Riverside – Wasteland

Riverside – Wasteland


Besetzung:

Mariusz Duda – vocals, electric and acoustic guitars, bass, piccolo bass, banjo, guitar solo on "Lament" and "Wasteland"
Piotr Kozieradzki – drums
Michał Łapaj – keyboards and synthesizers, rhodes piano and hammond organ, theremin on "Wasteland"


Gastmusiker:

Maciej Meller – guitar solo on "Acid Rain" - Part II. Dancing Ghosts", "Guardian Angel", "The Struggle For Survival - Part II. Battle Royale" and "River Down Below"
Michał Jelonek – violin on "The Day After", "Lament", "Wasteland" and "The Struggle For Survival - Part II. Battle Royale"
Mateusz Owczarek – guitar solo on "Vale Of Tears"


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2018


Stil: Progressive Rock, Art Rock


Trackliste:

1. The Day After (1:48)
2. Acid Rain (6:02)
Part I. Where Are We Now?
Part II. Dancing Ghosts
3. Vale Of Tears (4:48)
4. Guardian Angel (4:24)
5. Lament (6:10)
6. The Struggle For Survival (9:31)
Part I. Dystopia
Part II. Battle Royale
7. River Down Below (5:43)
8. Wasteland (8:27)
9. The Night Before (4:08)

Bonus Track der Ltd. CD Mediabook Ausgabe:

10. River Down Below (Edit) (4:25)

Gesamtspieldauer: 55:31

„Wasteland“ heißt das siebte Studioalbum der polnische Progressive Rock Band Riverside. Das Album ist gleichzeitig die erste Scheibe, die nach dem überraschenden Tod des Gitarristen der Band, Piotr Grudziński, der am 4. März 2016 am plötzlichen Herztod verstarb, veröffentlicht wurde. „Wasteland“ erschien am 28. September 2018 auf dem Plattenlabel InsideOut Music und ist angefüllt mit spannender Musik, die über sehr viel Abwechslung verfügt.

„Wasteland“ klingt sentimental, „Wasteland“ klingt melancholisch und „Wasteland“ klingt auch manches Mal traurig. Und dabei geht die Musik auf „Wasteland“ ins Ohr. Wunderschöne Melodien lassen sich auf diesem Album entdecken, welches nicht besonders tief im Progressive Rock wurzelt, seine Abwechslung aus verschiedenen Stimmungen und Atmosphären, Tempi und Rhythmen bezieht. Über allem schwebt allerdings diese leicht düstere Eingängigkeit der Musik, die sich schnell und konsequent im Ohr festsetzt und deren Melodien sich dort tief eingraben. Und genau das ist auch die Stärke dieses Albums, welches in wunderschönen Harmonien schwelgt, in die tief einzutauchen lohnt. Natürlich wird auch mal ordentlich gerockt, „Vale OF Tears“ ist ein gutes Beispiel dafür, wie Riverside sanfte Melodien und harten Rock zusammen in Einklang bringt, sodass alles erst richtig zu wirken scheint. Das klingt sehr überzeugend. Der Abwechslungsreichtum wird zudem sehr groß geschrieben auf „Wasteland“. Es ist nicht nur der Rock, der hier in sich variiert wird, auf diesem Album bekommen Hörerin wie Hörer auch sanfte slawische Einschübe zu Gehör und selbst Fans der Italo Western, mit der Musik von Ennio Morricone, wird ein leichtes Lächeln auf die Lippen gezaubert werden.

Die Höhepunkte auf „Wasteland“ heißen „Lament“, „Wasteland“ und „The Night Before“. Auch bei diesen Stücken spielt Mariusz Duda mit seiner Band mit den Atmosphären und dies so überzeugend, dass man sich sehr einfach auf diese Musik einlassen kann und darin aufzugehen vermag. Allerdings sind dies nur drei Beispiele von insgesamt neun Titeln, die auf ihre Art und Weise alle zu überzeugen wissen und einfach gefallen, wenn man auf solch Genres wie Art Rock oder auch Progressive Rock steht. Der Anteil an progressiven Passagen auf „Wasteland“ ist dabei zugegebenermaßen relativ limitiert, wenn auch die Ansätze bezüglich Komplexität von Rhythmus und Melodie immer wieder ansatzweise zu hören sind. Aber eben lediglich ansatzweise. Doch macht das nichts, das Genre spielt keine Rolle, denn „Wasteland“ klingt einfach überzeugend, egal welchem Genre die Musik angehört.

Fazit: Das siebte Album der polnischen Band Riverside klingt zum einen sehr melancholisch und reicht bis hin zu richtiggehend traurig klingenden Passagen. Doch die Musik packt in all ihrer Abwechslung, in den vielen unterschiedlichen Stimmungen und Passagen, die man auf diesem Album geboten bekommt. Über allem stehen dabei die eingängigen Melodien, die in jedem Titel enthalten sind und einfach schön und einnehmend klingen. Gerockt wird auf „Wasteland“ und die Platte enthält ebensolche Passagen zum Innehalten. Einfach gelungen. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Lament, Wasteland, The Night Before

The Cure – Faith

The Cure – Faith


Besetzung:

Robert Smith – vocals, guitars, keyboards
Simon Gallup – bass
Lol Tolhurst – drums


Label: Fiction Records


Erscheinungsdatum: 1981


Stil: Gothic Rock, New Wave


Trackliste:

1. The Holy Hour (4:26)
2. Primary (3:39)
3. Other Voices (4:23)
4. All Cats Are Grey (5:27)
5. The Funeral Party (4:14)
6. Doubt (3:11)
7. The Drowning Man (4:49)
8. Faith (6:43)

Gesamtspieldauer: 36:57

„Faith“ heißt das dritte Studioalbum der britischen Gothic Rock- und New Wave Band The Cure, welches am 14. April 1981 auf dem Plattenlabel Fiction Records veröffentlicht wurde. Die Platte wurde ein kommerzieller Erfolg in Großbritannien, erreichte dort Platz 14 der Album-Charts und hielt sich insgesamt acht Wochen in diesen. Sie wurde auch von den Kritikern überwiegend gut aufgenommen. Die zuvor ausgekoppelte Single „Primary“ erreichte Position 25 der Charts.

„Faith“ klingt düster und dunkel, wie bereits der Vorgänger „Seventeen Seconds“. Diese musikalische Atmosphäre sollte auch noch auf dem Nachfolgealbum „Pornography“ im Mittelpunkt stehen. Die etwas marode Stimmung der Musik, die mal mehr von der Gitarre, mal mehr vom Keyboard dominiert wird, wirkt durch den verzweifelt klingenden Gesang des Robert Smith noch ein wenig intensiver, durchdringender und packender. Und diese einmal eingeschlagene Stimmung auf „Faith“ wird vom ersten bis zum letzten Stück konsequent durchgezogen.

Somit kann das Album auch mehr mit Atmosphäre, denn mit eingängigen Liedern punkten. So richtig bleibt von den Stücken auf „Faith“ nämlich nichts hängen, auch wenn diese ganz bestimmt nicht schlecht oder langweilig klingen. Langeweile könnte jemand bezüglich der vorhandenen Atmosphäre empfinden, denn diese ändert sich über die Laufzeit des Albums nicht. Hat man diese allerdings für sich erschlossen, fällt es sehr viel leichter in die Musik einzutauchen. Diese zeigt bei mir mit den Titeln „The Funeral Party“ und vor allen Dingen „The Drowning Man“ ihre Höhepunkte. Doch das wird sicher jede und jeder wieder ganz anders sehen und vor allen Dingen hören.

Fazit: Ein dunkles Album ist „Faith“ von The Cure geworden, randvoll gefüllt mit eher sanftem Gothic Rock, der selten das Tempo anzieht. Die Stimmung auf der Platte bleibt von Anfang bis Ende eine sehr düstere. Dazu der Gesang des Robert Smith und fertig ist die Platte, die so perfekt in die dunkle Jahreszeit passt und nach den 80ern riecht. Acht Punkte.

Anspieltipps: The Funeral Party, The Drowning Man

Northern Lite – Back To The Roots

Northern Lite – Back To The Roots


Besetzung:

Andreas Kubat – Gesang
Sebastian Bohn – Keyboard, Synthesizer


Label: Una Music (Rough Trade)


Erscheinungsdatum: 2018


Stil: Elektro-Pop, Dance


Trackliste:

CD1:

1. Never Enough (5:16)
2. Do You Think Of Me (5:14)
3. Au Revoir (feat. Die Ruhe) (3:10)
4. Here You Go (4:12)
5. Freaks Out (3:28)
6. Falling (5:11)
7. I‘m So Glad (BTTR Version) (5:13)
8. Enjoy The Silence (Remastered) (4:02)
9. All In The Stars (4:57)
10. Old Times (3:55)
11. Au Revoir (feat. Die Ruhe) (Extended) (4:58)

CD2:

1. Right Now (5:13)
2. Hollywood Girl (5:14)
3. You Know Where (5:05)
4. Mistakes (4:39)
5. This Melodys (3:15)
6. A Million Ants (4:22)
7. Trusting Blind 2017 (5:39)
8. No Escape 2017 (5:27)

Gesamtspieldauer CD1 (49:40) und CD2 (38:58): 1:28:38

Seit dem Jahr 1999 veröffentlichen die Musiker der Band Nothern Lite, die ursprünglich aus Erfurt stammen, Alben. Im Jahr 2018 kann eine weitere Scheibe hinzu, die den Titel „Back To The Roots“ trägt. „Back To The Roots“ wird als Doppel-CD ausgeliefert und enthält als zweite CD eine bereits zuvor veröffentlichte EP. Das Album erschien am 13. Juli 2018 auf dem Plattenlabel Una Music.

Auf „Back To The Roots“ hört man Club Musik, die natürlich nichts mehr mit sogenannter „handgemachter“ Musik gemein hat. Beat über Beat, dazu elektronische Klänge, immer weiter nach vorne treibend, zum Tanzen animierend, sind hier zu vernehmen. Dazu der allerdings wahrlich gelungene Gesang des Andreas Kubat. Man muss solch Musik definitiv mögen, um dem Ganzen etwas abgewinnen zu können. Hier gibt es kein grau, nur schwarz oder weiß. Im Gegensatz zu anderer Musik, die auch mal im Hintergrund laufen kann, macht einen Northern Lite fertig oder begeistert.

Ich persönlich gehöre „leider“ etwas mehr zur ersten Fraktion der Musikhörer, mich treibt das zu Hörende auf „Back To The Roots“ eher in den Wahnsinn, denn in ein musikalisches Nirvana. Was man den Titeln allerdings ganz sicher nicht absprechen kann ist der Umstand, dass sie auf den Tanzflächen dieser Nation wirken und auch zur körperlichen Betätigung animieren. Tanzbar ist das alles, nur Zuhause gehört verliert die Musik ein klein wenig ihren Sinn.

Fazit: Elektro-Pop für die Tanzfläche hört man auf dem neuesten Album der Erfurter Band Northern Lite. Tanzbar ist das alles, ins Ohr geht deutlich weniger. Der Gesang überzeugt, der Rest ebenfalls weniger, weil man sich auf die Dauer der Laufzeit irgendwie mal nach einem akustischen Klang sehnt. Also auf und einfach mal die Tür laut knallen lassen! Doch auch dieses Geschepper wird wohl vom Beat auf „Back To The Roots“ geschluckt werden. So geht Rhythmus. Sechs Punkte.

Anspieltipps: Never Enough, Here You Go, You Know Where

The Temperance Movement – The Temperance Movement

The Temperance Movement – The Temperance Movement


Besetzung:

Phil Campbell – vocals
Luke Potashnick – guitars
Paul Sayer – guitars
Nick Fyffe – bass
Damon Wilson – drums


Label: Earache


Erscheinungsdatum: 2013


Stil: Blues Rock


Trackliste:

CD1:

1. Only Friend (4:28)
2. Ain‘t No Telling (3:51)
3. Pride (5:38)
4. Be Lucky (3:22)
5. Midnight Black (3:46)
6. Chinese Lanterns (3:21)
7. Know For Sure (4:12)
8. Morning Riders (3:39)
9. Lovers And Fighters (4:38)
10. Take It Back (3:03)
11. Smouldering (5:47)
12. Serenity (5:38)

CD2:

1. Ain‘t No Telling (Live from Glasgow) (4:54)
2. Take It Back (Live from Glasgow) (5:58)
3. Only Friend (Live from Lincoln) (7:03)
4. Midnight Black (Live from London) (4:20)
5. Lovers And Fighters (Live from Portsmouth) (9:59)

Gesamtspieldauer CD1 (51:30) und CD2 (32:17): 1:23:47

„The Temperance Movement“ sind eine britische Blues-Rockband, die 2011 von Sänger Phil Campbell und den Gitarristen Luke Potashnick und Paul Sayer gegründet wurde. Die Rhythmusgruppe besteht aus dem Bassisten Nick Fyffe und dem in Australien geborenen Schlagzeuger Damon Wilson. Die Bandmitglieder können auf viel Erfahrung zurückblicken, nachdem sie zuvor bereits mit Rooster, Ben‘s Brother, Jamiroquai, Ray Davies, The Waterboys und Feeder zusammengespielt haben. Im Jahr 2012 veröffentlichten „The Temperance Movement“ die EP „Pride“, ihr selbstbetiteltes Debütstudioalbum erschien am 16. September 2013 auf dem Plattenlabel Earache.

Wenn man „The Temperance Movement“ von The Temperance Movement hört, fühlt man sich in eine andere Zeit und vor allen Dingen an einen anderen Ort hin versetzt als aus der und dem, aus welcher und welchem die Musiker eigentlich kommen. Die Musik von The Temperance Movement klingt nach den 70er Jahren und zwar nach Blues Rock, zum Teil nach Rock’n’Roll, garniert mit einigen Country Einlagen. So hört man auf der Platte auch mal eine Slide Gitarre und fühlt sich insgesamt sehr viel eher in die USA des letzten Jahrhunderts versetzt, als nach Großbritannien, wo die Musiker im 21. Jahrhundert beheimatet sind. In der Musik von The Temperance Movement findet man dabei leider absolut nichts „Neues“. Gut, „Neues“ muss auch nicht immer sein, wenn ein Genre richtig überzeugend aufgearbeitet ist. Die Briten gehen in ihrer Musik auf, das hört man in jedem Takt, mit jedem Akkord. Allerdings lässt es das Album dadurch keinen Deut spannender werden. Alles, was es auf dem Debut-Album zu hören gibt, gab es bereits in diversen Ausführungen von anderen Bands zu hören. Zigfach. Dabei klingen die einzelnen Lieder zudem nicht eingängig, gehen nicht ins Ohr. Das Album läuft so durch und an dessen Ende fragt man sich: „War da was?“

Doch da war etwas. Nämlich ganz zum Schluss, der letzte Titel der Scheibe. „Serenity“ ist eine tolle Nummer, die langsam und fast schüchtern beginnt, sich im weiteren Verlauf immer weiter steigert und gegen Ende hin richtig gut rockt und jetzt dann wirklich begeistern kann. Der ganze Rest der Platte ist bluesiger Rock, der ganz bestimmt Freunde dieses Genres ein Lächeln auf das Gesicht zaubert und auch Nostalgiker begeistern kann. Mit der „Deluxe-Edition“ des Albums bekommt man eine zweite CD mitgeliefert, auf der die Spielfreude der fünf Musiker sehr viel besser zum Tragen kommt, beziehungsweise gehört und auch gefühlt werden kann. Jetzt machen The Temperance Movement deutlich mehr Spaß. Und wenn dann solch ein Titel wie „Take It Back“ in Anlehnung an ZZ Tops „Tush“ eröffnet wird, dann offenbaren die Briten auch ganz klar ihre Vorlieben und Vorbilder.

Fazit: „The Temperance Movement“ von The Temperance Movement ist eine Scheibe, die Freunde des Blues Rock ganz bestimmt mögen werden. Genau in der Tradition des Blues Rocks der 70er Jahre in den USA ist dieses Album gehalten. Etwas Eigenständiges vermisst man allerdings auf diesem Album, welches sehr viele Lieder enthält, die einfach so an einem vorbeiziehen. Die Musik geht nur selten ins Ohr und will dort schon mal gar nicht verbleiben. Aber natürlich werden Freundinnen und Freunde dieses Genres das selbstverständlich ganz anders sehen. Doch das Neue, das Besondere in der Musik von The Temperance Movement werden sie wohl auch kaum finden können. Sieben Punkte.

Anspieltipps: Serenity

Iron Butterfly – Live

Iron Butterfly – Live


Besetzung:

Erik Brann – guitar
Doug Ingle – organ, lead vocals
Lee Dorman – bass, backing vocals
Ron Bushy – drums


Label: ATCO


Erscheinungsdatum: 1970


Stil: Rock, Psychedelic Rock, Acid Rock


Trackliste:

1. In The Time Of Our Lives (4:42)
2. Filled With Fear (3:41)
3. Soul Experience (4:09)
4. You Can’t Win (3:26)
5. Are You Happy (4:02)
6. In-A-Gadda-Da-Vida (18:49)

Gesamtspieldauer: 38:52

„Live“ nannte die US-amerikanische Rockband Iron Butterfly irgendwie logischerweise und einleuchtend ihr erstes Live-Album. Dieses wurde am 22. April 1970 auf dem Plattenlabel ATCO veröffentlicht und war zwischen dem 25. und 30. Mai 1968 eingespielt worden. Als einzige Platte von insgesamt fünf Live-Veröffentlichungen der Band konnte sich die Scheibe in den US Billboard Album Charts platzieren und erreicht dort immerhin Platz 20.

„Live“ stellt eine Art Werkschau der ersten drei Platten von Iron Butterfly dar. Das Album „Heavy“ ist mit dem Titel „You Can‘t Win“ vertreten. „Are You Happy“ und „In-A-Gadda-Da-Vida“ stammen natürlich vom Album „In-A-Gadda-Da-Vida“ und die Titel „In The Time Of Our Lives“, „Filled With Fear” sowie „Soul Experience” vom dritten Album „Ball“. Die Titelauswahl ist dabei durchaus gelungen, wenn man sich persönlich sicherlich auch das ein oder andere Lied lieber gewünscht haben mag. Alles reine Geschmackssache eben.

Die einzelnen Stücke sind nicht allzu weit von den Originalen entfernt, beim Stück „In-A-Gadda-Da-Vida“ kommt der Live-Charakter noch am ehesten zum Tragen. Die Musik wirkt, wenn man Psychedelic Rock mag und gerne mal die Anfänge des Hard Rock erhören möchte. Genau darin kann man auf „Live“ eintauchen beziehungsweise sich einhören. Ein Manko des Albums ist allerdings sicherlich die sehr kurze Laufzeit der Scheibe. Die meisten Live-Platten werden in Form von Doppel-Alben veröffentlicht und das ist auch gut so, um in die Musik und die Atmosphäre deutlich besser einsteigen zu können.

Fazit: Man erhält mit „Live“ einen schönen Überblick über das Schaffen von Iron Butterfly zu Beginn ihrer Karriere. Das transportierte „Live-Gefühl“ hält sich auf dem Album allerdings in Grenzen, da die Lieder sich sehr nah am Original bewegen. Nichtsdestotrotz hört man auf „Live“ gut gemachte Musik, die längst nicht so alt klingt, wie sie inzwischen bereits ist. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Filled With Fear, In-A-Gadda-Da-Vida

Roxy Music – Flesh + Blood

Roxy Music – Flesh + Blood


Besetzung:

Bryan Ferry – vocals, keyboards, piano, synthesizer (on track 4), guitar (on track 4), and strings (on track 5)
Andy Mackay – saxophones, oboe
Phil Manzanera – guitar, bass (on track 6)


Gastmusiker:

Paul Carrack – strings (on track 2), organ, piano (on track 10)
Neil Hubbard – guitar (on tracks 1, 2, 5, and 7–10)
Neil Jason – bass (on tracks 2, 7, and 9)
Andy Newmark – drums (on tracks 4 and 5)
Simon Phillips – percussion (on track 5)
Allan Schwartzberg – drums (on tracks 1-3 and 6–10), percussion (on tracks 4 and 5)
Alan Spenner – bass (on tracks 3–5, 8, and 10)
Gary Tibbs – bass (on track 1)
Suzanne Ciani – synthesizers (on track 3, 4, 5, 8, and 9)


Label: Virgin Records


Erscheinungsdatum: 1980


Stil: Pop Rock, Art Pop


Trackliste:

1. In The Midnight Hour (3:13)
2. Oh Yeah (4:50)
3. Same Old Scene (3:57)
4. Flesh And Blood (3:13)
5. My Only Love (5:19)
6. Over You (3:26)
7. Eight Miles High (4:54)
8. Rain Rain Rain (3:20)
9. No Strange Delight (4:45)
10. Running Wild (5:04)

Gesamtspieldauer: 42:04

„Flesh + Blood“ heißt das siebte Studioalbum der englischen Rockband Roxy Music. Am 23. Mai 1980 wurde die Platte veröffentlicht und war sofort ein kommerzieller Erfolg. Im Juni des Jahres hatte „Flesh + Blood“ bereits für eine Woche Platz 1 der britischen Charts erklommen, kehrte anschließend im August für drei weitere Wochen auf diese Spitzenposition zurück. In Deutschland erreichte die Scheibe Platz 6. Drei Singles wurden aus dem Album ausgekoppelt. „Over You“ wurde ein Nr. 5 UK-Hit, genau wie „Oh Yeah“. „Same Old Scene“ erreichte immerhin Platz 12. Überraschenderweise enthält „Flesh + Blood“ auch zwei Cover-Versionen. Zum einen den Byrds-Titel „Eight Miles High” sowie Wilson Picketts „In The Midnight Hour”. Das Album entstand, nachdem Schlagzeuger Paul Thompson die Band verlassen hatte, was Roxy Music zu einem Trio, bestehend aus Bryan Ferry, Andy Mackay und Phil Manzanera werden ließ.

Mit „Flesh + Blood“ waren Roxy Music endgültig in der Liga der erfolgreichsten Bands angekommen und das Album klingt auch dementsprechend eingängig und melodiös. Viele der Titel gehen ins Ohr und werden auch heute noch im Radio gespielt. Freilich geht das etwas auf Kosten des „Außergewöhnlichen“, wenn die Platte insgesamt auch „ganz nett“ klingt. Etwas Neues oder Besonderes wird man auf „Flesh + Blood“ allerdings nicht mehr finden.

Höhepunkt des Albums ist für mich ganz klar das Lied „Oh Yeah“. Eine Nummer, die man einmal gehört nicht mehr vergisst. Ein Ohrwurm eben, der dabei allerdings überhaupt nicht aufdringlich klingt. Ebenfalls sehr hörenswert, eingängig, etwas rockiger und gleichzeitig auch eine Singleauskopplung des Albums ist das Lied „Same Old Scene“. „My Only Love“ hört sich dagegen – wie man bei diesem Titel auch vermuten würde – sehr viel ruhiger an und überzeugt ebenfalls durch seine Melodiösität. „No Strange Delight“ klingt dagegen schon sehr nach New Wave und spiegelt den Sound der Musik Anfang der 80er Jahre sehr schön wider. Nicht zuletzt durch diesen Umstand ist der Titel hörenswert. Beschlossen wird die Platte mit der schönen Ballade „Running Wild“, während der Bryan Ferry nochmals wunderschön schmachtend seine unverwechselbare Stimme einsetzen kann.

Fazit: Sicherlich ist „Flesh + Blood“ nicht das beste Album von Roxy Music geworden. Allerdings ist die Platte längst nicht so schlecht, wie sie zuweilen gemacht wird. Man hört auf dieser Roxy Music Platte melodiöse Pop-Musik, die zwar keinerlei Risiken mehr eingeht, jedoch in ihrer eingängigen Machart durchaus ins Ohr geht. Ein klein wenig stellt „Flesh + Blood“ ein typisches Beispiel für die Musik Anfang der 80er Jahre dar. Auf so etwas stand man damals. Neun Punkte.

Anspieltipps: Oh Yeah, Same Old Scene, My Only Love, Running Wild

Man – Man

Man – Man


Besetzung:

Michael “Micky” Jones – electric guitar, acoustic guitar, vocals
Roger “Deke” Leonard – electric guitar, acoustic guitar, piano, steel guitar, vocals
Clive John – organ, piano, electric guitar, harpsichord, vocals
Martin Ace – bass guitar, acoustic guitar, vocals
Terry Williams – drums, percussion, liberty bell on “Daughter”


Label: Parlophone


Erscheinungsdatum: 1971


Stil: Progressive Rock, Rock, Country


Trackliste:

1. Romain (6:13)
2. Country Girl (3:07)
3. Would The Christians Wait Five Minutes? The Lions Are Having A Draw (13:04)
4. Daughter Of The Fireplace (5:17)
5. Alchemist (20:52)

Gesamtspieldauer: 48:34

Man sind eine Rockband aus dem Süden von Wales, deren Stil eine Mischung aus progressivem Rock, Rock’n’Roll, Country und Blues ist. Man wurde im November 1968 als Reinkarnation der walisischen Rock-Harmoniegruppe „The Bystanders“ gegründet und war in den Jahren von 1968–1976 und schließlich ab 1983 bis heute aktiv. Von den ursprünglichen Bandmitgliedern sind heute allerdings keine mehr aktiv. Das dritte Studioalbum der Waliser war ein selbstbetiteltes Album und erschien im März 1971 ursprünglich auf dem Plattenlabel „Liberty“. Es war das erste Album in dieser Besetzung, wobei Terry Williams Jeff Jones am Schlagzeug und Martin Ace Ray Williams am Bass ersetzt hat.

Der musikalische Stil auf „Man“ ist wahrlich abwechslungsreich. Man könnte ihn auch relativ konfus nennen. Das Auftaktlied „Romain“ ist ein relativ geradliniger Rocker, der auch Abschnitte mit sehr unverfälschten Rock’n’Roll-Passagen enthält. Das anschließende „Country Girl“ strapaziert dann schon sehr die Nerven der Zuhörerin beziehungsweise des Zuhörers, wenn man denn nicht gerade Fan der Country & Western Musik ist. Das Lied klingt nicht nach Wales, sondern ganz klar nach dem Mittleren Westen der USA. Interessanter wird es dann mit „Would The Christians Wait Five Minutes? The Lions Are Having A Draw“. Die Platte entstand Ende 1970, wurde allerdings erst im Jahr 1971 veröffentlicht und dieses Lied klingt wie eine Nummer aus dem 1968er Album von Pink Floyd. Kleine, sanfte und eingängige Melodie und ein paar experimentellere Abschnitte, schließlich noch eine Prise Rock und fertig ist der Longtrack.

Deutlich langweiliger wird es schließlich wieder mit „Daughter Of The Fireplace“. Wieder ein Lied im Bereich des Rock’n’Rolls nur, dass dieses Mal auch die Melodie nicht besonders ins Ohr zu gehen vermag. Zum Abschluss folgt schließlich das fast einundzwanzigminütige „Alchemist“. Hier begeben sich die walisischen Musiker von Man noch etwas mehr auf die experimentelle Schiene, sodass diese Nummer an vielen Stellen eher wie eine Klangkollage, denn wie ein Lied klingt. Da hört man manchmal nur leise, etwas futuristisch klingende Töne, dann seltsamen, vom Becken untermaltes Geschrei, mehrstimmigen Gesang, der von weit entfernt zu uns herzudringen scheint und schließlich mündet alles in ein rockiges Riff, welches leicht variiert wird. Ist dieses ab etwa Minute Sechs verklungen, beginnt eine Sound-Reise ohne großartige Melodien. Es werden nun Atmosphären transportiert, eine Tonfolge wird später auf der Gitarre Mantra-artig wiederholt und um diese herum drapiert sich Allerlei an Instrumenten und auch Geräuschen. Experimenteller Psychedelic Rock, der höchstwahrscheinlich unter der Einwirkung halluzinogener Substanzen entstand. Der Typ auf dem Cover weiß wovon ich schreibe.

Fazit: Man kann es nicht anders sagen, aber Man klingen anders als andere Band. Sie experimentieren und sie lassen sich zumindest auf dieser Platte nicht auf ein spezielles musikalisches Genre festlegen. Das macht das ganze Hörerlebnis zumindest interessant, nicht jedoch unbedingt überzeugend. Die beiden längeren Titel haben durchaus was, der Rest, der läuft eben so mit. Neun Punkte.

Anspieltipps: Alchemist

Dear Reader – Rivonia

Dear Reader – Rivonia


Besetzung:

Cherilyn MacNeil – piano, harmonium, accordion, synthesizer, vibraphone, acoustic, bass & vocals


Gastmusiker:

Earl Harvin – drums, percussion & bass
Samuel Vance-Law – violin & vocals
Martin Wenk – horns
Friedrich Brückner – bassoon
Bernd Brückner – clarinette, saxophone & flute
Isabel Brückner – clarinette, saxophone & flute
Giovanni Nicoletta – bass
Erik Sunbring – electric guitars & vocals
Konstantin Gropper – vocals
Caroline McAlister – vocals
Emma Greenfield – vocals
Deniz Jaspersen – vocals
Sven van Thom – vocals
Laurent Martin – vocals


Label: City Slang


Erscheinungsdatum: 2013


Stil: Alternative Pop, Art Pop


Trackliste:

1. Down Under, Mining (3:14)
2. Took Them Away (3:30)
3. Good Hope (3:16)
4. 27.04.1994 (3:01)
5. From Now On (2:53)
6. Man Of The Book (3:14)
7. Back From The Dead (4:03)
8. Teller Of Truths (2:54)
9. Already Are (3:27)
10. Cruelty On Beauty On (3:13)
11. Victory (1:24)

Gesamtspieldauer: 34:14

„Rivonia“ nannte die Südafrikanerin Cherilyn MacNeil ihr drittes Studioalbum, welches erneut unter dem Bandnamen Dear Reader veröffentlicht wurde. „Rivonia“ erschien im Jahr 2013 auf dem Plattenlabel City Slang und enthält elf Lieder, die sich im Bereich des Alternative Pop bis hin zum Art Rock bewegen.

Die einzelnen Lieder sind häufig mit eher klassischen Instrumenten eingespielt worden, denn mit den „herkömmlichen“ Pop- und Rock-Instrumenten. Somit klingt „Rivonia“ durchaus auch ein wenig nach Kammer-Pop. Die Musik hat es dabei wahrlich in sich, klingt wunderschön sanft, wird häufig mehrstimmig eingesungen und ist mehr als nur eingängig. Die allermeisten Titel auf dem Album gehen ohne große Umwege sofort ins Ohr und verbleiben dort auch. „Rivonia“ klingt unfassbar melodiös und auch abwechslungsreich, enthält Musik zum darin Eintauchen und Genießen.

Die Höhepunkte der Platte heißen „Good Hope”, „Man Of The Book“ sowie „Cruelty On Beauty On“. „Good Hope” klingt so wunderschön sanft und zerbrechlich und ist mit eines der eingängigsten Titel, die ich kenne. „Man Of The Book“ ist das Lied des Albums, welches gleich beim ersten Mal des Hörens hängenbleibt und Eindruck hinterlässt. Der Titel „Cruelty On Beauty On“ klingt dagegen durch gesampelte Vokaleffekte fast schon surreal und geht ebenso wunderschön ins Ohr, wobei hier Rhythmus und Tempo etwas flotter gehalten sind. Bei „Already Are“ hört man übrigens Konstantin Gropper im Duett mit Cherilyn MacNeil, der vielen von seinem Projekt „Get Well Soon“ her bekannt sein dürfte.

Fazit: „Rivonia“ ist eine wunderschöne und besondere Platte geworden. Sehr melodiöse und eingängige Musik bekommt man darauf zu hören, die hängenbleibt. Das Album enthält Lieder, die Musik zu etwas Besonderem werden lassen, zu etwas, was das Leben bereichert und weswegen man gerne Musik hört. Einziges Manko der Platte ist die doch sehr kurze Laufzeit – zumindest für heutige Verhältnisse. Zwölf Punkte.

Anspieltipps: Good Hope, Man Of The Book, Cruelty On Beauty On

Focus – In And Out Of Focus

Focus – In And Out Of Focus


Besetzung:

Thijs van Leer – vocals (tracks 2, 5, 6), flute, hammond organ, piano, electric piano, mellotron, harpsichord, vibraphone
Jan Akkerman – guitars, acoustic guitars
Martin Dresden – bass guitar, trumpet (tracks 4, 5), vocals (tracks 2, 3, 6)
Hans Cleuver – drums, bongos, vocals (tracks 2, 5, 6)


Label: Imperial Records


Erscheinungsdatum: 1970


Stil: Rock, Pop, Progressive Rock


Trackliste:

1. Focus (Vocal Version) (2:44)
2. Black Beauty (3:08)
3. Sugar Island (3:05)
4. Anonymus (6:33)
5. House Of The King (2:51)
6. Happy Nightmare (Mescaline) (3:59)
7. Why Dream (3:57)
8. Focus (Instrumental) (9:45)

Gesamtspieldauer: 36:04

Focus sind eine niederländische Rockband, die 1969 in Amsterdam von Keyboarder, Sänger und Flötist Thijs van Leer gegründet wurde. Im Jahr 1970 folgte sodann das erste Studioalbum mit dem Titel „In And Out Of Focus”, das ursprünglich auf dem Plattenlabel Imperial Records erschien. „In And Out Of Focus” ist das einzige Album von Focus, welches in der ursprünglichen Besetzung mit Thijs van Leer, Jan Akkerman, Martin Dresden und Hans Cleuver eingespielt wurde.

Auf „In And Out Of Focus” hört man eine Mischung aus englischem Pop der 60er Jahre, jazzig angehauchtem Rock und auch ein paar Sequenzen mit Progressive Rock. Mitunter klingt das Ganze recht bieder, die Lieder werden jedoch dann interessant, wenn die Musik über den poppigen Ansatz hinausgeht. Dies ist zum Beispiel bei den beiden Nummern „Anonymus“ und „House Of The King“ der Fall. Hier klingen die Niederländer ein wenig nach Jethro Tull, was ganz eindeutig an dem Querflöten-Einsatz liegt, der einfach in dieser Art und Weise gespielt nach Ian Anderson klingt.

Höhepunkt für mich ist allerdings die Nummer „Happy Nightmare (Mescaline)“. Das Lied beginnt zunächst sehr getragen wie eine traurige Pop-Nummer aus der Zeit, geht dann im weiteren Verlauf in einen jazzig gejammten Teil über, der gegenüber dem restlichen Lied völlig aus dem Rahmen fällt. Fast schon hektisch vibriert das Stück nun, um schließlich wieder genau im ersten und sanften und melancholischen Teil zu münden. Hier klingen Focus deutlich interessanter als an so manch anderer Stelle des Albums.

Fazit: Ein wenig klingt das Debut von Focus so, als ob hier eine Band noch auf der Suche nach dem eigenen Sound ist. Biedere Pop-Nummern werden von jazzigen und progressiven Abschnitten flankiert. Alles wird kurz angespielt, ohne weiter ausgebaut zu werden. Insgesamt klingt die Musik von Focus auf „In And Out Of Focus” noch ein wenig durchwachsen, wenn auch schon bereits spannendere Ansätze zu hören sind. Acht Punkte.

Anspieltipps: Anonymus, Happy Nightmare

Pure Phase Ensemble 5 – Live At SpaceFest!

Pure Phase Ensemble 5 – Live At SpaceFest!


Besetzung:

Hugo Race – vocals, guitar, synthesizer
Karol Schwarz – guitar, vocals, phase, electronic beats
Adrian Kondratowicz – drums, percussion
Przemysław Bartoś – bass
Paweł Swiernalis – backing vocals, guitar
Mateusz Franczak – saxophone
Marta Tykarska – trumpet
Michał Peschke – percussion


Label: Nasiono Recordings


Erscheinungsdatum: 2016


Stil: Elektronische Musik, Psychedelic Rock, Independent Rock


Trackliste:

1. Phase In (4:04)
2. Phase Out (8:00)
3. Elektryk (6:40)
4. We Would Not Change A Chord (9:26)
5. Krzyczec (8:22)
6. The Chase (5:03)
7. One Chord (10:50)
8. Nowy Port 3 A.M. (5:45)
9. Blue Steel Rail (8:34)
10. Fly Through The Fire (9:59)

Gesamtspieldauer: 1:16:47

Das Pure Phase Ensemble ist ein internationales Musikkollektiv, welches speziell für das SpaceFest! Festival in Danzig, Polen, jährlich neu gegründet wird. Jedes Jahr in der ersten Dezemberwoche findet dieses Musikfestival statt, zu der sich zahlreiche ausgewählte Musiker aus dem In- und Ausland zu einer speziellen Workshop-Reihe treffen. Sie komponieren gemeinsam Musik für ein Konzert, welche sie anschließend den Festivalbesuchern live präsentieren. Jedes Jahr werden dazu verschiedene Musiker mit unterschiedlichen Vitae und Erfahrungen eingeladen, die diese Band bilden. Durch Workshop-Improvisationen kommen die Musiker zu einer gemeinsamen künstlerischen Vision, die als Ergebnis eine Reihe neuer Titel ergibt. Die abschließende Performance wird live aufgezeichnet und anschließend als Album veröffentlicht.

Im Jahr 2015, bei der Zusammenstellung des Pur Phase Ensembles 5, war der „Special Guest“ der Australier Hugo Race, der solo und in diversen Bands (unter anderem mit Nick Cave und Dirtmusic) bereits an fast fünfzig Alben beteiligt war. Die fünfte Inkarnation des Pure Phase Ensembles beschloss ursprünglich, die Tonart während des gesamten Konzertes nicht zu ändern. Nun es wurden dann doch zwei. Den Stücken 2-4 liegt die Tonart E-Dur zugrunde, bei den Liedern 1 und 5-10 ist es G-Dur. Dies bedeutet zwar keine allzu große Abwechslung, Langeweile kommt beim Hören trotzdem nie auf, da die Musiker geschickt mit den Atmosphären spielen und auf diese Weise Spannung erzeugen.

Das Pure Phase Ensemble 5 klingt gerade in den ausladenden Instrumentalpassagen zumeist sehr sphärisch, fast schon entrückt. Die Musik wirkt hier sanft, weich, absolut entspannt und dahingleitend. Elektronische Teppiche bilden das Fundament, auf dem Gitarre, Bass und Perkussion ausgebreitet werden. Dazu gesellen sich Auftritte von Saxophon und Trompete, bestens eingebettet in die zumeist dunkle Stimmung, die der Musik zusätzliche Spannung verleihen. Werden Schlagzeug und Perkussion dominanter, wird der Gesamteindruck der Musik auch rockiger, der sphärische Ansatz bleibt jedoch zumeist erhalten. Doch steigern sich auch einzelne Titel, werden experimenteller, schräger, verworrener, lauter. Wer dementsprechend auf Melodien in der Musik größeren Wert legt, die oder der dürfte auf „Live At SpaceFest! Feat. Hugo Race“ nicht so leicht fündig werden. Die Atmosphäre der Musik steht im Vordergrund, dicht und dunkel und jederzeit intensiv. Elektronische und psychedelische Musik, die nur sehr wenig Spielraum für Melodiebögen bietet, die zum Mitsummen einladen würden. Gesangspassagen gibt es allerdings, diese stehen jedoch nicht im Vordergrund und werden auf Englisch und Polnisch eingesungen.

Fazit: Insgesamt wirkt die Musik des Pure Phase Ensemble auch in ihrer 5. Veröffentlichung sehr experimentell – und genau da ist auch der Ansatz dieser Musik zu sehen. Man hört auf dem Album Musiker, die Spaß daran haben sich zusammen auszuprobieren und Neues zu erschaffen. Für solch kurze Zeit eines „Workshops“ lässt sich das Ergebnis wahrlich gut hören. Neun Punkte.

Anspieltipps: Phase Out, One Chord, Nowy Port 3 A.M.

The Flower Kings – Banks Of Eden

The Flower Kings – Banks Of Eden


Besetzung:

Roine Stolt – guitars & vocals
Hasse Fröberg – guitars & vocals
Tomas Bodin – keyboards
Jonas Reingold – bass, vocals & acoustic guitar
Felix Lehmann – drums & percussion


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2012


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

1. Numbers (25:26)
2. For The Love Of Gold (7:25)
3. Pandemonium (6:09)
4. For Those About To Drown (7:06)
5. Rising The Imperial (7:52)

Gesamtspieldauer: 54:00

Unter dem Titel „Banks Of Eden” erschien das elfte Studioalbum der schwedischen Progressive Rockband The Flower Kings. Das Album wurde am 18. Juni 2012 veröffentlicht, fast fünf Jahre nach dem Vorgänger „The Sum Of No Evil”. „Banks Of Eden” erschien auf dem Plattenlabel InsideOut Music und die Flower Kings warteten wieder einmal mit einem neuen Schlagzeuger auf, der jetzt Felix Lehmann heißt und aus Deutschland stammt.

Roine Stolt hatte „seiner“ Band eine Pause verordnet, da sich die Flower Kings sich seiner Meinung nach musikalisch auf den letzten Platten nicht mehr weiterentwickelt hatten. Dem kann man durchaus zustimmen, denn die Flower Kings schwebten in ihrem eigenen Universum und die Lieder gleichen sich inzwischen irgendwie alle. Nun sollte es also eine schöpferische Pause geben, in denen sich alle Musiker mal bei anderen Bands oder in anderen Projekten austoben und neue Ideen sammeln sollten. Das Ergebnis heißt „Banks Of Eden“ und obwohl manche der Fans und Kritiker hier keine Veränderung zu den letzten Alben der Band konstatieren, so klingt diese Platte in meinen Ohren durchaus anders.

Das liegt an den Songs selbst, die ich als melodischer und eingängiger empfinde, als jene, die zumeist auf den früheren Platten vertreten war. Die Lieder wirken, sind dabei zwar immer noch recht verschachtelt und manches Mal nicht nachvollziehbar aufgebaut, doch sie gehen eben auch besser ins Ohr. Es sind die Melodien, die sich dieses Mal deutlich besser einprägen und wirken. Dies gilt für alle fünf Nummern der Platte, angefangen vom wieder einmal episch langen Haupttitel „Numbers“ bis zu allen folgenden „kürzeren“ Nummern. Dadurch macht die Platte durchaus etwas mehr Spaß als seine Vorgänger, wenn sie einen trotzdem immer noch nicht in Begeisterungsstürme ausbrechen lässt. Doch man hört auf „Banks Of Eden“ solide gemachten Progressive Rock, der auch fünfzig Jahre nach der Hochzeit dieses musikalischen Genres noch wirkt.

Fazit: Ein wieder unterhaltsameres Album ist den Flower Kings nach fünfjähriger schöpferischer Pause gelungen. Eindeutig sind hier noch die Flower Kings zu hören, doch die Scheibe ist eingängiger geworden, diese exzessiven und häufigen Frickel-Attacken wurden deutlich zurückgefahren. Kaum vorstellbar, dass dies jemanden zu sehr stört. Die Flower Kings Fans werden sowieso begeistert sein, wegen dem Wiedererkennungswert oder der Entwicklung, ganz egal. Und ein paar neue Fans könnten mit dieser Platte sogar auch noch hinzukommen. Neun Punkte.

Anspieltipps: Numbers, For Those About To Drown

Pain Of Salvation – Remedy Lane

Pain Of Salvation – Remedy Lane


Besetzung:

Daniel Gildenlöw – lead vocals, guitar
Kristoffer Gildenlöw – bass, backing vocals
Johan Hallgren – guitar, backing vocals
Fredrik Hermansson – keyboards
Johan Langell – drums, backing vocals


Label: InsideOut Music


Erscheinungsdatum: 2002


Stil: Progressive Metal


Trackliste:

1. Of Two Beginnings (2:24)

Chapter I:

2. Ending Theme (4:59)
3. Fandango (5:51)
4. A Trace Of Blood (8:17)
5. This Heart Of Mine (I Pledge) (4:01)

Chapter II:

6. Undertow (4:47)
7. Rope Ends (7:02)
8. Chain Sling (3:58)
9. Dryad Of The Woods (4:56)

Chapter III:

10. Remedy Lane (2:15)
11. Waking Every God (5:19)
12. Second Love (4:21)
13. Beyond The Pale (9:56)

Gesamtspieldauer: 1:08:13

„Remedy Lane“ nannte die schwedische Progressive Metal Band Pain Of Salvation ihr viertes Studio-Album. Es wurde am 15. Januar 2002 auf dem Plattenlabel InsideOut Music veröffentlicht und stellt einmal mehr ein Konzeptalbum dar. Dieses Mal wird die Suche nach der Selbstfindung in den Mittelpunkt der Scheibe gestellt.

Ansonsten „alles wie gehabt“ bei Pain Of Salavation könnte man sagen. Abwechslungsreicher und durchaus auch intelligenter Progressive Metal, der zudem ein klein wenig erarbeitet werden möchte. Die Lieder „zünden“ noch nicht beim ersten Mal des Hörens, werden allerdings mit jedem weiteren Durchlauf interessanter und auch eingängiger. So erscheint „Remedy Lane“ sehr facettenreich und enthält einige Überraschungen für die Hörerin und den Hörer parat. Selbstverständlich haben die fünf Schweden auch auf diesem Album ihr Gespür für Melodien und auch Stimmungen ausgespielt. Mal sanfter, mal rauer, sehr eingängig, dann wieder ein wenig frickeliger, all das gibt es auf „Remedy Lane“ zu hören, wobei niemals auch nur ansatzweise Langeweile aufkommt.

Die Höhepunkte sind dementsprechend breit gesät. Ausfälle gibt es übrigens keine auf der Scheibe zu beklagen, auch wenn solch ein fast schon durchgängig mit „lieblich“ zu umschreibender und zum Teil etwas nach Mittelalter klingender Instrumental-Track wie „Dryad Of The Woods“ im musikalischen Universum von Pain Of Salvation etwas seltsam klingt. Die andere Instrumental-Nummer und gleichzeitig der Titeltrack „Remedy Lane“ klingt dafür etwas synthetisch. Andererseits bereichert es natürlich auch den Gesamteindruck, den diese Platte hinterlässt. Im „ersten Kapitel“ des Albums überzeugen vor allen Dingen die beiden Lieder „Fandango“ und „A Trace Of Blood“. In Chapter II ist es der mitreißende Titel „Rope Ends“ und schließlich im Kapitel III das Lied „Waking Every God“. Jede Menge guter Musik also, die lohnt entdeckt zu werden, wenn man dem Progressive Metal etwas abzugewinnen weiß.

Fazit: Ein sehr abwechslungsreiches Album ist den Schweden von Pain Of Salvation mit ihrem vierten Studio-Album „Remedy Lane“ gelungen. Progressive Metal in seiner interessanteren Ausführung mit vielen Wendungen und Überraschungen. Die Lieder wirken und gehen ins Ohr, wenn auch nicht gleich beim ersten Mal des Hörens. Die Platte stellt somit eine schöne Erweiterung des Lied-Katalogs der Schweden dar und dürfte den Fans sehr gefallen. Zehn Punkte.

Anspieltipps: Fandango, A Trace Of Blood, Rope Ends, Waking Every God

Fox And Bones – Better Land

Fox And Bones – Better Land


Besetzung (keine weiteren Instrumentenangaben):

Sarah Vitort
Scott Gilmore


Gastmusiker (keine weiteren Instrumentenangaben):

Joe Intile,
Joey Harmon
Peter Marcott
Todd Gee
Jeramy Burchett
Morgan Quinn
John Kim
Amy akansson
Everett Carlson
Saeeda Wright
Arietta Ward
Alonzo Chadwick
Phinizea Chadwick
Matt Greco
Nathan Alef
Milo Fultz
Dominick Lukas Schmidt


Erscheinungsdatum: 2018


Stil: Folk, Pop, Country


Trackliste:

1. Little Animal (3:32)
2. Love Me Like A River (3:29)
3. Roots (3:40)
4. Roads (3:44)
5. Reckless (4:17)
6. Tricky Love (1:57)
7. Better Land (3:59)
8. Strange (4:32)
9. Pin Up (3:56)
10. Any Of It With You (3:043)
11. Welcome Home (3:29)

Gesamtspieldauer: 39:44

Fox And Bones, das sind Sarah Vitort und Scott Gilmore aus Portland, Oregon, USA, die mit „Better Land“ am 19. Oktober 2018 ihr zweites Studioalbum veröffentlichten. Auf diesem hört man eine Mischung aus Folk, Pop und auch Country-Anleihen, welche ziemlich schnell, zum großen Teil sogar bereits beim ersten Mal des Hörens ins Ohr geht und auch dort längerfristig nachhallt.

Es sind die Melodien, die bei den Liedern von Fox And Bones im Zentrum stehen. Diese beseelen die Lieder mit tiefen Emotionen, welche zwischen einer gewissen Fröhlichkeit und einer unüberhörbaren Sehnsucht hin- und herpendeln. Musik, die wirkt und der man sich kaum entziehen kann. Hier lohnt es sich in die Lieder fallen zu lassen, die Augen zu schließen und einfach zu genießen. Den Gesang teilen sich Sarah Vitort und Scott Gilmore, wodurch weitere Spannung aufgebaut wird und „Better Land“ noch abwechslungsreicher aus den Boxen erklingt.

Man kann „Better Land“ durchhören, ohne dabei die Fernbedienung in den Händen halten zu müssen. Es gibt keine Ausfälle auf diesem Album, auf dem sich elf Titel befinden, die wirken und unterhalten. Meine persönlichen Favoriten sind dabei die Lieder „Love Me Like A River“, „Roots“ und „Welcome Home“. „Love Me Like A River“ ist das rockigste Lied auf „Better Land“, geht wunderschön in die Füße, da muss man einfach mitwippen. „Roots“ ist dagegen eine sanfte Ballade mit ein wenig Ohrwurmcharakter. Der letzte Titel des Albums schließlich, „Welcome Home“, klingt wunderschön sehnsüchtig bis melancholisch. Allen drei Nummern ist dabei diese bereits erwähnte Eingängigkeit gemein, die die Hörerin und den Hörer einfach mitnimmt.

Fazit: Ein schönes, zumeist sanftes Album ist „Better Land“ des Duos Fox And Bones geworden. Musik, die sich zum größten Teil im Genre des Folk bewegt, allerdings auch Einflüsse des Pop und Rock zulässt und zudem an mancher Stelle das Genre des Country ganz leicht streift. Die Melodien stehen im Vordergrund auf „Better Land“ und das macht diese Scheibe für alle sehr hörenswert, die auf Eingängigkeit stehen. Neun Punkte.

Anspieltipps: Love Me Like A River, Roots, Welcome Home

Neon Saturdays – Freaks In The Ocean

Neon Saturdays – Freaks In The Ocean


Besetzung:

Andrew – lead vocals 
Edwin – lead guitar, backing vocals 
Martin – bass, backing vocals 
Lynard – drums


Label: Solid Sounds


Erscheinungsdatum: 2018


Stil: Pop


Trackliste:

1. Phoenix (3:25)
2. Turn Back Time (3:45)
3. Since 17 (3:57)
4. Heartbeat (3:17)
5. Restless (3:05)
6. I‘m Alive (3:50)
7. Lessons Never Learned (3:51)
8. Gravity (3:40)
9. Movie Love (3:32)
10. Shadow My Love (2:46)
11. Get Up (3:27)

Bonus Track:

12. I Don‘t Mind (4:29)

Gesamtspieldauer: 43:09

Die Neon Saturdays sind eine Band aus Sigulda, einer Kleinstadt nahe Riga in Lettland, die im Jahr 2012 gegründet wurde. Mit dem Album „Freaks In The Ocean“ erschien am 9. November 2018 bereits das zweite Album der vier Musiker, nach dem selbstbetitelten Debut im März des Jahres 2014.

Auf „Freaks In The Ocean“ hört man überaus eingängigen Pop, der nur wenige Takte benötigt, um ins Ohr zu gehen. Eingängige poppige Melodien, gepaart mit Rhythmen, die zum Mitwippen animieren und die einzelnen Lieder dadurch auch tanzbar werden lassen. Auf dem Album hört man zwölf Titel, die leicht und locker klingen, dabei ununterbrochen gute Laune verbreiten. Die Länge der einzelnen Lieder weist schon darauf hin, dass es sich bei der Musik der Neon Saturdays um durchweg radiotaugliche Nummern handelt, die zu jeder Zeit und Tätigkeit gehört werden können. Kompliziert oder vertrackt klingt dabei nichts, alles ist auf die schnelle Eingängigkeit hin produziert.

Besonders gelungen klingen die sanfte und melodische Ballade „Lessons Never Learned“, die so wunderschön sehnsüchtig klingt. Auch das folgende Stück „Gravity“, ein Pop-Titel mit Ohrwurmcharakter, der sich wahrlich sehr schnell festsetzt, weiß zu überzeugen und zu gefallen. Weiter zu nennen wären an dieser Stelle das fröhliche „Get Up“, welches zum Mitsingen animiert, sowie der Bonus Track des Albums, „I Don‘t Mind“, ebenfalls eine sehr eingängige Nummer, die mit dem ersten Mal des Hörens wirkt.

Fazit: Die Neon Saturdays erfinden auf ihrem zweiten Album „Freaks In The Ocean“ die Musik bestimmt nicht neu, aber das wollen die Musiker ganz sicher auch nicht. Sie möchten unterhalten mit ihrer Musik und das gelingt den Neon Saturdays mit ihren zwölf Titeln des Albums, die allesamt klingen und wirken. Würde die Band aus den USA oder Großbritannien kommen, hätte man bestimmt schon mehr von ihnen gehört. Acht Punkte.

Anspieltipps: Lessons Never Learned, Gravity, Get Up, I Don‘t Mind