The Beatles – Abbey Road

The Beatles – Abbey Road


Besetzung:

John Lennon – vocals, acoustic (six and twelve-string) and electric guitars, acoustic and electric pianos, hammond organ and moog synthesizer, white noise generator and sound effects, percussion
Paul McCartney – vocals, acoustic, electric and bass guitars, acoustic and electric pianos, hammond organ and moog synthesizer, sound effects, handclaps and percussion
George Harrison – vocals, acoustic, electric and bass guitars, hammond organ, harmonium and moog synthesizer, handclaps and percussion
Ringo Starr – drums, handclaps and percussion, background vocals, lead vocals and piano (on "Octopus's Garden")


Gastmusiker:

George Martin – piano, electric harpsichord, electronic organ, harmonium and percussion
Billy Preston – hammond organ (on "Something" and "I Want You (She's So Heavy)")
Mal Evans – "anvil" (on "Maxwell's Silver Hammer")


Label: Apple


Erscheinungsdatum: 1969


Stil: Pop, Rock


Trackliste:

1. Come Together (4:21)
2. Something (3:03)
3. Maxwell's Silver Hammer (3:27)
4. Oh! Darling (3:27)
5. Octopus's Garden (2:51)
6. I Want You (She's So Heavy) (7:47)
7. Here Comes The Sun (3:06)
8. Because (2:46)
9. You Never Give Me Your Money (4:02)
10. Sun King (2:26)
11. Mean Mr Mustard (1:06)
12. Polythene Pam (1:13)
13. She Came In Through The Bathroom Window (1:58)
14. Golden Slumbers (1:32)
15. Carry That Weight (1:37)
16. The End (2:20)
17. Her Majesty (0:23)

Gesamtspieldauer: 47:24

„Abbey Road“ heißt das elfte Album der Beatles und wurde 1969 veröffentlicht. Die Band befand sich zu diesem Zeitpunkt bereits im Auflösungsprozess, die persönlichen und geschäftlichen Differenzen, vor allem zwischen Paul McCartney und John Lennon, waren zu diesem Zeitpunkt nicht mehr zu überbrücken. „Abbey Road“ ist zwar das elfte veröffentlichte Album der Beatles, eingespielt wurde es allerdings nach der zwölften Veröffentlichung „Let It Be“, welche dann jedoch erst zeitgleich zum gleichnamigen Film, ein Jahr später auf dem Markt erschien. Auf „Abbey Road“ betätigte sich auch wieder George Martin als Produzent, wohingegen diesen Job, beim vorher produzierten und später veröffentlichten „Let It Be“, Phil Spector übernommen hatte.

Musikalisch ist die Platte zweigeteilt. Befanden sich auf der ehemaligen ersten Seite acht Titel, die wiederum einige Klassiker an Beatles-Kompositionen bereithalten, so besteht die ehemalige zweite Seite des Albums aus einem Medley, welches hauptsächlich aus sehr kurzen Titeln zusammensetzt. Auf der ehemaligen ersten Seite ist hierbei das geniale „Come Together“ herauszuheben. Ein Lied, bei dem man den Text einfach nicht verstehen kann, welches allerdings mit einer unverwechselbaren Rhythmusfraktion ausgestattet wurde, die einen absoluten Wiedererkennungswert besitzt und der auch ein Alleinstellungsmerkmal innewohnt. Dann gibt es da natürlich auch noch das wunderschöne „Here Comes The Sun“ aus der Feder George Harrisons. Klasse eingängige Melodie – ein Lied zum Dahinschmelzen.

Sicherlich auch erwähnenswert ist „I Want You (She's So Heavy)“. Der Titel beginnt ein wenig bluesig und wechselt dann immer wieder zwischen dieser Passage und rockigeren Abschnitten hin und her. Schließlich wird die Nummer in einem dreiminütigen, melodiösen und rockigen Teil ausgeblendet. Sehr eindrucksvoll. Das gilt auch für „Because“, dem letzten Lied der ehemaligen ersten Seite. Mit einem, an ein Cembalo erinnernden Sound, wird der Titel eingeleitet und besticht dann durch tolle Gesangsarrangements, die Queen ein paar Jahre später noch weiterentwickeln sollte.

Die zweite Seite beginnt mit dem zunächst verträumten „You Never Give Me Your Money“. Auch hier lassen sich wieder aufwendig gestaltete Gesangspassagen erhören. Der Titel ist im weiteren Verlauf aus verschiedenen Abschnitten aufgebaut, die mal rockiger, mal poppiger klingen, alle jedoch überaus melodiös. Es folgen eine ganze Reihe relativ kurzer Nummern und man ist überrascht, wie viel Kreativität immer noch in dieser Band steckte, bei der sich vor allem John Lennon und Paul McCartney nicht mehr „grün“ waren. Andere Bands hätten auch aus diesen kurzen Titeln ein ganzes Album gezaubert. Den Beatles genügte es hier jedoch, alles irgendwie nur ganz kurz anzureißen, um dann in einen neuen Rhythmus, eine neue Melodie, ein neues Lied überzugehen.

Fazit: Wirklich beeindruckend, was die Beatles hier, in dieser Situation noch an Ideen hatten und wie sie diese umsetzten. Müßig darüber zu spekulieren, was von dieser Band noch alles gekommen wäre, wenn sie weiterhin freundschaftlich verbunden geblieben wären und weitergemacht hätten. Vielleicht lag allerdings auch genau in dieser angespannten Situation eine treibende Kraft für diese ausdrucksstarke Musik. „Abbey Road“ ist auf jeden Fall ein tolles Album geworden, durch welches man in den Beatles-Kosmos perfekt einsteigen kann. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Come Together, Carry That Weight, Here Comes The Sun

Travis – The Boy With No Name

Travis – The Boy With No Name


Besetzung:

Fran Healy – lead vocals, guitar, harmonica, piano
Andy Dunlop – guitar
Dougie Payne – bass guitar, backing vocals
Neil Primrose – drums


Gastmusiker:

Julia Stone – backing vocals (“Battleships”)
KT Tunstall – backing vocals (“Under The Moonlight”)
Manon Morris – harp (“Colder”)
Sarah Clarke – clarinet (“New Amsterdam”)
Joby Talbot – string arrangement (“Selfish Jean”)
Chris Worsey – cello (“Selfish Jean”)
Ian Burdge – cello (“Selfish Jean”, “Closer”, “Battleships” and “My Eyes”)
Zoe Martlew – cello (“Selfish Jean”)
Lucy Wilkins – violin (“Selfish Jean”)
Louisa Fuller – violin (“Selfish Jean”)
Helena Wood – violin (“Selfish Jean”)
Rick Koster – violin (“Selfish Jean”)
Richard George – violin (“Selfish Jean”)
Louisa Aldridge – violin (“Selfish Jean”)
Jonathan Hill – violin (“Selfish Jean”)
Darragh Morgan – violin (“Selfish Jean”)
Jeff Moore – violin (“Selfish Jean”)
Natalia Bonner – violin (“Selfish Jean”)
Adrian Smith – viola (“Selfish Jean”)
Reiad Chibah – viola (“Selfish Jean”)
John Metcalfe – viola (“Selfish Jean”, “Closer” and “My Eyes”)
Rachel Robson – viola (“Selfish Jean”)
Sally Herbert – string arrangement and violin (“Closer”, “Battleships” and “My Eyes”)
Everton Nelson – violin (“Closer” and “My Eyes”)
Calina De La Mare – violin (“Battleships”)
Oli Langford – viola (“Battleships”)


Label: Independiente Music Ventures


Erscheinungsdatum: 2007


Stil: Indie Pop


Trackliste:

1. 3 Times And You Lose (4:15)
2. Selfish Jean (4:01)
3. Closer (4:01)
4. Big Chair (4:08)
5. Battleships (4:12)
6. Eyes Wide Open (2:59)
7. My Eyes (4:09)
8. One Night (4:00)
9. Under The Moonlight (4:01)
10. Out In Space (3:36)
11. Colder (4:07)
12. New Amsterdam (2:37)
13. Sailing Away [Hidden Track] (3:31)

Gesamtspieldauer: 49:35

Ursprünglich wurde Travis mal als Brit-Pop-Band gehandelt, dann entwickelte sich die Band ein wenig mehr in die Indie-Pop Richtung. Trotzdem lassen sich die musikalischen Wurzeln der Band auch hier, auf dem fünften Album der Band mit dem Titel „The Boy With No Name” nicht ganz verleugnen.

Sehr eingängigen Indie-Pop bekommt der Hörer auf dem 2007 veröffentlichten Album geboten. Alles ist melodiös, alles klingt harmonisch und die Musik geht gleich beim ersten Anhören, ohne jegliche Umwege, sofort ins Ohr. Dieser Weg wird schon zu Beginn durch den Eingangstitel „3 Times And You Lose“ vorbereitet. Eine tolle, zunächst recht verträumte Nummer, bis der Titel dann ein wenig Fahrt aufnimmt und durch eine wunderschön klingende akustische Gitarre getragen wird. „3 Times And You Lose“ enthält all das, was man sich von einem sehr guten Pop-Song wünscht: Schöne, einnehmende Melodie, alles perfekt arrangiert und durchaus auch spannend umgesetzt.

Weitere Höhepunkte sind das etwas treibendere „Big Chair“. Hier kommt dem Bass eine tragende Rolle zu, der den Song nach vorne schiebt. Und natürlich besitzt auch diese Nummer wieder eine sehr harmonische Melodie. Ebenfalls überaus gelungen ist Titel Nummer 9, „One Night”, selbige Zutaten, gleiches Ergebnis. Das ist Musik zum Entspannen und Genießen. Und dann ist da noch ein Lied, welches auf dem Cover jedoch gar nicht vermerkt ist, da es sich hierbei um einen sogenannten „Hidden Track“ handelt. Diese versteckten Songs nerven eigentlich immer, weil man sich fragt, was das soll. Hier ist das Ganze sogar noch ein wenig ärgerlicher, da „Sailing Away“ wahrlich überaus gelungen ist. Ein fröhliches Lied, welches Gute Laune produziert. Man muss gar nicht extra erwähnen, dass auch hier die Melodie und so weiter…

Fazit: Ein schönes und ruhiges Album ist „The Boy With No Name” geworden. Dem ein oder anderen ist das alles vielleicht ein wenig zu weichgespült, aber sowohl zum Nebenbeihören, als auch zum Genießen mit Kopfhörern auf einem bequemen Sofa bestens geeignet. Ein unaufgeregtes Entspannungsalbum. Zehn Punkte.

Anspieltipps: 3 Times And You Lose, One Night, Sailing Away

X-tal – Everything Crash

X-tal – Everything Crash


Besetzung:

Allison Moseley – vocals, bass
Demetrius Broustis – vocals, guitars, 12-string guitar, lap steel
J. Neo – vocals, guitars, organ, melodica, kaen, tin whistle
Mick Freeman – vocals, drums, vibraslap


Gastmusiker:

Carrie Bradley – violin, toy saxophone
Jonathan Levy – trumpet on “Pacemaker”
Leslie Sullenger – vox on “Pacemaker”
The Moon Tabernacle Choir – vocals on “Utah” and “Fatal Distractions”


Label: Alias Records


Erscheinungsdatum: 1992


Stil: Folk Rock, Pop


Trackliste:

1. Black Russian (5:22)
2. Easily Impressed (1:39)
3. Stop Torture (3:23)
4. Genesis Hall (3:29)
5. Utah (2:45)
6. Qué Lástima (1:23)
7. Fatal Distractions (4:56)
8. Census (7:08)
9. Help Wanted, Part 2 (2:06)
10. Pacemaker (2:54)
11. Passing (5:38)
12. Long Dark Night (4:58)

Gesamtspieldauer: 45:41

X-tal war eine Rockband aus San Francisco, die in den Jahren zwischen 1983 und 1996 aktiv war und ab 1990 fünf Studioalben veröffentlichte. „Everything Crash” ist dabei die dritte Platte der Band aus dem Jahr 1992. Die Musik von X-tal ist dabei eine Mischung aus Rock, Pop, Folk und auch einige hauchzarte Country-Einflüsse sind herauszuhören.

Diese Mixtur passt allerdings und einige richtig tolle Songs befinden sich auf dem Album. Gleich die erste Nummer „Black Russian” hat es in sich. Ein Titel, bei dem der Violine eine tragende Rolle zugedacht wurde. Klasse eingängige Melodie, perfekt abgestimmte Instrumentierung und ein Rhythmus, der zum Mitwippen animiert. „Fatal Distractions” klingt dagegen zunächst fast ein bisschen düster und weist schließlich ebenfalls einen sehr eingängigen, fast schon symphonischen Refrain auf. Perfekt gelungen ist hier auch das Zusammenspiel des Gesangs mit der Gitarre. Während des Gesangs ist hier ein Gitarrensolo unterlegt, eine Zusammenstellung, die man so auch nicht häufig zu hören bekommt. Einen weiteren Höhepunkt stellt der Titel „Passing“ dar. Sehr melancholisch und sentimental, verfügt auch diese Nummer über das gewisse Etwas, welches dem Lied einen Wiedererkennungswert verleiht, sodass er längerfristig hängenbleibt.

Und auch der Rest der Platte kann überzeugen. Mal ist es ein wenig rockiger, ohne jedoch jemals in die härtere Ecke abzudriften. Die einzelnen Titel sind spannend und gehen ins Ohr. Dabei werden die oben bereits geschriebenen Genres bedient. Dies alles passt jedoch perfekt zusammen und ist eindeutig X-tal zuzuordnen, da diese Stilbrüche das Flair der Musik der Band in sich tragen. Negativ anzumerken sind lediglich zwei Stücke, die jedoch ebenfalls sehr eingängig sind. „Genesis Hall” ist einer davon. Hier singt Allison Moseley und das Ganze wirkt hier jetzt ein wenig zu zuckersüß. Passend dazu ist auch der Text gehalten. Muss man nicht unbedingt haben. Selbiges lässt sich auch zu „Help Wanted, Part 2” anmerken, obwohl hier die Stimme Allison Moseley nur im Hintergrund zu hören ist. Aber auch dieser Titel wirkt so ein klein wenig wie ein ganz glatt geschliffener Folk Song, der einen zwar nicht Reißaus nehmen lässt, trotzdem jedoch nicht überzeugen kann.

Fazit: Ein schönes und unaufgeregtes Album ist „Everything Crash“ geworden. Viele Titel im Mid-Tempo, verschiedene Stile, alles sehr harmonisch und melodiös gehalten. Die Lieder gehen einem meist ziemlich schnell ins Ohr und bleiben dort auch längerfristig haften. Sehr abwechslungsreicher Rock-Pop-Folk eben. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Black Russian, Passing, Fatal Distractions

David Bowie – Low

David Bowie – Low


Besetzung:

David Bowie – vocals, guitar, pump bass, saxophones, xylophones, vibraphones, harmonica, pre-arranged percussion, keyboards: arp synthesiser, piano, chamberlin


Gastmusiker:

Brian Eno – vocals, splinter minimoog, report arp, guitar treatments, piano, keyboards, synthetics, chamberlin, other synthesizers
Carlos Alomar – rhythm guitar
Dennis Davis – percussion
George Murray – bass
Ricky Gardiner – guitar
Roy Young – piano, farfisa organ
Peter and Paul – piano, arp synthesiser
Mary Visconti – backing vocals on "Sound And Vision"
Iggy Pop – backing vocals on "What In The World"
Eduard Meyer – cellos


Label: RCA


Erscheinungsdatum: 1977


Stil: Experimental Pop, Elektronische Musik


Trackliste:

1. Speed Of Life (2:47)
2. Breaking Glass (1:53)
3. What In The World (2:23)
4. Sound And Vision (3:03)
5. Always Crashing In The Same Car (3:34)
6. Be My Wife (2:57)
7. A New Career In A New Town (2:53)
8. Warszawa (6:24)
9. Art Decade (3:47)
10. Weeping Wall (3:28)
11. Subterraneans (5:41)

Gesamtspieldauer: 38:51

David Bowie hatte es auf seinem elften Album „Low“ mal wieder geschafft, sich neu zu erfinden. 1977 erschienen, erkennt man hier sehr deutlich die Zusammenarbeit mit Brian Eno. Die Musik auf dem Album ist zwar zum Teil immer noch poppig bis rockig, allerdings sind nun auch Titel vorhanden, die überaus deutlich in die Richtung elektronische Musik driften. Und dieser Umstand ist ganz unabhängig davon, ob es sich dabei um eine Instrumentalnummer oder einen Titel mit Gesang handelt. David Bowie hatte dem Synthesizer in seiner Musik eine ganz bedeutende Rolle zugedacht.

Stellvertretend für diesen erneuten Stilwechsel stehen hier zwei Titel: „Warszawa“ und „Weeping Wall“. Nun, ich war noch nicht in Warschau, wenn die Stadt allerdings wirklich so düster und wolkenverhangen ist, wie dieses Lied klingt, dann muss man sie sich auch nicht unbedingt geben – den Titel des Albums selbst sollte man allerdings schon mal gehört haben. Eine unglaublich dichte, dunkle und traurig getragene Nummer, bei der Depressionen selbst bei hellem Sonnenschein auf das Gemüt drücken. Allerdings kann man sich mit „Warszawa“ auch bestens der „süßen“ Melancholie hingeben – wahrlich ergreifend.

Ganz anders dagegen „Weeping Walls“. Das Lied, ein Instrumentalstück, außer ein paar Aaahs und Ooohs, wirkt dagegen fast schon überbordend fröhlich. Xylophon-Klänge, die allerdings dem Synthsizer entspringen, machen dieses Lied zu einem sehr eingängigen und melodischen Stück, welches alleine schon durch die sich etwas ungewöhnlich anhörende Instrumentierung diesen gewissen Wiedererkennungswert besitzt. Auch „A New Career In A New Town”, „Art Decade“ und „Subterraneans“ sind überwiegend elektronische Instrumentaltitel, bei denen weitestgehend auf den Gesang verzichtet wurde. Da sich diese beiden Nummern ebenfalls am Ende des Albums befinden, kann man leicht feststellen, dass die Platte zweigeteilt ist, in den etwas poppigeren, ersten Teil und den elektronischen, zweiten Part. Letzterer ist wahrlich sehr gelungen und absolut überraschend, zumindest zu dieser Zeit, für die Musik des David Bowie. Wenn man dem sphärischen und elektronischen Sound allgemein etwas abgewinnen kann, dann ist man hier genau richtig.

Nun, was ist dann mit dem ersten Teil des Albums? Zwar auch elektronisch, aber doch sehr poppig, beginnt dieser mit der Instrumentalnummer „Speed Of Life“. Es folgen einige Pop-Titel, die irgendwie schon ein wenig an „Scary Monsters“ erinnern, obwohl dieses Album erst drei Jahre später erscheinen sollte und dazwischen noch zwei andere Alben veröffentlicht wurden. Bekanntestes Lied der Platte ist „Sound And Vision“. Eine eingängige Pop-Nummer, bei der allerdings auch dieser elektronische Sound nicht zu überhören ist. Auch die weiteren Titel haben durchaus etwas, wenn hier auch natürlich jeder seinen eigenen Favoriten finden wird.

Fazit: Ein der Musiker, die sich immer wieder in neuen Stilrichtungen ausprobiert haben ist David Bowie. Nie kann und konnte man sich sicher sein, was es wohl auf der nächsten Platte zu hören geben würde. Immer konnte ich ihm da auch nicht folgen. Soul und ganz einfallsloser Pop, die gibt es auch in der Diskographie von David Bowie. Muss ich zumindest nicht unbedingt haben. „Low“ allerdings ist schon ein besonderes Album geworden, da dieser Ausflug in ein erneut anders Genre durchaus gelungen ist und den Hörer treffen kann. Und auch die Pop-Songs der ehemaligen ersten Plattenseite sind durchaus gelungen. Zwar kein Meisterwerk mehr wie Anfang der 70er, dennoch eine interessante Scheibe. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Always Crashing In The Same Car, Warszawa, Weeping Wall

Van Der Graaf Generator – World Record

Van Der Graaf Generator – World Record


Besetzung:

Hugh Banton – manuals and pedals (manual and his music of pedallos)
Guy Evans – drums, cymbal, percussion & fingerpop
Peter Hammill – vox, meurglys III and wassistderpunktenhacker
David Jackson – alto, tenor and soprano saxophone and accoutrements and flute (all in the grotto)


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1976


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. When She Comes (8:03)
2. A Place To Survive (10:04)
3. Masks (6:56)
4. Meurglys III (The Songwriter’s Guild) (20:51)
5. Wondering (6:35)

Gesamtspieldauer: 52:29

„World Record“ heißt das siebte Album Van Der Graaf Generators und es ist gleichzeitig die dritte Scheibe der Band, die nach der Wiedervereinigung innerhalb von lediglich dreizehn Monaten veröffentlicht wurde. Lauscht man den drei Platten „Godbluff“, „Still Life“ und „World Record“, die in diesem Zeitraum eingespielt wurden, hintereinander, so wird unüberhörbar, dass die Eingängigkeit in der Musik der Band immer weiter zurückgedrängt wurde, zugunsten eines eher rockigeren und manchmal auch experimentelleren Stils. „World Record“ klingt dabei zum Teil sogar richtiggehend aggressiv, was nicht zuletzt auch am Gesangsstil des Peter Hammill liegt.

Auch die Klanggebilde auf dieser Platte werden deutlich schroffer, sperriger und ein wenig unzugänglicher, als dies noch auf den beiden Vorgängeralben der Fall war. Dies bedeutet nichts anderes, als dass sich der Hörer hier noch mehr Zeit nehmen muss, um in das Universum von Van Der Graaf Generator restlos eintauchen zu können. Eine von zwei Ausnahmen stellt hier – zumindest zu Beginn – die Nummer „Masks“ dar, die fast schon „lieblich“ und durchaus auch eingängig beginnt, um dann im weiteren Verlauf des Stückes ein wenig an Impulsivität zu gewinnen, bis es letztendlich wieder deutlich ruhiger wird.

Besonders erwähnenswert ist sicherlich auch der Titel „Meurglys III (The Songwriter’s Guild)“. Über zwanzig Minuten beinhaltet das Lied eine Ansammlung an verschiedenen Stimmungen und Abschnitten, die mal mehr von der Orgel geprägt sind, häufig steht jedoch auch die Gitarre des Peter Hammill im Vordergrund. Vor allem im letzten Drittel der Nummer wirkt das alles ein wenig skurril und abgefahren. Da hört man einen Reggae-ähnlichen Grundsound, über den Peter Hammill dann eine elektrische Gitarre legt. Das klingt alles überaus schräg und Peter Hammill entlockt hier seinem Saiteninstrument auch Töne, die nicht so ohne weiteres zum Rest des Gespielten passen wollen. Interessant ist das zu Hörende allerdings auf jeden Fall.

Für die letzte Nummer zeichnet sich Hugh Banton als Komponist aus. Peter Hammill steuerte hierzu, anders als sonst üblich, lediglich den Text bei. „Wondering” ist wohl der melodiöseste Titel des Albums. Fast schon symphonisch wirkt das Ganze, mit viel Mellotron unterliegt, entwickelt sich hier ein Lied, welches sehr schnell ins Ohr geht, bei dem Peter Hammill auch deutlich zurückhaltender singt und welches stilistisch gar nicht so recht zum Rest der Platte passen will, allerdings durchaus gelungen ist.

Fazit: Ein sehr viel fordernderes als auch unheitlicheres Album ist „World Record“ geworden, zumindest wenn man es mit den beiden Vorgängern vergleicht. Ein wenig scheint es auch so, dass die Band hier immer wieder experimentiert hat. Bei „Meurglys III (The Songwriter’s Guild)“ trifft das zumindest mit Sicherheit zu. Auch dieser Scheibe sollte man die Zeit zum „Reifen“ einräumen, denn auf „World Record“ lassen sich ebenfalls einige tolle Stellen und Lieder entdecken. Zehn Punkte.

Anspieltipps: When She Comes

Seven Mary Three – American Standard

Seven Mary Three – American Standard


Besetzung:

Jason Ross – lead vocals, guitars
Jason Pollock – lead guitars, vocals
Casey Daniel – bass
Giti Khalsa – drums


Label: Mammoth Records


Erscheinungsdatum: 1995


Stil: Alternative, Post Grunge


Trackliste:

1. Water's Edge (3:53)
2. Cumbersome (3:59)
3. Roderigo (4:25)
4. Devil Boy (4:25)
5. My My (2:53)
6. Lame (4:52)
7. Headstrong (4:47)
8. Anything (3:41)
9. Margaret (3:42)
10. Punch In Punch Out (2:48)
11. Favorite Dog (6:52)

Gesamtspieldauer: 46:16

Seven Mary Three oder auch 7M3, ist eine amerikanische Rockband aus Virginia, die sich 1992 gegründet hat und bisher sieben Alben veröffentlichte. „American Standard” ist die zweite Scheibe der Musiker und erblickte 1995 das Licht dieser Welt.

Nun, um es vorweg zu nehmen, wer Rock Musik mag, der wird auch sehr viel Gefallen an dieser Platte haben. Kraftvollen und ziemlich geradlinigen Rock gibt es auf „American Standard” zu hören. Musik, die noch nicht einmal eine lange Anlaufzeit benötigt, um das Herz des Rock-Fans zu erobern. Ein klein wenig erinnern die Titel von Seven Mary Three an die von Pearl Jam, die Parallelen sind mal mehr, mal weniger deutlich, aber sie sind eindeutig vorhanden.

Dies liegt nicht zuletzt auch ein bisschen am Gesang des Jason Ross, der nach einer Mischung aus Michael Stipe von R.E.M. und eben Eddie Vedder von Pearl Jam klingt. Dazu gesellt sich eine Gitarren-lastige Rock-Musik, die häufig auch an den Grunge diverser Bands aus Seattle erinnert. Die einzelnen Titel sind melodiös und eingängig, die ruhigeren Nummern stehen dabei nicht so sehr im Fokus, wie die treibenden und rockigen Lieder, die auch über diesen Groove verfügen, der sofort in die Beine geht und diese zum Mitwippen einlädt.

Bekanntestes Lied des Albums ist sicherlich „Cumbersome“. Eine tolle Rock-Nummer, die sich auch noch von den anderen zehn Titeln der Platte abhebt. Hier passt einfach alles. Intelligenter Text, tolle Melodie und ein Rhythmus, der einfach immer weiter und weiter möchte. Dazwischen gibt es noch einen ruhigeren Abschnitt, der schließlich wieder in den packenden Rock-Teil überführt wird. Klasse gemacht. Nun aber auch sonst haben es die Titel auf „American Standard” in sich. Ausfälle gibt es überhaupt nicht zu beklagen. Richtig überzeugend fängt es sofort mit „Water's Edge“ an, ebenfalls ein klasse Rock-Titel, der mal hart, mal sehnsüchtig klingt. Und wer dann eher die leiseren Töne in der Rock-Musik liebt, die oder der wird sicherlich Gefallen an „Lame“ finden. Schön getragen und mittels akustischer Gitarre umgesetzt, kann hier Jason Ross seinen Gesang wunderbar einbringen. Abwechslung ist auch noch in Form des Titels „Punch In Punch Out“ vorhanden. Hier singt Jason Ross zunächst ohne jegliche Begleitung, bis er sich schließlich lediglich vom Schlagzeug unterstützen lässt.

Fazit: Seven Mary Three ist in Deutschland nicht so bekannt. Schade eigentlich, denn die vier Musiker machen Musik, die Freunden des Rocks durchaus zusagen dürfte. Die Band legt dabei eine ganze Menge Wert auf die Melodie, welche mit härteren Riffs unterfüttert wird. Kein Lied gleicht dem anderen und keines ist überflüssig auf dieser Scheibe. Lohnt sich. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Lame, Cumbersome, Water's Edge

Modest Mouse – The Lonesome Crowded West

Modest Mouse – The Lonesome Crowded West


Besetzung:

Isaac Brock – guitar, vocals
Jeremiah Green – drums
Eric Judy – bass
Dann Gallucci – guitar on "Trailer Trash" and "Bankrupt On Selling"


Gastmusiker:

DJ K.O. – turntable scratching on "Heart Cooks Brain"
Nicole Johnson – vocals on "Lounge (Closing Time)" and "Long Distance Drunk"
Scott Swayze – guitar on "Convenient Parking" and "Lounge (Closing Time)"
Tyler Reilly – violin on "Jesus Christ Was An Only Child"
Chris Setton – vocals


Label: Up


Erscheinungsdatum: 1997


Stil: Independent Rock, Punk


Trackliste:

1. Teeth Like God's Shoeshine (6:53)
2. Heart Cooks Brain (4:03)
3. Convienent Parking (4:08)
4. Lounge (Closing Time) (7:04)
5. Jesus Christ Was An Only Child (2:36)
6. Doin' The Cockroach (4:19)
7. Cowboy Dan (6:15)
8. Trailer Trash (5:50)
9. Out Of Gas (2:31)
10. Long Distance Drunk (3:43)
11. Shit Luck (2:23)
12. Truckers Atlas (10:58)
13. Polar Opposites (3:30)
14. Bankrupt On Selling (2:54)
15. Styrofoam Boots / It's All Nice On Ice, Alright (6:53)

Gesamtspieldauer: 1:13:59

„The Lonesome Crowded West” nannten die Musiker der US-amerikanischen Band Modest Mouse ihre zweite Platte, die 1997 veröffentlicht wurde. Hier wirkt die Musik der Washingtoner noch deutlich rauer und schroffer, als auf den späteren Veröffentlichungen der Band. Gar nicht mal so überraschend ist es daher, dass sich auf dem Album mit „Shit Luck” auch ein reiner Punk-Titel versteckt.

Auch sonst klingt die Musik auf „The Lonesome Crowded West” noch deutlich aggressiver, als im weiteren Verlauf der Bandgeschichte. Diese eingängigen Melodien sind hier zunächst noch nicht zu hören, diese erschließen sich dem Hörer erst nach mehreren Durchläufen der Scheibe – allerdings auch nicht immer. Mitunter klingt das alles ein wenig schräg und manches Mal sogar auch irgendwie falsch, ein Stilmittel, auf welches die Band auch später noch zugreifen sollte. Hier, auf „The Lonesome Crowded West”, relativieren sich diese „etwas anderen Momente in der Musik” jedoch noch nicht so ohne Weiteres. Sehr viel Zeit benötigt diese Scheibe, um sich im Musikzentrum des Gehirns festsetzen zu können.

Aber die sehr überzeugenden Momente gibt es natürlich auch auf dem Album. Ein Beispiel hierfür wäre etwa „Lounge (Closing Time)”. Eine tolle Nummer, die sehr treibend beginnt, einen fast schon verträumten und sehr weichen Abschnitt aufweist und schließlich in einen genial treibenden, redundanten und sich steigernden Part übergeht, der das Herz des Rockfreunds durchaus zu erwärmen versteht. Auch „Trailer Trash” ist eine tolle Nummer, die vom Stil her noch am ehesten auf eines der Nachfolgeralben gepasst hätte. Ebenfalls wieder aus mehreren Teilen zusammengesetzt, schafft es dieses Lied sehr schnell zu zünden. Eingängigkeit und Melodiösität sind hier also sofort erhörbar. Dies gilt auch für das relativ kurz geratene „Bankrupt On Selling”. Nur mittels der akustischen Gitarre begleitet, schafft es Isaac Brock hier mit seinem Gesang eine fast schon heimelige Atmosphäre zu erzeugen, die durchaus einnehmend ist. Es klingt – und zwar gut.

Fazit: Man sollte sich viel Zeit für diese Scheibe von Modest Mouse nehmen, die diese dringend benötigt, um wirklich beim Hörer ankommen zu können. Sicherlich schroffer und rauer als die Nachfolgewerke, interessant und spannend jedoch ebenfalls. Und diese besonderen Momente in der Musik von Modest Mouse, die gibt es auch hier zu genießen. Wahrlich kein schlechtes Album. Acht Punkte.

Anspieltipps: Lounge (Closing Time), Trailer Trash, Bankrupt On Selling

The Beatles – Yellow Submarine

The Beatles – Yellow Submarine


Besetzung:

John Lennon – vocals, guitars, keyboards
Paul McCartney – vocals, bass guitars, keyboards
George Harrison – vocals, acoustic, guitars, organ
Ringo Starr – vocals, drums and percussion


Gastmusiker:

George Martin Orchestra


Label: Apple


Erscheinungsdatum: 1969


Stil: Pop, moderne Klassik, Soundtrack


Trackliste:

1. Yellow Submarine (2:43)
2. Only A Northern Song (3:28)
3. All Together Now (2:14)
4. Hey Bulldog (3:14)
5. It's All Too Much (6:28)
6. All You Need Is Love (3:53)
7. Pepperland (2:24)
8. Sea Of Time (3:00)
9. Sea Of Holes (2:21)
10. Sea Of Monsters (3:40)
11. March Of The Meanies (2:22)
12. Pepperland Laid Waste (2:15)
13. Yellow Submarine In Pepperland (2:11)

Gesamtspieldauer: 40:13

Nun, was soll man von diesem zehnten Studioalbum der Beatles halten? Das Wort „Studioalbum“ ist dabei schon falsch gewählt, denn es handelt sich um den Soundtrack des ein Jahr zuvor veröffentlichten Zeichentrickfilms „Yellow Submarine“. Das Besondere dabei ist, dass die Beatles sieben der dreizehn Lieder weder geschrieben haben, noch irgendwelche Instrumente dazu auf der Platte spielen. Die ehemalige Seite 2 der LP, die auf der CD ab Lied Nummer 7 beginnt, stammt von George Martin, der diese Titel schrieb und mit seinem George Martin Orchestra auch umsetzte. Hierbei handelt es sich um Orchestermusik im klassischen Gewand. Gesungen wird dementsprechend natürlich auch nicht, wobei die einzelnen Titel – allen voran „March Of The Meanies“ – durchaus überzeugend klingen, im Verbund mit dem Film jedoch natürlich deutlich besser wirken können. Der allerletzte Titel „Yellow Submarine In Pepperland”, greift immer wieder das Thema aus dem Lied „Yellow Submarine“ der Beatles auf. Erneut wird er lediglich von Orchester-Musikern instrumentiert und umgesetzt, ist so gesehen jedoch eine Koproduktion der Beatles und George Martin.

Die ersten sechs Stücke, also die ehemalige Seite 1 des Albums, beinhalten dann jedoch Beatles-Titel. Allerdings trifft man hier auch auf Altbekanntes. Der Titelsong „Yellow Submarine“ war bereits knapp drei Jahre zuvor auf „Revolver“ veröffentlicht worden und „All You Need Is Love“ kennt man natürlich vom 1967 erschienenen Album „Magical Mystery Tour“. Lediglich vier neue und bisher unveröffentlichte Lieder zieren das Album. Zwei davon stammen aus der Feder George Harrisons, zwei waren eine Gemeinschaftsproduktion des Duos John Lennon und Paul McCartney.

„Only A Northern Song”, die erste Nummer von George Harrison, ist dabei der beste Titel dieses Materials. Ein wenig psychedelisch angehaucht, kann das Lied durchaus überzeugen. Eine schöne und eingängige Melodie verleihen diesem Stück den gewissen Wiedererkennungswert. „It's All Too Much“ klingt deutlich rockiger, besitzt ebenfalls einen psychedelischen Touch und weist eine etwas seltsame Perkussion auf. Die beiden Lennon / Mc Cartney Titel unterscheiden sich dagegen sehr. „All Together Now“ klingt in etwa so wie eines der Lieder, die Kindergartentanten mit ihren drei- bis vierjährigen Schützlingen einstudieren, um diese bei Laune zu halten. „Hey Bulldog” ist da schon deutlich besser gelungen. Ein rockiger Titel, der so auch auf einem anderen Album der Beatles der damaligen Zeit hätte Platz finden können, ohne großartig gegen den Rest abzufallen.

Fazit: „Yellow Submarine“ war eines der wenigen Alben der Beatles, welche es weder in England, noch in den USA schafften, Platz 1 der Charts zu erobern. Sehr verwunderlich ist das nicht, denn dazu hat die Musik darauf zu wenig mit den Beatles zu tun (die komplette zweite Seite), war bereits bekannt oder kann nicht restlos überzeugen. Durch die vier neuen Beatles-Titel lohnt sich der Erwerb des Albums natürlich für Beatles-Fans oder aber Komplettisten. Für alle anderen ist diese Scheibe deutlich weniger interessant. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Only A Northern Song, March Of The Meanies

King Crimson – Starless And Bible Black

King Crimson – Starless And Bible Black


Besetzung:

Robert Fripp – guitar, mellotron, devices, electric piano
John Wetton – bass, vocals
Bill Bruford – drums, percussion
David Cross – violin, viola, mellotron, electric piano


Label: Island Records


Erscheinungsdatum: 1974


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. The Great Deceiver (4:03)
2. Lament (4:06)
3. We'll Let You Know (3:42)
4. The Night Watch (4:41)
5. Trio (5:41)
6. The Mincer (4:09)
7. Starless And Bible Black (9:11)
8. Fracture (11:13)

Gesamtspieldauer: 46:44

Ich kann es durchaus nachvollziehen, wenn viele Musikhörer mit diesem sechsten „Studioalbum“ King Crimsons weniger bis gar nichts anfangen können. Das liegt zum Teil sicherlich an den Anführungsstrichen, die man beim Wort „Studioalbum“ setzen muss. 1974 wurde „Starless And Bible Black” veröffentlicht und beinhaltet acht Titel, von denen „Trio“, „Fracture“, „We'll Let You Know“, „The Mincer“ und das Titelstück „Starless And Bible Black” Konzertmitschnitte darstellen, also live eingespielt und nachträglich im Studio überarbeitet wurden. „The Night Watch“ wurde ebenfalls live eingespielt, jedoch schließlich größtenteils im Studio durch dortige Aufnahmen ersetzt. So bleiben lediglich "The Great Deceiver" und "Lament" von dieser Platte, welche „reine“ Studio-Titel darstellen. Hintergrundgeräusche oder Applaus sind auf dem Album jedoch nicht zu hören, es ging der Band hier mehr um die Dynamik beim Spielen, die einem solchen Auftritt innewohnt und die es auf Platte zu transportieren galt.

Dies zur Entstehungsgeschichte des Materials, welches sich auf „Starless And Bible Black” befindet. Die Lieder selbst stellen dabei häufig Improvisationen dar, die vorher angeblich auch nicht immer abgesprochen worden waren. Hier wird gejammt, die Musiker spielen miteinander, gehen aufeinander ein und entwickeln so auf der Bühne neue Titel. Das klingt mitunter überaus spannend, wie beim genialen „Fracture“, wobei man sich kaum vorstellen kann, dass sich solch ein Lied auf der Bühne entwickeln lässt.

Nur wenig klingt auf diesem Album eingängig und melodiös, alles ist sperrig und kantig, oftmals experimentell und doch in seiner Art auch wieder unglaublich spannend. Und wenn man dann solch einen Titel wie „We'll Let You Know“ hört, dann passt hier durchaus auch das Adjektiv „abgefahren“. Schwer zugänglich, spielen die Musiker ihre Instrumente hier miteinander, allerdings auch nebeneinander, sodass an so etwas wie eine Melodie nicht zu denken ist. Selbiges lässt sich übrigens auch für „The Mincer“ und „Starless And Bible Black“ feststellen.

Aber es gibt auch die „lieblichen“ Töne auf dem Album. „The Night Watch” und „Trio” mögen zwar teilweise oder ganz ebenfalls live eingespielt worden sein, den Liedern zugrunde liegt jedoch eine Song-Struktur, die sicherlich nicht auf der Bühne entwickelt wurde. Hier handelt es sich jetzt also nicht um Improvisationen, sondern um überaus melodische Stücke, wobei ersteres sogar mit Text versehen wurde, was zusätzlich darauf hinweist, dass die Nummer vorher komponiert worden sein muss. Und das, was man da zu hören bekommt, ist wahrlich ergreifend. Eingängig und melodiös wird hier das Ohr umschmeichelt. „Trio“ ist im Anschluss daran wieder eine Instrumentalnummer, allerdings eine hauchzarte. Es scheint gerade so, als ob hier melancholisch eine Landschaft musikalisch abgebildet werden sollte. Sehnsüchtig klingt das Gehörte nach Weite, nach Sonnenuntergang, nach hügeliger Ebene, nach… Der Phantasie sind hier keinerlei Grenzen gesetzt. Da sich beide Nummern auch ziemlich zentral auf dem Album befinden, wirkt es ein klein wenig so, als wollten die Musiker hier ihren Hörern eine kurze Entspannungspause gönnen, bevor es dann wieder, durchaus auch verstörend, weitergeht.

Fazit: Ein unglaublich vielschichtiges Album ist „Starless And Bible Black“ von King Crimson geworden. Kein Album für den „Normalgebrauch“, kein Album zum Tanzen, kein Album zum Autofahren, kein Album zum Nebenbeihören. Man muss schon eine Ader für die ausgefalleneren Töne des Progressive Rock besitzen. Geschmack am Free Jazz kann hier auch definitiv nicht schaden. Obwohl ich letzteren nicht besitze, schafft es das Album mich zu packen. Alles scheint so lebendig und ist ausdrucksstark und in der Mitte gibt es dann diese kleine „Rastmöglichkeit“. Leider geil. Elf Punkte.

Anspieltipps: The Night Watch, Trio, Fracture

The Sensational Alex Harvey Band (without Alex) – Fourplay

The Sensational Alex Harvey Band (without Alex) – Fourplay


Besetzung:

Hugh McKenna – keyboards, vocals
Chris Glen – bass guitar
Ted McKenna – drums, vocals on track 4
Zal Cleminson – guitar, vocals on track 5


Label: Phonogram


Erscheinungsdatum: 1977


Stil: Rock


Trackliste:

1. Smouldering (5:34)
2. Chase It Into The Night (5:32)
3. Shake Your Way to Heaven (5:13)
4. Outer Boogie (5:03)
5. Big Boy (4:57)
6. Pick It Up And Kick It (4:28)
7. Love You For A Life Time (5:11)
8. Too Much American Pie (6:15)

Gesamtspieldauer: 42:12

„Fourplay” ist das vorletzte und siebte Album der Sensational Alex Harvey Band, obwohl Alex Harvey darauf gar nicht mitgewirkt hat. Dieser war 1977 bereits stark von seiner Alkoholsucht gezeichnet und zog es vor, sich eine Auszeit von der Band zu nehmen. Er hatte die Möglichkeit vom Label K-Tel bekommen, ein Tondokument über das Ungeheuer von Loch Ness anzufertigen, welches in sehr kleiner Auflage unter dem Titel „Alex Harvey Presents The Loch Ness Monster” auch veröffentlicht wurde. Hierauf ist Alex Harvey jedoch lediglich 40 Sekunden singend und pfeifend zu hören, ansonsten gibt er ein paar kurze Statements zu Interviewpassagen von Leuten ab, die das Ungeheuer von Loch Ness wahrhaftig gesehen haben wollen.

Die anderen vier Musiker waren in dieser Zeit jedoch nicht untätig und veröffentlichten im selben Jahr das Album „Fourplay” unter der Überschrift SAHB (without Alex). Auf dieser Scheibe hört man ganz nett gemachte Rock-Musik, die manchmal auch in den Pop-Bereich abdriftet. Das klingt mitunter sogar richtig gut, manches Mal jedoch auch überaus belanglos. Erwähnenswert sind hierbei vor allem der erste und der letzte Titel des Albums, „Smouldering“ und „Too Much American Pie“. Der erste dieser genannten Nummern ist ein sehr gelungenes Rock-Stück im Mid-Tempo, mit einem Hugh McKenna, der dem Lied mit seinem groovenden Pianospiel den gewissen Wiedererkennungswert verleiht. Dazu geseöllen sich noch einige Soli von Zal Cleminson auf der Gitarre und fertig ist der Höhepunkt der Platte.

Ebenfalls gelungen, wie bereits erwähnt, ist der Abschluss des Albums: „Too Much American Pie“. Die Zutaten ähneln sich dabei. Wieder kommt dem Piano eine größere Rolle zu, das Lied steigert sich immer weiter und die Gitarre des Zal Cleminson lässt es rocken. Nun und der Rock-Nummer „Big Boy“ kann man ebenfalls durchaus etwas abgewinnen. Aus mehreren Teilen zusammengesetzt, verfügt das Lied über eine sehr eingängige Melodie. Das war es leider im Grunde genommen aber auch schon. Der Rest ist ein wenig Rock’n’Roll oder aber poppige Rockmusik, die irgendwie einfach so durchläuft. Manchmal benötigt man sogar eine ganze Prise Humor, um solche Textstellen wie „I love you for a lifetime, if you say you want me too. I love you for a lifetime, if you say you want me too. So come on let me know where I am standing. Don’t let me wait another day. You know that time don’t stop for anyone, so don’t let love walk out the door. I love you for a lifetime, if you say you want me too…” verkraften zu können. Der Deutsche Schlager hätte das nicht besser hinbekommen. Auch wenn die anderen Stücke textlich nicht ganz so darniederliegen, so können sie einen trotzdem weder diesbezüglich noch musikalisch einfangen.

Fazit: Leider ist „Fourplay“ einer der Scheiben geworden, die man im Schrank stehen hat und auch davon weiß - auf die Idee sie einzulegen kommt man allerdings nicht, denn es gibt so viel andere Musik, die im Augenblick sehr viel mehr Spaß machen würde. Richtig schlecht ist dieser Versuch der verbleibenden Musiker der Sensational Alex Harvey Band jedoch auch nicht, zumal es auch Höhepunkte gibt. Sicherlich gibt es auch die oder den ein oder anderen, der hier noch mehr für sich entdecken kann, wenn sie oder er auf diese Mischung aus Mid-Tempo Rock mit Pop-Anteilen steht. Mich ergreift das jedoch irgendwie nicht so ganz. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Smouldering, Big Boy, Too Much American Pie

Van Der Graaf Generator – Still Life

Van Der Graaf Generator – Still Life


Besetzung:

Peter Hammill – vocals, guitar, piano
David Jackson – saxophone, flute
Hugh Banton – organ, bass, mellotron, piano
Guy Evans – drums, percussion


Label: Charisma Records


Erscheinungsdatum: 1976


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Pilgrims (7:12)
2. Still Life (7:25)
3. La Rossa (9:52)
4. My Room (Waiting For Wonderland) (8:04)
5. Childlike Faith In Childhood's End (12:38)


Bonus Track:

6. Gog (Live) (10:29)

Gesamtspieldauer: 55:40

Van Der Graaf Generator waren nach ihrer Wiedervereinigung sehr fleißig. Drei Alben veröffentlichten sie damals zwischen Oktober 1976 und Oktober 1977. „Still Life“ ist die zweite Platte in dieser Reihe und das sechste Album überhaupt. Mit Sicherheit ist diese Scheibe nicht mehr ganz so eingängig, wie das Vorgängeralbum, wenn es jedoch eine Platte gibt, der man Zeit zum „Reifen“ einräumen sollte, dann ist das mit Sicherheit „Still Life“.

Das Cover hat eine ganze Menge Bezug zum Bandnamen, denn hier sieht man eine Lichtenberg-Figur, also eine sich verzweigende elektrische Entladung, die angeblich von einem echten Van der Graaf Generator erzeugt wurde. Auf dem Album selbst hört man Progressive Rock pur. Nichts ist hier simpel, einfach oder zu leicht zugängig. Ausnahme diesbezüglich bildet am ehesten noch die Nummer „My Room (Waiting For Wonderland)“, die sehr sanft gehalten ist, vom Zusammenspiel des Gesangs Peter Hammills, dem Saxophon David Jacksons und dem Piano-Spiel lebt. Bereits beim ersten Hören überzeugt das Lied mit seiner Melodiösität und der diesem innewohnenden Melancholie.

Bei allen anderen Titeln werden immer wieder mal die Zügel angezogen, soll heißen, es wird lauter und vertrackter. Eingängig sind diese Nummern also deutlich weniger, aber wie bereits erwähnt, sie wachsen mit jedem weiteren Durchlauf der Platte. Dann eröffnen sich ganz neue Welten dieses Albums, alles wird vertrauter und schließlich eben doch eingängig und auf seine Art und Weise irgendwie perfekt. Allgemein ist die Scheibe sehr Orgel- und Saxophon-lastig, eine Gitarre gibt es nur an sehr wenigen Stellen zu hören. Dabei nimmt die Orgel des Hugh Banton, über das ganze Album hinweg, eine dominierende Rolle ein, womit eine unglaubliche Fülle der einzelnen Lieder erzeugt wird.

Noch kurz ein paar Worte der remasterten Fassung. Alles klingt hier voll und einnehmend, diese Überarbeitung hat sich wahrlich gelohnt. Was sich deutlich weniger gelohnt hat, das ist der Bonus-Track „Gog“. Dieser ist bereits auf Peter Hammill’s Solowerk „In Camera“ vertreten und klingt dort deutlich überzeugender und vor allem auch klarer. Sie Soundqualität erinnert hier an billig gepresste Bootlegs aus den 70er Jahren, als die Aufnahmequalität noch nicht ausgereift war und irgendwo bei einem Konzert ein Tonband mitlief. 70er Jahre? Ach so, genau so wird es auch gewesen sein.

Fazit: Ein uneingeschränktes Progressive Rock-Album stellt „Still Life“ dar, welches jeder, der in diesem Genre „seine“ Musik weiß, kennen sollte. „Godbluff“, der Vorgänger ist sicherlich ein wenig eingängiger – zumindest beim ersten Hören. Auf „Still Life“ ergibt sich das mit der Zeit und der Beschäftigung mit der Platte. Atmosphärisch ist das Album sogar ein wenig freundlicher und heller geraten, als dies noch beim Vorgänger der Fall war. Es gibt allgemein weniger treibende Abschnitte, die Platte ist etwas ruhiger, aber keineswegs weniger intensiv. Dazu gesellt sich noch der Umstand, dass alle Titel ihre Qualität haben, nichts gegenüber dem anderen abfällt, nimmt man mal den Bonus-Track davon aus. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Childlike Faith In Childhood's End

U2 – Pop

U2 – Pop


Besetzung:

Bono – lead vocals, additional guitar
Adam Clayton – bass guitar
The Edge – guitar, keyboards, backing vocals
Larry Mullen, Jr. – drums, percussion, programming


Gastmusiker:

Flood – keyboards
Steve Osborne – keyboards
Howie B – turntables, keyboards
Marius De Vries – keyboards


Label: Island Records


Erscheinungsdatum: 1997


Stil: Pop, Rock


Trackliste:

1. Discothèque (5:20)
2. Do You Feel Loved (5:07)
3. Mofo (5:49)
4. If God Will Send His Angels (5:22)
5. Staring At The Sun (4:37)
6. Last Night On Earth (4:46)
7. Gone (4:27)
8. Miami (4:53)
9. The Playboy Mansion (4:41)
10. If You Wear That Velvet Dress (5:15)
11. Please (5:03)
12. Wake Up Dead Man (4:53)

Gesamtspieldauer: 1:00:11

An diesem neunten Album von U2 mit dem Titel „Pop“ scheiden sich so ein wenig die Geister, sowohl auf Fan-Seite, wie auch bei den Kritikern. 1997 veröffentlicht, findet sich zumeist genau das auf der Platte, was bereits im Titel widergegeben ist: Pop-Musik. Das ist zugebenermaßen ein klein wenig ungewöhnlich für U2, die ansonsten eher für Rock und Alternative stehen.

Gleich mit dem ersten Titel „Discothèque“ wird der Hörer gleich ein wenig auf das eingestimmt, was oft in den nächsten 60 Minuten zu hören sein wird: treibende Beats und Samples. Die Gitarre steht nicht mehr so oft im Vordergrund, das Keyboard übernimmt sehr häufig die dominante Position ein, was auch die Beteiligung der Gastmusiker nochmals unterstreicht. Viele der Titel wirken am Anfang, beim ersten Hören, ein kleines bisschen sperrig. Ein Bild, welches mit jedem weiteren Durchlauf von „Pop“ allerdings immer weiter aufgeweicht wird. Dann schaffen es die Nummern auch immer mehr zu begeistern – auch wenn „Pop“ wohl nicht zu den besten Scheiben der Iren zu zählen ist.

Weiter auffällig ist der religiöse „Touch“, der einigen Nummern durch den Text innewohnt. So deutlich hat Bono dies bisher noch nicht verlautbart. Die Spannbreite bezüglich der Musik ist allerdings auch auf „Pop“ gegeben, wie bei allen U2-Platten. Es gibt sehr nachdenklich und ruhig gehaltene Lieder, neben den treibenderen Titeln, die dann auch immer tanzbar sind. Und Höhepunkte hält die Scheibe natürlich auch für den Hörer parat. Wie immer ist das natürlich reine Geschmackssache, aber der Titel „Staring At The Sun“ birgt schon etwas Besonderes in sich. Etwas rockiger gehalten ist dies ein Lied, welches kaum Anlaufzeit benötigt, soll heißen bereits beim ersten Hören ins Ohr geht. Der Refrain besitzt durch den Gitarrenlauf einen absoluten Wiedererkennungswert. Für manche Hörer vielleicht zu simpel, eingängig auf jeden Fall.

Ebenfalls überaus gelungen sind auch die letzten beiden Titel der Platte „Please“ und „Wake Up Dead Man”. Erstere Nummer startet zurückhaltend und wird dann immer wieder gesteigert, wobei Bono sein „Please“ so wunderschön schmachtend heraussingt. „Wake Up Dead Man” ist ebenfalls ein ruhiger Track, der in sich gesteigert wird und mit einem Text mit religiösem Inhalt ausgestattet wurde. Während im Vordergrund Bono Jesus anruft, hört man ganz leise im Hintergrund eine Frau orientalisch singen, ob sie dabei aus dem Koran zitiert, entzieht sich leider meiner Kenntnis.

Fazit: Sicherlich kein ganz einheitliches Album von U2, man könnte es allerdings auch abwechslungsreich nennen. Vielleicht sind die Höhepunkte hier nicht ganz so breit gesät, wie auf manchem anderen Album der Iren. Aber es gibt sie, für Freunde gut gemachter Pop-Musik auf jeden Fall hörenswert. Neun Punkte.

Anspieltipps: Staring At The Sun, Wake Up Dead Man, Please