag zwei Doppel-Alben beziehungsweise CD’s veröffentlicht. Guns N‘ Roses haben das mit „Use Your Illusion I“ und „Use Your Illusion II“ gemacht. Im Frühherbst 1991 veröffentlichten sie diese beiden Platten, die auch bereits kurze Zeit später Platz 1 und 2 der Charts einnahmen. Platz 1 war allerdings „Use Your Illusion II“ vorbehalten und „Use Your Illusion I“ belegte Platz 2, jenes Album, um welches es jetzt hier gehen soll.

Drei „Klassiker“ der Band befinden sich auf dieser Platte. Diese heißen „Live And Let Die“ (das Titelstück zum gleichnamigen James Bond Film), „Don’t Cry“ und „November Rain“. Alles drei richtig gute Songs. Und da wird auch gleich ein Unterschied zum ersten Album der Band deutlich: Es gibt nun nicht mehr nur die Hard’n’Heavy Abteilung bei Guns N‘ Roses, sondern auch etwas sanftere Töne haben Einzug in die Musik der Band gefunden. Das macht das Ganze natürlich ein Stück abwechslungsreicher. „Don’t Cry“ und „November Rain“ sind Balladen, die Guns N‘ Roses richtig gut gelungen sind. Eingängige Harmonien, alles sehr melodiös und irgendwie schön.

Dann gibt es da aber auch noch dreizehn weitere Titel auf „Use Your Illusion I“. Und da wird es dann schon etwas schwieriger. Denn diese Titel sind alle handwerklich gut gemacht, mal härter, mal wieder etwas weicher, aber so richtig zünden können die Lieder nur ab und an. Klar ist da was dabei für die Head-Banging-Fraktion und auch mal ganz nette Melodien wie bei „The Garden“, bei dem übrigens Alice Cooper an den Vocals zu hören ist, allerdings haben diese Titel zum größten Teil nicht die Ausstrahlung, wie die bereits erwähnten Nummern. Nicht wirklich schlecht, aber auch nicht allzu begeisternd. Eher Durchschnitt. Ausnehmen davon möchte ich die letzte Nummer „Coma“. Auf über zehn Minuten geht es hier überaus abwechslungsreich und spannend zu. Mal härter, mal sphärischer, mal sanfter, mal melodischer. Ein toller Longtrack, der mitunter fast schon ein wenig experimentell wirkt und auch gerade deshalb überzeugen kann, weil hier keine 08/15-Hard Rock zu hören ist, sondern ein richtig klasse komponierter Titel, bei dem man vom einen ins andere Extrem gerissen wird.

Fazit: „Use Your Illusion I“ ist eine gute Scheibe geworden. Einige herausragende Titel sind darauf zu finden und auch sonst gibt es keine wirklichen Ausfälle, wenn man denn mit Hard Rock gut leben kann. Denn den gibt es zum überwiegenden Teil zu hören, aber eben nicht mehr nur. Die Platte macht Spaß, auch wenn nicht alles begeistern kann und manches Stück einfach so durchläuft. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Live And Let Die, Don’t Cry, November Rain, The Garden, Coma

New Model Army – No Rest For The Wicked

New Model Army – No Rest For The Wicked


Besetzung:

Justin Sullivan – vocals, guitar
Stuart Morrow – bass, vocals
Robert Heaton – drums


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1985


Stil: Post Punk, Rock


Trackliste:

1. Frightened (3:41)
2. Ambition (3:08)
3. Grandmother's Footsteps (4:22)
4. Better Than Them (3:13)
5. My Country (3:40)
6. No Greater Lover (3:31)
7. No Rest (5:21)
8. Young Gifted & Skint (3:09)
9. Drag It Down (3:29)
10. Shot 18 (3:12)
11. The Attack (3:37)

Gesamtspieldauer: 40:23

Das zweite Album der englischen Band New Model Army ist größtenteils noch im selben Stil gehalten wie das Debut-Album „Vengeance“. Auch auf „No Rest For The Wicked“ gibt es geradlinigen, an den Punk angelehnten Rock zu hören, bei dem inzwischen allerdings schon etwas mehr die Melodie in den Vordergrund gerückt ist, wie man gleich beim ersten Titel „Frightened“ feststellen kann.

Auch gibt es trotz der „limitierten“ oder besser gesagt klassischen Besetzung mit lediglich Gitarre, Bass und Schlagzeug bereits deutlich mehr Spielraum im Versuch, unterschiedliche Sounds auszuprobieren. Sehr schön hört man das gleich zu Beginn von „Grandmother's Footsteps“. Und der nachfolgende Song „Better Than Them“ hätte so auch auf einem deutlich später veröffentlichten Album der Band ebenfalls gefunden werden können.

Und noch was hatte sich geändert. Die Stimme des Justin Sullivan klingt nun nicht mehr wie die des „Slade The Levellers“, wie sich Justin Sullivan auf dem ersten Album noch selbst betitelte, sondern genauso, wie man ihn auch von späteren Werken der Band her kennt: Sehr einprägsam und auf ihre Art einmalig.

Meist kommen die Songs allerdings noch im Gewand der Debut-Platte daher. Geradlinig und schnörkellos wird hier drauflos gerockt, ohne großartige Kompromisse einzugehen, ohne von einem ursprünglichen Weg wieder abzuweichen. Ganz anders ist das allerdings beim letzten Stück des Albums. Zum ersten Mal sind dieses Mal auch ruhige Töne von New Model Army zu hören und dieser Song „The Attack“ ist wahrlich klasse gelungen. Sehr eindringlich, hauptsächlich mit akustischer Gitarre und einigen „Explosionen“ instrumentiert, ist dieses Lied der Höhepunkt des Albums geworden, gerade auch durch die Abwechslung, die jetzt hier in der Musik von New Model Army transportiert wird.

Fazit: Der Weg war vorgezeichnet beziehungsweise zeichnete sich hier immer mehr ab. Weg vom Punk, hin zum zwar immer noch geradlinigen Rock, bei dem der Melodie jedoch auch eine nicht unerhebliche Wichtigkeit zugedacht wurde. „No Rest For The Wicked“ ist bereits deutlich spannender als das Debut-Album, was nicht zuletzt an der deutlich vergrößerten Abwechslung in den Titeln selbst, aber auch zwischen den einzelnen Liedern liegt. Neun Punkte.

Anspieltipps: Grandmother's Footsteps, Better Than Them, The Attack

Lindisfarne – Fog On The Tyne

Lindisfarne – Fog On The Tyne


Besetzung:

Simon Cowe – acoustic-, electric and 12-string guitars, mandolin, vocals
Ray Jackson – harmonica, mandolin, vocals
Ray Laidlaw – drums, etc.
Alan Hull – acoustic-, electric and 12-string guitars, keyboards, vocals
Rod Clements – electric bass, acoustic- and 12-string guitars, violin


Label: Charisma Records


Erscheinungsdatum: 1971


Stil: Folk Rock, Rock


Trackliste:

1. Meet Me On the Corner (2:39)
2. Alright On The Night (3:34)
3. Uncle Sam (2:59)
4. Together Forever (2:36)
5. January Song (4:13)
6. Peter Brophy Don't Care (2:47)
7. City Song (3:08)
8. Passing Ghosts (2:31)
9. Train In G Major (3:11)
10. Fog On The Tyne (3:26)


Bonus Tracks (auf allen CD-Wiederveröffentlichungen):

11. Scotch Mist (2:07)
12. No Time To Lose (3:15)

Gesamtspieldauer: 36:24

Das zweite Album der englischen Band Lindisfarne stellte gleichzeitig ihren Durchbruch in Großbritannien dar. Und dies obwohl oder vielleicht gerade, weil das Album wesentlich einheitlicher gestaltet war, als noch die Debut-Platte „Nicely Out Of Tune“. Auf „Fog On The Tyne“ gibt es nun zumeist ruhigen Folk-Rock zu hören, der allerdings nicht mehr die Höhepunkte der ersten Platte aufweist. Alle Stücke sind in einem ziemlich einheitlichen Tempo und gleichzeitig ähnlicher Stimmung eingespielt worden.

Mitunter hat sich die Band auf „Fog On The Tyne“ welches 1971, nur ein Jahr nach „Nicely Out Of Tune“ erschien, auch der amerikanischen Country-Music angenähert. Dies ist zwar immerhin nicht allzu oft, geschweige denn durchgängig auf der Platte zu hören, aber diese Anlehnung wird bei einigen Songs doch unüberhörbar dargeboten. Genau in dieses Schema passt zum Beispiel auch der Titeltrack. Die Zugabe „Scotch Mist“ klingt dagegen, wie der Name schon sagt, eher nach schottischer Volksmusik und wurde dabei ohne Gesang eingespielt.

Die Höhepunkte der Platte befinden sich in der Mitte des Albums mit den Titeln „January Song“, „Peter Brophy Don't Care“, „City Song“ und „Passing Ghosts“. Alle vier Stücke sind wirklich schöne Folk-Nummern, sehr harmonisch und melodisch komponiert und arrangiert und gehen dadurch sofort ins Ohr. Das Tempo ist bei diesen Songs ziemlich ruhig gehalten und fast schon ein wenig getragen wirkend. Somit überrascht es nicht wirklich, dass diese vier Lieder von der Akustik-Gitarre sowie dem Gesang dominiert werden. Erfolgreichstes Stück hingegen war das erste Lied auf dem Album „Meet Me On the Corner“, welches es als Single-Auskopplung bis auf Platz fünf der britischen Single-Charts schaffte.

Fazit: Auch wenn dieses Album erfolgreicher war als noch die Debut-Platte, kann die Musik darauf nicht restlos überzeugen. Alles klingt ein wenig ähnlich, harmonisch beziehungsweise melodiös zwar, aber die Ecken und Kanten fehlen eindeutig. Wahrlich keine schlechte Platte, aber trotzdem eher Durchschnitt, da die Songs hier einfach nicht so zünden wollen und es nicht schaffen, den Hörer auf ihre Seite zu ziehen, sondern oftmals einfach so mitlaufen. Acht Punkte.

Anspieltipps: January Song, Peter Brophy Don't Care, City Song, Passing Ghosts

Golden Earring – N.E.W.S.

Golden Earring – N.E.W.S.


Besetzung:

George Kooymans – lead guitar, vocals
Barry Hay – vocals, guitar
Rinus Gerritsen – bass, keyboards
Cesar Zuiderwijk – drums


Label: CNR


Erscheinungsdatum: 1984


Stil: Rock


Trackliste:

1. Clear Night Moonlight (3:28)
2. When The Lady Smiles (5:40)
3. Enough Is Enough (3:47)
4. Fist In Glove (3:27)
5. Orwell's Year (4:21)
6. N.E.W.S. (5:19)
7. I'll Make It All Up To You (5:25)
8. Mission Impossible (6:01)
9. It's Over Now (4:11)

Gesamtspieldauer: 41:38

„N.E.W.S.“, stehend für „North East West South“, lautet der Name des siebzehnten Albums der Niederländer von Golden Earring. Es wird kräftig gerockt auf diesem Album, welches allerdings leider so überhaupt nicht überzeugen kann. Mainstreammäßige Melodien wechseln sich mit langweiligen Songs ab, sodass ein Album entstanden ist, das den Hörer nicht mehr so richtig zu fassen bekommt.

Manche Titel rocken noch ganz nett, aber dann gibt es auch so Songs wie „Fist In Glove“ oder aber den Titelsong „N.E.W.S.“, bei dem man das Gefühl hat, die Band versuche sich am HipHop. „I'll Make It All Up To You“ besitzt zumindest einen gewissen Lauf und Groove, ohne dabei allerdings wirklich überzeugen zu können. Auch noch ganz gelungen ist „Mission Impossible“. Das Stück hat immerhin einen durchaus vorhandenen Wiedererkennungswert. Irgendwie klingt allerdings der ganze Rest so, als ob man es schon hunderte Male in leicht anderer Version gehört hätte. Und dann noch das allergrößte Manko der Scheibe: Die Melodie, die Harmonie, die einen als Hörer einfangen könnte, die fehlt auf „N.E.W.S.“ einfach.

Fazit: Es gibt so viel gute Musik auf der Welt, die es sich lohnt gehört zu haben - auch von Golden Earring. Das Album „N.E.W.S.“ gehört jedoch leider nicht dazu. Zwei Stücke sind richtig schlecht, der ganze Rest schleppt sich so durch, ohne wirklich überzeugen zu können. Das haben die Niederländer schon sehr viel besser hinbekommen. Ein Album für den absoluten Golden Earring-Fan, aber für nur wenig andere, denn dazu ist das alles einfach zu langweilig, zu nichtssagend. Sechs Punkte.

Anspieltipps: I'll Make It All Up To You, Mission Impossible

Genesis – A Trick Of The Tail

Genesis – A Trick Of The Tail


Besetzung:

Tony Banks – pianos, synthesizers, organ, mellotron, 12-string guitar, backing vocals
Phil Collins – drums, percussion, lead and backing vocals
Steve Hackett – electric guitar, 12-string guitars
Michael Rutherford – 12-string guitar, basses, bass pedal


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1976


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Dance On A Volcano (5:58)
2. Entangled (6:27)
3. Squonk (6:31)
4. Mad Man Moon (7:35)
5. Robbery, Assault And Battery (6:19)
6. Ripples (8:06)
7. A Trick Of The Tail (4:35)
8. Los Endos (5:52)

Gesamtspieldauer: 51:22

Zwei Jahre hat es gedauert, bis Genesis nach dem Ausscheiden von Peter Gabriel mit „A Trick Of The Tail“ 1976 schließlich ihr siebtes Studio-Album veröffentlichten. Phil Collins hatte nun den Gesangspart übernommen und das tat er sehr in Anlehnung an Peter Gabriel, sodass dieser stimmliche Einschnitt in der Band weniger Spuren hinterließ, als die Fans damals befürchteten.

Die Musik hatte sich allerdings ein wenig verändert. Sie ist nicht mehr ganz so eingängig und melodiös wie noch auf den vorherigen Veröffentlichungen, zumindest stimmt das immer wieder zum Teil. Zwar gibt es auch auf „A Trick Of The Tail“ noch diese wirklich tollen und eingängigen Lieder, für die man als Beispiel „Entangled“, „Mad Man Moon“, „Ripples“ und den Titeltrack „A Trick Of The Tail“ anführen kann, doch auch etwas „härtere“ Töne haben Einzug in die Musik von Genesis gehalten. „Dance On A Volcano“, „Robbery, Assault And Battery“, „Los Endos“ und vor allem „Squonk“ stehen dafür stellvertretend. Die Musik der Band wurde nun auch ein wenig experimenteller, es wurden neue Sounds, kraftvollere Töne ausprobiert.

„A Trick Of The Tail“ hält selbstverständlich noch richtig tolle progressive Musik für den Hörer parat. Wieder gibt es wunderschöne Instrumentalpassagen, überraschende Wechsel in Tempo und Rhythmus und eben auch diese, einen ergreifenden Melodien, die man nach dem Hören nicht mehr missen möchte. Dazu gesellen sich erneut sehr schöne und phantasiereiche Texte, die oft Geschichten erzählen, sodass sich diesbezüglich ein Mitlesen oder genaues Mithören durchaus lohnt.

Fazit: Genesis ohne Peter Gabriel würde anders sein, das war klar. Aber so viel anders wurde es gar nicht, es wurden allerdings Spektren hinzugefügt, die es vorher in der Musik der Band noch nicht gab. Das ging ein wenig zu Lasten der Melodiösität der Titel, macht diese dadurch allerdings auch treibender und fordernder und vielleicht für den einen oder anderen Hörer sogar interessanter. Genesis hatte sich weiterentwickelt. Ob dies hin zum Guten oder weniger Guten passierte, das muss jeder Hörer für sich selbst entscheiden. Ob dies hin zum Guten oder weniger Guten passierte, das liegt ganz im Ohr des Zuhörers. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Entangled, A Trick Of The Tail

Kate Bush – Lionheart

Kate Bush – Lionheart


Besetzung:

Kate Bush – vocals, background vocals, piano, keyboards, recorder


Gastmusiker:

Ian Bairnson – acoustic-, rhythm- & electric guitar, vocals
Brian Bath – guitar
Paddy Bush – harmonica, mandolin, vocals, pan flute, slide guitar, mandocello, pan pipes
Richard Harvey – recorder, vocals
Duncan Mackay – synthesizer, keyboards
Francis Monkman – harpsichord, keyboards, hammond organ
Del Palmer – bass, vocals
David Paton – bass
Stuart Elliott – drums, percussion
Charlie Morgan – drums
Andrew Powell – keyboards
David Katz – violin


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1978


Stil: Art Pop


Trackliste:

1. Symphony In Blue (3:36)
2. In Search Of Peter Pan (3:46)
3. Wow (4:00)
4. Don't Push Your Foot On The Heartbrake (3:15)
5. Oh England My Lionheart (3:12)
6. Full House (3:14)
7. In The Warm Room (3:35)
8. Kashka From Baghdad (3:56)
9. Coffee Homeground (3:39)
10. Hammer Horror (4:39)

Gesamtspieldauer: 36:56

Noch im gleichen Jahr wie das Debut-Album “The Kick Inside” wurde 1978 die zweite Platte Kate Bushs im Herbst unter dem Titel “Lionheart” veröffentlicht. Und leider klingt die Scheibe ein wenig so, als ob da jemand noch schnell vom Erfolg des Vorgängers profitieren wollte. Die einzelnen Lieder besitzen demnach nicht mehr die Qualität der Songs des Vorgängers und wirken ein bisschen - mit nur wenigen Ausnahmen - wie Stücke, die es auf das Debut-Album einfach nicht geschafft haben.

Die Lieder zünden einfach nicht so, wie noch ein paar Monate zuvor auf “The Kick Inside”. Die Melodien schaffen es nicht in derselben Weise den Zuhörer zu packen und zu fesseln. Dies drückte sich auch in den Verkaufszahlen des Albums im Vergleich zum Vorgänger aus. Weder das Album selbst, noch die drei daraus veröffentlichten Singles „Hammer Horror“, „Wow“ und „Symphony In Blue“ erreichten die Chart-Platzierungen, die mit dem Debut erreicht wurden.

Ist das Ganze zu Beginn der Platte noch ganz gefällig, so lassen im weiteren Verlauf des Albums die Titel qualitativ deutlich nach. Da läuft dann alles so ein wenig durch. Und solche Titel wie „Full House“ und „In The Warm Room“ fangen dann sogar an richtig zu langweilen. Vor allem bei der letztgenannten Nummer versuchte man wohl, nur noch die Stimme der Kate Bush in den Vordergrund zu stellen, sodass man sich eine Melodie gleich sparen konnte und auf diese verzichtete.

Richtig überzeugen kann im Grunde genommen nur „Don't Push Your Foot On The Heartbrake“, denn hier gibt es dann doch wieder das schöne Zusammenspiel von Melodie und Stimme, die dieses Stück noch einmal interessant werden lässt. Leider ist das auf „Lionheart“ aber die Ausnahme.

Fazit: Es wirkt so, als ob dieses Album ein klein wenig zu schnell nach dem erfolgreichen Debut auf den Markt gekommen ist. Die Lieder wirken nicht, langweilen zum Teil sogar oder sind gewöhnungsbedürftig. Nein, überzeugen kann „Lionheart“ leider nicht. Auf dem Album hört man gerade Mal durchschnittliche Musik, die nur durch die Stimme Kate Bushs zu etwas Anderem und Besonderem wird – nicht jedoch durch die auf der Platte vertretenen Lieder. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Don't Push Your Foot On The Heartbrake

Vangelis – Chariots Of Fire

Vangelis – Chariots Of Fire


Besetzung:

Vangelis – all instruments


Label: Polydor Ltd.


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: Soundtrack, Instrumentalmusik


Trackliste:

1. Titles (3:33)
2. Five Circles (5:20)
3. Abraham's Theme (3:20)
4. Eric's Theme (4:18)
5. 100 Metres (2:04)
6. Jerusalem (2:47)
7. Chariots Of Fire (20:41)

Gesamtlaufzeit: 41:58

Für den Soundtrack zu „Chariots Of Fire“ hat Vangelis 1981 einen Oskar für die beste Filmmusik erhalten. Und das kann man für den Titel „Titels“ auch sehr gut nachempfinden. Das ist die Stunde des Siegers. Hier vereinigt die Musik all das, was an Emotionen in dem Moment aus einem herausbricht, wenn man als erstes die Ziellinie überquert, das entscheidende Tor geschossen hat, im Bewusstsein ist, den weitesten Sprung gelandet zu haben. Wahrlich ein tolles Lied, welches auch immer wieder in den verschiedensten Dokumentationen seinen Einsatz findet.

Nun und der Rest? Der ist meist sehr sphärischer Natur, gut gemacht natürlich und Atmosphäre transportierend. Was aber unterscheidet diese Songs, die weniger auf eine ultraeingängige Melodie, sondern mehr auf die Stimmung an sich ihren Fokus legen, von der Musik anderer Vertreter dieses Genres? Nicht allzu viel. Auch hier wirkt alles auf den Hörer und ist in sich stimmig. Atmosphärische Stimmungsmusik, zweifellos. Ein wenig melodiöser vielleicht als jene, die zum Beispiel Klaus Schulze oder Tangerine Dream zumeist produzieren. Aber in diese Klangwelten einzutauchen, das gelingt dem Konsumenten auch hier ohne weiteres. Im letzten Titel „Chariots Of Fire“ wird das Thema aus „Titels“ nochmals aufgenommen und ausgeweitet, es klingt ein wenig nach klassischer Musik. Schön gemacht, wahrlich fast schon eine Suite, die auf jeden Fall wirkt und beim Hörer auch nachhallt. Gut gemachte Instrumentalmusik, die Assoziationen aufkommen lässt - aber das musikalische Thema, das hatten wir ja bereits.

Fazit: „Titels“ möchte ich wahrlich nicht mehr missen. Und auch das Lied „Chariots Of Fire“ hat seine Stärken, sodass dieses Album für all diejenigen eine gute Abschaffung darstellt, die Instrumentalmusik lieben, die dann auch noch zusätzlich klassisch angehaucht ist. Nichts anderes stellt nämlich vor allem die Nummer „Chariots Of Fire“ mit seinen Pianopassagen dar. Schöne Musik zum Träumen, aber auch bestens geeignet, wenn man mal seine Dias vertonen will oder eine Powerpoint-Präsentation aufzufrischen versucht. Neun Punkte.

Anspieltipps: Titles, Chariots Of Fire