Neil Young – Toast

 

Neil Young – Toast

Besetzung:

Neil Young – vocals, guitars, piano

Gastmusiker:

Ralph Molina – drums, percussion, vocals

Billy Talbot – bass, vocals

Poncho Sampredo – guitars, vocals

Tom Bray – trumpet

Astrid Young – vocals

Pegi Young – vocals

Label: Reprise Records

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Rock, Blues

Trackliste:

1. Quit (5:24)

2. Standing In The Light Of Love (4:20)

3. Goin’ Home (7:53)

4. Timberline (4:11)

5. Gateway Of Love (10:11)

6. How Ya Doin’? (7:00)

7. Boom Boom Boom (13:07)

Gesamtspieldauer: 52:06

Ich muss zugeben, der inzwischen 76-jährige Neil Young überrascht mich immer wieder. Nachdem er „Homegrown“ am 19. Juni 2020 veröffentlichte, ein Album was bereits zwischen dem 16. Juni 1974 und dem 21. Januar 1975 eingespielt worden war, folgt nun eine Platte, die bereits 2001 aufgenommen wurde. Und in einem Interview sagt der gebürtige Kanadier dazu: „Wie kein anderes Album war „Toast“ so traurig, dass ich es nicht herausbringen konnte. Ich habe es einfach übersprungen und ein weiteres Album gemacht. Ich konnte damals nicht damit umgehen.“ Das nachfolgende Album heißt übrigens „Are You Passionate?“, auf dem man zum ersten Mal soulige bis funkige Musik von Neil Young hört. Dazu später auch noch mehr, da dieses Album für die Musik auf „Toast“ durchaus von Bedeutung ist.

„Toast“ ist nach einem Studio in San Francisco benannt, in dem die Platte aufgenommen wurde. Das Album handelt inhaltlich laut Neil Young von Beziehungen, „die schlecht laufen, der Zeit, lange vor der Trennung, in der es einem der Menschen, vielleicht beiden, dämmert, dass es vorbei ist.“, so Neil Young. Kurz vor der Veröffentlichung von „Toast“ steckte der Musiker ebenfalls in einer Beziehungskrise mit seiner damaligen Frau Peg – und diese Gefühle sind selbstverständlich in die sieben Lieder dieses Albums mit eingeflossen.

Doch jetzt zur Musik auf „Toast“. Auf diesem Album hört man all das, was diesen Musiker ausmacht. Es ist dieses Gespür des Neil Young für die packende und eingängige Melodie in Verbindung zu einem gewissen Groove und diesem besonderen Gesang. Diese Zutaten lassen die Musik des Neil Young ziemlich unverwechselbar werden und man erkennt sie bereits nach wenigen Takten. So verhält es sich eben auch auf „Toast“.

„Toast“ klingt gut und ist gut. Wer Neil Young mag, wird auch dieses Album mögen. Vielleicht sogar lieben. Und klingt es zu düster? Finde ich weniger. Neben durchaus etwas getrageneren Stücken wie dem Opener „Quit“ finden sich auf dem Album auch einige „Rocker“ wie zum Beispiel gleich das zweite Lied „Standing In The Light Of Love“, die unweigerlich zum Mitwippen animieren. Somit bezieht sich dieses „traurig“, welches Neil Young dazu bewegte das Album erst 21 Jahre nach der Produktion zu veröffentlichen, eher auf die Texte, die die oben bereits erwähnten Beziehungsprobleme thematisieren. Von der musikalischen Grundstimmung her klingt demnach „Toast“ gar nicht so düster.

Nicht alles ist allerdings ganz neu auf „Toast“. Hier eine entsprechende Auflistung der Titel: „Standing In The Light“, „Timberline“ sowie „Gateway Of Love“ waren noch nie auf einem Studioalbum vertreten, wurden zum Teil allerdings bereits live gespielt. Die restlichen vier Lieder entstammen dem oben erwähnten Nachfolgealbum „Are You Passionate?“. Alle Lieder liegen auf „Toast“ jedoch in anderen Versionen vor. „Quit“ und „Goin‘ Home“ haben dabei auf beiden Alben dieselben Titel. Das Lied „Boom, Boom, Boom“ ist eine längere und strukturell veränderte Version von „She’s A Healer“ und „How Ya Doin’” war ebenfalls schon in veränderter Form auf „Are You Passionate?“ als „Mr. Disappointment“ zu hören. Kein Wunder, dass die Lieder auf „Toast“ anders klingen, war doch die Begleitband des Neil Young auf „Are You Passionate?“ die R&B und Funk Band Booker T. & The M.G.‘s. Lediglich das rockige „Goin‘ Home“ wurde dann auch auf „Are You Passionate?“ von Crazy Horse eingespielt. Somit hält man mit „Toast“ durchaus ein neues Neil Young Album in Händen, denn die vier bereits veröffentlichten Lieder klingen in ihren ursprünglichen Versionen, wie sie jetzt auf „Toast“ zu hören sind, deutlich anders.

Fazit: „Toast“ ist ein weiteres „verschollenes“ Album des Neil Young, welches nun endlich das Licht der Welt erblickt. Die Veröffentlichung lohnt sich wie ich finde. Es gibt darauf neue Stücke zu hören und vier Lieder, die im ursprünglich nachfolgenden Album in ganz anderer Form veröffentlicht worden sind. Von daher werden sich Neil Young Fans sicher freuen, denn die Musik des Kanadiers macht auch auf diesem Album Spaß. Elf Punkte.

Anspieltipps: Timberline

Al Stewart – Last Days Of The Century

 

Al Stewart – Last Days Of The Century

Besetzung:

Al Stewart – vocals, guitar

Gastmusiker:

Peter White – accordion, acoustic guitar, electric guitar, keyboards

Tim Renwick – electric guitar

Steve Farris – electric guitar

Steve Recker – acoustic guitar, electric guitar

Tim Landers – bass

Vinnie Colaiuta – drums

Steve Chapman – drums on "Helen And Cassandra", percussion

Dave Camp – flute, saxophones

Phil Kenzie – saxophones

Lee R. Thornburg – trumpet

Robin Lamble – background vocals

Tori Amos – background vocals on "Last Days Of The Century" and "Red Toupée"

Carroll Sue Hill – background vocals

Label: Parlophone

Erscheinungsjahr: 1988

Stil: Pop, Rock

Trackliste:

1. Prelude (1:11)

2. Last Days Of The Century (6:08)

3. Real And Unreal (3:35)

4. King Of Portugal (4:25)

5. Red Toupée (3:39)

6. Where Are They Now (5:57)

7. Bad Reputation (4:58)

8. Josephine Baker (4:13)

9. License To Steal (3:55)

10. Fields Of France (2:54)

11. Antarctica (4:05)

12. Ghostly Horses Of The Plain (2:28)

Gesamtspieldauer: 47:32

„Last Days Of The Century“ nannte der schottische Musiker Al Stewart sein bereits elftes Studioalbum. „Last Days Of The Century“ erschien am 24. August 1988 ursprünglich auf dem Plattenlabel Enigma und wurde später auf Parlophone wiederveröffentlicht. Interessant ist dabei in den Liner Notes zu lesen, dass Tori Amos bei den Liedern „Last Days Of The Century“ und „Red Toupée“ im Hintergrundgesang zu hören ist. Man sollte diesbezüglich die Lieder auch laut hören. Trotzdem erkennt man Tori Amos kaum.

Al Stewart klang immer dann gut, wenn er sich im Bereich des Folk bewegte, in dem er zu Beginn seiner Karriere auch sehr verwurzelt war. Im Laufe der 80er Jahre des letzten Jahrhunderts sprang der Musiker dann (wie viele andere Bands, Musikerinnen und Musiker) auf den „Elektro-Zug“ auf. Die Musik wurde einerseits poppiger und andererseits sehr viel mehr vom Synthesizer dominiert.

Sehr schön kann man das auch auf „Last Days Of The Century“ hören. Hier gibt es poppige Stücke zu hören und solche, die dann doch zumindest etwas mehr im ursprünglichen Genre des Al Stewart verwurzelt sind. Selbst bei diesen hört man zwar eine poppige Attitude heraus, was häufig am Schlagzeug oder Keyboard und dessen Rhythmusmöglichkeiten liegt. Trotzdem macht es hier noch etwas mehr Spaß zuzuhören. Von daher wäre mein Höhepunkt des Albums auch das Lied „Where Are They Now“.

Möchte man Al Stewart mit reinem Folk hören, so muss man bis zum letzten Lied, der Instrumentalnummer „Ghostly Horses Of The Plain“ warten. Doch die Ansätze dazu gibt es immer wieder, wenn sie dann auch durch poppige Anwandlungen leider etwas „zerstört“ werden.

Fazit: Al Stewart war immer dann gut, wenn er zu seiner Gitarre griff, schöne Melodien erfand und dazu mit seiner sanften Stimme sang. English Folk. In diesem Fall sogar Scottish Folk. Der ganze Pop überzeugt nicht mehr. Somit hört man auf „Last Days Of The Century“ noch ein paar schöne Ansätze, doch restlos überzeugen kann das Album längst nicht mehr. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Where Are They Now, Ghostly Horses Of The Plain

The Incredible String Band – The Hangman‘s Beautiful Daughter

 

The Incredible String Band – The Hangman‘s Beautiful Daughter

Besetzung:

Robin Williamson – vocals, guitar, gimbri, penny whistle, percussion, pan pipe, piano, oud, mandolin, jaw harp, chahanai, water harp, harmonica

Mike Heron – vocals, sitar, hammond organ, guitar, hammered dulcimer, harpsichord

Gastmusiker:

Dolly Collins – flute organ, piano

David Snell – harp

Licorice McKechnie – vocals, finger cymbals

Richard Thompson – vocals on “The Minotaur’s Song”

Judy Dyble – vocals on “The Minotaur’s Song”

Label: Elektra

Erscheinungsjahr: 1968

Stil: Psychedelic Folk

Trackliste:

1. Koeeoaddi There (4:48)

2. The Minotaur's Song (3:20)

3. Witches Hat (2:34)

4. A Very Cellular Song (13:03)

5. Mercy I Cry City (2:46)

6. Waltz Of The New Moon (5:07)

7. The Water Song (2:52)

8. Three Is A Green Crown (7:44)

9. Swift As The Wind (4:51)

10. Nightfall (2:30)

Gesamtspieldauer: 49:40

„The Hangman‘s Beautiful Daughter“ heißt das dritte Album der schottischen Psychedelic Folk Band The Incredible String Band. Das Album wurde ursprünglich im März 1968 auf dem Plattenlabel Elektra Records veröffentlicht. „The Hangman‘s Beautiful Daughter“ wurde zum erfolgreichsten Album der Band. Es erreichte Platz 5 der britischen Albumcharts und Platz 161 der US-Billboard 200 in den USA und ist damit das meistverkaufte Album der Incredible String Band in beiden Ländern.

Robin Williamson und Mike Heron scheinen sich einmal mehr auch auf diesem dritten Album einfach auszuprobieren. Das klingt gerade zu Beginn des Albums auch ganz überzeugend, entwickelt sich im weiteren Verlauf allerdings in wahrlich gewöhnungsbedürftige musikalische Gefilde. Natürlich loten die beiden Musiker Robin Williamson und Mike Heron auf diesem Album erneut Grenzen aus, hören sich mitunter dabei phasenweise durchaus experimentell an. Warum man dazu jedoch so falsch singen muss, das erschließt sich einem heute kaum noch.

Doch genau das ist es, was dieses Album zu einer manchmal schwereren Kost werden lässt. Klingt der Gesang zu Beginn des Albums noch einigermaßen tonal, so ändert sich dies im weiteren Verlauf der Platte und zerrt mitunter an den Nerven der Zuhörerin und des Zuhörers. Einzelne Lieder, die durchaus hörenswert klingen, kann man immer wieder anhören. Doch das gesamte Werk in einem Zug durchzuhören bereitet immer wieder Probleme.

Die Lieder „Koeeoaddi There“, „Witches Hat“ sowie „A Very Cellular Song“ lohnen dabei und sind eingängige Nummern mit nur leichten atonalen Anspielungen. In diesen drei Titeln hört man Psychedelic Folk, der auch unterhält und dabei sogar spannend klingt. Bei den anderen Nummern des Albums ist das mal mehr oder sehr viel weniger der Fall.

Fazit: Die Musik der Incredible String Band macht es den Hörerinnen und Hörern nicht immer ganz leicht. Auch auf „The Hangman‘s Beautiful Daughter“ gibt es gelungene und hörenswerte Lieder und solche, bei denen man sich verwundert das Ohr tätschelt: „Höre ich das falsch oder singen die wirklich falsch?“ Sie singen falsch. Kann man mögen, muss man aber nicht. Doch die Höhepunkte lohnen trotzdem. Acht Punkte.

Anspieltipps: Koeeoaddi There, Witches Hat, A Very Cellular Song

Klaus Schulze – Deus Arrakis

Klaus Schulze – Deus Arrakis

Besetzung:

Klaus Schulze – synthesizers

Gastmusiker:

Wolfgang Tiepold – cello

Eva-Maria Kagermann – voice noises

Label: SPV Recordings

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Elektronische Musik

Trackliste:

1. Osiris (Part 1-4) (18:28)

2. Seth (Part 1-7) (31:47)

3. Der Hauch des Lebens (Part 1-5) (27:08)

Gesamtspieldauer: 77:23

Leider ist Klaus Schulze am 26. April dieses Jahres verstorben. Seit 1981 begleitet mich dieser elektronische Soundtüftler, als ich ihn auf meinem ersten selbstbezahlten Konzert in Nürnberg sah. Knapp zehn Mark Eintritt kostete damals die Karte, krass viel Geld für mich damals, doch ein Kumpel, der mich mitschleppte meinte, es würde sich lohnen. Klaus Schulze spielte dort vor dem Altar, eingerahmt von Synthesizer-Bergen. Ich hatte keine Ahnung, was da auf mich zukommen würde, stellte nur fest, dass wir die Jüngsten in dieser Kirche waren. Das, was ich dann hörte, überraschte mich unglaublich und beamte mich damals in völlig fremde Sphären. Ich verließ die Kirche in diesem Herbst 1981 sehr beeindruckt und Klaus Schulze sollte von nun an mit seiner Musik mein Leben begleiten. Mal mehr, mal weniger, doch war er nie ganz verschwunden.

„Deus Arrakis“ ist nun sein letztes und 48. Werk, welches unter seinem Namen erscheint, rechnet man die offiziellen Studioalben, Soundtracks und Live-Alben zusammen. Veröffentlicht wurden allerdings mehr als 100 Werke, zählt man auch Box-Sets oder Alben mit, an denen der zweite Schlagzeuger von Tangerine Dream „nur“ beteiligt war. Inspiriert durch die Neuverfilmung des Film-Klassikers „Dune“ schrieb Kaus Schulze die Musik zu „Deus Arrakis“ und wollte damit dem Autor des Romans „Dune“, Frank Herbert, ein kleines Denkmal setzen.

Auf „Deus Arrakis“ hört man alles, was die Musik von Klaus Schulze schon immer ausgemacht hat. Sphärische Passagen, die sich kaum zu bewegen scheinen, Sequenzer-Abschnitte, die in die Beine fließen und einen automatisch mitwippen lassen. Überlagerte Klangteppiche, die sich entwickeln, ergänzen, ablösen und ineinander übergehen. Dazu jede Menge Atmosphäre. Auf „Deus Arrakis“ erklingt Musik, die für den Moment, in dem sie gehört wird, gemacht wurde und in dem sie wirkt. Keine Chance hier etwas unter der Dusche nachzupfeifen. Es ist der Augenblick, der in der Musik des Klaus Schulze zählt – und dieser kann sich so unglaublich intensiv anhören und anfühlen. Kann man mit dieser Art der Musik etwas anfangen, so überreicht einem Klaus Schulze zum Abschied nochmals ein wunderschönes Geschenk.

„Osiris“, „Seth“ und „Der Hauch des Lebens“ heißen die drei Titel des Albums. Ich bin nicht esoterisch veranlagt und habe auch keine Ahnung was Klaus Schulze dazu bewegte, nach zwei ägyptischen Götternamen dem dritten Lied diese „Überschrift“ zu geben. Doch irgendwie kommt man nicht drum herum, dem Ganzen etwas beizumessen, da es eben das letzte Lied der letzten Platte des Klaus Schulze ist, die er zu Lebzeiten fertigstellte. Das Lied beginnt minimalistisch und traurig, um dann im mittleren Abschnitt etwas an Fahrt zu gewinnen. Doch das währt nur kurz, die Musik fällt zurück in lange, ausgedehnte und sphärische Passagen. Dann, ganz zum Schluss, wirkt alles nochmals freundlicher und lebendiger, durch entsprechende Sequenzer-Passagen unterstrichen, bis alles schließlich völlig frei und atmosphärisch ausklingt, so als ob der Hauch des Lebens ausgehaucht wäre.

Fazit: Einen wahrlich hörenswerten letzten Höhepunkt hat Klaus Schulze mit seinem letzten Album „Deus Arrakis“ nochmals veröffentlicht. Alle Zutaten einer gelungenen Klaus-Schulze-Platte enthält dieses Album. Wer also auf sphärische, elektronische Musik steht, wird sicherlich Gefallen an dem Gehörten finden. Dazu kommt noch, dass es eben die letzte Platte des Klaus Schulze ist. Und das ist sehr, sehr schade… Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Alle drei Lieder

Terry Reid – Terry Reid

 

Terry Reid – Terry Reid

Besetzung:

Terry Reid – vocals, guitar

Gastmusiker:

Pete Solley – keyboards

Keith Webb – drums

Label: Warner Music

Erscheinungsjahr: 1969

Stil: Blues, Rock

Trackliste:

1. Superlungs My Supergirl (2:43)

2. Silver White Light (2:54)

3. July (3:33)

4. Marking Time (3:47)

5. Stay With Me Baby (4:12)

6. Highway 61 Revisited / Friends (8:00)

7. May Fly (3:42)

8. Speak Now Or Forever Hold Your Peace (4:26)

9. Rich Kid Blues (4:12)

Gesamtspieldauer: 37:33

Kurz mit seinem Namen betitelte Terry Reid sein zweites Studioalbum welches im August 1969 ursprünglich auf dem Plattenlabel EMI veröffentlicht wurde. Das Album konnte sich in den USA sogar in den Billboard 200 Charts platzieren und fünf Wochen dort halten. Die höchste Platzierung war der 147. Platz.

Auf dem Album hört man viel Blues und auch Rock. Die meisten Titel stammen dabei aus der Feder von Terry Reid selbst. Das Lied „Highway 61 Revisited“ stammt natürlich von Bob Dylan, wurde in dieser Interpretation von Terry Reid jedoch völlig neu überarbeitet und mit dem eigenen Stück „Friends“ verknüpft.

Den Blues sollte man ganz bestimmt lieben, wenn man mit dieser Platte „warm werden“ möchte – oder man ist eben flammender Terry Reid Fan. Heute kann diese Musik wahrscheinlich kaum noch neue Fans rekrutieren, denn man hört der Platte nicht nur das Alter an, sondern man glaubt das alles auch schon zig-mal in unterschiedlichen Variationen gehört zu haben.

Überzeugend klingt die Musik von Terry Reid auf diesem Album immer dann, wenn es rockiger wird. Dies ist zum Beispiel bei den ersten beiden Stücken des Albums der Fall, die allerdings zu Beginn ein anderes Bild von der Platte vermitteln, als es dann wirklich ist. Anschließend folgen viele Bluespassagen und es klingt irgendwie zäher.

Fazit: Man muss wohl Terry Reid-Fan sein und dem Blues sehr viel abgewinnen können, um diese Scheibe wieder mal öfters aufzulegen. Ansonsten bleibt zwar ein handwerklich gut gemachtes Album, welches jedoch eindeutig nicht mehr in diese Zeit gehört. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Superlungs My Supergirl, Silver White Light

Derek Sherinian – Vortex

 

Derek Sherinian – Vortex

Besetzung:

Derek Sherinian – keyboards, synthesizers

Gastmusiker:

Simon Philipps – drums

Tony Franklin – bass

Steve Stevens – guitar

Joe Bonamassa – guitar

Steve Lukather – guitar

Zakk Wylde – guitar

Ron "Bumblefoot" Thal – guitar

Michael Schenker – guitar

Mike Stern – guitar

Nuno Bettencourt – guitar

Label: InsideOut Music

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Jazzrock / Fusion, Funk, Hard Rock

Trackliste:

1. The Vortex (feat. Steve Stevens) (4:25)

2. Fire Horse (feat. Nuno Bettencourt) (4:26)

3. Scorpion (3:38)

4. Seven Seas (feat. Steve Stevens) (6:16)

5. Key Lime Blues (feat. Joe Bonamassa, Steve Lukather (4:42)

6. Die Kobra (feat. Michael Schenker, Zakk Wylde) (6:44)

7. Nomad’s Land (feat. Mike Stern) (5:20)

8. Aurora Australis (feat. Bumblefoot) (11:11)

Gesamtspieldauer: 46:46

Mit „Vortex“ erscheint am 1. Juli 2020 das bisher achte Studioalbum des US-amerikanischen Keyboarders Derek Sherinian, der inzwischen vom Prog Magazine zum neuntbesten Keyboarder aller Zeiten gewählt wurde. Selbstverständlich sind solche Bestenlisten mit Vorsicht zu genießen und im Endeffekt häufig dann eben doch auch Geschmackssache. Was man Derek Sherinian beim Hören von „Vortex“ allerdings wahrlich nicht absprechen kann ist seine Virtuosität und seine Fingerfertigkeit an den Tasten, die immer wieder beeindruckt.

Auf seinem neuen Album hört man einen musikalischen Mix aus Jazzrock, Fusion, Funk, Hard Rock und an der einen oder anderen Stelle auch Alternative Rock-Anleihen. Derek Sherinian selbst sieht „Vortex“ als Fortsetzung vom Vorgängeralbum „The Phoenix“. Und weiter meint der Musiker: „Ich habe jedoch das Gefühl, dass die Komposition auf dem neuen Album stärker sind und ich würde es als eine moderne 70er-Jahre-Fusion-Platte beschreiben, aber mit einer neueren schwereren Tonalität.“ Zumindest beim letzten Punkt kann man Derek Sherinian absolut zustimmen. Die Betonung der Musik liegt auf „schwer“. Hard Rock mit jeder Menge jazzigen Momenten. Genau das macht auch die Variabilität dieses Albums aus, denn die Lieder leuchten den Bereich zwischen diesen musikalischen Genres ganz breit aus.

Und mit solch einer funkigen Nummer wie „Key Lime Blues“ erweitert Derek Sherinian nochmals das musikalische Spektrum dieses Albums. Ich kann mir dabei nicht helfen, aber diese Nummer erinnert mich phasenweise vom Sound her sehr an Steve Wonders „Superstition“. Doch zurück zu „Vortex“, das mit „Aurora Australis“ nicht nur das längste, sondern auch das „proggigste“ Lied für die Hörerin und den Hörer bereithält. Oh mein Gott, welch Klischee. Ein über zehn Minuten langes Lied und dann gleich Progressive Rock? Sorry, stimmt aber in diesem Fall. Klasse Titel, abwechslungsreich und mitreißend, der für mich alles aufweist, was Progressive Rock in der heutigen Zeit ausmacht.

Ach ja, da war ja noch was. Die Gitarristen. Da hat sich Derek Sherinian eine ganze Reihe bekannter Namen zu den einzelnen Titeln eingeladen. Diese machen ihren „Job“ sehr gut und setzen viele Lieder auch so um, wie man es von ihnen erwarten würde. Kein Wunder also, dass „Die Kobra“ mit Michael Schenker den Metal-Kracher des Albums darstellt. Auch diese Musiker tragen sehr gelungen zur Abwechslung auf „Vortex“ bei.

Fazit: Wer die Genres Hard Rock und Fusion und vor allen Dingen deren Berührungspunkte und Kombination mag, die oder der wird ganz bestimmt auch „Vortex“ von Derek Sherinian mögen. Das Album erklingt abwechslungsreich und spannend. Irgendwie hätte ich mir an der einen oder anderen Stelle sogar eine Gesangslinie vorstellen können und fände es noch cooler. Elf Punkte.

Anspieltipps: Key Lime Blues, Aurora Australis

Sigrid und Marina – Volle Lust und volles G‘fühl

 

Sigrid und Marina – Volle Lust und volles G‘fühl

Besetzung:

Sigrid Hutterer – Gesang, Chor

Marina Löberbaur – Gesang, Chor

Gastmusiker:

Christian Zierhofer – Keyboards, Programming, Chor

Manuel Lopez – Gitarren

Mani Wagner – Gitarren

Gerhard Zwickl – Trompeten

Andreas Pirringer – Saxophon

Michael Ringler – Akkordeon

Mitsch Keller – Chor

Tini Keinrath – Chor

Michaela Koller – Chor

Daniel Gruber – Chor

Brigitte Lukasser – Chor

Label: Hofbauer Music

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Volkstümlicher Schlager

Trackliste:

1. Volle Lust und volles G'fühl (3:04)

2. So wie der Wind (3:52)

3. Schlagerpartyzeit (3:10)

4. Männer es ist Sommer (2:59)

5. Ti amo (3:23)

6. Herz an Herz (2:56)

7. Ja das Leben ist schön (3:13)

8. Wochenend und Sonnenschein (2:29)

9. In meiner Heimat (3:11)

10. Ein Himmel voller Sterne (3:32)

11. Mein Herz hat doch längst ja gesagt (3:20)

12. Ich hab schon so lang nicht mehr Danke gesagt (3:50)

13. Immer wieder geht die Sonne auf (3:07)

Gesamtspieldauer: 42:12

Mit der Musik der beiden österreichischen Schwestern Sigrid und Marina ist das immer so eine Sache. Sind sie musikalisch eher in der Volksmusik beheimatet, dann klingt das gar nicht so schlecht. Doch der „Markt“ für die beiden Sängerinnen scheint sich immer mehr in Richtung des Schlagers zu verschieben, das wollen die Fans wohl hören.

Nicht weiter verwunderlich also, dass man auch auf ihrem neuen Album „Volle Lust und volles G‘fühl“ hauptsächlich Schlager mit leicht volkstümlichem Einschlag zu hören bekommt. Zugutehalten muss man Sigrid und Marina dabei allerdings, dass die Liederauswahl durchaus gelungen ist. Die Lieder gehen zum Teil sogar gut ins Ohr und unterhalten.

Und mit dem Udo Jürgens Hit „Immer wieder geht die Sonne auf“ haben Sigrid und Marina auch noch einen echten Ohrwurm für ihre Hörerinnen und Hörer parat, der aus dem Album hinausgeleitet.

Fazit: Volkstümlicher Schlager, der ein paar ganz nette Melodien bereithält. Die Fans wird es freuen. Fünf Punkte.

Anspieltipps: Immer wieder geht die Sonne auf

Regina Spektor – Home, Before And After

 

Regina Spektor – Home, Before And After

Besetzung:

Regina Spektor – vocals, piano, keyboards,

Gastmusiker:

John Congleton – synthesizers, keyboards, bass, drum programming, percussion, guitars, drums, string & horn arrangements, percussion, vibraphone, marimba, theremin

Joey Waronker – drums, percussion

Luke Reynolds – bass, guitars, synthesizers, brass

Jack Dishel – additional vocals

Jherek Bischoff – string & horn & orchestral arrangements

Caleb Teicher – tap dance percussion

Fame’s Skopje Studio Orchestra – orchestra

Oleg Kontratenko – conductor

Label: Sire Records

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Pop, Rock

Trackliste:

1. Becoming All Alone (4:18)

2. Up The Mountain (4:40)

3. One Man‘s Prayer (4:05)

4. Raindrops (3:09)

5. SugarMan (4:35)

6. What Might've Been (2:44)

7. Spacetime Fairytale (8:47)

8. Coin (5:23)

9. Loveology (5:16)

10. Through A Door (4:19)

Gesamtspieldauer: 47:20

„Home, Before And After“ heißt das achte Studioalbum der Musikerin Regina Spektor. Es wurde am 22. Februar 2022 angekündigt, zusammen mit der Veröffentlichung der Single „Becoming All Alone“ auf diversen Streaming-Plattformen. Veröffentlicht wurde das Album schließlich am 24. Juni 2022 auf dem Plattenlabel Sire Records.

Auf „Home, Before And After“ hört man sehr eingängige und immer melodische Musik, die sofort ins Ohr geht. Das ist bei Regina Spektor noch nicht mal überraschend, denn so klangen schon immer die Veröffentlichungen der US-Amerikanerin mit russischen Wurzeln. Doch auf „Home, Before And After“ werden diese so bekannten Zutaten nochmals mehr mit orchestraler Musik kombiniert, klingen irgendwie noch eingängiger, wie vertraute Freunde und hören sich noch eingängig an.

Und was bleibt davon hängen? Eine ganze Menge, denn insgesamt macht diese Patte Spaß wieder aufgelegt zu werden. Höhepunkte sind für mich die ersten beiden Stücke sowie das wahrlich abwechslungsreiche und ein wenig an Musicals erinnernde (obwohl ich Musicals nicht sehr mag) „Spacetime Fairytale. Musik zum darin Schwelgen. Musik für besondere Abende. Genau diese Stimmung erschafft Regina Spektor auf diesem Album.

Fazit: Wer Regina Spektor mag und wer auf eingängigen Pop und Rock steht, der immer wieder mal auch orchestral untermal wird, die oder de wir dieses Album ganz gewiss mögen. Regina Spektor hat mit ihrem achten Album „Home, Before And After“ eine sehr gute Platte vorgelegt. Macht Spaß und Fans werden sicherlich nicht enttäuscht werden. Neun Punkte.

Anspieltipps: Spacetime Fairytale

Kula Shaker – 1st Congregational Church Of Eternal Love And Free Hugs

 

Kula Shaker – 1st Congregational Church Of Eternal Love And Free Hugs

Besetzung:

Crispian Mills – lead vocals, guitars, ukuleles

Alonza Bevan – bass, piano, backing vocals

Harry Broadbent – organs, synthesizers, pianos, backing vocals

Paul Winter Hart – drums

Label: Strange F.O.L.K.

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Psychedelic Rock

Trackliste:

1. Intro (Dearly Beloved) (1:16)

2. Whatever It Is (Im Against It) (3:01)

3. Hometown (3:31)

4. Burning Down (4:35)

5. Love In Separation (3:32)

6. Segue (Let Us Pray) (1:28)

7. Gingerbread Man (3:52)

8. Farewell Beautiful Dreamer (3:20)

9. Where Have All The Brave Knights Gone (2:54)

10. Segue (Raining Buckets) (1:02)

11. 108 Ways To leave Your Narcissist (4:13)

12. After The Fall (Part 1) (1:42)

13. Dont Forsake Me (3:22)

14. 303 Revisited (3:37)

15. The Once & Future King (4:05)

16. Shattered Bones (3:08)

17. After The Fall (Parts 2 & 3) (6:21)

18. Closing Words (Windows Of Our Hearts) (0:55)

19. Bumblebee (2:33)

20. Coda (Cinema Club) (1:08)

Gesamtspieldauer: 59:42

„1st Congregational Church Of Eternal Love And Free Hugs“ heißt das sechste Studioalbum der englischen Band Kula Shaker. Es erschien am 24. Juni 2022 auf dem Plattenlabel Strange F.O.L.K. und enthält einmal mehr die für Kula Shaker so typische Musik, leicht psychedelisch angehauchter und jederzeit eingängiger Rock. Die indischen Einflüsse in der Musik der Engländer, die auf früheren Alben stets präsent waren, sind allerdings deutlich zurückgedrängt worden.

Inhaltlich befinden wir uns in einer fiktiven Kirche mit dem ausschweifenden Namen „1st Congregational Church Of Eternal Love And Free Hugs“, die angeblich in Little Sodbury, 14 Meilen von Bath entfernt liegt. Ein Ort, in dem Kula Shaker-Sänger und -Gitarrist Crispian Mills früher lebte. Es ist das Michaelisfest und der Pfarrer hält seinen Gemeindemitgliedern eine Predigt darüber, wie der Heilige Michael das Böse bekämpft hat. In mehreren Einspielungen werden Szenen aus dieser Messe präsentiert, die durchaus humoristisch aufbereitet wurden.

Musikalisch beinhaltet „1st Congregational Church Of Eternal Love And Free Hugs“ zahlreiche Anspielungen auf die Musik der 60er Jahre ohne die damalige Musik dabei 1:1 zu kopieren. Immer wieder ertappe ich mich bei dem Gedanken und der Frage, ob die Beatles heute wohl so oder so ähnlich klingen würden? Das sagt bereits einiges über die Musik auf diesem Album aus. Man hört schöne Melodien, die auch bereits beim ersten Mal des Hörens zu überzeugen wissen und sich festsetzen können. Dabei changiert die Musik zwischen rockig und folkig, „303 Revisited“ stellt laut Aussage von Crispian Mills auch eine Anspielung auf Bob Dylan dar.

Ein wenig komplexer und durchaus auch proggiger erklingt schließlich „The Once & Future King“. Klasse Lied, welches sich in seinem Verlauf immer weiter entwickelt. Und bei „After The Fall (Parts 2 & 3)“ fühlt man sich zunächst an einen Italo-Western erinnert, bekommt dann schließlich doch noch indische Klänge präsentiert, bis sich dieses Lied schließlich fast schon hymnisch generiert. Viel Abwechslung, nicht nur in diesem Stück. „1st Congregational Church Of Eternal Love And Free Hugs“ zu lauschen macht Spaß. Es gibt keine Ausfälle auf diesem Album, welches viele eingängige Passagen für die Hörerin und den Hörer bereithält und bestens unterhält.

Fazit: Kula Shaker Fans können sich freuen. Auch das sechste Studioalbum der Engländer ist ein sehr gelungenes geworden. Zwar wurden die „indischen Momente“ in der Musik von Kula Shaker weitestgehend verdrängt, doch die Abwechslung und Eingängigkeit der Lieder ist weiterhin vorhanden. Lohnt gehört zu werden. Elf Punkte.

Anspieltipps: Burning Down, The Once & Future King, After The Fall (Parts 2 & 3)

Porcupine Tree – Closure/Continuation

 

Porcupine Tree – Closure/Continuation

Besetzung:

Steven Wilson – vocals, guitars, bass

Richard Barbieri – keyboards, synthesizers

Gavin Harrison – drums, percussion

Label: Music For Nations

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Progressive Rock

Trackliste:

1. Harridan (8:07)

2. Of The New Day (4:43)

3. Rats Return (5:40)

4. Dignity (8:22)

5. Herd Culling (7:03)

6. Walk The Plank (4:27)

7. Chimera’s Wreck (9:39)

Gesamtspieldauer: 48:03

Als letztes Jahr bekannt wurde, dass Porcupine Tree tatsächlich nach dreizehnjähriger Pause ihr elftes offizielles Studioalbum veröffentlichen würden, habe ich mich natürlich sehr auf den Tag gefreut, wenn ich es denn endlich in Händen halten dürfte. Gleichzeitig war da allerdings auch eine gewisse Skepsis, ob nach Steven Wilsons letzten Pop / Mainstream-Album „The Future Bites“ dieses neue Porcupine Tree-Album mit dem Titel „Closure/Continuation“ nicht doch auch eine Enttäuschung werden würde. Aber nein, „Closure/Continuation“ ist keine Enttäuschung geworden, doch dazu gleich mehr.

Auf ihrem elften Album sind Steven Wilson, Richard Barbieri und Gavin Harrison wieder vereint. Doch Bassist Colin Edwin fehlt. Dies hat viel mit der Entstehungsgeschichte des Albums zu tun. Während des Lockdowns jammten Steven Wilson und Gavin Harrison. In einem Interview dazu verriet Steven Wilson, dass dies im Haus von Gavin Harrison stattfand, dieser jedoch keine Gitarre gehabt hätte, einen Bass dagegen schon. Es begann mit dem Lied „Harridan“, das während dieser Session in seinen Ursprüngen entstand und bei dem Steven Wilson eben diesen Bass einspielte. Es folgten später weitere Stücke, auf denen er ebenfalls den Bass gleich mit bediente. Richard Barbieri wurde mit eingebunden und auch dieser brachte seine Ideen zum neuen Album mit ein. Und Colin Edwin? Zu ihm hatte seit zehn Jahren keiner der drei Musiker mehr Kontakt gehabt und so wurde aus dem Quartett Porcupine Tree während des Entstehens der neuen Platte kurzerhand ein Trio.

Nun, „Closure/Continuation“ ist ein gutes Album geworden. Progressive Rock à la Porcupine Tree. Unverwechselbar. Alle Zutaten, die diese Band auf ihren letzten Veröffentlichungen ausmachten, sind auch auf „Closure/Continuation“ vorhanden. Wunderschöne Melodien, vertrackte Passagen, harte bis sehr harte Riffs und sphärische Momente. Alles vereint und ineinander übergehend ohne, dass dies auch nur den Hauch des Konstruierten hinterlassen würde. Vielleicht erreicht dieses neue Album dabei nicht mehr ganz die Klasse der herausragenden Alben der Nullerjahre dieses Jahrhunderts – doch auszuschließen ist dies auch nicht ganz. Mit jedem weiteren Durchlauf scheint sich die Platte im Ohr weiter zu entwickeln. Das Hören lohnt sich also auf jeden Fall und alles mündet schließlich im Titel „Chimera’s Wreck“, mit dem man anschließend aus dem Album entlassen wird. Dieses Lied bündelt nochmals alles, was Porcupine Tree ausmacht und enthält sämtliche oben genannte Zutaten, die die Musik dieser Band umschreiben und charakterisieren. Sehr cool und sicherlich in den Top Ten der besten Porcupine Tree-Stücke vertreten. 

Fazit: Porcupine Tree Fans dürfen sich freuen. Mit „Closure/Continuation“ ist den Engländern ein sehr überzeugendes Album nach dreizehnjähriger Pause gelungen. Wer die Musik der Band auf den bisherigen Alben des 21. Jahrhunderts mochte und auch den progressiven Soloalben des Steven Wilson etwas abgewinnen kann, die oder der wird auch an „Closure/Continuation“ viel Freunde haben. Mich überzeugt das mit jedem Durchhören noch mehr. Elf Punkte.

Anspieltipps: Chimera’s Wreck

Charlie Griffiths – Tiktaalika

 

Charlie Griffiths – Tiktaalika

Besetzung:

Charlie Griffiths – guitar, bass, keyboard, vocals

Gastmusiker:

Darby Todd – drums

Jordan Rudess – keyboards

Rob Townsend – saxophone

Tommy Rogers – vocals (tracks 2,9)

Danïel De Jongh – vocals (tracks 3,8)

Vladimir Lalić – vocals (tracks 4,5)

Neil Purdy – vocals (track 5) 

Label: InsideOut Music

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Progressive Metal

Trackliste:

1. Prehistoric Prelude (2:14)

2. Arctic Cemetery (6:06)

3. Luminous Beings (5:57)

4. In Alluvium (8:13)

5. Dead In The Water (8:45)

6. Digging Deeper (4:31)

7. Tiktaalika (8:34)

8. Crawl Walk Run (5:06)

9. Under Polaris (3:06)

Gesamtspieldauer: 52:36

Charlie Griffiths ist der Gitarrist der britischen Progressive Metal Band Haken und veröffentlicht mit „Tiktaalika“ am 17. Juni 2022 sein erstes Soloalbum. Das Album-Cover erinnert stark an Yes und deren häufigem Cover-Designer Roger Dean, doch die Musik auf „Tiktaalika“ unterscheidet sich durchaus von den britischen Progressive Rock Pionieren.

Allerdings trifft dies hauptsächlich auf die Härte der Musik zu. Auf „Tiktaalika“ hört man Progressive Metal, der dabei immer wieder an die Stammband von Charlie Griffiths erinnert. Dieses Genre wird auf dem Album allerdings etwas breiter angelegt, sodass man auch deutliche Einflüsse des Alternative Rocks, Trash und Tech-Metal wahrnehmen kann. Gegrowlt wird dabei auch, jedoch eher in kleinen Häppchen denn ausufernd.

Neben aller Härte fallen immer wieder auch diese wunderschönen rockigen, aber doch melodischen Abschnitte in den Liedern auf „Tiktaalika“ auf, die sofort das Ohr umschmeicheln. Dabei klingen selbst die Trash-Metal-Passagen noch durchaus eingängig, sodass man das Haupthaar ordentlich durchschütteln kann und gleichzeitig einer coolen Melodie lauscht.

Musikalisch erhielt Charlie Griffiths jede Menge Unterstützung von bekannten Kollegen. Beim Gesang wird er unterstützt durch Tommy Rogers (Between The Buried And Me), Danïel De Jongh (Textures), Vladimir Lalić (Organised Chaos) sowie und Neil Purdy (Luna‘s Call). Viele Lieder singt der Haken-Gitarrist auf „Tiktaalika“ zum ersten Mal sogar selbst ein und auch das klingt durchaus überzeugend. Weiter sind zu hören Schlagzeuger Darby Todd (Martin Barre, Frost, Devin Townsend), Keyboarder Jordan Rudess (Dream Theater) sowie Saxophonist Rob Townsend (Steve Hackett). Dabei ließ Charlie Griffiths nach eigenen Aussagen den einzelnen Musikern viel Freiraum, um sich selbst in die Lieder einbringen zu können.

Das Ergebnis lohnt gehört zu werden. „Tiktaalika“ klingt abwechslungsreich, klingt melodisch, klingt hart und klingt spannend. Nicht weiter ausgeführt werden muss an dieser Stelle, dass sich das Album mit jedem weiteren Hören nochmals sehr positiv entwickelt.

Fazit: „Tiktaalika“, das erste Solo-Album des Haken Gitarristen Charlie Griffiths, ist eine abwechslungsreiche Reise vom Alternative Rock bis hin zum Trash Metal geworden. Alle Zutaten passen dabei perfekt und für Freundinnen und Freunde von Haken und der genannten Genres bestimmt eine lohnende Anschaffung. Elf Punkte.

Anspieltipps: In Alluvium, Digging Deeper, Tiktaalika

The Tangent – Songs From The Hard Shoulder

 

The Tangent – Songs From The Hard Shoulder

Andy Tillison – vocals, keyboards

Jonas Reingold – bass

Luke Machin – guitar, vocals

Steve Roberts – drums

Theo Travis – saxophone & flute

Label: InsideOut Music

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Progressive Rock, Fusion

Trackliste:

1. The Changes (17:04)

2. The GPS Vultures (17:01)

3. The Lady Tied To The Lamp Post (20:52)

4. Wasted Soul (4:40)

Gesamtspieldauer: 59:39

The Tangent ist eine Progressive Rock Band aus England, die ursprünglich 2002 als einmaliges Projekt bestehend aus Mitgliedern von Po90, The Flower Kings und Van Der Graaf Generator gegründet wurde. Inzwischen hat sich die Bandbesetzung mehrmals geändert, seit acht Jahren spielen die Musiker nun allerdings in dieser Konstellation zusammen. Vom ursprünglichen Line-Up ist allerdings lediglich Sänger Andy Tillison ununterbrochenes Mitglied von The Tangent. Am zehnten Juni erscheint nun das inzwischen bereits zwölfte Studioalbum der Band mit dem Titel "Songs From The Hard Shoulder" auf dem Plattenlabel InsideOut Music.

Bandleader Andy Tillison sagte in einem Interview: "Stellen Sie sich vor Yes, The Stranglers, Beethoven, The Pet Shop Boys, Aphex Twin, Earth Wind & Fire und das Mahavishnu Orchestra wären alle zur gleichen Zeit da gewesen... dann hätte man vielleicht in einer Band wie der unseren enden können." Und diese Aussage ist nicht zu weit hergeholt. Denn all die musikalischen Genres, die die oben genannten Bands und Musiker bedienen, tauchen auch an dieser oder jener Stelle auf "Songs From The Hard Shoulder" auf. Möchte man die Musik von The Tangent auf diesem Album genremäßig etwas gröber umschreiben, so hört man auf "Songs From The Hard Shoulder" die Verbindung aus Progressive Rock und Fusion.

Selbstverständlich klingt das nicht immer eingängig, soll es auch gar nicht. Doch die melodiösen Passagen gibt es natürlich auch und diese begeistern bereits beim ersten Hören. Dann wieder erklingen mehrstimmige Gesangspassagen, eine spanische Gitarre oder frickeliger Jazzrock. Genau diese - nicht immer erwartbaren -  Zutaten sind es, die in all ihren Kombinationen "Songs From The Hard Shoulder" überaus spannend erklingen lassen. Natürlich ist das keine Musik, die einen leicht von der Seite berieselt. Auf The Tangent muss man sich einmal mehr und immer wieder konzentrieren. Dies lohnt sich allerdings.

Höhepunkt stellt für mich die instrumentale Nummer "The GPS Vultures" dar. Geschmackssache natürlich, doch in diesem Titel vereinigen The Tangent für mich am Besten all die genannten unterschiedlichen musikalischen Stile und lassen einen gespannt und gebannt zuhören. Und dann höre ich das Album nochmals durch und mich reißt "The Lady Tied To The Lamp Post" mit seiner druckvollen und abwechslungsreichen Art mit...

Fazit: Wahrlich mehr als ein "Allerweltsalbum" ist The Tangent mit "Songs From The Hard Shoulder" gelungen. Wer auf Progressive Rock mit jazzigen Ausflügen steht, frickeligen Abschnitten wie schönen Melodien etwas abgewinnen kann, die oder der sollte hier mal ein Ohr riskieren. Denn dann lohnt sich das bestimmt. Elf Punkte.

Anspieltipps: The GPS Vultures, The Lady Tied To The Lamp Post

Hæctor – Modern Urban Angst

 

Hæctor – Modern Urban Angst

Besetzung:

Martin Wendt – Gesang

Lena Schöllerman – Bass, Synthesizer

Christoph Rosemeier – Schlagzeug, Samples

Christopher Kellner – Gitarre, Synthesizer, Programming

Label: Dachshund Records

Erscheinungsjahr: 2022

Stil: Indie Pop, Rock

Trackliste:

1. Edges (4:21)

2. Run Dry (3:00)

3. Chelsea (3:56)

4. A Whisper (3:48)

5. My Strings (4:34)

6. Elephant (4:00)

7. Castles (3:50)

8. Hearts (3:31)

9. Social Curency (3:26)

10. Your Darkness (5:27)

Gesamtspieldauer: 39:57

Hæctor ist eine im Jahr 2017 gegründete Band aus Hamburg, die mit "Modern Urban Angst" ihr Debutalbum veröffentlicht. Nachdem die Hamburger nach einigen Live-Auftritten Corona-bedingt ebenso wie viele andere Bands und Musiker ausgebremst wurden, erscheint das Erstlingswerk der Hamburger nun am 10. Juni 2022 auf dem Plattenlabel Dachshund Records.

Hæctor klingen international und singen ihre Lieder dementsprechend auch auf Englisch ein. Die einzelnen Nummern auf "Modern Urban Angst" gehen vom ersten bis zum letzten Stück schnell ins Ohr. Ohne Ausnahme erklingen alle Titel des Albums melodiös und eingängig und lassen sich den musikalischen Genres Independent Pop bis Rock zuordnen. Dabei animiert die Musik jederzeit zum Mitwippen und macht Spaß gehört zu werden. Die Atmosphäre der Lieder bewegt sich hauptsächlich im optimistischen Bereich. Zu dunkel werden die einzelnen Stücke stimmungsmäßig nie eingefärbt. Doch klingt es dann doch mal nachdenklicher, so glaubt man sofort den Silberstreif am Horizont herauszuhören, den man ansonsten woanders eher zu sehen bekommt.

"Modern Urban Angst" lässt sich wunderbar in einem Zug durchhören ohne Gefahr zu laufen, die Fernbedienung immer wieder in die Hand nehmen zu müssen, um einzelne Titel zu überspringen. Musikalische Ausfälle findet man dementsprechend keine auf dem Album. Höhepunkte dagegen eine ganze Reihe. Wer demnach auf gut gemachten Indie Pop bis Rock steht, wird auf dem Album eine Menge für sich entdecken können.

Fazit: Mit "Modern Urban Angst" hat die Hamburger Band Hæctor ein sehr gelungenes Debutalbum eingespielt. Eingängigen Independent Pop bis Rock gibt es darauf zu hören, der Lust auf mehr macht. Lohnt sich. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Castles, Your Darkness