Pink Floyd – A Saucerful Of Secrets

Pink Floyd – A Saucerful Of Secrets


Besetzung:

David Gilmour –guitar, vocals
Nick Mason – drums
Richard Wright – organ, piano, vocals
Roger Waters – bass guitar, vocals


Gastmusiker:

Syd Barrett – guitar, vocals (Jugband Blues)


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1968 / 1994 / 2011


Stil: Psychedelic Rock


Trackliste:

1. Let There Be More Light (5:39)
2. Remember A Day (4:33)
3. Set The Controls For The Heart Of The Sun (5:27)
4. Corporal Clegg (4:12)
5. A Saucerful Of Secrets (12:00)
6. See-Saw (4:37)
7. Jugband Blues (3:00)

Auf ihrem zweiten Album, “A Sauercerful Of Secrets“, aus dem Jahr 1968, haben die vier Musiker von Pink Floyd den nächsten Schritt getan. Gab es auf dem Erstlingswerk „The Piper At The Gates Of Dawn“ auch noch eine ganze Menge 60er Jahre Pop zu hören, so tritt dieser, auf dem zweiten Album Pink Floyds, doch deutlicher in den Hintergrund. Alles klingt hier noch ein wenig psychedelischer, experimentierfreudiger und dabei immer wieder, wenn auch nicht durchgängig, eingängig.

Aber es hatte sich natürlich auch eine ganze Menge in der Band getan. Syd Barrett, der sich auf dem Debut noch als Hauptideengeber Pink Floyds auszeichnete, hatte die Band verlassen, beziehungsweise war gegangen worden. An seine Stelle trat nun David Gilmour an der Gitarre. Mit einem Lied, nämlich dem letzten der Platte, ist Syd Barrett allerdings auch noch auf diesem Album verewigt. „Jugband Blues“ heißt sein Beitrag, der mit drei Minuten Laufzeit das kürzeste Stück der Platte darstellt und ganz in der Tradition von „The Piper At The Gatres Of Dawn“ steht. Denn diese Nummer hätte vom Stil her durchaus auch auf dem ersten Album der Band seinen Platz finden können. Bis etwa zur Mitte des Stücks ist das Lied eine Pop-Nummer der 60er Jahre, die dann kurz nach der Hälfte ein wenig experimentell wird, um dann gegen Ende in einen sehr sphärischen und melodiösen Teil überzugehen.

Von den restlichen sechs Titeln stammen drei aus der Feder Roger Waters, zwei von Rick Wright und beim Titelstück, „A Saucerful Of Secrets“, zeichnen sich alle vier Musiker als Co-Komponisten aus. Eröffnet wird das Album mit „Let There Be More Light“ von Roger Waters. Der Beginn des Stücks klingt genau so, wie man es von einem Stück erwartet, dass dem Genre „Psychedelic Rock“ zugeordnet werden soll: Ein wenig schräg und sphärisch. Dann geht die Nummer allerdings in einen sehr harmonischen und melodiösen Teil über, der vor allen dadurch länger hängenbleibt, weil Roger Waters den Gesang während der Strophe sehr abgehackt intoniert. Es folgt mit „Remember A Day“ von Rick Wright ein wunderschön melodiöser Titel, der von einer harmonischen Pianomelodie getragen wird, in die immer wieder ungewohnte, fast schon weinende Gitarrenklänge, sowie diverse „Geräusche aus dem Mund Roger Waters“ eingestreut werden. Ein richtig schönes Stück.

Dann folgt mit „Set The Controls For The Heart Of The Sun“ wieder eine Nummer von Roger Waters. Die Stimmung dieses Stücks ist auf irgendeine Art und Weise mystisch. Alles klingt ein wenig unheimlich und eine Melodieführung ist nur am Rande vorhanden. Bei diesem Track geht es um die Atmosphäre und sonst nichts. Und das schafft das Lied auch, Atmosphäre zu schaffen. Eine tief dunkle, ja, mystische Stimmung – und daran können auch die Möwen nichts ändern, die gegen Ende des Liedes immer wieder zu hören sind. Das nächste Stück stammt ebenfalls von Roger Waters und „Corporal Clegg“ heißt es. Die Nummer besteht aus mehreren Teilen. Einem, der ein wenig härter klingt, einem, der an die Beatles erinnert und einem dritten, der Assoziationen an einen Zirkus oder Jahrmarkt aufkommen lässt. Eine nette Spielerei.

Schließlich gibt es den Titeltrack zu hören, der mit seinen zwölf Minuten Laufzeit auch gleichzeitig das längste Lied der Platte darstellt. Und auch hier gibt es eine Dreiteilung. Ganz langsam fängt es an zu brummen, dazu gesellen sich diverse Geräusche und eine nicht sehr melodiöse Synthesizer-Melodie. Und es wird immer atonaler, abgefahrener, wirrer, lauter und kakophonischer. Nach genau einem Drittel des Liedes ist damit aber abrupt Schluss und jetzt kann Nick Mason sein Können am Schlagzeug zeigen. Dieses wird allerdings ziemlich schnell wieder in den Hintergrund gedrängt und es geht genauso schräg und nervenzerreißend weiter, wie es bereits im ersten Teil zu hören war. Und aus all diesem erwächst dann nach sieben Minuten ein Donnergrollen, welches schließlich in ganz andere, absolut liebliche Töne mündet. Größer kann der Kontrast der Musik in einem einzigen Stück wahrlich nicht mehr sein. Aus einem Gewühl von Tönen und Eindrücken erwächst eine ganz ruhige, harmonische und melodiöse Orgelmelodie, die schließlich noch von einem Chor unterstützt wird. Auf zwölf Minuten haben Pink Floyd hier Himmel und Hölle erschaffen. Das ist „Psychedelic Rock“!

Bevor das Album durch das bereits erwähnte Stück „Jugband Blues“ beschlossen wird, gibt es allerdings noch den zweiten Titel von Richard Wright zu hören. „See-Saw“ heißt dieser, ist eine nette, etwas schwebende und eingängige Nummer, die allerdings nicht an seinen ersten Beitrag „Remenber A Day“ heranreicht.

Fazit: “A Saucerful Of Secrets” geht noch einen Schritt weiter in die Richtung “Psychedelic Rock”. Und auch wenn es für viele Fans die Katastrophe schlechthin war, das Syd Barrett Pink Floyd verlassen hatte, so wirkt es hier doch so, zumindest beim Hören seines Stückes auf dem Album, dass er seinen Zenit, warum auch immer, als Songschreiber bereits überschritten hatte. Bestätigt wurde dieser Eindruck auch durch seine zwei folgenden Soloalben. Doch das ist ein anderes Thema. Was bleibt ist eine spannende Platte, die sehr viele Stimmungen bereithält, von denen man sich immer wieder überraschen lassen kann. Interessant, spannend und elf Punkte wert.

Anspieltipps: Let There Be More Light, Remember A Day, A Saucerful Of Secrets

Bernd Kistenmacher - Antimatter

Bernd Kistenmacher - Antimatter

Beim klangvollen Namen Adalbert von Deyen kann man sich gut und gerne verquastete und auch verwegene elektronische Musik vorstellen. Irgendwie hat der Klang dieses Namens schon was. Aber ja, ein Musiker mit Namen Klaus Schulze würde schon alleine deshalb bei DSDS durchfallen, ganz zu schweigen davon, dass solche Banausen in dieser Jury eine klangliche Überwelt eines KS gar nicht erfassen könnten.

Und nun liegt da die Platte “Antimatter” von Bernd Kistenmacher vor mir. Ein Name, der auch auf dem Klingelschild im Nachbarhaus meiner Eltern stehen könnte. “Guten Morgen Herr Kistenmacher”. Ok, genug abgeschweift. “Antimatter” ist ein brillantes, phänomenales, phantastisches, geniales, einzigartiges Meisterwerk. Ich könnte noch weiter ausholen, aber ich glaube, der werte Leser dieser Zeilen versteht, was ich meine. Ja, es ist eine Aufforderung, sich diese Platte zu besorgen, sich hinzusetzen und ganz konzentriert und bei allen Sinnen diesem Album zu lauschen. Es eröffnet sich eine wunderbare Klangreise in die sphärischen elektronischen Musikwelten.

“Antimatter” ist der letze Part einer Trilogie, die Kistenmacher selbst “Trilogy of the Universe” nennt. Am Anfang stand “Celestial Movements”, danach folgte “Beyond the deep” und nun zum Abschluß “Antimatter”. Ich weiß nicht, was es ist, dass aus Deutschland immer wieder einzigartige elektronische Musiker kommen, die einen in andere Klangwelten ziehen. Bernd Kistenmacher schafft das, er eröffnet einem ein Soundbuch, Seite für Seite, Song für Song werden Geschichten erzählt, die einen als Hörer tiefer in diese gewaltigen Klanglandschaften ziehen. “Antimatter” wurde vor kurzem veröffentlicht, ein wirklich phänomenales Album für jeden, der von Musik nicht nur bedüdelt werden will.

Eels – Daisies Of The Galaxy

Eels – Daisies Of The Galaxy


Besetzung:

Marc Oliver Everett – vocals, all instruments
Jonathan “Butch” Norton – drums, vocals


Gastmusiker:

Peter Buck – guitar
Grant Lee Philips – guitar
Jim Lang – strings
Wayne Bergeron – horn
Andy Martin – horn
Chris Bleth – horn


Label: Universal Music Group / Interscope Records


Erscheinungsdatum: 2000


Stil: ArtPop


Trackliste:

1. Grace Kelly Blues (3:38)
2. Packing Blankets (2:08)
3. The Sound Of Fear (3:33)
4. I Like Birds (2:36)
5. Daisies Of The Galaxy (3:27)
6. Flyswatter (3:21)
7. It's A Motherfucker (2:15)
8. Estate Sale (1:36)
9. Tiger In My Tank (3:07)
10. A Daisy Through Concrete (2:26)
11. Jeannie's Diary (3:38)
12. Wooden Nickles ( 2:55)
13. Something Is Sacred (2:52)
14. Selective Memory (2:45)
15. Mr. E's Beautiful Blues (3:59)

Gesamtspieldauer: 44:17

“Daisies Of The Galaxy” von den Eels, also von Marc Oliver Everett, beginnt mit einer Trauerkapelle, mit der das Lied “Grace Kelly Blues” eingeleitet wird. Und das Album endet mit dem Titel “Mr. E's Beautiful Blues“, dessen letzte Worte heißen: „God damn right, it’s a beautiful day“. Diese beiden Eckpunkte zeigen schon sehr gut die Stimmung dieses Albums auf. War die Vorgänger-Platte, „Electro-Shoc Blues“, noch tieftraurig, so wird mit dieser Gefühlslage auch in das dritte Album der Band eingeführt. Die Stimmung „bessert“ sich auf „Daisies Of The Galaxy“ jedoch deutlich, bis der Hörer schließlich mit diesen letzten Worten „…it’s a beautiful day“ aus der Platte entlassen wird.

Und was passiert zwischen diesen beiden Polen? Da bekommt der Hörer erstklassige Musik zu hören. Völlig unaufgeregte Musik, meist leise Stücke, die praktisch durch die Bank weg wunderschön melodisch und harmonisch klingen, ohne dabei in irgendeiner Art und Weise anbiedernd zu sein. Das gilt für den Opener „Grace Kelly Blues“, bei dem die Hörner und eine Slide-Gitarre eine wunderschöne Atmosphäre schaffen. Das setzt sich im nächsten Titel, „Packing Blankets“, fort, der so angenehm beschwingt wirkt. Und das gilt auch für den Titel „I Like Birds“, eine Nummer, die Marc Oliver Everett für seine verstorbene Mutter geschrieben hat, da diese es so liebte, Vögel zu beobachten. Toll bei diesem Lied der Hintergrundchor und diese Variationen bei der Textzeile „I like birds“.

„Flyswatter“ ist ein Lied, welches mit einem Spieluhrsound eingeleitet wird. Und auch hier stehen wieder die Harmonien im Vordergrund, obwohl es in diesem Strück immer wieder auch leicht schräge Töne zu hören gibt. Wirklich klasse durchdacht und umgesetzt. Und noch jede Menge andere tolle Songs gibt es zu entdecken. Stellvertretend seien hier genannt: „A Daisy Through Concrete“, „Jeannie’s Diary“ und „Wooden Nickels“. Alles unaufdringliche Nummern, die mit ihren Melodien und Arrangements punkten können. Und dabei stellen diese Titel sämtlich keine Einheitsware dar. „A Daisy Through Concrete“ klingt fröhlich beschwingt, „Jeannie’s Diary“ traurig und ein wenig nachdenklich und schließlich „Wodden Nickels“ so herrlich schwebend, symphonisch und sentimental.

Und auch all die anderen Songs, die hier jetzt nicht explizit mit dem Titel erwähnt wurden, haben etwas. Auch sie strahlen alle auf irgendeine Art und Weise eine Stimmung aus, die fesselnd, bewegend, nachdenklich machend oder erheiternd sein kann. Alles, eben nur nicht langweilig.

Fazit: Ein schönes Album ist Mark Oliver Everett, alias „The Eels“ oder nur kurz „E“ da gelungen. 15 Titel sind auf der Platte versammelt, 15 Nummern, die alle etwas haben, die alle auf ihre Art und Weise gefallen können. Die Stimmung auf diesem dritten Album der „Eels“, aus dem Jahr 2000, ist dabei deutlich fröhlicher, als noch auf dem Vorgänger. Der Eindringlichkeit der Stücke macht dies allerdings keinen Abbruch. „Daisies Of The Galaxy“ ist kein anstrengendes Album und auch keine „aufgeregte“ Platte. Vielmehr ist hier meist ruhige und zurückhaltende Musik zu hören, die fast immer sehr melodisch ist und den Hörer einfängt. Dafür gibt es elf Punkte.

Anspieltipps: Grace Kelly Blues, Packing Blankets, I Like Birds, Flyswatter, A Daisy Through Concrete, Mr. E's Beautiful Blues

Porcupine Tree – Lightbulb Sun

Porcupine Tree – Lightbulb Sun


Besetzung:

Steven Wilson – vocals, guitar, samples
Richard Barbieri – keyboards
Colin Edwin – bass guitar
Chris Maitland – drums and percussion


Label: Snapper Music


Erscheinungsdatum: 2000 (Re-Release 2008 mit Audio DVD 5.1 Mix)


Stil: Progressive Rock


Trackliste:

CD:

1. Lightbulb Sun (5:32)
2. How Is Your Life Today? (2:47)
3. Four Chords That Made A Million (3:37)
4. Shesmovedon (5:14)
5. Last Chance To Evacuate Planet Earth Before It Is Recycled (4:50)
6. The Rest Will Flow (3:18)
7. Hatesong (8:30)
8. Where We Would Be (4:13)
9. Russia On Ice (13:06)
10. Feel So Low (5:23)

DVD:

1. Disappear (5.1 mix) (3:40)
2. Buying New Soul (5.1 mix) (10:26)
3. Cure For Optimism (5.1 mix) (6:36)
Sowie alle Titel der CD im Stereo Album Mix

Pünktlich zum neuen Jahrtausend legen Porcupine Tree eine geniale Scheibe vor. „Lightbulb Sun“ heißt das Werk, welches vor Abwechslungsreichtum, Komplexität, tollen Melodien und überraschenden Einfällen nur so strotzt.

Auf „Lightbulb Sun“ gibt es so wundervolle Stücke wie „How Is Your Life Today?” oder „Feel So Low“ zu hören. Unglaublich schöne Melodien erschließen sich hier dem Hörer, die durch den mehrstimmigen Gesang in ihren Harmonien und ihrer Melodiösität noch aufgewertet werden. Alles wirkt so einschmeichelnd und ein wenig traurig, ohne dabei auch nur einen Hauch in Richtung Kitsch abzudriften. Ein weiteres Beispiel für die gelungenen Kompositionen auf „Lightbulb Sun“ ist das Stück „Shesmovedon“. Obwohl diese Nummer ebenfalls meist ziemlich ruhig gehalten ist, so lebt sie doch vom perfekten Zusammenspiel der Rhythmusfraktion mit Colin Edwin und Chris Maitland. Und auch hier erneut der Gesang – einfach richtig gut umgesetzt.

Dann gibt es auf dem Album so einen Titel wie „Last Chance To Evacuate Planet Earth Before It Is Recycled”. Bei dem Lied, mit dem sperrigen Namen, dominiert zunächst die Akustikgitarre, bis es dann richtig sphärisch und schwebend wird. Hier stimmt erneut die Atmosphäre und kann den Hörer mitnehmen. Oder aber so ein Stück wie „Hatesong“, sehr komplex, auch mal mit härteren Gitarren, bei dem Chris Maitland sich wunderbar am Schlagzeug einbringen kann und für die richtige und treibende Stimmung sorgt.

Und dann gibt es da natürlich noch den Höhepunkt des Albums: „Russia On Ice“. Mehrere Teile beinhaltet dieser 13 Minuten und 6 Sekunden lange Song. Das Lied beginnt mit Keyboard Geklimper und wird anschließend immer weiter gesteigert. Dafür zeichnet sich zunächst der Gesang aus, der in einem genialen Refrain seinen Höhepunkt findet. Daraufhin folgt ein härterer Teil, der ziemlich abgefahren klingt und sich nicht gleich beim ersten Hören erschließt. Und am Ende wird es wieder sphärisch, man hört Glockenläuten und alles ist von einem breiten Keyboardklangteppich unterlegt.

Und auch die restlichen Stücke auf „Lightbulb Sun“ haben dieses gewisse „Etwas“. Die Fähigkeit, Musik zu einem Teil des Lebens zu machen, auf den man einfach nicht mehr verzichten möchte. Schöne Musik eben, die es lohnt gehört zu werden.

Inzwischen gibt es auch eine Ausgabe mit zusätzlicher DVD. Darauf enthalten nochmals alle Lieder des Albums im Stereo Master Mix. Dazu gibt es zahlreiche Bilder der Band, sowie alle Texte der einzelnen Nummern. Und schließlich enthältt die DVD noch drei Bonustücke, „Disappear“, „Buying New Soul“ und „Cure For Optimism“, die im 5.1 Surround Sound abgemischt wurden.

Fazit: Das Album beinhaltet keine Schwächen, dafür jedoch jede Menge Höhepunkte. Hier wird keine Musik geboten, die man im Radio hören kann. Hier wird Musik geboten die oftmals „ergreifend“ ist, die berühren kann, die einen packt und mitreißt. Großes Kino und bereits jetzt ein Klassiker. Für dieses Album vergebe ich 13 Punkte.

Anspieltipps: How Is Your Life Today?, Shesmovedon, Last Chance To Evacuate Planet Earth Before It Is Recycled, Russia On Ice, Feel So Low

Deep Purple – In Rock

Deep Purple – In Rock


Besetzung:

Ian Gillan – vocals
Ritchie Blackmore – guitar
Jon Lord – organ
Roger Glover – bass
Ian Paice – drums


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1970 / 1995


Stil: Hard Rock


Trackliste:

1. Speed King (5:53)
2. Bloodsucker (4:13)
3. Child In Time (10:18)
4. Flight Of The Rat (7:55)
5. Into The Fire (3:29)
6. Living Wreck (4:32)
7. Hard Lovin' Man (7:11)
8. Black Night (Single Version) (3:28)


Bonus Tracks:

9. Studio Chat 1 (0:34)
10. Speed King (Piano Version) (4:16)
11. Studio Chat 2 (0:27)
12. Cry Free (Roger Glover Remix) (3:22)
13. Studio Chat 3 (0:06)
14. Jam Stew (Unreleased Instrumental) (2:32)
15. Studio Chat 4 (0:41)
16. Flight Of The Rat (Roger Glover Remix) (7:55)
17. Studio Chat 5 (0:32)
18. Speed King (Roger Glover Remix) (5:53)
19. Studio Chat 6 (0:24)
20. Black Night (Roger Glover Remix) (4:48)

Hört man sich beide Platten hintereinander an, damit meine ich die dritte Veröffentlichung von Deep Purple mit dem Namen „Deep Purple“, sowie das vierte Album, „In Rock“, welches zeitlich gesehen nur ein Jahr später erschien, so ist es fast nicht zu glauben, dass es sich dabei um dieselbe Band handeln soll. Klar, es hatte zwei Wechsel gegeben. Ritchie Blackmore vor allem, wollte “härtere“ Musik machen und dazu schien der Band die Mitgliedschaft von Nick Simper und Rod Evans nicht geeignet. Und so wurden die beiden Musiker kurzerhand durch Roger Glover am Bass und Ian Gillan beim Gesang ersetzt. Aber trotzdem, solch ein Stilwechsel! Wahnsinn, so etwas hat kaum eine andere Band zustande gebracht.

Und ganz klar, „Deep Purple In Rock“ ist ein Meisterwerk. Denn mit ihm wurde das Genre „Hard Rock“ mitbegründet. So kompromisslos hatte bisher noch keine andere Band losgerockt. Solch einen schnellen Sound gab es so durchgängig bisher noch von keiner anderen Musikformation zu hören. Und somit ist „In Rock“ von Deep Purple wahrlich ein Meilenstein in der Geschichte der Rock-Musik.

Und von der Musik her? Jetzt wird es deutlich schwieriger, beziehungsweise differenzierter. Auf dem Album befindet sich „Child In Time“! Ein absoluter Übersong. Ein, ganz ohne Zweifel, 15 Punkte Lied. Diese Orgelmelodie, dieser zunächst so zurückhaltende Sound, dieser zunächst leise, fast schon schwebende Gesang. All das wird im Verlauf des Stücks mehr und mehr über Bord geworfen. Mit jedem Takt gewinnt der Song an Kraft, um sich zu steigern, weiter und immer weiter. Und schließlich explodiert fast alles. Die Musik, der Rhythmus, der Gesang. Dann kommt dieser Part mit dem Gitarrensolo. Ritchie Blackmore entlockt hier seinem Instrument die Töne in einer Geschwindigkeit, die bis dato kaum von anderen Bands beziehungsweise Gitarristen zu hören waren. Einfach mitreißend. Und wieder geht es einen Schritt zurück, in den ersten, ruhigen Teil des Stücks. Erneut steigert sich die Nummer dann allerdings in bis dahin noch nie gehörte Dimensionen. Ian Gillan singt, nein er schreit, nein, er fleht in einer Art und Weise, die vorher und nachher ihresgleichen sucht, jedoch nie finden wird. „Child In Time“ ist eine Hard Rock Symphonie von allererster Qualität, die im Grunde genommen nicht übertroffen werden kann. Das Lied hätte 15 Punkte verdient, wenn man nur einzelne Lieder bewerten würde.

Aber da gibt es ja noch jede Menge andere Stücke auf der Platte. Und die sind auch nicht schlecht – aber sie sind allerdings auch nichts Besonderes. Sie sind musikalischer Durchschnitt. Die Lieder krachen und treiben und explodieren zum Teil. Und darin liegt auch das Besondere der Stücke: Hier wird durchweg Hard Rock zelebriert und dies, in dieser Konsequenz und auf diese Weise, zum ersten Mal in der Geschichte der Rockmusik. Dadurch wird eine Atmosphäre geschaffen, von der das ganze Album lebt. Das macht den Stellenwert dieses Albums aus. Musikalisch gesehen gibt es allerdings sehr viel bessere Hard Rock Stücke, nicht nur von Deep Purple, auch von anderen Bands. Ausnahme das schon erwähnte „Child In Time“. Und musikalisch interessanter, abwechslungsreicher und packender war insgesamt das Vorgängeralbum. Der Ehrlichkeit halber muss man hier allerdings auch anführen, dass genau dieses Vorgängeralbum bei vielen Deep Purple Fans als eines der schlechteren in der Discographie der Band angesehen, wohingegen „In Rock“ als der Meilenstein gehandelt wird. Liegt wohl mit an der Frage, die man sich bezüglich „In Rock“ unbedingt stellen sollte: Nähert man sich diesem Album eher vom Rock oder vom Prog?

Auf der remasteten Version von 1995 befinden sich auch noch einige Bonus Tracks. Diese fallen gegenüber den anderen Tracks des Albums nicht ab, ausgenommen natürlich gegenüber „Child In Time“. Dazu gibt es immer wieder Studiogesprächseinblendungen mit kleinen musikalischen Einlagen. Ein nettes Gimmick. Mehr allerdings auch nicht, da diese immer nur wenige Sekunden lang dauern.

Fazit: Ein Meilenstein ist Deep Purples „In Rock“ auf jeden Fall durch die Art der Musik, die hier dem Hörer dargeboten wird: Hard Rock pur. Das gab es 1970 so noch nicht. Und dann ist da auch noch dieser Titel, „Child In Time“, der so unglaublich begeistern kann und einen absoluten Höhepunkt im Schaffen der Band darstellt. Musikalisch gesehen ist der Rest der Titel allerdings nur Durchschnitt. Auf anderen Platten der Band gibt es bessere Rock-Stücke und auch Ritchie Blackmore’s Rainbow kann da mit noch tolleren Kompositionen aufwarten. Somit: Meilenstein in Bezug auf „Child In Time“ und der Innovation der Musik: Klares „Ja“! In Bezug auf die Musikalität der restlichen Stücke: Nein! Die sind lediglich Durchschnitt. Und somit würde das Album von seinem Stellenwert her hier fünfzehn Punkte verdienen. Ich bewerte allerdings nur die Musik und somit komme ich auf zehn Punkte.

Anspieltipps: Child In Time

John Cale – The Academy In Peril

John Cale – The Academy In Peril


Besetzung:

John Cale – piano


Gastmusiker:

Royal Philharmonic Orchestra – alle weiteren Instrumente
Ron Wood – bass, guitar
Legs Larry Smith – percussion


Erscheinungsjahr: 1972


Stil: Minimalismus Rock


Label: Edsel Records


Trackliste:

1. The Philosopher(4:33)
2. Brahms (6:26)
3. Legs Larry At Television Centre (3:40)
4. The Academy In Peril (6:57)
5. Intro / Days Of Steam (3:01)
6. Three Orchestral Pieces (8:45)
....a. Faust
....b. The Balance
....c. Captain Morgan’s Lament
7. King Harry (4:13)
8. John Milton (8:00)

Ein Jahr vor der endgültigen Auflösung von Velvet Underground, brachte John Cale 1972 mit „The Academy In Peril“ sein drittes Solowerk heraus, für dessen Covergestaltung sich Andy Warhol verantwortlich zeigte. Musikalisch zur Seite standen John Cale dabei Ron Wood von den Stones, Legs Larry Smith von der Bonzo Dog Doo-Dah Band, sowie das Royal Symphonic Orchestra aus London.

Die Musik auf dem Album ist sehr, sehr ruhig geraten und kann fast schon als minimalistisch bezeichnet werden. Oftmals wirkt es eher wie die Hintergrundmusik aus einem Spielfilm. Das erste Stück, „The Philosopher“ ist dabei gleich jenes, mit dem meisten „Drive“, denn zu oft mussten sich weder Ron Wood noch Legs Larry Smith an der Instrumentierung beteiligen, aber hier durften sie mal. Das Lied klingt schräg und weiß auf seine Art zu gefallen, da hier immerhin mal etwas „passiert“.

Weiter geht es mit „Brahms“, einem reinen Instrumentalstück, welches aus einem Pianosolo besteht. Hier zeichnet es sich bereits ab, wie es auf den restlichen Liedern weitergehen soll: Ruhig und getragen. Ganz nett dann noch „Legs Larry At Television Center“. Cello, Bratsche und Violine kommen zum Einsatz und man hört Legs Larry, wie er Regieanweisungen von sich gibt. Diese allerdings nicht gesungen, sondern gesprochen.

Das Titelstück „The Academy In Peril“ ist anschließend, wie die Nummer “Brahms”, ein Pianosolo von John Cale. Es folgen „Intro“ und „Days Of Steam“, wobei Letzteres durchaus als das Highlight des gesamten Albums bezeichnet werden kann. Denn hier findet sich zumindest eine Melodie. „Three Orchestral Pieces“ sind dann drei, nur aus Streichern bestehende Stücke, die schwerlich voneinander zu unterscheiden sind.

„King Harry“ startet mit Gewittergrollen, dann setzen Bläser ein und schließlich hört man King Harry diabolisch lachen. Anschließend flüstert dieser König beschwörend fast sinnfreie Wörter ins Mikro. Bleibt zum Schluss noch der Song „John Milton“, der acht Minuten, zumeist auch wieder sehr ruhig, aus den Boxen wabert. Aber immerhin ist darin eine gewisse Steigerung enthalten, die einem anzeigt: Hey, das Lied geht weiter!

Fazit: Ein minimalistisches Album, was nicht unbedingt nur zu ruhig, sondern manchmal auch einfach zu langweilig geraten ist. Man muss sich sehr darauf einlassen können, vielleicht lässt sich dem Ganzen so noch ein wenig mehr abgewinnen. Alles klingt ein wenig nach Soundtrack und so überrascht es überhaupt nicht, dass es das Lied „Days Of Steam“ sogar wirklich in die Filmmusik zum Andy Warhol Streifen „Heat“ geschafft hat. Und dieses Lied bildet wirklich eine Ausnahme, denn die anderen Nummern sind eher vergleichbar mit Filmmusiken in nicht besonders interessanten Szenen. So bleiben fünf Punkte für diesen hörbaren, jedoch nicht immer überzeugenden Minimalismus.

Anspieltipps: The Philosopher, Days Of Steam, John Milton

Incubus – Morning View

Incubus – Morning View


Besetzung:

Brandon Boyd – vocals, guitar, percussion
Michael Einziger – guitar, vocals
DJ Kilmore – keyboards
Dirk Lance – bass, vocals
Jose Pasillas II – drums, percussion


Gastmusiker:

Joel Derouin, Mario De Leon, Peter Kent, Gerry Hilera, David Stenske, Eve Butler – violin
Evan Wilson, Karie Prescott – viola
Larry Corbett, Dan Smith – cello
Jon Clarke – woodwinds
Dawn Beckman, Stephanie Alexander – background vocals on “Are You In?”


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 2001


Stil: Rock


Trackliste:

1. Nice To Know You (4:43)
2. Circles (4:09)
3. I Wish You Were Here (3:35)
4. Just A Phase (5:31)
5. 11am (4:14)
6. Blood On The Ground (4:35)
7. Mexico (4:21)
8. Warning (4:41)
9. Echo (3:34)
10. Have You Ever (3:15)
11. Are You In? (4:24)
12. Under My Umbrella (3:32)
13. Aqueous Transmission (7:47)

„Morning View“ aus dem Jahr 2001, ist das vierte Album der kalifornischen Rockband Incubus. Dreizehn Stücke haben sie dieses Mal auf die CD gepackt und das, was auf „Morning View“ vorherrscht, das ist die Abwechslung. Auf dem Album gibt es „harte“ Stücke zu hören, genauso wie die ruhigeren und verträumteren Nummern.

Eröffnet wird die Platte mit einem der wohl bekanntesten Stücke der US-Amerikaner. „Nice To Know You“ kracht nach dreißig Sekunden sphärischen Vorgeplänkels so richtig los, sodass jeder Hard Rock Fan seine Freude haben dürfte. Aber das Lied knallt nicht durchgehend, sondern weiß auch mit melodischen und ruhigeren Parts aufzuwarten. „Circles“ greift die härtere Stimmung dann erneut auf und zieht diese, mit Ausnahme einer kurzen Sequenz, das ganze Lied über durch. „Wish You Were Here“, der dritte Titel des Albums, ist eine Rocknummer, die ebenfalls mit schnelleren und langsameren Teilen aufwarten kann. Besonders hervorzuheben ist bei diesem Titel das „Scratchen“ von DJ Kilmore, welches bei diesem Song gut in das Lied eingebettet ist und einfach perfekt passt.

„Just A Phase“ ist eine ruhige Nummer, die mitunter sogar ein wenig schräg klingt und bei der jede Menge Streicher zum Einsatz kommen. „11 am“, im Anschluss daran, ist ebenfalls eher ein Lied der sanfteren Töne und wieder sehr melodisch, wohingegen „Blood On The Ground“ wieder sehr viel stärker rockt. Ein Höhepunkt wartet anschließend mit „Mexico“ auf den Hörer. Erneut eine eher stillere Nummer, dominiert durch die Akustik-Gitarre und den eindringlichen Gesang Brandon Boyds. Und um das Ganze rund zu machen, dürfen bei diesem Titel natürlich die Streicher in Form der Cellisten ebenfalls nicht fehlen.

„Warning“ stellt dann im Anschluss einen schönen Gegenpol dar. Beginnt das Stück zunächst noch verhalten, so steigert es sich im weiteren Verlauf immer mehr und wird zu einer groovenden Rocknummer, die dann allerdings auch immer wieder von ruhigeren Passagen durchzogen wird. „Echo“, Stück Nummer neun des Albums, ist ein Titel, der wieder ruhiger und fast ein wenig leicht schwebend wirkt, dafür allerdings auch ein wenig langweilig ist. Dafür kracht dann „Have You Ever“ sofort richtig los und reißt einen aus jedweder Lethargie – ohne dabei jedoch besonders gelungen oder besonders schlecht zu sein.

„Are You In?“ beginnt anschließend ein wenig sphärisch und wird dann fast ein schon ein bisschen poppig. Ein Eindruck, der wohl durch die Snare und den Gesang vermittelt wird. Dazu gesellt sich schließlich wieder das Scratchen Kilmores, was hier auch nicht so richtig zünden will. Wahrlich kein Highlight des Albums. Der vorletzte Track der Platte „Under My Umbrella“, ist dann eine deutlich härtere und treibendere Nummer, die immer wieder von Synthie-Pop-Klängen durchzogen wird, um schließlich erneut loszuschlagen. Mit „Aqueous Transmission“ wartet abschließend, ganz am Ende der Platte, noch ein weiterer Höhepunkt auf den Zuhörer. Das Stück ist knapp siebendreiviertel Minuten lang und auch wenn die letzte Minute nur noch aus Krötengequake besteht, so weiß das Stück trotzdem zu gefallen. Vielleicht liegt es an der Überraschung, die das Lied verursacht, denn es ist so ganz anders als alles andere auf dem Album oder von Incubus überhaupt. Sehr fernöstlich hört sich der Titel an und wirkt so unendlich relaxt und entspannt. Richtig gut gemacht.

Fazit: Ein sehr abwechslungsreiches Rock-Album haben Incubus mit „Morning View“ vorgelegt. Es gibt auf dem Album viele schöne Melodien zu entdecken und auch mitreißende Rocksongs, sowie Überraschungen, wie das letzte Lied der Platte. Nicht alle Titel des Albums können restlos überzeugen, trotzdem gibt es hier viel Interessantes zu entdecken und es macht immer wieder Spaß der Musik zu lauschen. Neun Punkte.

Anspieltipps: Nice To Know You, Mexico, Aqueous Transmission

Pink Floyd – The Piper At The Gates Of Dawn

Pink Floyd – The Piper At The Gates Of Dawn


Besetzung:

Syd Barrett – lead guitar and vocals
Nick Mason – drums
Richard Wright – organ, piano and vocals
Roger Waters – bass guitar and vocals


Label: EMI


Erscheinungsdatum: 1967, remastert 2007 und 2011


Stil: Psychedelic Rock


Trackliste:

1. Astronomy Dominé (4:12)
2. Lucifer Sam (3:07)
3. Matilda Mother (3:09)
4. Flaming (2:46)
5. Pow R. Toc H. (4:26)
6. Take Up Thy Stethoscope And Walk (3:06)
7. Interstellar Overdrive (9:40)
8. The Gnome (2:14)
9. Chapter 24 (3:42)
10. The Scarecrow (2:11)
11. Bike (3:24)

1967 erschien es also, das erste Pink Floyd Album, welches nach dem siebten Kapitel des Kinderbuchs „Der Wind in den Weiden“ von Kenneth Grahame benannt wurde. Für viele Pink Floyd Fans besitzt die Platte dabei Kult-Status. Das liegt zum einen an der Musik, die auf „The Piper At The Gates Of Dawn“ zu hören ist. Denn diese ist wahrlich anders, als alles, was bis hierhin auf Schallplatten gepresst wurde. Sicherlich waren auch die Beatles mit ihrer „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band“-Platte, die im selben Jahr erschien, psychedelisch. Allerdings nicht mit dieser, auf „The Piper“ zu hörenden, Konsequenz. Ein anderer Punkt, der diesen „Kult-Status“ begründet, ist wohl der Beitrag Syd Barretts zu diesem Album, der nach Fertigstellung der Platte die Band verließ. Er wurde aufgrund seiner Drogenprobleme und der daraus resultierenden Unzuverlässigkeit, einfach von den restlichen Bandmitgliedern nicht mehr zu gemeinsamen Auftritten abgeholt. Und nachdem David Gilmour, bereits bei der Einspielung des Albums, auf den Konzerten der Band als „Back-Up“ für Barrett fungierte, ersetzte er diesen an der Gitarre dann auch auf dem nächsten Album.

Für acht Kompositionen zeichnet sich Syd Barrett auf „The Piper At The Gates Of Dawn“ alleine verantwortlich. Zwei Stücke entstanden in Koproduktion mit den anderen drei Bandmitgliedern. Das sind die beiden Instrumentalstücke des Albums, „Pow R. Toc H.“ und „Interstellar Overdrive”. Während „Pow R. Toc H.“ bei allen „psychedelischen Einflüssen“ wie seltsamen Schreien, komischen Tönen und unerwarteten Klangkollagen allerdings immer noch recht eingängig klingt, so eröffnet sich „Interstellar Overdrive“ dem Hörer nicht unbedingt beim ersten Hören. Ich kann es auch durchaus nachvollziehen, wenn jemand diese Musik für abgefahren hält, denn das ist sie auch. „Interstellar Overdrive“ ist kein Stück zum „Nebenbei-Hören“, kein Lied für den CD-Player im Auto. „Interstellar Overdrive“ ist an vielen Stellen mehr Klangkollage als Lied, welche in keinster Weise eingängig ist. Man muss sich darauf einlassen und man muss lauschen können. Bis zur Veröffentlichung des Albums gab es solche Musik noch nicht auf Platte, deshalb wirklich etwas ganz Besonderes.

An einer Nummer auf der Platte war Syd Barrett nicht beteiligt, denn diese stammt aus der Feder Roger Waters‘. „Take Up Thy Stethoscope And Walk” heißt sie, ist ebenfalls sehr “psychedelisch” und zeigt allerdings auch, dass Roger Waters zu diesem frühen Zeitpunkt bezüglich des Songwritings noch einigen Spielraum nach oben hatte.

Die restlichen acht Stücke stammen alle, wie eingangs schon erwähnt, von Syd Barrett. So beginnt das Album mit einem Klassiker, der auch viele Jahre später noch auf Pink Floyd Konzerten zu hören sein sollte. „Astronomy Dominé” klingt bereits zu Beginn nach Weltraum. Der Mond war noch nicht von Menschen betreten worden, aber mit dieser Musik hätte man die Reise dorthin am Fernseher sehr schön untermalen können, auch wenn im Text mehr von den Planeten Jupiter, Saturn und Neptun, sowie den Uranus Monden Oberon und Miranda die Rede ist. Alles klingt sphärisch und immer wieder werden Sprachfetzen aus dem Kontrollzentrum des Raumschiffs eingeblendet. In diese Reise kann man sich durchaus reinversetzen.

Anschließend folgen mit „Lucifer Sam“, „Mathilda Mother“ und „Flaming“ drei Nummern, die schon sehr nach dem Pop der Sechziger klingen, auch wenn immer wieder diese psychedelischen Anwandlungen zu vernehmen sind. „Mathilda Mother“ hat dabei eine unglaublich eingängige Melodie, die das Stück zu einem wahren Ohrwurm lassen werden. Der Track „Flaming“ wiederum beginnt ganz ungewöhnlich mit Grollen und Pfeifen, entwickelt sich im weiteren Verlauf allerdings zu einem Stück, welches ein wenig wie ein Kinderlied klingt. Dazu wird ebenfalls eine sehr eingängige Melodie präsentiert, die angefüllt wird mit einigen „Nebengeräusche“ wie Klappern, Klingeln und Zischen.

Die letzten vier Stücke der Platte stammen ebenfalls von Syd Barrett. „The Gnome“ ist dabei wieder ein Pop-Lied, typisch für die Sechziger. Nette Melodie, nur ein klitzekleines bisschen psychedelisch. Sehr getragen und ruhig und wieder ein klein wenig mehr hin zur psychedelischen Schiene, wird es dann auf „Chapter 24“. „The Scarecrow“ lebt anschließend von den Klangeffekten. Hier klappert es überall, ansonsten ebenfalls ein Pop-Song, genau wie „The Bike“, mit dem das Album dann beschlossen wird. Das gilt bei letztem Titel allerdings nur bis zur Hälfte. Denn dann wird es wahrlich wirr und mit diesen „Geräuschen“, die auch mal nach schnatternden Enten klingen können, wird der Hörer schließlich aus dem Album entlassen.

Fazit: Etwas Besonderes ist „The Piper At The Gates Of Dawn“ auf jeden Fall. Zwar ist hier nicht alles “psychedelisch” und einiges dann doch ganz normaler Pop, allerdings schimmert sie immer wieder durch, diese Stimmung des “Neuen”, bisher “Ungehörten”. Dass dieses Album schon einige Jahre auf dem Buckel hat, merkt man ihm allerdings auch immer wieder an. Genau zwischen diesen zwei Polen bewegt sich die Musik auf dem ersten Pink Floyd Album, das manche Hörer, die nur die späteren Werke der Band kennen, sicherlich überraschen wird, für andere bereits den Höhepunkt des Schaffens von Pink Floyd darstellt. Dem kann ich mich allerdings nicht anschließen. Nicht schlecht und interessant, allerdings auch nicht überragend, zehn Punkte.

Anspieltipps: Astronomy Dominé, Matilda Mother, Flaming, Pow R. Toc H., Interstellar Overdrive

Dredg - Leitmotif

Dredg – Leitmotif


Besetzung:

Gavin Hayes – vocals, guitars
Mark Engles – guitars
Dino Campanella – percussion, piano
Drew Roulette – bass


Label: Universal Music GmbH


Erscheinungsdatum: 1998


Trackliste:

1. Movement I: 45°N, 180°W (4:23)
2. Lechium (1:01)
3. Movement II: Crosswind Minuet (6:24)
4. Traversing Through The Arctic Cold We Search For The Spirit Of Yuta (1:32)
5. -Intermission- (6:37)
6. Movement III: Lyndon (3:07)
7. Penguins In The Desert (4:13)
8. Movement IV: RR (2:59)
9. Yatahaze (3:44)
10. Movement V: 90 Hours Sleep (20:20)

Ein sehr abwechslungsreiches Debutalbum haben die vier Kalifornier 1998 mit Leitmotif vorgelegt. Im Booklet legen die vier Wert auf die Feststellung, dass alle Instrumente und Sounds real seien, also keine Samples verwendet wurden. Und so klingt das Album auch meist: frisch und natürlich.

Es befinden sich insgesamt zehn Tracks auf dem Album, von denen fünf instrumentale Stücke sind. Nur einmal überschreiten diese kurzen Einschübe die Länge von drei Minuten, nämlich im Stück Movement III: Lyndon. Alle fünf Instrumentalkompositionen wirken gelungen, wobei vor allem „Traversing Through The Arctic Cold We Search For The Spirit Of Yuta“ mit einer sehr schönen Pianosequenz glänzen kann. Bei „Movement III: Lyndon“ überzeugen die Gitarrenspuren, wohingegen „Movement IV: RR“ zunächst ein bisschen an Tool erinnert, bis die Melodie von einer Violine getragen wird.

Dredg sind auf diesem Album noch etwas härter, als auf den späteren Veröffentlichungen. Eingeleitet wird Leitmotif mit dem Stück „45°N, 180°W“, welches bereits ordentlich abrockt. Gefolgt wird es vom Instrumentalstück „Lechium“, einem kurzen Lied, dass vom Stil und der Instrumentierung her, auch noch direkt zum ersten Track passen würde. Es schließt sich „Movement II: Crosswind Minuet“ an, was zunächst durch seinen ansteigenden Charakter gefällt, bis es bei 1:43 zu einem richtigen Hard-Rock-Song wird. Das Lied ist klasse und lebt vor allem durch seine Stil- und Tempiwechsel.

Auch das Stück, -Intermission-, ist gelungen, zumindest zu Beginn. Sehr schön ist hier das Gitarrenspiel in Verbindung mit dem Gesang, der deutlich in den Hintergrund gemischt wurde. Das Lied ist zwar 6:37 lang, trotzdem ist es eigentlich nach knapp vier Minuten zu Ende. Dann hört man nämlich nur noch ein undefinierbares Gequatsche und ein nerviges Synthesizergedudel. Ich mag eigentlich experimentelle Sounds, aber mit diesem kann ich nur sehr wenig anfangen. „Penguins In The Desert“ ist das härteste Lied auf dem Album und weiß als Hardrock-Stück zu gefallen. Aber auch hier wird das Genre wieder nur bis 1:25 durchgezogen, dann gibt es wieder sphärische Töne, die dieses Mal aber durchaus Spaß machen können, zum Mitwippen animieren und ebenfalls ein wenig an Tool erinnern. Gegen Ende des Liedes wird dann wieder richtig abgerockt. Auch bei diesen „Pinguinen in der Wüste“ wird es einmal mehr klar, dass Dredg es lieben zwei Lieder in einem Titel zu verpacken. Aber irgendwie haben sie die Songs dann doch noch getrennt, denn „Movement IV: RR“, der nächste Titel, ist vom Sound, der Instrumentierung und der Stimmung her dem Mittelteil der „schwitzenden Pinguine“ angelehnt und variiert das erste Thema nur ein wenig.

Yatahaze, das letzte Stück mit Gesang ist wieder ein guter Hardrock-Track, verzerrte Gitarren, treibender Bass, genau das richtige Maß an Schlagzeugbegleitung sowie ein Gesang, der mal leiser aus den Boxen fließt, oder einem schreiend aus den Boxen anspringt.

Das letzte Lied des Albums, „Movement V: 90 Hours sleep“ ist mit einer Gesamtlaufzeit von 20 Minuten und 20 Sekunden angegeben. In Wahrheit ist es knapp 2:10 Minuten lang, dann folgt erst einmal Ruhe, bis es bei 9:10 weitergeht. Man kann zu Hidden Tracks stehen wie man will, was das hier aber soll, verschließt sich dem geneigten Hörer fast vollständig. Man hört nun wirre Stimmen, Geräusche, lang anhaltende Töne, einen Schlagzeugeinsatz, verzerrte Gitarren, Fluchen und so weiter. Offensichtlich handelt es sich bei diesem Hördokument um einen Tonstudiomitschnitt, der noch nachbearbeitet wurde und sich weder schön, noch intelligent, noch originell anhört. Oftmals vernimmt man ein paar Instrumente, den Gesang weit entfernt im Hintergrund und sphärische, schräge Klänge im Vordergrund. Und das Ganze muss noch nicht einmal zueinander passen. Diese Hidden-Track-Geschichte wird ja immer wieder gerne verwendet, seit es die CD als Datenträger gibt. Ich habe allerdings noch nie einen sinnloseren Abschluss für ein Album gehört als diesen. Man fragt sich nur, was das eigentlich soll? Gegen Ende ist der Synthesizer dann auch nur noch schrill und nervig. Hat wenig bis nichts mit Musik zu tun und auch Studioatmosphäre kann man hier nicht schnuppern. Einfach nur sinnlos das Ganze.

Und ich habe gerade gemerkt, dass ich über etwas absolut Sinnloses, die letzten 18 Minuten der CD, sehr viel geschrieben habe. Das war dann wohl mein ganz persönlicher, Rezensions-Hidden-Track ;-)

Fazit: Punkte 9! “Leitmotif” von Dredg ist nicht schlecht, allerdings auch nicht überragend.

Anspieltipps: Movement 2: Crosswind Minuet, Traversing Through The Arctic Cold We Search For The Spirit Of Yuta, Penguins In The Desert, Movement IV: RR

Blind Guardian - Memories Of A Time To Come

Blind Guardian - Memories Of A Time To Come

Denk ich an Krefeld in der Nacht, bin ich um den Schlaf gebracht. Na ja, so schlimm ist es auch nicht, aber mit Krefeld verbinde ich nur Bayer Uerdingen, die es schon lange nicht mehr gibt. Ansonsten….aehm, war da was außer der Nähe zu Holland?

Ja, da gibt es noch was aus Krefeld: Blind Guardian. Für mich die wohl beste Power Metal Band. Das ist Pompösrock, theatralisch, protzig, schnell, hart und einfach genial. Eigentlich bin ich ja kein Fan von so Fantasy Geschichten, von Unterwelten und Trollen, Elfen und sonstigen Zottelwesen, die da durch die Welten schlappen. Mit “Herr der Ringe” kann man mich jagen und mir gehörig den Tag verderben. Bei Blind Guardian stört mich das gar nicht. Die Krefelder treiben sich nun schon seit 25 Jahren inhaltlich in irgendwelchen Halb- und Schattenwelten umher und das unterlegt mit schnellen Riffs, Chorgesängen und einer stimmungsgewaltigen Atmosphäre. Da muß ich einfach hinhören, aufdrehen, mittrommeln. Nun also die Best-of Doppel-CD “Memories of a time to come”, ein brillanter Rückblick dieser Ausnahmeband. Und Blind Guardian haben mit ihrem Sound das geschafft, was sich viele deutsche Bands wünschen. Sie haben eine weltweite Fangemeinde hinter sich, Spielen auf den größten Festivals zwischen Tokio und Los Angeles und selbst hier in den Plattenläden der San Francisco Bay Area stehen die Alben von Blind Guardian ganz vorne im Regal.

“Memories of a time to come” ist ein tolles Album für Fans und Neulinge zugleich. Zugreifen!!!

Oomph – Monster

Oomph – Monster


Besetzung:

Dero Goi – Schlagzeug und Gesang
Andreas Crap – Gitarre und Keyboard
Robert Flux – Gitarre und Sampling


Label: Gun Records (Sony Music)


Erscheinungsdatum: 2008


Stil: Rock


Trackliste:

1. Beim ersten Mal tut's immer weh (4:01)
2. Labyrinth (4:13)
3. 6 Fuß tiefer (3:32)
4. Wer schön sein will muss leiden (3:04)
5. Die Leiter (3:50)
6. Lass mich raus (4:20)
7. Revolution (3:54)
8. Auf Kurs (3:35)
9. Bis zum Schluss (4:04)
10. In deinen Hüften (3:48)
11. Wach Auf! (3:30)
12. Geborn zu sterben (3:41)
13. Brich aus (3:40)

Die Band Oomph, die wie oben beschrieben nur aus drei Mitgliedern besteht, ist eine Synth Rock bis Metal Band vom Feinsten. Durch das Album Monster wurde die musikalische Linie der zwei letzten Alben fortgeführt und perfektioniert. Die Lieder des Albums eröffnen kaum die Chance, missverstanden zu werden.

Der Track „Wer schön sein will muss leiden“ zum Beispiel, handelt vom Schönheitswahn der Jugend, der ihnen zwar Schönheit bringen mag, aber jedoch auch eine Menge Schmerzen. Ein anderes Beispiel ist das Lied „Labyrinth“, welches von Leuten handelt, die nicht mehr weiter wissen und einfach keine Entscheidung treffen können. Alles in allem will die Band mit solchen Liedern auf die Missstände der jetzigen Gesellschaft hinweisen, und möglichst vielen klarmachen, was mit Kindern und Erwachsenen geschieht.

Sollte man sich das Album Monster kaufen, möchte ich besonders auf die Lieder „Wer schön sein will muss leiden“, „Labyrinth“, „Beim ersten Mal tut´s immer weh“ und „Bis zum Schluss“ aufmerksam machen, da diese, meiner Meinung nach, die besten sind. Das einzige Stück, welches ich nicht empfehlen kann, ist „Geborn zu sterben“.

Ich gebe dem Album elf Punkte.

The Verve – Urban Hymns

The Verve – Urban Hymnes


Besetzung:

Simon Jones – bass guitar
Peter Salisbury – drums
Richard Ashcroft – vocals, guitar
Nick McCabe – lead guitar
Simon Tong – guitar, keyboards


Label: Hut Recordings


Erscheinungsdatum: 1997


Stil: Brit Pop


Trackliste:

1. Bitter Sweet Symphony (5:58)
2. Sonnet (4:21)
3. The Rolling People (7:02)
4. The Drugs Don't Work (5:05)
5. Catching The Butterfly (6:27)
6. Neon Wilderness (2:38)
7. Space And Time (5:37)
8. Weeping Willow (4:50)
9. Lucky Man (4:53)
10. One Day (5:03)
11. This Time (3:51)
12. Velvet Morning (4:57)
13. Come On (15:15)

Sehr eingängigen Brit Pop präsentiert The Verve unter anderem auf ihrem Album „Urban Hymns“, aus dem Jahr 1997. Musik, die nicht lange Zeit benötigt, um ins Ohr zu gehen. Das fängt gleich beim ersten Stück „Bitter Sweet Symphony“, dem wohl bekanntesten Lied der Band aus Wigan, in der Nähe von Manchester, an. Es ist wahrlich fast eine Symphonie, die dort zu hören ist. Unterstützt durch das Andrew Oldham Orchestra wird hier ein unglaublich weicher und doch kraftvoller, eingängiger und interessanter Klangteppich erzeugt, der dieses Stück frei schweben lässt. Dieser wird durch die Violinen erzeugt, die eine kurze, sehr eingängige Melodie immer und immer wieder wiederholen. Leider hatten die Musiker um Richard Ashcroft jedoch finanziell nicht viel an dem Erfolg des Stücks, da sie die Tantiemen hierzu aufgrund eines verlorenen Rechtsstreits an die Rolling Stones abtreten mussten. Was bleibt ist eine sehr eingängige Nummer, die von den Violinen nahezu getragen und von The Verve klasse umgesetzt wird.

Auch der nächste Titel „Sonnet“ ist überaus ohrenkompatibel. Hier gibt zwar nicht ein Orchester den Weg vor, hier ist es die Gitarre, die eine wunderschöne Melodie entwickelt. Dazu Ashcrofts eindringlicher Gesang und fertig ist ein weiterer Höhepunkt des Albums. „The Rolling People“, Lied Nummer drei des Albums, wird eröffnet wie ein Rocksong Anfang der 70er Jahre. Eine Orgel ist da zu hören und ein sphärischer Sound entfaltet sich, der dann allerdings von der E-Gitarre getragen wird. Und auch wenn der Song nicht sofort ins Ohr geht, wie die beiden Vorgänger, so ist er doch eine klasse Nummer, die in ihren über sieben Minuten Länge nie Langeweile entstehen lässt. Gewundert hätte mich allerdings nicht, wenn sie auch wegen dieses Stücks einen Rechtsstreit verloren hätten, denn in dem Song gibt es eine Stelle, die fast schon unwirklich genau wie „The Four Horsemen“ von „Aphrodite’s Child“ klingt. Aber was auch hier bleibt: Ein richtig guter Song.

„The Drugs Don’t Work“ reiht sich dann in die Liste der ersten beiden Titel ein: Sehr eingängige Musik ist hier jetzt wieder zu hören, bei dem die Streicher wieder für die leicht melancholische bis sentimentale Stimmung sorgen. Und der Titel wurde ebenfalls ein Single-Hit. „Catching The Butterfly“ klingt dann manchmal ganz ähnlich wie „Radiohead“ auf „Ok Computer“. Völlig anders also, als die bisherigen Stücke des Albums. Eine nette Abwechslung, überzeugen kann das Stück allerdings nicht.

Und so geht es ein wenig weiter. Fast glaubt man, dass The Verve mit den ersten Stücken ihr Pulver auf „Urban Hymns“ schon verschossen haben. Die Lieder, die jetzt kommen sind auch nicht schlecht, allerdings erreichen sie nicht mehr die Klasse der Vorgänger. „Neon Wilderness“ ist sehr experimentell gehalten, zwar wieder Abwechslung, allerdings passt das Stück nicht so richtig zum Rest der Platte. „Space And Time“ ist anschließend wieder deutlich melodiöser ohne jedoch so richtig begeistern zu können. Selbiges gilt für „Weeping Willow“. Wie gesagt, dies sind alles keine schlechten Lieder, aber irgendwie klingt jetzt alles ein wenig glatt, Mainstream Pop eben.

Bei „Lucky Man“ haben die Streicher erneut ihren Auftritt und jetzt wird es wieder sehr viel melodiöser und eingängiger. Jetzt bewegt sich The Verve wieder auf dem Niveau der Ohrwürmer zu Beginn des Albums. Eine richtig gute Nummer. Das nachfolgende Stück „One Day“ klingt ein bisschen zu sehr nach Schmalz. Und damit sind sowohl die Musik, wie auch der Text gemeint. „This Time“ ist anschließend wieder ein wenig flotter, mit fast funkigen Ansätzen. „Velvet Morning“ klingt deutlich verträumter und auch ein bisschen langweiliger. Bliebe noch „Come On“. Das Lied ist natürlich keine 15 Minuten lang, sondern wieder mit einem „Hidden Track“ versehen, wie so oft bei Alben Ende der 90er Jahre. Das Stück läuft allerdings auch ohne Stille sechseinhalb Minuten und ist ein etwas härterer Titel. Dabei wissen die Wah-Wah-Effekte der Gitarre durchaus zu gefallen. Ganz am Ende, bei dem „Hidden Track“, handelt es sich um Sphäre pur, in die ein etwas bearbeitetes Babygeschrei eingebaut wurde.

Fazit: „Urban Hymns“ hat seine Stärke deutlich mehr in der ersten Hälfte des Albums. Dort gibt es mehrere richtig gute Songs zu hören, die sofort ins Ohr gehen. Der ganze Rest ist nicht schlecht, allerdings auch nicht mehr als Durchschnitt. Was bleibt ist trotzdem ein gutes Pop Album mit zehn Punkten.

Anspieltipps: Bitter Sweet Symphony, Sonnet, The Rolling People, The Drugs Don't Work, Lucky Man